はい・・・これがそのチケットよ」「あの・・・これ、高い席のだよ?800円・・・僕払えない・・・」「いいのよ。300円は私からのプレゼントよ」メニューインは戦争の傷跡残る日本を演奏しつつ、それでも音楽に焦がれている聴衆の存在を知った。博多での演奏会、スタッフから靴磨きの少年のことを知らされた。メニューインの演奏は想像以上だった。夢のような時間だった。少年が家でそう思っていると、立派なスーツを着込んだ人が少年の家を訪ねてきた。「明日、博多駅の○番ホームに来て頂けませんか?あなたに会いたいという方がおられます」少年が翌日、指定された駅のホームに行くと、そこにはメニューインがいた。少年は信じられなかった。メニューインは「あなたは将来、何をしたいのですか?」と少年に質問した。少年が「メニューインさんのようなヴァイオリニストになりたいです・・・」と答えようとした時に、発車のベルが鳴り響いた。メニューインは微笑みながら列車に乗り込んだ。少年は見えなくなるまでメニューインの乗った列車を見ていた。少年の家に小包が届いた。少年が小包を開けると、そこにはヴァイオリンがあった。手紙が添えられていた。「日本の小さな親友へ。ユーディ・メニューイン」とても美しい話だ。少年の名前は馬場タカシさんという。昔は焦がれていた人も今よりは多かったのかもしれないなどと想像する。夜行列車で東京まで出てきて、震えるような想いで憧れの演奏家を聴く・・・なんて普通にあったと思うから。この焦がれる・・・という想い、音楽に、演奏家に焦がれるという想い、これは上達すれば感じるというものではない。チェルニー50番以上になれば、焦がれる気持ちが芽生えるなんてことはない。あるか、ないか・・・なのかもしれない。焦がれる気持ちがなくても、ピアノは上達することはできるのかもしれない。難曲を弾けるようにもなるのかもしれない。達者な演奏に人が感心してくれるのかもしれない。「とにかく先生が厳しくて・・・というより恐くてね。大人のピアノ?もうあの世界は勘弁・・・」なんとも寂しい言葉だ。「キラキラ楽しいレッスン」だけがピアノなのだろうか?そこは大いに疑問を感じる。レッスン恐怖症になるよりは、むろん楽しいほうが良かろうが、「楽しく」というよりは、目指すべきものは「恋焦がれる」みたいな想いを伝えることではなかろうか?でも焦がれた経験のない人には伝えるべきものもないのかもしれない。僕は音楽や演奏、演奏家に恋焦がれるという感情は、ピアノを教えている人、習っている人が共通に持っているものだと思っていた。「だからピアノを習うんでしょう?」みたいな?でもそうではない人もいるということを知った。そのような人も結構、多いのかもしれない・・・などと最近は思い始めている。僕がピアノを単なる「お稽古事」ではなく、「焦がれるもの」と意識変換した、変換があったのは8歳の時だろうと思う。それまではピアノは「そろばん」「習字」と同じ感覚のものだった。偉大な演奏を、それこそシャワーのように聴き始めたのが8歳の時なのだ。ピアノのレッスンと音楽というものとを、僕が完全分離してしまったのもその時だ。ピアノのお稽古(レッスン)は僕の焦がれる気持ちには応えない、というか別物だろうと思ったのだ。少年kazが音楽開眼、焦がれていたのは、亡くなった巨匠たちの演奏がほとんどだった。「生で包まれてみたい」とは思わなかったが、現役の演奏家に焦がれたこともある。ジノ・フランチェスカッティの演奏は、本当に聴いてみたかったし、包まれてみたかった。あの博多のタカシ少年のような熱い想いがあった。彼は、とうとう一度も来日することなく演奏活動を引退してしまった。この時は本当に泣いた・・・悔しかったんじゃないけれど、泣いた。一人はピエール・フルニエ。レコードでの音色に魅せられてしまった。その時もジノ・フランチェスカッティの時と同じように「包まれてみたい」という痛烈なまでの感覚を覚えた。残念なことに、フルニエは僕が焦がれる一年前に日本で演奏していた。