音型美を曲として身につけていって欲しかったから。曲としては、あまりファンシーなことはしていない。分かりやすくしたかったんだ。素敵なスケール、素敵なアルペジオを身につけて欲しい。芸術作品の基本要素である音型、曲って音型の連続でしょ?これを素敵に弾けないとね。ドシラソファミレドが弾ければ長大な曲も弾けるんじゃないかな?素敵に弾いて欲しいな」ピアニストが本気(?)でチェルニーを弾くとどうなるのだろう?機関銃のようにバリバリと?鍛えました~バリバリ・・・のような?スティーヴン・ハフが弾いているチェルニー、まさにカールの望んだチェルニーではないだろうか?「どうか僕を素敵に弾いてね。世のピアノ弾きたちから疎んじられている、嫌われている、恨まれている作曲家、おそらくバイエルとチェルニーなのではないだろうか?ピアノ教師やピアニストの中にも彼らの名前から辛い修行時代を連想してしまう人もいるかもしれない。チェルニーとのおつきあいは長めになるので、その恨みも大きなものとなる。発表会でチェルニーを弾く、客席で聴いている人はこう思うかもしれない。「まぁ、チェルニー?先生から曲をもらえなかったのね?いつもはピアノの練習をサボっている生徒なのかしら?それでも発表会に出るって偉いわねぇ・・・」ギロックやキャサリン・ロリンの曲は、いかにも発表会向けだけれど、チェルニーはどうなのだろう?そもそもチェルニーという作曲家のイメージって、30、40、50番あたりのイメージだったりする。心の手垢を取り除いてみると、その中に、なかなか美しい曲も含まれているように思うけれど、「えっ?これがチェルニー?」のような魅惑的な曲は、むしろ、もう少しレベル的には(?)易しめの曲集に含まれている気がする。2△top心の蓋を閉じないこの動画によれば、クラシック音楽が好きで、聴いたり演奏したりして日常生活に溶け込んでいる人の割合は3パーセントなのだそうだ。残りの97パーセントの人、あってもいいけど別にクラシックなんてなくてもいいという人。接点がない、クラシック音楽に嫌悪感はないけど、聴こうなんて、親しもうなんて思わないという人。クラシックは苦手、自分はそのようなものを聴く耳も、感受性もないから・・・そのような人たちがいる。したら演奏者に問題があったのかもしれない。演奏者にある種の情熱が欠けていて、達者だけれど、心に何故か響かなかった。本当は聴く人の問題ではないのに、聴き手は自分のせいだとしてしまう。「あんなに上手だし、難関の学校も出ているし、何も感じない自分のせいなんだ。まっ、クラシックなんて高尚なものは分からない。自分は教養なんてないし・・・」となってしまっているのかもしれない。したら、クラシック音楽は万人がその魅力を感じられるものだとしたら?子どもだろうと、作曲家や曲の知識なんて皆無な人でも。したら、クラシック苦手意識は、聴き手ではなく、演奏に問題があった可能性は?聴き手が「どうせ・・・」と心を閉じてしまい、その意識すらないのだとしたら?音楽なのか?演奏なのか?自分自身の感性、知識なのか?どこに問題があるのだろう?本当にクラシック音楽は3パーセントという選ばれた人のための音楽なのだろうか?専門と趣味、例えば音大受験コースで入試にあるような課題をこなしていく必要があるのは分かる。「聴音って何ですか?」と当日知るのであったなら、確実に受験失敗だろう。そのようなものではなく、趣味も専門も共通しているのが、ピアノを弾くということ。その部分のレッスンでは、専門と趣味とで分かれてしまうものだろうか?「あなたは趣味だからこう」とか「専門に学ぶからこう」とか、何か違いがあるのだろうか?「なんだかただ弾いているだけで、自分でも素敵じゃないなと思うんです」教師の反応は趣味と専門とで変化するのだろうか?「あなたは趣味なんだから、そんなに苦労しなくてもいいじゃない?」