自画自賛になってしまうのだが、昨日の演奏会に限らず、サークルの練習会などでも、僕の演奏を聴いて「音楽的」と言ってくれる人は多い。「どんな練習をしているの?」という質問も多い。「どのようにしたらそう弾けるの?」とも・・・この部分に対しては僕の中で明確な答えがある。それは僕が音楽的才能に満ち溢れているからではない。それは「歌を聴いてきた」ということに尽きると思う。僕にとってはピアノを弾くということは、どこか「ピアノで歌う」的な願望があって、歌を追い求めているところがある。残念なことに、僕の子ども時代のピアノレッスンというものは、どこか上手くいかなかった。仮に、教材がサクサクと進んでという意味において、上手くいっていたとしたら・・・と思うことがある。先生に新しい曲を渡されて、楽譜を懸命に音にして、弾けるようにして、先生の注意を守ってというピアノレッスンを続けていたら・・・と。ピアノって鍵盤を押せば音が鳴るから簡単といえば簡単。そこが落とし穴となるような気がする。音だしそのものは簡単だけれど、楽譜は複雑。両手の動きがあって忙しい・・・この部分で「楽譜を一生懸命に音にしていく」という行為が、どこか「ピアノを弾く」ということになってしまうところがあるのでは?子ども時代のピアノ道が、上手くいかなかったのは残念なことではあるけれど、でもそのおかげで僕の場合は「ピアノで歌う」ということを全うできたのかもしれないなどと思う。小学2年生までは、僕は「ピアノを練習しない、ただの困ったちゃん」だった。そのままピアノを習っていても辞めていただろうとは思う。その時に辞めていたら、現在でもピアノなんか絶対に弾いていなかったとも思う。転機は小学3年生の時だった。その時にいろいろと音楽のシャワーを浴びたのだ。導いてくれた医大生の影響も大きい。彼とピアノも聴いたけれど、やはりオペラや歌曲を聴くことが多かった。8歳の時にオペラの全曲盤を聴いた。DVDなんて当時はなかった。医大生の説明つきで聴いたのだ。ニコライ・ゲッダの歌曲をレコードで聴いた。僕はピアノではなく、歌から音楽に入ったのだ。8歳の時、生まれて初めて生の演奏会を聴いた。その医大生に連れられて、渋谷のNHKホールに行った。フランコ・コレッリの演奏会だった。彼のことは僕は全く知らなかったし、有名なテノールのアリアも沢山歌ったのだと思うけれど、正直、この部分は記憶にない。コレッリの演奏会はオーケストラ伴奏だったけれど、アンコールになるとピアノが舞台に運ばれ、コレッリはピアノ伴奏でアンコールを沢山歌ってくれた。この方式は変わったものだと思うけれど、コレッリならではのファンサービスだったのだと思う。彼はいつもこの方式でアンコールを歌うのが通例となっていたらしい・・・このピアノ伴奏のアンコールの時、なんと表現したらいいのだろう、コレッリの歌、声がハラハラと僕の内部に入ってきたのだ。彼の音の伸ばし方、ポルタメント、跳躍の際の音の扱い方、息遣い・・・このようなものすべてが僕の内面に入ってきた。僕の中の何かが動いた。無意識に「これだ・・・」と感じた。それ以後、コレッリのレコード特に集めたりということはなかったけれど、その時の彼の歌というものは、僕の中に入り込み、現在の僕のピアノを支えていると思う。僕の演奏、音楽表現は、どこか濃いというか、どこか濃厚なところがあると自分では思うけれど、それは8歳の時に聴いたコレッリの影響なのだと思う。彼の歌が僕のピアノ表現を形作っていると言ってもいいと思う。昨日の演奏会を終え、改めて8歳の時、41年前に聴いたコレッリの歌唱の影響の大きさというものに驚いたりしている。僕はピアノが上手くなりたい・・・というよりは、ピアノでコレッリのような表現をしたいのだ。昨日はピアチェーレの演奏会。自分の演奏はともかく、無事終了。聴きに来て下さった方々、本当にありがとうございました。海外を含め、演奏会まで励ましてくれた友人たち、ありがとう。自分の演奏に対して、思うことは多々あるけれど、トークを交えて演奏するという僕にとっての初の試み、この部分は「やってよかった」と思う。演奏直後は「もう絶対にトークと演奏は一緒にやらない」なんて思ったけれど。難しいところはトークを交えると、演奏に集中するのが極めて大変だということ。ピアノを弾くということと、人前で話すということは、脳の異なる部分を使うのだろうか?正直、ただピアノを弾き続ける方が100倍楽だとは思った。プログラムに印刷するよりは、直接伝えたかったことも昨日の曲には多かった。初の試みでもあったので、上手くいかないこともあって当然なのかもしれない。演奏そのものは、初めに書いたように、思うところは沢山ある。昨日は演奏中に、もう一人の自分が囁くのが聴こえた。「このまま心の思うままに弾いてしまえ」という声。「こうすればいいのでは?やってみろよ」という声も聴こえた。(実際に聴こえたということではないが)それに対して、やはり無難に弾き終えたい、安全運転せよと囁く自分もいた。その声は無視して弾いた。少なくとも、練習の時と同じように弾けますように・・・という思いは打ち消してしまったし、練習の時とは異なる演奏になったと思う。心の声に従って良かったと思うが、その声についていける技量が伴えばさらに良かったのだとも思う。