息をまっすぐに出すこと。音の1つ1つに対してではなく、あるフレーズに対して前もって息を入れておき、もっと息をつなげて行くように。ピアニストとともに音楽を作ること。演奏位置をピアニストに近づけ、体もそちらの方を向くようにする。ピアニストのすぐ横に移動して演奏させていた。「大事な音と大事でない音を吹き分けてください」と譜面を見ながら「大事な音」を示し、それを中心にフレーズを作っていくように指示した。これが実は最重要ポイントだろう。ドール氏が「人はなぜ音楽をするのか」と質問。受講者である堀さんが「楽しいから」と答えると、さらに「では、自分が楽しむためか、他の人を楽しくさせたいからか」と質問を重ねた。堀さんが「両方」と答えると、ドール氏は「良い答えですね」と笑い、「聴いている人に、お話をするように吹いてください。音楽をするということは、あなたの何かを見せると言うことですから」。目の前に座っていた女性を指し、「今日は彼女のために吹いてください」。これで堀さんの演奏が明らかに変わるのだから面白い。「常に、音楽で何を語るのかを考えつつ吹く」というドール氏の教えは、前日のリサイタルを聴けば、まさに自身が最も大切にしているということが実感できる。2人目の受講者は国立音楽大学3年生の丁晃子さん(ピアノ:横山さやかさん)。R.シュトラウスのホルン協奏曲第1番を吹いた。「姿勢、息」ともう一度繰り返す。冒頭は「もっと息を入れて、もっと大きな音で。唇を使うのではなく、息だけで吹く感じで、もっと体を使って吹いてください」と言う。「もっと大きな音」というのが端的だがドールらしくて、思わず微笑んでしまう。その後も「のどを開いて、口ではなく息で吹く!」「息を止めないで、いつも青信号で」とか「息を100%以上の力で」と何度も繰り返し強調していた。ここでは、高音や低音の実践的な練習法も披露してくれた。ハイトーンは、ゲシュトップで練習することで、息を使う訓練になるのだと言う。ゲシュトップの状態で、ハイトーンが出てくるフレーズを低めから半音ずつ上げていく練習をするそうだ。いつもmfではなく、ffでも練習すること」。同じベルリンフィルのサラ・ウィリスといい、やはり“大きな音”のプライオリティは高いようだ。音量=ダイナミクスの幅が広がるということは、すなわち音楽表現の1要素の幅が広がるということなのだろう。「唇をプレスしすぎない」練習ということで、左手を離した状態でリップトリルをする第2部のミニコンサートでR.シュトラウスのホルン協奏曲第1番を演奏するシュテファン・ドール氏。前半のクリニックで言っていたことを(これも当然ながら)完璧に実行していたことを、聴衆一同深く納得3人目の受講者は東京藝術大学4年生の原川翔太郎さん(ピアノ:遠藤直子さん)。曲はゲディゲのホルン協奏曲。ドール氏は、「唇のプレスしすぎ」を指摘。「ハイトーンを出すときに楽器を離すように意識して」と言い、実践としては左手を離し、右手だけで楽器を保持してリップトリルの練習をさせた。楽器は不安定な状態だから、確かに唇をマウスピースに押し付けようがない。ブレスについてちょっと驚く発言があった。「もっとブレスの箇所を増やしましょう」と言うのだ。普段我々はなんとなく、フレーズをつなげるために、なるべくブレスの回数を減らした方がいいと思っていないだろうか。ドール氏は譜面を見ながら、「ここでも吸える、ここでもブレスできる。してもっとブレスしないのか」と言い、どんどん印を付けていった。回数を増やせばいいということではない。「曲が静かなところではゆっくり静かに息を吸うというように、音楽的にブレスすること」「いつもブレスの位置を決めて練習すること」ということだった。ドール氏のクリニックは身振り、手振りを交えてまるでショウのように楽しく、しかも受講者だけでなくそこにいた全員のためになり、誰でも深く納得できる内容だった。曲の解釈や演奏テクニックなどについて細かくやっていないのに、受講者の最初の演奏と最後の演奏で、まるで別人のようになってしまっていることに驚いた。休憩を挟んだミニコンサートでは前日のリサイタルと同じ横山歩さんのピアノで、R.シュトラウスのホルン協奏曲第1番を演奏。クリニックで話した内容を、今度は音で示してくれたのだった。名古屋でのマスタークラスのひとこま。客席の後ろに立ち、そこまで訴えかけて来るかどうかを確認。身振りでもっと遠くに向かって吹くように指示するページトップへ戻る。