みたいなことは世のピアノレッスンでは本当にないのだろうか?逆に○○音大を受験するんだから・・・と必要以上のガンバリズム、修練色を与えてしまっていることは本当にないのだろうか?愛する人が亡くなってしまった、もう二度と声を聞くこともない。その深い哀しみ、喪失感は万人が持っているものだろう。子どもだろうと大人だろうと。その喪失感を音楽、自分の演奏に乗せてみたいと思ったら?その哀しみを表出して誰かと手をつなげたら?「辛いんだ」「そうね。「なんだか音符が並んでいるだけのような?そこからどうしていいのか分からないんです」「そうねぇ・・・どうしたらいいのかしらね?大人なんだから自分で考えて・・・」これはピアノ仲間が先生から実際に言われた言葉だ。素敵に弾けない・・・才能がないんだわ、感性とか無縁だし・・・もしかしたら、知らないだけかもしれない。0△top50年後の私モシュコフスキの作品、最後はこの曲、というよりこの方の紹介をしようと決めていた。このドラガさんは過去にもこのブログに登場しているけれど、再登場。何度でも・・・という感じだ。50歳からピアノを始めた。再開ではなく、一からのスタート。「指なんか動かないのね。子どもの頃からやっていないとピアノなんて無理なんて言われたわ」そのような時、「そうですね」なんて言ってはいけないように思う。「そう言った人は可能性を信じられない不幸な人なのよ」そう言えばいい。「こんな私だけど、夢があるの」「何ですか?」「あの・・・いつかリサイタルをしたいの」「えっ?それは無理なんじゃ?」なんて言ってはいけないように思う。「素晴らしいじゃないですか?」そう言えばいい。社交辞令ではなく本心からそう言えばいい。そりゃあ、バイエル程度の曲を弾いている人に「それって来年ですか?」みたいなことは訊けないけれど、もしかしたら40年後、50年後には可能かもしれないじゃないか?年齢を重ねた人に厳しいというのだろうか、人間の可能性を信じられない人もいる。そのような人の意見に引きずられてしまっては本当にもったいない。ドラガさんの修業時代、往年のピアニスト全盛時代、ピアノの黄金期だった。Op.34-1」もピアニストたちはレパートリーとして演奏していたのだろう。この演奏はドラガさん、102歳の時の演奏。50年後、自分はどうしているだろう?できないと今自分で諦めたら50年後も何も変わっていないと思う。0△topショパンの前座そのものずばり「ピアノの学習」(音楽之友社)という本を持っている。長岡敏夫という人の著で、昭和47年に発行されている。昭和47年、まさに高度経済成長期の本なのだ。指の練習書から導入の教材、さらには邦人作品まで、満遍なく説明されていて、当時はよく読まれていたのではないかと想像する。特色としては、曲に難易度がついていること。「初級4」とか「上級5」みたいに。全音ピアノピースと同じ感じだろうか?まさか当時でも「その曲は中級3でしょ?もう少し中級2の曲を弾いてからにしましょう」などということは高度経済成長期のピアノ教室でもなかったように思う(願う?)けれど。この本のもう一つの特色は著者提案による「学習順序」が記されていること。すべての作品にではないが、バッハのインヴェンション、平均律、ベートーヴェンのソナタ、ショパンのエチュードなどには記されている。この著者の提案通りの順番で学習できた人、当時どれくらい存在したのだろう?「ピアノの学習」というタイトルも当時を反映していると思うが、チーチーパッパではなく、少しでも真面目にというか、専門的(!)にピアノを習うということは、「膨大な量です。その道を進むのがピアノ道である」のような読後感も当時のピアノ教育というか、ピアノ道を反映させているような気もする。「えっと、チェルニーは30番、40番、50番は必ずだから、これで120曲ね。