このところは、やはり自分は専門的な教育を受けていない、幼少の頃から訓練を積み重ねていない・・・という劣等感のようなものにつながっていく。演奏が終わるといつも思うことだ。「伝わった」という満足感と「基礎が足りない」という劣等感・・・これがいつも弾き終えた時にはある。本番の演奏中に「心の声」に従ったということ、これは師事している先生の教え方というものもあったと思う。普通、ピアノの先生は生徒の楽譜に書き込みをするのが普通なのではないかと思う。僕の先生は一切書き込まない。これは日本で定期的に習っている先生もそうだし、海外でピアニストにレッスンを受ける時もそうだ。この「楽譜に書き込まない」というところは一致している。「指示を守って弾くということは、厳密には演奏ではなくなる・・・」ということなのだそうだ。来年の11月に第3回ピアチェーレ演奏会を予定している。会場は今年と同様に雑司ヶ谷音楽堂。会場押さえてしまったので、やるしかない。4△top本番前日に・・・いよいよ明日が本番。本当は呑気にブログなどを書いている場合ではないのかもしれないが、本番前日の心境などを残しておくのもいいだろうとも思う。明日は弾けるだろうかとか、あの部分はミスをしないだろうかとか、練習の時と同じように、あまり緊張しないで弾けるだろうか・・・とか、普通に心配している。同時に、なぜか「表現したい」という欲求が強いことも感じる。この感情は自分でも驚くほどだ。明日演奏する曲の中に、「ウィーン、我が夢の街」という曲がある。作詞、そして作曲をしたのは、ルドルフ・ジーツィンスキーという人。この人はアマチュアの作曲家だった。本職はお役人さんだったみたいだ。定年まできちんと勤め上げ、生涯を役人として過ごした人。このような曲を「趣味で!」残している。音楽として湧き上がるものがあるのならば、それはアマチュアの作だろうと「音楽なのだ」と僕は思う。その想いが明日は伝わればいいと思う。このヴィーナーリートをピアノに直して弾こうと思い立ったのは、ドイツのバリトン歌手、ヘルマン・プライの歌を聴いたからだ。数あるこの曲の名唱の中でも、プライの歌唱は、最も甘美な演奏なのではないかと思う。甘美・・・それは美しくもあり、同時に、甘美さは哀しさにもつながる・・・この僕の想いを明日は表現できればいいと思う。いう憧れの部分、この部分を僕は受け継ぎたい、この想いを。明日は共有したい・・・たくさんのメールを頂いています。ありがとうございます。お返事は遠慮しますというメールばかりで、心遣いに感謝しているし、それに甘えてしまっているけれど、とにかく明日が終わってから返信していきたいと思う。0△top静かに暮らした人・・・グアスタビーノのピアノ曲は、あまり知られていない。生涯も知られていない。2000年まで生きた人だ。最近まで生きていた人なんだなぁ・・・などと思う。激動の人生というわけではなかったようだ。ナザレのように神経を病み、音が聴こえなくなり、森の中で遺体が発見される・・・というような人生ではなかった。90歳近くまで長生きした人だ。生涯独身であったという。静かに暮らしていた人・・・そのように感じる。グアスタビーノは音楽溢れる家庭で育ったようだ。ピアノも習うけれど、大学では化学を専攻した。音楽家としての人生を歩むことになる。それなりに外国でも演奏し、全くアルゼンチンの外に出なかったわけではないようだが、どこか「アルゼンチンで密やかに暮らした」というイメージがグアスタビーノにはある。それは彼の作風からくる印象なのだろうか?晩年は生まれ故郷のサンタフェに戻るけれど、彼はずっとブエノスアイレスで暮らしていた。独身だったので、一人暮らしだったのだろう。貧しい生活ではなかったのかもしれないが、どこか質素な生活だったように感じる。彼のアパートは32平米だったそうだ。32平米というと、畳20畳に満たない広さだ。日本の感覚だと1DKという感じだろうか?キッチンと寝室だけのアパートという感覚でいいのだろうと思う。彼のピアノは古いアップライトピアノだったそうだ。生涯そのピアノを弾き、そのピアノで作曲した。そのアップライトピアノにはハンマーにパッドが装着されていて、つまりミュートの状態でいつも弾いていたらしい。僕はグアスタビーノがピカピカのスタインウェイを弾いていなかった・・・という事実に驚くばかりだ。彼のピアノ曲では「バイレシート」という曲が比較的演奏される機会があるのだと思う。個人的にはグアスタビーノのピアノ曲では10曲のカンティレーナという曲集が好きだ。どの曲も素晴らしいが、僕は5曲目の「アベラルダ・オルモス」という曲が大好きだ。アベラルダ・オルモスとは変わった題名だが、実在した人物の名前だ。グアスタビーノの小学校時代の先生の名前なのだそうだ。その先生のことをとても尊敬していたのだろう。静かに暮らしたグアスタビーノそのもの・・・という曲のようにも感じるし、グアスタビーノはとても強い人だったとも感じる。0△topロマンへ逆行した人アルゼンチンとピアノ・・・まず多くの人が連想するのがピアニスト、マルタ・アルゲリッチなのではないだろうかと思う。作曲家としてはヒナステラを連想する人もいると思う。ピアソラもアルゼンチンの人だけれど、彼は「ピアノ」という枠では考えにくいところもあったりする。最近は少しだけ注目されるようにはなってきたのだろうか?