「今度はいつ来日するのだろう?」当時はネットはなかったので、音楽雑誌の「今年の来日演奏家」のようなページを毎年熟読した。「ああ、今年も来ないのか・・・」フルニエは大変な親日家であるということも知っていたので、なかなか来日しないのが不思議だった。kaz少年も中学生になった。フルニエが日本公演を行ったのだ。生で聴くフルニエのチェロの音色は、それこそ「神のようだ・・・」などと感じたものだ。実際に楽屋で会ったフルニエも神々しかった記憶がある。何年も焦がれていて良かった・・・この「恋焦がれる」というもの、音楽愛好家としては、ごく自然なものだと思う。実際にピアノを弾く・・・という境遇になると、この熱い感情をキープするのが難しくなるのだろうか?そこが謎の部分だ。これまでは「焦がれる能力」というものを意識することはなかった。最近は、この能力を開発していこう・・・などと考えている。0△topなぜピアノ教師はピアノを弾かなくなるのか?ピアチェーレの演奏会、チケットは10月1日からホームページのメールフォームから・・・のように、これから告知していく機会も増えるだろうし、自分が演奏する曲については、ブログにも書いていくだろうとも思う。本番までの日々の心境などもね。本来、このブログはそのために開設したようなところがあるので、書いていくのは当然だとも思う。昨年も一昨年もなのだが、困るのが中傷メールだ。気にしなければいいのだ・・・と言われるけれど、気になる。中傷メール、全部が(自称の方も含めだと思うが)ピアノ教師や現役音大生からだ。「フ・・・素人が!」とか「素人は気軽でいいわね。専門家は気軽に演奏しないのよ!」「演奏というものを甘く見ているのでは?私たちは厳しさを知っているからこそ演奏しないのよ!」みたいな?当然傷つく。演奏前の中傷も傷つくけれど、本番後のそれも傷つく。本当に聴きにきたのだろうか?少々疑問に思ったりもする。「あの程度で演奏会だなんて・・・ブルグミュラーからやり直した方がいいのでは?」みたいな?演奏会前後は非常にそのような意味で神経質になっているのだと思う。批判されているわけでもないのに、僕の被害者意識(?)で中傷ではないメールまで斜めに解釈してしまうようなこともある。相手の方に恐縮させてしまい、こちらの方が恐縮している。今年はそうならないように、何故ピアノ教師や音大生はアマチュアに厳しいのか・・・ということを前もって自分なりに考えておきたいなどと思う。アマチュアに厳しい人もいる・・・という表現のほうがいいかな?中傷メールの人に対して「単純に羨ましいのでは?自分ができないことをやっているから・・・」と言う友人もいたが、それはあるだろうと思う。気軽に人前で演奏するものではない・・・という考えそのものは理解できる。気になるのは、ほとんどの中傷ズ(と呼ばせていただく)の方は音大というものを、ものすごく高尚なところと表現していることだ。専門に学ぶということの大変さを異常に強調する。学部にしろ、院にしろ、20そこそこで演奏を極めることなんかできないだろうと思う。「私は学生時代に演奏は極めたから、もう演奏はしない」と書いていた人もいるが、このあたりは、ほとんどのピアノ教師だって「そうではないよな」と思うのでは?アマチュアで時間が自由に使える人というのは意外と少ないように思う。仕事をしているからね。時間はみつけるものだ。そこには相当の熱意がないと続かない。この音楽やピアノに対する熱意のようなものが、ピアノ教師から感じることが少ない。その判断材料としては、ピアノ教師ブログに自身の演奏、自身のピアノについて綴っている方が非常に少ない(ほとんど皆無)というところから判断している。セミナー巡礼やセミナー準備、あとは生徒のこと、Aちゃんがどうしたとか・・・あとは教材のこととか?なんとなく完全教育ピアノという趣なのだ。演奏とか音楽とか・・・そのような感じではなくなってくる。これに関しては、あるピアノ教師の方に貴重な意見を頂いたことがある。