ショパンの練習曲はこの本の順番に従うとして、その前にモシュコフスキの練習曲もやらなきゃ。著者の責任ではないけれど、こう全部を最初に順番、難易度つきで提示されてしまうと、あまりの量の多さにクラクラしてきてしまう。終わりなき茨道、それがピアノ道・・・のような?「まだまだ必修曲が待っているのよ?急いで・・・頑張れ・・・」みたいな?ただ網羅されているという点で、昭和47年当時、この本はかなり斬新であったと思う。モシュコフスキの小品も紹介されていたりするのだ。連弾の「スペイン舞曲集」を含め6曲も紹介されている。モシュコフスキの15の練習曲Op.72も紹介されている。この本では「曲」の章ではなく「練習曲」の章で、チェルニーやブルグミュラーの後に紹介されていて、こう書かれている。ロマン的な美しさを表現するテクニックの育成をめざしている。ショパンの「練習曲」のための準備としては最適と思われる。内容に異論はないけれど、モシュコフスキが「練習曲」の章で紹介されていること自体が当時を反映しているような?ショパンやリスト、ラフマニノフの練習曲は「曲扱い」なのに、練習曲仕分けされてしまっている。「日本では僕はショパンの前座か?」とモシュコフスキは天国で感じているかもしれない。そのモシュコフスキの練習曲を実に魅惑的に演奏しているピアニストがいる。イレーナ・ヴェレッドというイスラエルのピアニスト。アメリカでは非常に有名だが、何故か日本での知名度は高くはない。?これからの時代、何を弾かなければ・・・というよりは、どの曲も、それはブルグミュラーやチェルニーも含めて「どう弾くか」という時代になっていけばいいと思う。僕が子どもの頃習っていたピアノ道、まるで自動車教習所のカリキュラムみたいだった。サロン風小品が演奏されなくなってしまったのか?素敵に弾ける巨匠がいなくなってしまったから・・・これを言ってしまったらおしまいという気もするが、時代と共に演奏スタイルがザハリヒなものになっていったことと関係はあるだろう。リサイタルも全曲もの、ベートーヴェン全ソナタ連続リサイタルとか、バッハ平均律の夕べとか、どこか流行だったりする。ショパン全作品演奏・・・みたいな、まるで登山のような演奏会もあったりした。全部がモシュコフスキ作品によるリサイタル、このようなものは可能かもしれないが、聴くのはちょっと大変そうだ。大曲バーン・・・ばかりも辛いが、小曲チマチマ1時間半も辛い。ショパン人気の理由はここにあるのかもしれない。小品と大曲とのバランスがいい。30分のソナタもあれば、サロン風に小曲を組み合わせることもできる。ショパン強し!宝石のような小品が顧みられなくなってしまうのは、やはり寂しい。小品独特の難しさってあるのかもしれない。モシュコフスキの曲、華麗な曲が多いように思うが、これらの曲をバリバリと演奏されても困惑してしまうだけだ。「セレナータ」というモシュコフスキにしてはシンプル(易しい?)な曲。このメロディーは昔は人気があったようで、様々な楽器に編曲されたりしているし、クライスラーも素晴らしく魅惑的な録音を残している。見開き2ページの実に目にも手にも親切な曲だ。ブルグミュラー25とかバイエル後半といった感じだろうか?見た目は・・・でも素敵に演奏するのは非常に大変そうだ。凡庸に弾くと「はぁ?だから何なの?」と言われてしまいそう。この曲、やはりフリードマンの演奏が圧倒的に素晴らしい。場合は違うのかもしれないが、発表会って意外とサロン文化の残り香を感じたりする。プロのリサイタルでは廃れてしまったサロンの残り香。ランゲの「花の歌」とかエステンの「アルプスの夕映え」のような、昭和発表会の定番曲って、どこかサロンの香りが漂っているような?ロマンティックな時代の深窓の令嬢たちが弾いていたというイメージ。