でもまだまだ演奏される回数は少ないと思う。声楽曲とピアノ曲が多いのだという。声楽の世界では以前から、少しは名の知れた存在であったようだ。「バラと柳」という歌曲は演奏される機会が多かった。この曲は、美しいメロディーに満ち溢れたグアスタビーノの曲の中でも、傑出した「美・メロディー」の曲と言う感想を個人的には持つ。歌曲「バラと柳」を聴くと、グアスタビーノが20世紀の作曲家とはとても思えないほどだ。彼は没後まだ14年にしかならない作曲家なのだ。ほとんど現代の作曲家と言っていいだろうと思う。これからの時代、グアスタビーノの曲は演奏されていくようになるだろうと僕は予想している。グアスタビーノはロマンの時代へ逆行した人だからだ。今、世の中もロマンの時代へ戻ろうとしているように思う。革新的で刺激的なものから、美しいもの、ロマン溢れるものへ・・・と。演奏会の3日前なので、さすがに落ち着かない。胸が熱くなるような緊張感を感じたりする。友人の紹介で知り合い、その後もつきあいのあるパウロという歌手は僕に言った。このブログでも少し前にパウロのことは書いたと思う。「そんなに自分のことを素人、素人と言うな」と僕に言ったパウロだ。したら、ミュージカルに詳しい人は彼のことを知っている人もいるかもしれない。彼の名前はパウロ・ショットという。ブラジル生まれのパウロは、歌が好きで、幼い頃から歌手になりたかったという。サンパウロで歌の勉強をし、そして両親の故郷でもあるポーランドでさらに歌の勉強をした。彼は、自分の歌人生の中で、最も辛かったのは、このニューヨーク時代だったという。オペラの舞台に立ちたくて、そしてオペラを歌いたくてニューヨークにやってきたものの、ポーランド系ブラジル人であるパウロに歌う機会はなかなかやってこなかった。彼はメトロポリタン歌劇場のカバー歌手を長い間していたことがある。本キャストが急病などで降板した時、代役として舞台で歌う歌手のことだ。カバー歌手は稽古にも出て、もちろん暗譜をし、いつでも舞台に立てる用意がなくてはならない。実際にはメトの舞台で歌えることはまずない。どんなに勉強をし、練習を積み重ね、完璧に近い状態にまで仕上げ、そして体調を整えて本番の日をむかえても、一声も出さずに家に帰るのが普通だ。パウロはこう思ったのだそうだ。「僕にも表現させてください。歌えるためだったらなんでもやります。表現できるのだったらなんでもします。お願いします・・・表現させてください!」パンを買うお金さえなくても辛くはなかったという。練習を重ね、そして音楽に浸り、表現したいという爆発するような想いを発散できなかったこと、これがとても辛かったという。パウロにチャンスがやってきた。ミュージカルの仕事がきたのだ。パウロはオペラ、そしてクラシック音楽を専門に勉強してきたので、ミュージカルの経験はない。舞台で歌えること、聴いている人がいる空間で歌えるということが何よりも至福に思えたという。パウロは「南太平洋」というミュージカルに主演した。トニー賞の最優秀主演男優賞を獲得した。このトニー賞受賞により、オペラの仕事も少しずつ入ってくるようになってきたという。「自分を表現できる機会なんていつでもあるものではないんだ。表現したいのにできない・・・これほど辛いことはないんだよ。表現することだけを考えればいいと思う。2△topあやまちグアスタビーノの歌曲に「鳩のあやまち」という曲がある。グアスタビーノの曲は歌曲であれピアノ曲であれ、実に美しく、そして実に切ないメロディーの曲が多い。この「鳩のあやまち」は、どちらかといえば、素朴なメロディーなのだと思うけれど、この曲の歌詞に惹かれる。考えてみれば、作曲家が歌曲を作曲する場合は、詩が先に存在していることがほとんどだと思うので、詩の内容というものが作り手に大きな影響を与えているのではないだろうか。ピアノの場合だと「本場の音」というものは、あまり考えたくはないのだが、声楽となると、言語というものが演奏する際に大きな影響を与えてしまうのではないだろうかと思う。日本の一般的な音大生の声楽専攻の学生にとっては、たとえばロシア歌曲やスペイン歌曲となると、言葉というものが大きなハードルとなるのではないかと想像する。グアスタビーノはアルゼンチンの作曲家なので、歌曲の言語はスペイン語となる。スペイン人の歌手にとってと、日本人の歌手にとってのグアスタビーノ歌曲は、どこか取り組みやすさという点では違いが出てきてくることもあるのではないだろうか?このあたりは器楽奏者にはない問題となってくるように思う。ホセ・クーラはアルゼンチン人だからグアスタビーノ歌曲が上手いのね・・・でも、「そう」とも言い切りたくはない気もするが・・・この「鳩のあやまち」という歌曲の歌詞、とても不思議な歌詞だ。なんだか僕の人生そのもの・・・という歌詞のような気がする。きみの上着ときみの心を自分の巣だとまちがえてしまった鳩は岸辺で眠りについたうーん、やはりこの詩は僕の人生そのものだ。0△top本場の音ナザレの曲を見事に演奏していたのはアルトゥール・モレイラ=リマというピアニストだ。ラテンのピアノ曲が好きでよく聴く人なら、このピアニストのことは知っているのではないかと思う。このピアニストはブラジルのピアニストだ。