ピアノ教師が自分の練習や精進について正直に書いてしまうと、意地悪な音楽愛好家(僕みたいな?)たちから「なんだ・・・そんなこともできないのか?」などと中傷的な事を書かれたりするみたいだ。たしかに「私って天才!」などとは書けないよな。確かにそのあたりは難しいのだろうと察する。裏で何時間自分のピアノを追及していたとしても、やはり書いてくれなければ分からんよ・・・とも思う。僕自身が、おそらくピアノ教師は教育家ではなく音楽家であるべきだと思っているところがあるのだろう。教師自らが音楽に恋焦がれ、どんなに辛くても追及せずにはいられないような・・・そんな教師像をどこかで理想としているのだろうと思う。生徒も音楽に焦がれ、教師も同じ方向を向いている姿。教師がピアノ演奏から引退してしまったら「生徒が辞めてしまう」などと嘆くことはおかしいんじゃあないか?自分も弾いていないんだから。したら、教師自身が「音楽ピアノ」というものに「学習ピアノ」「お稽古ピアノ」から転化できていないのでは?幼い頃から練習を重ね、お稽古に励む。そこにも感動というものはあっただろうが、基本的には課題をこなし、上達を目標とする「学習ピアノ」から卒業できていない。学習ピアノでも、どんどん進むことはできる。どこまでも・・・難関音大だってコンクール入賞だって「学習ピアノ」のままでの突破できるだろう。そこがピアノの恐ろしさ、難しさでもある。「練習しなかったわぁ・・・」とか、そのようなことではなく、音大時代のレッスンというものが、光り輝くような体験に満ちていただろうか?打ち震えるような音楽的体験であっただろうか?もし、そうであるのならば、卒業後だってピアノを弾き続けるだろう。レッスンを受け、音楽家として人前で曲(教材じゃないよ)を暗譜で演奏し続けるだろう。上手い下手は関係ないのだ。根本にある情熱みたいなもの・・・おそらく多くのピアノ教師が自分の修業時代を全肯定はできていないのかもしれない。「あんなに辛いことはもうイヤ」と思うのかもしれない。ピアノを弾くなんてシンドイだけだから演奏はしなくなってしまうのも当然だろう。これだと意識は学習ピアノのままだ。教師が学習ピアノの意識でいれば、生徒もそうなるだろう。そこには燃えるような音楽体験が乏しいから。「私・・・すごく下手・・・でもピアノは弾きたいの・・・どんなに時間をかけてでも・・・」のようなものは音楽ピアノに転化しなければ出ない欲求ではないだろうか?基本的にピアノ教師の方たちは真面目なのだと推測している。演奏を引退してしまった・・・という怠慢(?)な自分は基本的にあってはならない。グッズ開発・・・等々。こちら方面に突っ走る。それはそれで自分を熱心な教師と感じるだろうし、事実熱心な教師だ。音楽家・・・の部分は???ブログを開設して良かったことは、どこか斜めに見ていた「ピアノ教師像」というものが少しだけ変化したことだ。それは音楽、演奏、ピアノというものを、音楽的感動という基礎の部分を忘れていない、熱き教師たちと知り合えたことだ。メールだけでの人もいるし、実際にお会いしたり、演奏を聴かせて頂いた方もいる。そのような方たちは少数派なのか・・・などとも思う。ピアノを忘れたピアノ教師なんて、やはりおかしい。今年は中傷ズのメールにも、あまり揺れないのではないかと思う。名ピアノ教師、ゲイリー・グラフマンの演奏。70年代後半に手の故障で、左手だけで演奏するしかなくなった。1980年からカーティス音楽院で教え始めたと記憶している。演奏活動というものから、教育、教師という部分に自分の生きがいを少し移動したということでもあろう。実際、彼は優秀な生徒を育てている。現代の名教師として真っ先に浮かんでくるのがグラフマンではないだろうか?ラン・ランやユジャ・ワンの先生と表現した方が早いのかもしれない。これは1990年の演奏。手の故障から約10年が経過している。名教師となってから10年が経過している。彼はどうしたって音楽家なのだ。音楽、ピアノというものは一度焦がれたら離れられないものなのだ。