ソナチネ、ソナタと古典派を勉強したら、いよいよ憧れのロマン派・・・今は四期同時進行が普通なのかもしれないが、ロマン派の曲って、僕が子どもの頃は憧れに近いものがあった。いわゆるロマン入門曲としては、今でもメンデルスゾーンの無言歌とかショパンのワルツとか、定番なのではないだろうか?この種の曲も、やはりサロン文化の香りがする。「さすが先生・・・違うわねぇ・・・」これって先生には迷惑なのだろうか?いつでもなんでも弾ける=ピアノ教師・・・のような一般人の思い込み。この「さすが先生・・・」を捨ててしまってもいけないような?講師演奏で、かつて音大時代に弾いた試験曲を弾く、たとえば、スクリャービンの後期のソナタとか?あるいは新たに難曲に挑戦する、その場合、「さすが先生・・・」的な空気は醸し出されるかもしれないが、発表会に漂っていたサロン空気とはそぐわない場合も出てくるような気はする。ラフマニノフであれば、渋系のプレリュードとかエチュードをバンバン弾くよりは、ラフマニノフのトランスクリプションを弾いた方が、発表会のサロン的雰囲気には合う。ショパンは、このような場合もプリンスで、「さすが先生・・・」にも「サロン的雰囲気」のどちらの需要にも応えられるというところが凄いと思う。視点を変えて、巨匠御用達曲集を講師演奏で弾いてみたらどうだろう?この場合も両方の需要(?)に耐えられるような気がする。アントン・ルビンシュタインの「へ調のメロディー」に続けて、この「ワルツ・カプリス」を弾くとか?僕だったら「ハーッ、こういう選曲もあるのか、センスいいっ!」などと感じると思う。全音ピアノピースにこの曲はあったと思う。懐かしい唐草模様の楽譜を今でも持っている。演奏しているのは、密かに僕が「サロン小品の帝王」と呼んでいるイグナツ・フリードマン。素敵だねぇ・・・この種の曲の難しさって、エチュードのようになってはいけないというところかもしれない。フリードマンは粋・・・だねぇ。0△top扉開き「いろいろな曲をご存じなんですね・・・」サークルの打ち上げなどでも言われるし、このブログの感想としてネット上で知らない方から言われることもある。珍曲博士だと自分では思ってはいないけれど、やはり往年のピアニストの演奏を好むという自分の嗜好が「いろいろな曲を・・・」につながっているのだとは感じることがある。往年系の巨匠たちの愛奏曲というのだろうか、現代のピアニストがあまり演奏しなくなった、かつてのサロン風音楽とか、その種の曲は往年系の演奏を聴くと自然と知るようになっていくのだと思う。アマチュアがサークルなどで演奏しても素敵だが、発表会の講師演奏で、かつての巨匠御用達のような曲を教師が演奏したら、さらに素敵だと思う。「英雄ポロネーズ」とか「バラード第1番」のような曲でもいいのだろうが、例えばヨゼフ・ホフマンの師であったアントン・ルビンシュタインやモシュコフスキの曲など、本当に素敵だと思う。そこには教師が生徒に扉を開くという意味合いも出てくるのではないだろうか?積極的な生徒もいるのだろう。自分からどんどん曲を聴いて「今月はパルムグレンの曲を集中的に聴いていて、自分でも弾いたりしているんです。来月は南米のニャターリの曲を勉強しようと思っています」全員がこのような生徒であったら、教師がわざわざ紹介というか扉開きのお手伝いをする必要もないのだろうが、クラシックは好きだけど、曲をあまり知らないし、何から聴いたらいいのかも分からないなどという生徒も結構いたりするのではないだろうか?アントン・ルビンシュタイン、有名な曲は「へ調のメロディー」だと思う。「あっ、聴いたことある」的な曲。その割には、滅多に現代のピアニストはリサイタルなどで演奏してくれない。ホフマンの演奏、何気なく聴くと、美しいメロディーねぇ・・・と聴いてしまうが、このメロディー、右手、左手と、交互に親指で弾いていくのだ。