南米の曲は、民族的な匂いが強烈な気もする。この民族的な部分を真に再現できるのは、その民族だけ、つまり本場の人間だけ・・・という考えもあるのだろう。基本的に、僕個人としては、このような「本場の人ならでは・・・」という考えは好きではない。ブラジルの作曲家の作品は、モレイラ=リマのような本場のピアニストにはかなわない・・・とか、ショパンのマズルカを本当の意味で正しく理解できるのはポーランドのピアニストのみだ・・・のような考え。そのような考えが正しいとしたら、我々日本人はどうしたらいいのだろう?日本人ピアニストが真の意味で本領を発揮できるプログラムはタケミツなどの作品や日本民謡の編曲メドレーである・・・たとえば、外国人がこのように言ったとしたら、日本人としてはかなり違和感を感じるのではないだろうか?日本ではあまり一般的ではないモレイラ=リマだけれど、この人はショパンコンクールで第2位になっている。アルゲリッチが1位になった時の2位がモレイラ=リマ。この年のショパンコンクールは1位、2位と(ショパンの本場ではない?)南米勢が上位を占め話題になったという。「本場の音」「本場の演奏」というものを信じたくはないのだけれど、モレイラ=リマの南米ピアノ曲の演奏は、やはり見事だ。2△top陽気な哀しみエルネスト・ナザレの作品は、どこか特殊なレパートリーとされてしまうラテンの作品の中では演奏される機会が多いのではないかと思う。アマチュアがサークルの会で弾いたりとか、子どもがピアノの発表会で弾いたりとか、そのような感じなのではないかとも思う。躍動感溢れる曲が多く、旋律もとてもキャッチ―、つまり、とても聴きやすい曲が多い。それほど演奏困難というか、楽譜が音符で真っ黒という至難さがはナザレの曲にはないので発表会などでは演奏される機会も多いのだと思う。ナザレの曲は、聴いた感じでは「凝っていない」という感じがする。どの曲もABAという感じで、中間部をはさみ最初の旋律が戻ってくるという形の曲ばかりだ。プロの演奏家にとってはリサイタルで弾きにくいのだろう。大きなホールで演奏されるよりは、サロン的な場所で演奏されるほうが似合うのがナザレ。演奏会というものの形態が変化してくればナザレの諸作品が演奏される機会も増えてくるのかもしれない。シンプルであるからこそ「ブラジルの魂」そのものといった感じがする。ナザレは留学どころか、音楽院で本格的に学んだ経験のある作曲家ではない。「魂」というものを直接感じるような気がする。躍動感のあるリズム、踊りたくなるような旋律に彩られているけれど、一瞬、サウダージというものを感じる、そんなところがナザレの魅力なのかもしれないが、現在知られているナザレの曲は一部なのだと言う。楽譜として残っていなかったり、残っていても不完全であったりとか、ナザレの全貌は見えていない。作品そのものもそうだが、ナザレの生涯というものも以外と知られていない。映画館で弾いたりとか、楽器店で弾いたりとか、昔はオーディオ装置などもなかったから、そのような場所で演奏していた。ナザレの曲は当時からとても人気があったそうだ。最愛の妻や娘を亡くした頃からナザレは鬱病となってしまったようだ。僕は徐々に音が聴こえなくなってくるという状態がナザレには辛すぎたのではないかと感じる。最後には完全に聴覚を失ってしまったとも言われている。神経を冒され、そのような患者を保護する施設で晩年は暮らすようになった。ある日「家に帰る」と言い残し施設を出てしまった。森の中で亡くなっているのが発見された。滝壺の中で亡くなっていたとも、滝のそばの河で亡くなっていたとも言われている。溺死・・・であったようだ。明るい太陽、ブラジルの陽光のような曲が多いナザレの曲、そしてそのような曲の演奏機会が多いが、中にはこのような曲もある。2△top忘却の木ヒナステラのピアノ曲はあまり聴かないなぁ・・・ピアノ・ソナタとかアルゼンチン舞曲ぐらい?なんとなくリズムが強烈という印象がヒナステラにはある。「ミロンガ」という2ページの小品があり、この曲はバリバリリズム系という感じではなく、どこか憂いがあって好きな曲だった。実は知らなかったのだけれど、この曲、もともとは歌の曲だったのだ。「忘却の木」という比較的ヒナステラの初期の歌曲をヒナステラ自身がピアノに編曲したのが「ミロンガ」というピアノ曲だったのだ。歌曲「忘却の木」は歌詞が、いかにもサウダージという感じがする。この歌詞にこのような旋律をつけるヒナステラも凄いよなぁ・・・と思う。あとは、歌っているホセ・クーラ、彼はやはりオペラよりも、このような歌曲がいいと個人的には思う。彼はアルゼンチンの歌手だからヒナステラには愛着もあるのだろう。アネーロ〜切望(1998/07/25)クーラ(ホセ)商品詳細を見るこのアルバムは、ホセ・クーラの故郷の歌、つまりアルゼンチンの歌曲ばかりを集めたもの。クーラは、編曲や指揮までやっている。彼はアルバムのタイトルを「アネーロ」とした。アネーロとは、クーラによれば、「息苦しいほど、痛いほどに激しい希望、そして憧れ・・・」という意味なのだそうだ。Cura商品詳細を見る本番までもうすぐなので、やはり落ち着かない。先生は「不安を打ち消すことを目的とした練習をしてはいけない」と言うけれど、練習の目的は、そこなのでは・・・とさえ今は感じる。