マックス・ベックマンの《灰色の大波》。1905年、ベックマン、21歳頃の作品です。ベックマンはヴァイマールの絵画スクールで学んだ後、1905年の夏に北海からユトランドに行き、そこで絵を描きました。海の風景を見て、その形と色の抽象化を探求し、フランスの前衛を指針とした作品を仕上げました。印象派よりも輪郭が堅固で、自身の道を進むベックマンの姿が明確に見えます。当ブログでこんなにまとめてベックマンの作品をご紹介するのは初めてです。残念ながら、表現主義的な作品がほとんどなかったのですが、ベックマンの一端はお伝えできたでしょう。20世紀の絵画はまだまだ続きます。お付き合いくださいね。今日はハンブルクHamburgでゆったり散策。Kunsthalleで名画鑑賞。2階の常設展示室で20世紀の作品の展示を見て回っているところです。ベックマンのコレクションの展示室を出たところです。次はアンドレ・ドランの《静物》。1911年、ドラン、31歳頃の作品です。アンドレ・ドランは、フォーヴィスムのフランスの画家で、この作品のような静物画も得意なジャンルにしていました。これはキュービズム風の作品ですね。パブロ・ピカソの《画商クロヴィス・サゴ》。1909年、ピカソ、28歳頃の作品です。サーカス・メドラーノで道化師として働いていた古物商クロヴィス・サゴは若いピカソの作品を最初に取り扱うことのできた画商の一人になりました。ピカソは画商サゴの顔を仮面のように描きながら、キュビズムの道を探り始めました。色を減らし、ブラシストロークを工夫しながら、新しい絵画様式を確立していくようになります。パブロ・ピカソの《鼻が折れたピカドールの頭》。1903年、ピカソ、22歳頃の作品です。ピカソはパリに滞在時、ロダンの作品中に鼻の折れた男を見て、そのイメージをもとにして、バルセロナでこのピカドールの頭部の彫像を制作しました。ピカソは他の芸術家の作品からインスピレーションを得て、自分の作品を創造することが得意ですが、こんなに若い頃に彫刻作品でもその才を発揮していたんですね。次の展示室は《青および他の色から》という謎めいたメッセージが付けられています。Reiterに関連しているようです。青騎士の旗手であるフランツ・マルクの《猿のフリーズ》。1911年、マルク、31歳頃の作品です。マルク得意の動物が主題の絵画です。猿が描かれた作品は珍しいですね。同じ形の猿が繰り返し描かれて、リズムを作っています。装飾的な文様として描かれたとも言えます。背景の緑の植物、赤い山々、バラ色の空・・・すべてがマルクの内的世界として完璧に機能しています。次は青騎士の一方の旗手であるワシリー・カンディンスキーの《アラブ墓地》。1911年、カンディンスキー、43歳頃の作品です。イスラム教徒の墓地の描写は、カンディンスキーの1905年のチュニス旅行の思い出にまでさかのぼります。墓地という場所ではありますが、アフリカの明るい陽光を浴びて、賑やかな色彩が原色で描かれています。具象的な素材を抽象的に再構成し、美しいフォルムに描き上げているカンディンスキーの手際は見事です。モーリス・ド・ヴラマンクの《曳船》。1908~1910年、ヴラマンク、32~34歳頃の作品です。ヴラマンクもドランと同じく、フォーヴィスムのフランスの画家。1900年、シャトゥー出身の画家、アンドレ・ドランと偶然知り合って意気投合し、共同でアトリエを構えました。他者からは何ものをも受け付けなかったヴラマンクはファン・ゴッホにだけは少なからず影響を受けて、この作品にもゴッホの香りがします。アレクセイ・フォン・ヤウレンスキーの《ベゴニアのある静物》。1911年、ヤウレンスキー、46歳頃の作品です。兆しもみせており、彼の画家としての多面性や他の画家たちとの幅広い交友も垣間見えます。アレクセイ・フォン・ヤウレンスキーの《オーベルストドルフ近くのオイ渓谷》。1912年、ヤウレンスキー、47歳頃の作品です。青騎士とは微妙な距離にあったヤウレンスキーではありましたが、この作品では青騎士、それもカンディンスキーの影響を色濃く受けていることがうかがわれます。曖昧な色合い、具象性がとろけたような形象は青騎士そのものです。アウグスト・マッケの《雪の中のマリエン教会》。1911年、マッケ、24歳頃の作品です。マッケは青騎士のメンバーの一人。この作品は直線が活かされた構図で青騎士のなかでは独自の作風を保っています。マッケはこの頃、ボンのボルンハイマー通り88番地(今日のアウグスト・マッケ・ハウス美術館)の家に住んでいました。