「基本10度開きです」のような、手が大きくないと、あるいは手の開きが柔軟でないと、なかなか演奏は難しいところがある。届かない箇所は、アルペジオにするしかないと思うけれど、あまりに頻繁にバランバランとアルペジオで弾いてしまうと曲の魅力が損なわれるような?この種の曲って、現代人がどこかに置き忘れてしまったセピア色の何か・・・のようにも思える。0△topケヒンデ・ワイリーの肖像画クラシック演奏家、アフリカ系アメリカ人が少ないという文章を読んだことがある。僕は「そうかな?」と思った。それは僕が声楽が好きということもそう思った理由の一つかもしれない。女性(女声)のアフリカ系アメリカ人の活躍は目覚ましいものがある。彼女たちの評価においても、そこにはアフリカ系だからといった特別なものはない。ジェシー・ノーマンはアフリカ系アメリカ人にも関わらずドイツ歌曲も上手い・・・とか、レオンタイン・プライスはアフリカ系アメリカ人とは思えないほどヴェルディを見事に歌いこなし・・・などといった評価は見たことはない。ピアニストだとアンドレ・ワッツだろうか?彼の血の半分はアフリカ系ではなくハンガリーなので、だからリストを得意としているのだ・・・などという評価も聞かない。欧米のオーケストラにアジア系の団員がいても、それは風景として何の違和感も感じなく見て(聴いて)しまうと思うが、たしかにアフリカ系の団員がいたら、少なくとも目立つような気はする。国際コンクールのコンテスタントにもアフリカ系の人はあまりいないように思う。先のショパン・コンクール、アジア勢は沢山いたけれど、アフリカ系はどうだっただろう?日本という島国に住んで、周囲は日本人ばかりという環境にいると、日本人ということはマジョリティになる。欧米感覚だと、日本人ということは、ある意味マイノリティに変わることだってあるかもしれない。日本人、韓国人などという感覚もなく、大雑把に「東洋人」としか捉えない保守欧米人もあちらには沢山いそうだ。僕たち日本人はマジョリティ?それともマイノリティ?人間って、ことさら差別とか偏見と意識しなくても、自分の常の世界に存在しないものを「異質」と捉えるところはないだろうか?東京で「ボストン美術館至宝展」という展覧会があった。人気のある展覧会で激混みだったような気もするが、現代アートの部にケヒンデ・ワイリーの描いた肖像画が展示されていた。僕はアフリカ系ということへの、強い誇りのようなものを感じたけれど、たしかにアフリカ系の人物肖像画というものは日本人には常ではなく、一般的ではないのかもしれない。あまりに常感覚と異質のもの、自分の感覚にはないものが、いきなり入ると、そこに違和感のようなものも感じることもあるのかもしれない。ワイリーの肖像画への反応として、割と若い女性二人だったのだが、「やだぁ・・・これ・・・えっ?やだぁ・・・」という反応があった。肖像画というものがあるのだそうだ。公式の肖像画として、一枚はホワイトハウス、もう一枚は国立肖像画美術館(そんなものがあるのか?)に飾られるのだそうだ。前オバマ大統領は、自分の公式肖像画をケヒンデ・ワイリーに依頼したということで、アメリカでは話題になっているらしい。アフリカ系アメリカ人ということもだろうが、彼はゲイでもあるので、元大統領がマイノリティに属するアーティストに依頼したということで話題になったのだろう。あとは、現大統領はこんなことしないだろうな・・・というニュアンスもそこには含まれているような気もする。51937年、旧メトロポリタン歌劇場でのヨゼフ・ホフマンのゴールデンジュビリー・コンサート、これはホフマン個人の貴重な演奏の記録であると共に、いわゆるピアノ黄金時代の記録でもあるように感じる。