完璧に音を並べようとしても無駄なのだ。そこを追い求めてはいけない。「サウダージ」を追い求めたい。サウダージ・・・このポルトガル語は訳すのが困難な言葉なのだそうだ。郷愁、思慕、切なさ、憧れ・・・なぜピアノを弾くのか、それは「サウダージ」というものに自身が包まれたいから・・・かつては身が焼けつくほどの痛みを感じた。今ではその痛みもセピア色になってしまっている。想い出すこともないほどだが、でも想い出してしまえば、やはり今でも微かな切なさ、苦しみを感じるのだ。それが僕にとってのサウダージ・・・だろうか。この曲は「どんなに愛していたことか」というボレロだ。ボレロとは、南米のスローなバラード、歌謡曲全般のことと言っていいのだと思う。この典型的なボレロを聴くと、サウダージというものを感じる。共有したいと思うんだ。この痛み、切なさをね・・・だから人前で演奏するんだ・・・アルマンド・マンサネーロって、僕は「アドロ」くらいしか知らなかったけれど、こんなに切ない曲も書いているんだ。歌っているのはオペラ歌手のホセ・クーラ。彼も南米出身の歌手なので、この種のボレロは上手いなと思う。0△top30年後のピアノレッスン以前にこのようなメールを頂いたことがある。「私はずっとピアノを弾いてきましたが、正直音楽から感動をした経験がないのです。いい曲だなとか、上手い演奏だな・・・とは感じることはありますが、心が揺さぶられるとか、涙がとまらないとか、そのような感情を音楽から受けたことはありません。ピアノは嫌いではないと思いますが、それは練習すべきものであり、そのような対象であったのだと思います。幼い頃から練習はしてきて、ピアノって練習するものというか・・・そんな感じでした。音大を卒業してピアノを教えるようになって、でも自分は本当に音楽が好きなんだろうかと疑問に思うこともあります。本当は練習して曲が弾けるようになることが好きだったのかなとも思います。頂いたメールの文章そのままではないけれど、このような内容ではあったと思う。僕はこのメールには答えることができないと思っている。答えられる人なんているのだろうか?そもそも感動することとか、心の揺さぶられるような体験というものは、誰かに教えてもらうものでもないような気がする。ある意味、このピアノの先生のように、大きな心の動きのような感情が音楽に対してなくても、物心つかない頃から真面目にピアノの練習をして、そして真面目な性格であるがゆえに、きちんと練習し、その結果ピアノも上達して・・・というケースもあろうかと思う。課題をこなし、それが習慣化してくる。ピアノの練習には不可欠なものだと思うし、ここに耐性がなければ、やはりピアノは上達はしないと思う。ここは危険なところでもあるのかもしれない。昨今のピアノ教育は、どうも「楽しくレッスンいたしましょう」的な色合いが濃いように思う。楽しくないよりは楽しいほうがいいけれど、それだけではピアノは上達しないという難しい側面もある。指導法ノウハウ、教材について・・・ここもとても大切なところなんだと思う。「生徒が辞めないための楽しさ」というところに重点が行き過ぎていないだろうかとは思う。この方向性に傾くのは、よく言われるように少子化ということもあるのだと思う。ピアノの先生の生徒数、むろん多い先生もいるだろうが、平均すると一人数人・・・ということになるのだそうだ。厳密な統計ではないだろうが、なんとなくそんな感じにはなるのかなと僕も思う。一人数人という生徒数だと、もはや職業として成り立たない。「楽しい」という方向性に傾くのは、生徒数減少ということの他に、もう一つ要因があるような気がしている。それは先生方が自分の修業時代を全肯定していないのではないかというところだ。ピアノの先生たちは基本的にとても真面目な人たちという印象があるので、おそらく幼い頃からきちんと練習して、課題をこなしてきたのであろうと想像する。(だから?)残念なことに、修業時代は楽しいという思い出よりも、どこか辛かったという印象をも持ってしまっているのではないだろうかと。先生も厳しかっただろうし、音大に入学までも大変だっただろうし、心のどこかで「自分の生徒には自分の受けたピアノ教育を繰り返してはいけない」のような感情もあるのでは?それが新しい指導法に発展し・・・といけばいいのだろうけれど、いささか「楽しい」に流れすぎのような?そうなると「弾けない生徒」というものが出てきてしまうのでは?ピアノって弾けないと楽しくないから、弾けるようにならないと生徒は辞めてしまうのでは?ここが難しいところだ。「練習しなさーい!」とうるさく、そして厳しく注意し、レッスンでは仁王立ち、家でも親が厳しく叱責し、泣きながらピアノに向かう。「ピアノなんて大嫌い!」となっていく・・・そうではなく、楽しいレッスン・・・でも「弾けなくては・・・」ここをどう結びつけるかが、これからのピアノ教育の課題となっていくのではないかとも個人的には思う。ここで一般人的というか、素人的な考えなのだが、これほどセミナーというものが盛んで、教材もワンサカ増えて、昔とは違ってきているのだから、そろそろ数字的な成果が出ているべき時期なのだと思う。