彼は屋根裏部屋をスタジオとして使用し、そこから街の南側の窓からの景色を数回描いています。この作品もその一枚です。アウグスト・マッケの《花咲く垣根のある我らが庭》。1912年、マッケ、25歳頃の作品です。この作品はボンで描かれました。彼の妻のエリザベス・マッケは回顧録で次のように述べています。「春には、すべてのものが花の海に浸っていました。家の後ろには大きな庭、納屋、菜園があります。鮮やかな緑の芝生には、花と繁茂する植物が近くにあります。マッケはしっかりと厚塗りの油絵の具で画面を塗っています。彼は家族(妻と息子)を中心にしていて、芸術的または社会的慣習に疑問を投げかけたり、政治的意図を追求したりする代わりに、当時の自分の環境により関心を抱いていました。彼は自分の生き方と仕事を「自然の喜び」と表現していました。その彼に悲劇が訪れるのはわずか2年先のことです。アウグスト・マッケの《公園の母と子》。1914年、マッケ、27歳頃の作品です。第一次世界大戦の前夜、アウグスト・マッケと彼の家族はスイスの町ヒルターフィンゲンで幸せで屈託のない月日を過ごしました。彼らのトゥーン湖への避難は、遠く離れたベルリンでの政治的緊張と芸術上の闘争を忘れさせました。マッケは非常に生産的でした。この絵は、妻のエリザベスと息子のウォルターが水辺を歩いている様子を描いています。絵のように単純化された2つの大きな後ろ姿は、緑豊かな植物に囲まれた光に満ちた小道を歩いています。その光景はあたかも楽園に変容するかに見えます。この絵画は、マッケの芸術の基本的な特徴、つまり自然と人間のアルカディアの調和の祝福を表しています。マッケは、明暗、形と線、面と空間を調和した全体に組み合わせ、重厚で時代を超越したような構成を構築しています。この彼の幸福な時代はこの年に勃発した第1次世界大戦の波に飲み込まれ、若干、27歳でマッケは戦死します。青騎士の仲間のフランツ・マルクと同様に過酷な運命にさらされるわけです。マッケとマルク、もう少し、彼らに時間を与えてやりたかった・・・。青騎士の画家たちの作品に続くのはドイツ表現主義の雄、エルンスト・ルートヴィッヒ・キルヒナーのコレクションです。:今日のノット&東響もウーンと唸らされる最高の演奏。そもそも、リゲティ、R.シュトラウス、モーツァルトと並べたプログラムが素晴らしいので、成功は最初から約束されていたようなものです。どれも素晴らしかったのですが、特にリゲティはスペシャリストのノットならではの極上の演奏。《メロディーエン》はあたかも漆黒の闇を光の粒が飛び舞う様を思い浮かべるような未体験のオーケストラの響きに魅了されます。冒頭から、その光の粒はキラキラと飛び交い、いったん、上昇して、天頂に留まります。その後、地上に降り立って、魅惑の動きをした後、閃光がほとばしって、また、天頂に上り詰め、次第に消え去っていきます。リゲティ、畢生の名作をノットと東響は至高の演奏で魅惑してくれました。13分ほどの曲ですが、美しい響きがぎゅっと凝縮されたような傑作の名演でした。R.シュトラウスのオーボエ協奏曲は晩年の名作です。最後のオペラ《ダナエの愛》、《カプリッチョ》の残影のような誠実さと諦観に満ちた隠れた名曲です。絵理子の見事な演奏、美しい響きがすべてです。第2楽章はまるで歌詞のないオペラのアリアを聴いているような気になりました。《ダナエの愛》の終盤のダナエのモノローグのようなアリア、《カプリッチョ》の終幕の伯爵令嬢のモノローグのアリアの世界です。絵理子も意識して演奏していたんでしょう。最高のR.シュトラウスを堪能しました。ノット指揮の東響の伴奏も完璧でした。第41番「ジュピター」は前半と一転して、古典の音塊(字の誤りではありませんよ)がバンバン鳴り響きます。小気味よい演奏が心地よく感じられます。両端楽章が素晴らしい演奏で、これぞ現代のモーツァルト演奏の規範という感じでした。素晴らしいフーガに心奪われながら、ノットのモーツァルトを満喫しました。聴きようによっては、モーツァルトのオペラに通じるところもあるような演奏スタイルでしたし、ノットの指揮の姿の華麗さも見ものでした。指揮棒を持っていない左手の動きが素晴らしく、見事にオーケストラを操っていました。ちなみに明日もR.シュトラウス、モーツァルトの2曲を聴きます。明日はさらにダブルヘッダーでバッハ・コレギウム・ジャパンの名人たちのブランデルブルク協奏曲全曲も聴きます。