グラフマンのピアノは「音楽ピアノ」なのだ。どんなに名教師を謳われようが、「教育ピアノ」にはなれない人なのだ。演奏がそれを物語っている。10△top残酷な美音その国だけで知られていて、実力も備わった、いわばローカル的なピアニストは多いのだろうと思うが、世界的に有名なピアニストであるが、何故か日本ではあまり知られていないピアニストもいる。欧米での評価と日本でのそれと、大きく隔たりのあるピアニストとでもいうのだろうか。コルトーやリパッティの演奏を聴いたことがないというピアノ仲間は結構いて、僕は驚いたりするのだが、聴いたことはなくても、名前だけは知っていたりする。ソロモンというピアニストのことを知っていたピアノ仲間はいなかった。名前すら知らないのだ。ヨーロッパや北米では巨匠的な扱いですらあるのに・・・ソロモン・カットナー・・・イギリスのピアニストだ。普通はファーストネームだけで呼ばれる。多くのピアニストがそうだったように、ソロモンも天才少年としてデビューしている。デビューではベートーヴェンのコンチェルトを演奏したのではなかったかな?ソロモンが10歳の時だ。彼の天才ぶりは大いに話題になったらしいが、ソロモンは一度引退(!)し、10代後半でまた演奏を再開している。ソロモンの演奏では、特に「静謐なタッチ」「研ぎ澄まされたタッチ」というものに僕は惹かれる。日本式タッチの根本概念である「しっかり弾きましょう」「鍵盤の底まで弾き切りましょう」的なタッチとは正反対のところにある究極のタッチであり、音・・・なのだ。日本でソロモンが有名でないのは、彼のタッチや音、音楽そのものが、何かを聴き手に突き付けてくるからではないだろうかと個人的には感じたりしている。「あなたの弾き方、あなたの音、そのカツーンといつでも鳴らしきってしまう音でいいの?」とでもいうようなメッセージをソロモンの弾き方は日本の聴き手、ピアノ弾きに突き付けてしまう・・・ソロモンの音を肯定してしまったら、多くのピアノ弾き、ピアノ教師は自己のタッチ、弾き方を否定しなければならない、これまで積み上げてきたものを全否定させられてしまうような?なのでソロモンは聴かない・・・のではないかな?どこか辛いし、一生懸命「学習ピアノ」「お稽古ピアノ」の道を進んできたような人にとっては、ソロモンの音はどこか残酷なものだろうとさえ思う。ソロモンの演奏ではベートーヴェンが有名で、それを聴くべきなのかもしれない。個人的には彼のモーツァルトとブラームスが好きだ。ソロモンはショパンも演奏している。ゲルマン系の作品の影に隠れた印象のソロモンのショパンだが、彼の美音、静謐なタッチ、そして、お稽古ピアノ弾きに残酷さを最も突きつけてくるのが、ソロモンのショパンなのではないかと思ったりもする。ソロモンは結構長生きしているのだが、活動期間は極めて短い。演奏活動の最盛期に脳梗塞を患い、指が動かなくなってしまったのだ。美音は短命だったのだ。美音だからこそ・・・なのかもしれない。音楽の神はソロモンの音を愛しすぎたのだろう。0△top生ハフ明日はスティーヴン・ハフのリサイタル。この人は日本を避けているわけでもないのだろうが、あまり日本では演奏しないような印象がある。昨年は、たしかN響とリストのコンチェルト(一番)を共演したけれど、20数分という曲だったし、本格的なソロでのリサイタルを待ち望んでいたファンも多かろうと思う。「ハフ巡礼」をする人もいるのだという。日本を素通りして中国や東南アジアで演奏するハフを追いかける日本のファンの存在。僕も巡礼をしたことがある。ヨーロッパに旅行中、ハフを聴くために、わざわざ北欧まで出掛けたことがある。出掛けた価値は充分にあったと感じている。その時に聴いた曲はシューマンのコンチェルトだったかなぁ?至福の時だった。普通、ハフクラスのピアニストの日本公演などの場合、東京だけではなく、他の都市での公演も行い、全国縦断のような感じになるが、ハフはそうはしない。今回の来日でも、演奏会は明日のリサイタルのみ。