高度経済成長期とは生徒数は減少していて当然だとしても、小学生で辞めてしまう・・・という現象は昔と異なり著しく減少していなければいけないと・・・つまり「辞めます」という割合の変化は出てきていて当然なのではないかと・・・そうなっているだろうか?昔はチェルニー、ソナチネと教材そのものに幅がなかった。ネットなどもなく、どこかピアノ教室というものは密室性があった。他の先生はどうしているのだろう・・・という思いが各先生にあったのではないかと思う。ネットの普及、様々な教材の出現、その結果としてセミナーの普及、先生方の情報交換・・・もし先生方の心の中のどこかに「自分の受けたピアノ教育」「子どもの頃のレッスン」というものを否定する気持ちがあるのだとしたら?「ピアニストになるわけではない。「今の子たちに自分の受けたような指導をしても逃げてしまうから・・・」なので「楽しいレッスン」という方向にダーッと流れてしまう。これからの時代のレッスンは、「楽しい」つまり「ワッ♥」「キャッ♥」という感じの方向性というよりは、最も教えるということの困難であろう「心が動く」「心が揺さぶられる」というものを生徒にどのように伝えていくかということが焦点となっていくように僕は思う。子どもだけではなく大人だって(僕だけか?)今やっていること、つまり練習というものの最終目的というものが見えていなければ、練習なんかしない。練習そのものが快感という人は特殊なのだと僕は思う。いうものが実感できていなかったら練習は苦痛だ。「苦痛を取り除いてあげましょう。オブラートに包んで感じないように楽しくいたしましょう」ではなく、退屈、時には苦痛の先にあるもの、そこにあるものを伝えられれば・・・それは「憧れの曲が弾けた」とか「上手に弾けた」だけではないのだと僕は思う。それだけでも嬉しいものだが、それだけでは練習する動機としては乏しい。いうか、続かない・・・では到達点、そしてそもそも練習とか精進をする動機となるものは?ロベルト・アラーニャは10歳の時にルイス・マリアーノの歌と出逢った。母親が、いきなりテレビの前にテープレコーダーを用意してカセットテープに録音をしようとしたのだ。その番組はルイス・マリアーノが出演する映画だった。彼は「映画の音楽をそんなことまでして録音するの?」と思ったのだそうだ。映画の中でルイス・マリアーノが歌った曲は少年であったロベルトも知っている曲ばかりだった。父親や叔父が好きで歌っていた曲だったからだ。シチリアからの移民である彼らは、とても歌うことが好きで、年中歌っていたらしい・・・そしてロベルトはルイス・マリアーノに夢中になった。「歌だけでこんなに人の心を動かせるなんて・・・」その時からテレビドラマや映画の中のヒーローと同じ位置をマリアーノがロベルト少年の心の中で占めるようになった。「なんて素敵な声なんだろう?なんて素晴らしい歌手なんだろう?こんな人がいたなんて・・・歌というものがこんなに心を揺さぶるなんて・・・こんなことって・・・」この部分、最も「こうしなさい」「~を聴きなさい」というだけでは伝わらない難しい部分、ここをどのように伝承するかという「ノウハウ」がこれからは求められていくのではないかと個人的には思う。4△topルーツロベルト・アリャーニャというオペラ歌手は「スター」なのだと思う。スターなので、自分の歌いたい役は歌ってしまう。僕はそんなところが苦手だ。彼の声はリリカルな感じがして、とてもヴェルディ・ヴォイスのようには思えない。アルフレードあたりならまだしも、ラダメスやマンリーコなどのような役柄は彼の声には重すぎるのではないかと感じる。そんな「ちょっと苦手かな・・・」というアラーニャなのだけれど、いわゆるポップス系というか、クラシックのオペラではない曲を歌った時には、「スター」ではなく「歌手」という感じがして、そんなアラーニャはとても好きだ。商品詳細を見るオペラ歌手がポップス系の曲を歌うということは、別に珍しいことではないけれど、アラーニャのこの種の曲の歌い方は、どこか曲に対するリスペクトを感じるのだ。僕のお気に入りは、ルイス・マリアーノのヒット曲を歌ったアルバム。アラーニャはオペラ界のスターなのだけれど、意外なことに、いわゆるエリート街道出身歌手ではないのだ。有名音楽院を卒業してとか、そのような経歴ではない。彼の両親はシチリアからの移民。いわゆる「シシリアン」と呼ばれる移民だ。アラーニャはパリ近郊のクリシ―=ス=ボワという地区で育った。パリのことに詳しい人なら、この地区の名前を聞いて、「あっ、そうなの?あのあたりなの?」と意外と思うのではないかと思う。移民が多く、割と治安も良くない、裕福とはいえないような、あまり日本人が近づいてはいけないような、そんな地区なのだ。アラーニャが初めて人前で歌を歌ったのは、ピザ店だったそうだ。以後、ナイトクラブなどで歌う生活となる。夜中から朝にかけての仕事・・・ということになる。学校に行っていたのだろうか?アラーニャのポップス、どこか曲へのリスペクトを感じるのは、それは「余興」として歌っているからではなく、この種の歌が彼のルーツだからなのだと思う。ナイトクラブ時代に歌っていた重要なレパートリーだったのだ。ナイトクラブとかキャバレーで歌う、基本的には飲み食いをしている客を相手に歌うわけだから、誰も彼の歌になんか注目していない。そのような状況で、いかに自分の歌に注目を集めるのか、そこを彼は研究したのだという。