ピアノという楽器の進化、完成、サロンから巨大な演奏会場への以降、会場の隅々にまで響き渡る必要性、さらに繊細さも伝えられる機敏な楽器の必要性。ピアノ技法にもそのようなものが求められ、叩きつけない豊かな響きを巨匠たちは具現化した。均一化された模範演奏ではなく、聴衆は各々の演奏家の至芸に酔った・・・おそらく、その頃には「自分自身に酔った」凡庸な演奏家もいたのだろう。作品から離れ、自分に酔う。当たり前だが、そしてどの時代においても凡庸な演奏家はいるのだ。1937年当時、全員がホフマンではなかった。必要以上に飾られた凡庸演奏を聴くうち、聴衆は作品そのものの美を欲したのではないか?「もっと純粋に作品を感じたい」と。それが現代のザハリヒな方向へ演奏というものを導いた。現代、やはり凡庸な演奏家はいるのだ。今度は必要以上に整えられたというか、研究成果のような、どこか均一お手本演奏を聴くうち、現代の聴衆はこう思い始めている人もいるのではないか?「このような曲なんですという説明的な演奏はもういい。演奏家のパッションを感じたい。その人からしか感じられないような、強烈な何かを聴きたい。優秀だけれど、その人だけではなく、おそらくBさんからも聴けるような演奏ではなく、その人だけの何かを聴きたい」これからは、1937年当時とは逆の流れになっていくのかもしれない。したら、演奏スタイルというものは凡庸な才能と聴衆が作り上げていくのかもしれない。シニカルな感じ方ではあるが。有名なピアニストをコンサートホールで聴く、この形だけではなく、かつてのサロンが復活していくのではないか?少人数でのコンサート。大曲バーン・・・というプログラムから、かつてのロマンティックな小品、巨匠たちが愛奏したショウピースの復活が予想できる。日本でもハード(サロン的会場)は整いつつあるように思う。このゴールデンジュビリー・コンサートで、ホフマンの二人の自分の師匠の作品を演奏している。一人はアントン・ルビンシュタイン。ホフマンが演奏しているピアノ協奏曲の復活はないのかもしれないが、アントン・ルビンシュタインの小品は復活していく可能性はあると思う。4ホフマンの1937年、ゴールデンジュビリー・コンサート。ショパンだけではなく、このラフマニノフも素晴らしい。ホフマンはラフマニノフから3番の協奏曲を献呈されている。ホフマンはレパートリーとして演奏はしなかったようだ。手の大きさの問題があったのだろうか?ホフマンは小さな手の持ち主とされているので、それはあるかもしれない。ショパンやベートーヴェンの4番の協奏曲のホフマンの演奏からすると、ラフマニノフの協奏曲はちょっと違うかな、という気がしないでもない。弾けないということはなかっただろうし、途中で譜読みを挫折とか、そのような理由で弾かなかったわけではないだろうと思う。なんとなく合わないかも・・・とは感じる。この有名なプレリュードを聴くと、でも協奏曲も聴いてみたかったなどと今度は思うが。写真に残されたホフマンの手、大柄なロシア人たちと比較すると、やはり小さめには感じる。肉厚ではあるが、巨大な手・・・ではない。ホフマンよりも大きな手の日本人女性もいるのではないだろうか?デ・ラローチャはラフマニノフの3番を弾いている。ホフマンとは時代が異なるのかもしれない。デ・ラローチャは小さな手だったのかもしれないが、指が伸びるというか、軸となる指(おそらく親指?)を支えとして自在に弾いていたのではないかと想像する。親指の支えと指・・・というか手の柔軟性で大曲を弾く・・・みたいな?重厚、というよりは軽めのコロコロ、クリスタルクリアで舞う・・・のようなホフマンの流儀がラフマニノフの3番とは合わなかったのではないか、そんな気がする。弾く必要性をホフマンが感じなかったとか。重厚なマシンガン演奏でない、このプレリュードの演奏は貴重かもしれない。