一回だけのリサイタル。それも東京のヤマハホールが会場だ。サントリーホールではないのね?たしか、あのホールは300席程度だったと記憶している。明日、会場で聴ける人はかなり幸運なのではないかと思う。招聘したのがヤマハなのでヤマハホールなのだと思うが、ちょっと会場としては小さいかなという印象。東京公演の後、ハフはベルギー(アントワープ)で演奏するので、今回間に合わなかった人はベルギーまで出掛ければ聴くことができるかもしれない。現役のピアニストで僕の最も好きなピアニストがスティーヴン・ハフだと思う。最初は彼の編曲作品で彼のことを知った。CDで彼の演奏を聴き、「現代にも、こんなピアニストが存在していたのか・・・」と。演奏のタイプは異なるのかもしれないが、ハフの演奏を聴くと、ソロモン・カットナーの演奏の魅力に近いものを感じたりする。タッチの静謐さ・・・みたいな?今回ハフを聴けなかった人は、この演奏でしばらく我慢していよう。0△top怒りのベートーヴェン、素顔のベートーヴェンベートーヴェンって、どうも「怒涛」というか「運命に打ち勝つ」とか、そのようなイメージがある。音楽室の肖像画でも一人怒りに満ちていたような?そんなベートーヴェンだけれど、こんな言葉も残しているのを知った。苦手意識が消えるような気がした。0△top文化が浸透した瞬間オペレッタ、喜歌劇・・・オペラでさえ躊躇してしまうのにオペレッタとなると、さらに遠いもの・・・ピアノ弾きはピアノ曲しか聴かないというか、どうもオペラやオペレッタなどには興味を示さない人が多いように感じる。ピアノ弾きだけではなく、一般の音楽愛好家の中にも「オペラならいいんだけど、オペレッタはどうもねぇ・・・」という人はいるような気がする。オペレッタというものが、カテゴライズしにくいということもあるのではないかと思う。オペラのような、ミュージカルのような?オペラにもバレエ場面はあったりするけれど、オペレッタの場合は、歌手も踊ったりする。歌い踊る?そのあたりはミュージカルのようだが、発声はベルカントなので、そのあたりはオペラに近い。オペレッタの殿堂、ウィーン・フォルクスオーパーが初来日した頃は、日本人にとってオペレッタというものは馴染みのあるものではなかった。「メリー・ウィドゥ」や「こうもり」のような有名作品はレコードの全曲盤なども日本でも手に入ったと思うし、オペレッタの有名曲を有名歌手が歌ったものなどは聴いていた人は多かったと思う。なんだ、大衆文化だろう?聴く価値なんかあるのか?」というクラシック音楽愛好家もいただろう。ウィーン・フォルクスオーパーの初来日公演は1979年。当時は空席も目立ったという。オペレッタというもの、そのものに馴染みがなかったのだろう。日本人はカテゴライズするのが得意なところがあるから、そのような意味でも「聴いてみよう、観てみよう」というようにはならなかったのかもしれない。最初の頃は空席さえ目立ったウィーン・フォルクスオーパーの日本公演だが、来日を重ねるうちにチケット入手さえ難しくなっていった。当時としては珍しいことなのかもしれないが、口コミで広がっていったのだ。客席から笑い声、手拍子が・・・日本でもそのような光景が繰り広げられた。フォルクスオーパー側もオペレッタというものが、日本人に受け入れられたという感触を得たのかもしれない。何度目の来日公演かは把握していないが、僕の記憶だと1980年代の初め頃だったと思うが、「メリー・ウィドゥ」のような、いわゆる有名オペレッタではない演目をフォルクスオーパーは持ってきた。現地では人気作品であり、人気演目だが、おそらく日本人にとっては初体験となるような作品、しかも自分たちにとっては自信作である演目・・・それがエメリッヒ・カールマンの「チャールダーシュの女王」だった。日本では「カールマンって???」という感じだったのではないだろうか?フォルクスオーパーの賭けだったのかもしれないが、受け入れてくれるという自信もあったのかもしれない。