ナイトクラブがアラーニャにとっての音楽学校であったのだ。本格的にクラシックの勉強を始めたのは、彼が17歳の時。当時の先生に「君はいい声を持っている。本物のテノールになれる。今の仕事を辞められるかね?煙草も酒もやめられるかね?」と言われ、歌手を目指すようになった。楽ではなかったはずだ。彼はその修業時代を「僕の人生の中で最も美しい日々」だったと感じるそうだ。憧れ・・・が大切なのかな・・・などと思う。声楽家の友人に言われたことがある。「ピアノの人って課題をこなすことだけに熱心のように見える。彼は芸大を卒業した人だったので、「ピアノの人」とは芸大の学生のことだったと思われるけれど、たしかにピアノ道というものを熱心に、そしてストイックに歩んでくると、そのような「課題克服」のようなところも演奏に出てきてしまうのかもしれない。別に芸大生ではなくても、多くのピアノ学習者にとって、ピアノを弾くということは、どこか「課題克服」という側面はあるだろうと思う。新しい曲に取り組むとして、むろんその曲を弾きこなすためには、多くの課題があり克服していかなければ弾けないわけだから。幼い頃より真面目にピアノに取り組み、チェルニーなどの練習曲を100曲以上(50番終了という人はそうなるよね?)もこなし、指練習も真面目に取り組み・・・と言う人はアマチュアのピアノ再開組にだって多いと思う。このような場合、音大生ではなくたって、いつのまにか「弾きこなす」という手段が目的化されてしまうこともあろうかと思う。ピアノを弾く、曲を仕上げていくって大変なことだから・・・むろん、そのような難行苦行(?)のピアノ道が当たり前になった人だって、「この曲が好き」とか「音楽が死ぬほど好き」という気持ちがあるのだと思うし、なければ続かないとは思うけれども、まずは「課題を・・・」という気持ちが優先されてしまうというか、それが癖になってしまっているというか。長年「弾きこなす」ということが目的となってしまっているのだから・・・ピアノのレッスンや練習、曲を仕上げていくということ、ここで考えなければいけないのは、曲が弾けた、練習の成果が出たという「達成感」だけではなく、本来心の内側にもっていたはずのもの、ここを忘れないようにすることも必要なのではないかと思う。「ああ・・・素晴らしい曲、素晴らしい演奏・・・自分も触れてみたい」という純な部分。表現したいという火のような想い・・・この部分をどこかに置いてきてしまってもピアノ道は進むことができる。ここに落とし穴があるのではないかと思う。本番前、いろいろと心配になる。「あそこが・・・ここが・・・」と。このような場合、「あそこが弾けました・・・良かった」ではないはずだ。これは「弾きこなす」ということを目的化した場合の感想だから。「あそこが・・・のように弾けますように」というのは、本来の目的ではなく、目的のための手段なのだから・・・では本来の目的は?ミシェル・ペトルチアーニが厳格というかスクエアなピアノ教師に「ピアノを習いたいんです。ピアノが好きなんです」と訪れたとしたら、その教師はこのように言ったと思う。「ピアノ?あなたの身体ではピアノなんてとても無理よ」と。身長は1メートルしかなく、激しく弾くと骨は骨折してしまい、足もペダルに届かなくて、腕だって非常に短い。「無理よ・・・ピアノなんて・・・」でもペトルチアーニは「そうか・・・僕はピアノを弾くのは無理なのか・・・」とは思わなかった。ペトルチアーニはあのような身体でピアノを弾こうと思ったのだろう?その部分・・・その動機のようなものは、本来はピアノを弾く人は全員持っているべきものなのでは?持ってはいるのだと思う。多くの人は、どこか長年の癖で「想うべき優先順位が逆」になったりしているのではないかとも思う。ピアノの練習の前に自問自答してみる。「なぜ僕は練習するのだろう?」と。0△topガラスの骨のピアニスト演奏中に自分の音が聴こえなくなる・・・これはいつもというわけではない。緊張していても、ずっと自分の音が聴こえていることもある。聴こえなくなる感じとしては、いきなり標高の高いところへ移動したりすると、耳がキーンと鳴るというか、音が遠くで鳴るというか、あの感じに近い。いつそのような状態になるのか自分では予想できないところが辛いところではある。最初にこの状態になった時には、演奏を止めて一度退場しようかと弾きながら考えた。何度かこのような状態になっているけれど、会場がざわつくとか、そのようなこともないようで、もしかしたら聴いている人には、ばれてはいないのかな・・・とも思う。「途中で聴こえなくなりませんように・・・」「この体力でも最後まで弾けますように・・・」と健常者ならしなくてもいい心配はしなくてはならないし、正直、「なぜ僕だけ?」という思いはある。その反面、「ピアノが弾けるのだから・・・」という思いもある。ミシェル・ペトルチアーニというピアニストがいた。ジャズの人なのでクラシックしか聴かない人は知らないのかもしれない。この人は「骨形成不全症」という疾患があった。骨が脆く、生まれた時も骨折した状態で生まれたのだそうだ。ピアノの演奏中にも骨折したりしたという。それでも弾くんだよね。僕は何故・・・とは思わない。弾くんだよね、ピアノがあるから。