毎日、音楽三昧でこんなに人生が楽しくてよいものか・・・。最後に予習について、まとめておきます。1曲目のリゲティの管弦楽のためのメロディーエンを予習したCDは以下です。セッション録音これは同曲の決定盤でしょう。リゲティの譜面を精緻に読み込んだノットの指揮が光ります。これを上回る演奏があるとすれば、ノット&東響の演奏のみ。2曲目のR.シュトラウスのオーボエ協奏曲を予習したCDは以下です。セッション録音ローター・コッホの安定した演奏とその表現力が見事です。R.シュトラウスを得意とするカラヤンも晩年のシュトラウスの穏やかな諦念を美しく表現します。この曲でここまでの演奏は初めて聴きました。これからよい演奏が現れることを念願します。第41番「ジュピター」を予習したCDは以下です。モノラルのセッション録音セルの引き締まった素晴らしい響きの演奏はまさに決定盤。クーベリックは意外にゆったりした正攻法の演奏で味わい深いものがあえいます。モーツァルトと言えば、ワルター。saraiが子供の頃から聴いてきたのはコロンビア交響曲とのステレオ録音。これは耳に焼き付いていますから、予習の必要はありません。ニューヨーク・フィルとの演奏はもっときびきびしています。演奏時間も短い筈です。第2楽章だけはこのニューヨーク・フィルともテンポを落とし、音量も小さくして、極めて美しい演奏をしています。これは誰にも真似できないワルターの至芸です。:今日はコンサートを2回聴きます(ミューザ川崎、東京オペラシティ)。1回目は朝11時からのミューザ川崎でのモーツァルト・マチネ。昨日聴いた東響のオペラシティ定期と同じプログラムです。本来、オペラシティ定期とモーツァルト・マチネは関係ありませんが、ノット&東響とモーツァルトつながりで同じようなプログラムになったのでしょう。今日のプログラムでは、昨日の素晴らしかったリゲティを除いて、R.シュトラウスのオーボエ協奏曲とモーツァルトの交響曲第41番《ジュピター》が演奏されます。R.シュトラウスのオーボエ協奏曲です。絵理子のオーボエの響きは柔らかいです。昨日に比べて、リラックスして演奏できているようです。昨日はちょっと肩に力が入り過ぎていたのかもしれません。気のせいか、表情も柔和な感じです。第2楽章に入ると、彼女のオーボエの響きと表情はさらに冴え渡り、まるでゾーンに入ったような素晴らしさ。前日以上にシュトラウスのオペラのアリアを聴いている感じになります。陰影に富み、誠実で人生をしみじみと振り返るような音楽に感銘を受けます。第3楽章への経過部にはいります。昨日はここから少し演奏に固さと乱れがありましたが、今日の彼女の演奏は万全です。第3楽章の前半を素晴らしい演奏で乗り切り、そのまま、終盤に向かっていきます。圧巻のフィナーレを吹き切ってくれました。ホームグラウンドのミューザ川崎で心が安定したんでしょうか。ノット指揮の東響とのアンサンブルも素晴らしいものでした。素晴らしいR.シュトラウスの晩年の作品を聴けて、saraiも万感の思いです。第41番「ジュピター」です。昨日と同様、終始、万全の演奏でした。ノットが指揮台上で大きく動き回りながら、オーケストラを鼓舞します。東響は素晴らしく響き渡るトゥッティと冴え冴えとした弦楽アンサンブルで耳を楽しませてくれます。終楽章に入ると、音楽はますます熱気をはらんでいきます。リズムに乗って、東響のアンサンブルが前へ前へと走り抜けていきます。その颯爽とした音楽に聴く者の心が高潮するのみです。いやはや、ノットのモーツァルトには参りました。これで今日の1回目のコンサートは大いなる満足感のうちに終了。2回目のコンサート会場に移動します。2回目のコンサートはバッハ・コレギウム・ジャパンのバッハ、ブランデルブルク協奏曲全曲です。このコンサートの記事はここです。休憩なし最後に予習について、まとめておきます。(内容は昨日の記事と同じです。)1曲目のR.シュトラウスのオーボエ協奏曲を予習したCDは以下です。セッション録音ローター・コッホの安定した演奏とその表現力が見事です。R.シュトラウスを得意とするカラヤンも晩年のシュトラウスの穏やかな諦念を美しく表現します。この曲でここまでの演奏は初めて聴きました。これからよい演奏が現れることを念願します。第41番「ジュピター」を予習したCDは以下です。モノラル、セッション録音セルの引き締まった素晴らしい響きの演奏はまさに決定盤。クーベリックは意外にゆったりした正攻法の演奏で味わい深いものがあえいます。