結果は「レハールやシュトラウス以外にもこんなに楽しく、素晴らしい作品があったのね・・・」というものになった。僕は本当の意味でオペレッタというものが日本人に定着したのは、ウィーン・フォルクスオーパーの「チャールダーシュの女王」公演で客席から手拍子が湧き起った瞬間だと思っている。接してみなければ分からない・・・というところがオペレッタなのだと思う。洋館からピアノの音色が聴こえてくる。青年はその美しい音色に魅せられてしまった。曲は「乙女の祈り」だが、むろん青年はその曲の題名などは知らない。「どんな人が弾いているのだろう?」青年は塀の外でピアノの音色を毎日聴いた。音色だけではなく、まだ見ぬ深窓の令嬢に恋してしまった。玄関の呼び鈴を鳴らす勇気などない。ある日、青年は塀を登り、そして洋館のピアノの音がする部屋の窓の下にきた。侵入罪だということも気にならなかった。気にすることもできないほど胸が高鳴っていた。窓の外から中を覗きこむ。ピアノを弾いていたのは美しき令嬢ではなく、太った禿げ親父だった・・・このようなことが実際にあったのかは定かではないけれど、演奏から演奏者の容姿を想像してしまうということはあるような気がする。そのイメージと実際の容姿とのギャップが大きい場合、そして実際に大きい場合も多いと思うが、そのような時はショックというか、落胆するというか、現実というものをイヤというほど実感してしまうものだ。声というものは、美しい幻想を生みやすいものかもしれない。美しいソプラノの声に魅せられ、CDジャケットなどにも、そのソプラノの写真もない場合、ひたすら美しい、かつ危険な想像をしてしまうものだ。実際の姿を知ると「ああ・・・こんな人だったとは・・・」みたいな?今はネットがあるので、そのような悲劇(?)は少なくなったのかもしれないが、僕が子どもの頃所有していたルドルフ・ショックのレコードにも彼の写真は掲載されていなかった。舞踏会の写真、にこやかに踊る男女の写真、そして右下に巨大なシュトルツ(指揮者)の写真というジャケットだったと記憶している。今回、ルドルフ・ショックの容姿をネットで確認することができた。40年の時空を超え、彼の姿は子どもの頃に想像したそれと完全に一致したことが嬉しい。具体的な顔の造作などを想像していたわけでもないのだが、なんとなくハンサムでヨーロッパ的というかゲルマン的な容姿を想像していたことは確かだ。ネットは確かに便利だ。僕はルドルフ・ショックの顔だけを確認したかったわけではない。記憶に鮮明なオペレッタ以外の歌唱も確認したかったのだ。当時所有してたレコードは今は手元にないしね。一度彼の声と歌唱を聴きたかった。オペレッタ以外の作品で、どのような歌唱を残しているのかを知りたかった。ルドルフ・ショックはオペレッタ御用達歌手ではなかった。彼の歌唱と容姿との完全なる一致、調和(?)を感じたのが、リヒャルト・シュトラウスの「献呈」だった。声楽の世界では超有名曲だけれど、ピアノ弾きにとってはそうでもない曲だろうと思う。シューマンの「献呈」はピアノ弾きにも有名だと思うけれど・・・シュトラウスの献呈は比較的初期の歌曲で、初々しさを感じさせる。そこがショックの歌声と、そして容姿と重なってくるのだ。加えて、ヘルマン・フォン・ギルムの詞も、触ると火傷をしそうなほどの若さと熱さを感じさせる。フレッシュな感覚なんだよね。僕が君から遠く離れて苦しんでいるのを愛は人の心を痛めるんだねそのことを教えてくれた君に感謝したい・・・ありがとうかつて僕は自由を満喫していた。0△top軽音楽・重音楽ピアチェーレの演奏会で最初に演奏する曲がオペレッタのピアノ編曲。編曲は僕の大好きなピアニスト、スティーヴン・ハフ。原曲も素敵だが、何と言ってもハフの編曲が素晴らしいのだ。オペレッタ好きならエメリッヒ・カールマンの作品はお馴染みなのかもしれないが、そうでない場合、もしかしたら声楽専攻の音大生でも知らなかったりするのではないかと思ったりもしている。