去年だったか、このペトルチアーニのドキュメンタリー映画が公開された。現在はDVDになっていると思う。ピアノを弾くのが辛い時、練習が苦しい時、この映画を観てみるのをお勧めする。この映画の中で、印象的な言葉があった。「ミシェルがピアノを弾くとミシェルの音がする。素人がピアノを弾くと、その楽器の音がする」・・・これは名言だと思う。0△topリハーサル昨日はピアチェーレのリハーサル。本番と同じ会場を借りてのリハーサル。「本番と同じピアノで弾いてみる」という目的が大きいのではないかと思う。自分の出来などは、まあどうでもいいことで、メンバーの演奏を聴きながら、思うことがあった。「皆本当にピアノが好きなんだなぁ・・・」ということ。当たり前のことだけれど、全員仕事を持ちながらピアノを弾いている。これはピアノが好きでなければできないことだと思う。ちなみに、本番まであと9日残されているわけだけれど、僕の場合、休みをとれる日が本番までない。ヘアカットにも行きたいけれど、時間が取れないので、本番当日に美容院に行くしかない。そんな感じ・・・でもピアノは辞めないんだねぇ・・・あとは、ピアチェーレのメンバーが、世間で「~とされている」ということを覆しているんだということ。世間で「~とされている」の中に「電子ピアノだと上達できない」というものがある。メンバーの中でグランドピアノで日頃練習している人はいない。アップライトで練習している人が一名。あとは、昔はグランドピアノで練習していたけれど、親から独立してからは電子ピアノで練習している人が一名、つまりほとんどのメンバーが電子ピアノで練習しているのだ。大人からピアノを始めるのは難しい・・・などとも言われる。ピアチェーレのメンバーの多くは、いわゆる「再開組」ということになろうが、完全に大人になってピアノを一から始めた人も一人いる。しんで習えれば・・・では歌謡曲でも弾ければ・・・」という方向だけに進んでいってしまうのは、なんとも勿体ないなどとも感じた。「大人から始めても、いわゆる難曲とカテゴライズされている曲も弾けるじゃない?」と。大人からのピアノでも弾けるじゃない?大人からだと指が動かない?子ども時代に音感は身につけておかなくては?・・・でも弾いている人もいるよ?僕自身のこと、昨日は事件があった。前からたまにあるのだけれど、演奏中に自分の音が聴こえなくなってしまったのだ。僕は難聴ではあるのだけれど、全く聴こえないということではない。ピアノを人前で弾くとそうなる時がある。最初にこの「聴こえない」という状況を体験したのは、サークルの演奏会の時だったと記憶している。その時以来、「もし本番で音が聴こえなくなったら・・・」ということも想定して練習するようにしている。具体的には、電子ピアノなので、音を消して、手の感触だけで弾くという練習。自分の音が聴こえないと、暗譜というものに支障が出てくる。音を聴きながら判断しながら普通は暗譜で弾いているのだと思うけれど、その自分の音というものに頼れないわけだ。「聴こえなくても弾ける・・・」と思う。自分の頭の中で指の感触から音を鳴らせばいいわけだ。その2リチートラは昨年ではなく、なんと2011年に亡くなっていたらしい。前記事で貼りつけたリチートラの日本へのメッセージ、そこで彼は9月に日本で歌うと言っていたけれど、あれはボローニャ歌劇場の日本公演のことだと思われる。その時のボローニャ歌劇場公演では、主要な歌手のキャンセルが相次ぎ、話題となったものだ。報道は世界各地に伝えられていたから、歌手たちのキャンセルも予想できたところではあるけれど、リチートラは、日本に向けてメッセージを送っていたわけだから、彼のキャンセルには非常にがっかりした記憶がある。「なんだ・・・彼も来ないのか・・・あのメッセージは何だったの?」みたいな・・・リチートラはキャンセルしたわけではなかったのだ。交通事故だったという。スクーター運転中の事故。病院に運ばれ、数日昏睡状態が続いたらしいが、亡くなってしまった。「脳死」だったという。43歳だった・・・リチートラは歌手を志したのがとても遅い歌手だ。20歳を過ぎて本格的に声楽を学び始めた。最初はデザイナー志望だったみたいだ。「サルヴォ・・・あんた、いい声してるわ。歌手になれるんじゃない?」と周囲が言うので、「では歌でも勉強してみようか」と思い立ったらしい。これは個人的な印象だが、イタリア人という国民は、基本的に歌が上手いのではないかと思う。歌の勉強をしていない人でも結構いい声で歌ったりするから驚く。歌手を志したのも遅かったけれど、リチートラはデビューも遅かった。30歳になって、やっと舞台に立てたのだから。「修業時代はコンクールも受けた。7つのコンクールを受けたけれど、見事に全部落ちたね。僕は歌手になるのは無理かな・・・なんて思ったりしたよ」リチートラの才能を開花させたのが、あのカルロ・ベルゴンツィだった。彼はリチートラにこのように助言したという。「君は自分の声に合った曲を歌っていない。非常に重い曲を歌いすぎる、無理をしている。今までのことは全部忘れなさい。できるかね?」サルヴァトーレ・リチートラ・・・すべてにおいて「イタリア」というものを感じさせる歌手だったように思う。0△topリチートラの訃報テノール歌手のサルヴァトーレ・リチートラが亡くなっていたそうだ。