モーツァルトと言えば、ワルター。saraiが子供の頃から聴いてきたのはコロンビア交響曲とのステレオ録音。これは耳に焼き付いていますから、予習の必要はありません。ニューヨーク・フィルとの演奏はもっときびきびしています。演奏時間も短い筈です。第2楽章だけはこのニューヨーク・フィルともテンポを落とし、音量も小さくして、極めて美しい演奏をしています。これは誰にも真似できないワルターの至芸です。:今日、2回目のコンサートはバッハ・コレギウム・ジャパンのブランデンブルク協奏曲全曲。いつものように名人揃いの演奏で素晴らしいだろうとは思っていましたが、それを遥かに凌駕するあり得ないような演奏が続きました。古楽で演奏するブランデンブルク協奏曲はモダンオーケストラの演奏とは違って、少人数での室内楽みたいなものです。全曲通してずっと舞台にいたのは指揮・チェンバロの鈴木優人と通奏低音のコントラバス奏者くらいで、曲ごとに楽器もメンバーも入れ替わります。こんなに楽器とメンバーを揃えたものです。その彼らが名人揃いで口あんぐりの演奏をしてくれるのですから、たまりません。どれも素晴らしかったのですが、とりわけ、第2番が素晴らしかったんです。若松夏美のヴァイオリン、アンドレアス・ベーレンのリコーダー、ギ・フェルベの渦巻き型トランペット(まるで小型ホルンみたい!)、三宮正満のオーボエ・ダ・モーレ(かな?)の超絶的アンサンブルは聴いている最中から、あまりの凄さに笑っちゃうくらいです。名人たちが集まると、音楽がこんなに楽しくなるのね。作曲したバッハ本人もこの場にいれば、笑っちゃうでしょう。それともバッハの時代にもこんな名人たちがいたんでしょうか。今回、バッハ・コレギウム・ジャパンの若返りをはかるためか、一部、若手の登用もありました。名人たちに交じって、明日のバッハ・コレギウム・ジャパンを担うべく、頑張れ!若手。立派に父親、鈴木雅明の任を引き継いでいます。第5番のチェンバロ独奏も見事でした。音楽の世界では楽才のDNAを引き継いだ例は少なくないですが、このように目の当たりにすると本当に驚いてしまいます。来シーズンはBCJ創設30周年だそうです。鈴木雅明のBCJ創設の功績は偉大ですが、それ以上に彼を超えるとも思える逸材、鈴木優人を育て上げたことが素晴らしいですね。ちなみに鈴木優人は前後半、マイクを握って、軽く演奏の解説をしてくれました。実に適切で簡明なスピーチ。いうところにも才能が滲みます。今日の演奏順は前半の3曲が調号にフラットがあるもので、順にフラット一つ、二つ、一つの曲。後半の3曲が調号にシャープがあるもので、順にシャープ一つ、二つ、一つの曲。いう構成に関する説明もありました。ブランデンブルク協奏曲全曲を実演で聴きとおしたのは初体験。それがこんなに素晴らしい演奏に出会えたとは、何と幸運だったのでしょう。それも日本にいながらにして、こんな最上級のものを聴けるのは幸せ以外の何ものでもありません。今日は1回目のコンサートも素晴らしかったし、音楽ファンとして、素晴らしい一日でした。1回目のコンサート、ノット&東響のモーツアルト・マチネの記事はここに書きました。今日のプログラムは以下です。BWV1048最後に予習について、まとめておきます。新旧の代表的な名盤を聴きました。LPレコードいずれも素晴らしい演奏です。両者とも第4番が特に優れた演奏です。リヒター盤は素晴らしく状態のよいLPレコードで聴きました。驚くほどの音質のよさに驚愕しました。今日はハンブルクHamburgでゆったり散策。Kunsthalleで名画鑑賞。2階の常設展示室で20世紀の作品の展示を見て回っているところです。次はエルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの展示室です。この旅の初めにデュッセルドルフK20州立美術舘で素晴らしい作品を見たばかりですが、またしても再会します。キルヒナーはベックマンと並ぶドイツ表現主義を代表する画家です。Brücke」を結成して、従来のアカデミックな芸術に反抗する若手画家として活動しました。キルヒナーも当然、ナチスから退廃芸術の烙印を押され、そのショックから、1938年にピストル自殺を遂げます。退廃芸術のそしりを受けた多くの画家の中で、saraiの脳裏に真っ先に浮かぶのはキルヒナーとベックマンの二人です。ヨーロッパの美術館では、無意識のうちに、この二人の作品を探して、見入ってしまいます。