エメリッヒ・カールマンはハンガリー出身なので、正式にはカールマーン・イムレなどと呼ぶべきかもしれない。ユダヤ人だったので、迫害を受け、アメリカに渡っている。そこでも多くのオペレッタを残した。カールマン作品の特色は、レハールやシュトラウス作品とは比較にならないほど「ハンガリー色」が強いということ。一つはオペレッタとミュージカルの橋渡しのような役割を果たしたこと。ハフが編曲した、つまり僕が演奏する曲は、(日本では)知名度が高いとは決して言えないカールマン作品の中でも、地味な「モンマルトルのすみれ」というオペレッタからのナンバー。ハフがこの曲を知っていたということに、まず驚く。このオペレッタは日本でも上演されている。アマチュアたちによって上演されたみたいだ。アマチュアの熱意を感じたりもする。二期会などもカールマン作品の代表作「チャールダーシュの女王」などは日本語役で上演しているが、さすがに「モンマルトルのすみれ」では採算が取れないと思ったのか・・・などと勘繰ってしまう。ヨーロッパなどでは上演されているみたいだ。ユーチューブに動画もアップされている。頻繁に上演されるような有名作品ではないような気はする。ハフは大変に博学な人なので、「モンマルトルのすみれ」というオペレッタの全曲盤を聴いたりしていた可能性は高い。この人はコンチェルトの客演などでも、自分の出番後もオケの演奏を客席で聴いたりする人なのだ。普通は自分が演奏してしまえば帰ってしまうのではないだろうか?完全に僕の想像だが、ハフはルドルフ・ショックの歌唱を聴いていたのではないかと思う。ハフは編曲に際して、細かな記号というか、言葉での指示をかなり頻繁に楽譜に書き込んでいるが、その指示が、どうもルドルフ・ショックの歌唱と重なるところが多いような気がするのだ。ハフだったらルドルフ・ショックの魅惑的な歌唱は当然聴いたことがあるだろうと思う。僕だって知っていたくらいだもん・・・たしか、ロベルト・シュトルツの指揮によるオペレッタのアリア集が昔あったと記憶している。片面(レコードなので)がシュトルツ指揮によるワルツ集、そして裏面がショックの歌唱によるオペレッタというレコードを小学生のときから愛聴していたのだ。名前からも分かるようにルドルフ・ショックはドイツの歌手。多くの歌手と同様、この人も労働者階級の家庭で育った。音楽が好きだったのだろう、そして声も素晴らしかったのだろう、家計を助けるために歌ったりしていたみたいだ。クラシックではなく、酒場などで軽音楽などを歌っていた。オペラの舞台に立つようになると、すぐに戦争。戦争後は農業などをして、家計を支えていたらしい。オペラ界にカムバック後も母親の死によるショック、そして自身の心臓病などの悪化などもあり、随分苦労した人のようだ。当時の評論家からそのように言われることも多かったらしい。ショックはそのような意見に反発している。「親しみやすい音楽のどこがいけないの?くだらなくなんかないと思うよ?」と。これがハフも聴いたと僕が想像しているルドルフ・ショックの「モンマルトルのすみれ」からのナンバー・・・「初めての口づけも知らずに」という曲。甘い極上のナンバーであり、歌唱だ。「君は恋をしたことがないんだね?口づけさえしたことがないんだろう?恋するということは素晴らしいことなんだ・・・」みたいな感じかな?それにしても「軽音楽」とは珍妙な言葉だ。0△top「マルグレ・トゥー」ピアチェーレでの演奏会、曲目を一新した。僕の考えたプログラムはかなり異色なものなのかもしれない。いわゆる、クラシックの定番有名曲とクラシックの珍曲、クラシックではあるけれど、限りなくシャンソンに近い曲、そして南米のフォルクローレを自分でピアノ用に直したもの・・・等。僕としては、クラシックだからとか、歌謡曲だからということではなく、共通した何かを感じて頂ければ、とても嬉しい。多くの人がそうであるように、僕も演奏会においての選曲に対しては、ただ単に「好きだから・・・」とか「練習してきたから・・・」のようなものだけではない思い入れのようなものがある。