中間部は、まさにホフマン・・・だねぇ。3ホフマンのジュビリーコンサート、この演奏にはコロコロの見事さと、若さを感じる。永遠の青年が演奏しているという印象。弟子のチェルカスキーも、お爺ちゃん(?)になっても音は艶やかで若かったように思う。「ピアニストは若くあれ」という具体的な指導があったわけではないだろうが・・・この曲の、過去のショパン・コンクールのコンテスタントたちの演奏に、これほどの若さ、夢を感じさせる演奏があっただろうか?コンテスタントたちの方がホフマンよりも若いのに。これでもか・・・という力感を感じさせず、音が舞っているような感じで軽いのだ。基音、直接音ではないというか。2有名なOp,9-2のノクターン。ホフマンの演奏の魅力的な語り口に惹かれてしまう。当時、ホフマンはライバルたちと比較すると、ザハリヒなピアニスト、楽譜忠実派とされていたらしい。今聴いてみると十二分にロマンティックな演奏と聴こえる。ホフマンだけに限らないのだが、この時代のピアニストの演奏の特色として、まずは語り口というか、歌があるというか、そのようなところだが、もう一つ、細かな音符の弾き方、音色が現代にはないもののように感じる。軽く、コロコロとしたあの響き・・・このノクターンでも、トリルとか、駆け下りてくる装飾などに、その「コロコロ」が際立っているように思う。この「コロコロ」はいわゆるミクリ派のピアニストたちの特色とされているが、別にミクリ派ではなくても、コロコロしていたんだな・・・と。ペダルに埋没せずに、指コントロールで聴かせてしまうような?テクニックも異なるのかもしれないが、ピアノ、つまり楽器も現代のものとは異なっていたのではないか?おそらく、ホフマン仕様というか、非常に敏感な繊細なピアノで弾いていたのではないかと想像する。「わあ、このピアノ、弾きやすい・・・」今の感覚だと、誰にでも弾きやすいというピアノになるのだろうが、ホフマンのピアノはホフマンだけが弾きやすい、ホフマン仕様のピアノ。凡人が弾くと、「あれぇ、全部がフォルテになっちゃう」弱く弾こうとすると「あれぇ、音が鳴らない」みたいな?そんなピアノ・・・ホロヴィッツとテクニシャンのフランツ・モアの関係は有名だが、ホフマンにも専任(?)のテクニシャンがいて、この時代は、そのようなオーダーメイドの時代だったのではないか?多くの亡命ピアニストがアメリカにやってきた。それまでのサロン的な会場ではなく、大きな演奏会場でピアノが鳴らなければいけない。音量だけではなく、繊細なるコントロール技までも聴かせなければならない。ピアノ会社というか、テクニシャン、そして偉大なピアニストたちが、切磋琢磨した時代だったのではないだろうか?ピアノ改良の時代?ホフマンは発明家でもあり、たしかピアノの機能に関する特許も持っていたと思う。そのような時代だったのかもしれない。1初めて医大生にホフマンの演奏を聴かせてもらったのは、いつだろう?あまり記憶は定かではない。小学生の頃だったというのは、はっきりしている。何の曲だったか、それは覚えている。ショパンの2番の協奏曲だったと思う。子どもなりに、ある一つのことを知った。演奏というものは、スポーツ等とは異なり、絶頂期というのだろうか。頂点というものが必ずしも現代なのではないのだということ。そのことを、はっきりと感じ取った。音楽分野でも、例えばエディションの研究などは、そりゃあ最新の成果が素晴らしいのだろう。スポーツの世界も、記録というものは、やがて破られていく。頂点は今現在、さらに未来へとつながっていく。したら演奏、ピアノ演奏というものの頂点、黄金の時代は、現代ではなく過去に一度花開いていていたものなのではないか?ヨゼフ・ホフマンの演奏、個人的には1937年の旧メトロポリタン歌劇場で行われたライブ録音が最高であると感じる。