ポンセの「マルグレ・トゥー」という曲は珍曲ということになるのだろうか?この曲があまり演奏されないのは、左手のための作品であるということと、やはりポンセがメキシコの作曲家であるということも関係しているように思う。メキシコに限らず、中南米の作曲家たちの作品は、いわゆる「おクラシック中心地」のものではないということなのかもしれない。「マルグレ・トゥー」が左手だけで演奏する作品になったのには理由がある。ポンセはヘスス・コントレラスという、やはりメキシコの彫刻家をとても尊敬していたらしい。ポンセはコントレラスの彫刻、「マルグレ・トゥー」という作品に感銘を受け、心が動いたのだと思う。コントレラスのために同名のピアノ曲を作曲した。コントレラスは右手を切断している。それでも彼は作品を創り続けた。「マルグレ・トゥー」も右手切断後の作品だ。コントレラスが左手だけで制作した彫刻なのだ。ポンセのピアノ曲も左手だけのための作品になったのだろうと思う。身体の機能を、身体の一部を失ってしまったら・・・もしピアノを弾いていて、自分の音が聴こえなくなったら?もし手の痛みを感じ、以前のように弾けなくなったら?そしてその痛みは消せないとなったら?やはり誰でも嘆くであろうと思う。失ったものを嘆くのだ。過去に自分が持っていたもの、当たり前のように感じていたものを失ったこと、これに対して嘆く。ある一線を越えたような経験をした人は、このような状況を「挑戦の機会」と感じるのだ。人生の喜びとは感じないだろうが、挑戦できる自分がいることを実感できる。嘆くという感情を持つこと自体に感謝すらできるようになる。困難を新たな挑戦に変えることができるのだ。エネルギーの源になるというかね・・・ヘスス・コントレラスの彫刻「マルグレ・トゥー」はそのような想いから生まれた作品のように思う。人間は踏みつけられても再び立ち上がることができるのだ。ビクトル・ハラが両手を砕かれても立ちあがり、そして歌おうとしたように・・・この動画はピアノではなく、アルパでの演奏。ポンセを感じるし、コントレラスを感じることができる。人は立ちあがることができるということも・・・何度も立ちあがることができるということも感じる。0△top誇りの静かな叫びピアチェーレの演奏会まで、あと約二か月。他のメンバーは暗譜もバッチリなんだろうなぁ・・・などと思うが、僕は選曲難民中。来年こそは「前倒し思考」をピアノにも活かそうなどと、今だけは思う。大きなテーマは決まっている。どこかクラシックと、そうではない音楽との融合のような感じ?クラシック以外の、たとえばラテンアメリカの歌謡曲、民族曲であるフォルクローレ、低俗か?そしてクラシックの定番曲は高尚か?クラシックってどこか堅苦しい、難しい、流行歌は低俗・・・そうかな?両方を並べて演奏してみてはどうだろう?あるいはクラシック音楽にカテゴライズされる曲でも、もうギリギリのところでそうなっているだけで、曲そのものは、たとえば、もろシャンソンなのでは...みたいな曲と、いわゆる「おクラシック曲」を並べてみる。何が出てくるだろう?これが一つ目の大きなテーマ。堅苦しいジャンル分けを取り払って演奏してみたら聴き手もそう感じるだろうか?もう一つの自分なりのテーマは、人がなんとなく抱いているであろう一つのイメージを取り払えることができるかへの挑戦。ラテンの音楽、中南米の曲・・・そこから抱くイメージというもの、それは一つのかけらに過ぎないのではないか?ラテンアメリカ・・・情熱的なタンゴ、強烈なサンバのリズム、降り注ぐ太陽・・・明るく、あくまでも明るく生きる人のイメージ・・・ああ、そのような固定観念を振り払ってみたい。一つめのテーマであるジャンルのカテゴライズを取り払うということも、固定観念というものへの反抗心というものが僕の根底にはあるのだろうと思う。ラテンアメリカ・・・人々は自然にリズムを操り、明るく陽気に・・・確かにそれもあるだろう。