「ゴールデンジュビリー・コンサート」と呼ばれている演奏会。幸いにも「ゴールデン・ジュビリー」のCDはネットで容易に手に入る。音楽雑誌をたまに開き、ピアノ関係の文章、アマチュアやプロのブログなどを読み、ユーチューブでの現代スターピアニストの演奏を聴いたりすると、ピアノ演奏も過去、現代、そして未来という方向に進んでいるように感じてきたりもする。演奏技術、ノウハウの浸透等々。40年前の演技よりも、現代の演技の方が進んでいる・・・みたいな、どこかフィギュアスケートを観る時のような感覚。昔も、まぁ、それなりに素晴らしい人もいたのでしょうが・・・昔もではなく、もしかしたら「昔は・・・」なのではないかという素朴なる印象、そんなことをホフマン・ジュビリーコンサートから感じることがある。過去の偉大な演奏、主観的なものを考えなければ、それはホロヴィッツの演奏を思い浮かべる人が多いのではないだろうか?人によっては、チェルカスキーとか。彼らはギリギリ過去の黄金の金粉を現代のホールに散り巻けた人たちでもあったように思う。過去、もう少しだけ過去のピアノ、黄金時代というものを探検してみても楽しいかもしれない。0△top強烈なメロディーメイカーやっとピーター・アレンご本人のパフォーマンス登場。想像はしていたが、かなり強烈なキャラクター。リベラーチェを連想するのは僕だけか?亡くなる4年前の映像みたいだ。ライザ・ミネリとは離婚していて、おそらく恋人グレッグと巡りあい、幸せの絶頂の頃だったのかもしれない。ピーター・アレン、オーストラリア出身のシンガーソングライター。20歳の時、香港でのパフォーマンスでジュディ・ガーランドに才能を認められる。ライザ・ミネリと結婚。1992年、カリフォルニア州にてエイズによる合併症にて死去。0△topザ・ボーイ・フロム・オズバーブラ・ストライサンドのアルバム「アンコール」はバーブラとハリウッド俳優陣とのデュエット集。バーブラも俳優だが、皆、歌が上手いのに驚く。ヒュー・ジャックマン、おそらく最近では「レ・ミゼラブル」のジャン・バルジャン、「X-MEN」のウルヴァリンなどの役で有名なのだろうと思う。僕は、どちらの作品も観ていないのだが、ラブコメ好き(?)ではあるので、メグ・ライアンと共演した「ニューヨークの恋人」のレオポルド役と言われると「ああ、あの人」とすぐに顔が浮かぶ。ハリウッドの人って、なんだかマルチな人が多いような?歌って踊れて・・・みたいな?バーブラのアルバムでのヒュー・ジャックマン、もうこれは歌手でしょう。「レ・ミゼラブル」はミュージカル映画だから、ヒュー・ジャックマンは歌っているのだろう。その映画を観ていれば、バーブラとデュエットしているヒュー・ジャックマンにも衝撃は受けなかったのかもしれないが、僕にとってヒュー・ジャックマンは完璧に「レオポルド」だから、「ああ、レオポルドって歌も歌えるんだ」という驚きが大きかったのだ。実は、彼、トニー賞も受賞している。トニー賞ってミュージカルの賞だよね?ハリウッドスターであると同時にミュージカルスターでもあったのだ。バーブラみたい!ヒュー・ジャックマンがトニー賞を受賞したのが「ザ・ボーイ・フロム・オズ」という作品。オズ・・・とは、おそらく「オズの魔法使い」と「オーストラリア」からきていると思う。このミュージカルはピーター・アレンの生涯を描いたミュージカルなのだ。ピーター・アレンはオーストラリア出身。彼の才能を見出したのが、あのジュディ・ガーランドなのだ。「オズの魔法使い」のドロシーだね。ピーター・アレンはジュディ・ガーランドの前座を務めるようになる。オーストラリアからニューヨークへ・・・やがてジュディ・ガーランドの娘、ライザ(ライザ・ミネリですね)と恋に落ち、そして結婚。ピーターは女性だけではなく、男性も愛することができた。