ヒットラーに嫌われそうな彼らの作品に深い感慨を覚えてしまいます。キルヒナーの作品は、どぎつい色彩と激しいフォルムで実に表現主義的です。その作品群を見ていきます。エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの《モーリッツブルクの家》。1910年、キルヒナー、30歳頃の作品です。モーリッツブルクはドレスデン近郊で、湖の中に建つモーリッツブルク城で有名です。キルヒナーは毎夏、画家グループのブリュッケの仲間と遊びに出かけていたそうです。saraiも10年以上前にSLに乗って出かけたことがありました。そのときにお城の前に小さな村がありましたが、この家はその中の一軒なのでしょうか。この作品はキルヒナーにしては比較的、マイルドな感じで描かれています。初期の青騎士の作品に通じるようなものを感じます。エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの《画家とモデル》。1910年、キルヒナー、30歳頃の作品です。1926年にベルリンからダボスに輸送中に損傷を受けて、彼自身の手で新しい描き方で修復されました。画家グループのブリュッケにとって、女性モデルは芸術的な創造の動機となるもので、アカデミックな伝統に反して、モデルの裸の体を野性的に描きました。彼らのホーム・スタディオでは、そこを創造的なシェルターとして、生活と仕事の融合を目指した活動の場としました。この作品では画家がベッドから抜け出して、素早くコートをまとって、絵筆をとる姿が画面の中心にあり、ベッドに残ったモデル(パートナー)は服を着て、ポーズをとろうとしているところです。作品は原色の色使いと大胆なフォルムでキルヒナーの特徴が浮き彫りになっています。エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの《のんびりした女の子たち》。1911年、キルヒナー、31歳頃の作品です。モデルの女の子たちはホーム・スタディオでのんびりした姿を見せています。キルヒナーの描き方も珍しく、装飾的です。リラックスして描いた作品のようです。1913年、キルヒナー、33歳頃の作品です。フェーマルン島はモーリッツブルクと同じく、キルヒナーとブリュッケの仲間たちが夏を過ごしたところで、バルト海南部にあるドイツのシュレースヴィヒ=ホルシュタイン州に属する島です。ドイツで3番目に大きな島です。ドイツ本土とはフェーマルン・スンド海峡で隔てられており、フェーマルン・スンド橋が1963年に架けられました。その島にあるアパートが描かれています。ファン・ゴッホの《オーヴェールの教会》のように描かれていますね。アパートの前を歩く一組の男女もいわくありげです。エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの《鉄の鍛冶屋》。1915年、キルヒナー、35歳頃の作品です。作られたのは第一次世界大戦中です。この頃、ドイツでは戦争の象徴として、多くの鉄の鍛冶屋の像が作られたそうですが、この彫像との関連は分かりません。エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの《白い牛》。1920年、キルヒナー、40歳頃の作品です。キルヒナーの描いた動物とは珍しい。マルクとまた違った描き方で面白いですが、青騎士風でもあり、気になる作品です。このとき、動物を主なモチーフにしていたマルクは第1次世界大戦で戦死して、もう、この世にはいません。エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの《居間》。1923年、キルヒナー、43歳頃の作品です。ここでもキルヒナーの描く絵の画面の中心は自画像です。彼は画面からこちらを覗き込んでいます。思わずキルヒナーと視線が合いそうになります。原色系の色彩はもう病的ですらあります。キルヒナーの精神がむしばまれているのが痛切に感じられます。エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの《人々の前のカップル》。1924年、キルヒナー、44歳頃の作品です。裸で歩くカップルの男性はキルヒナー自身なのでしょうか。人々に嘲笑されているようです。何と痛々しい作品でしょう。楽園を追放されたアダムとイヴのようにも見えます。ブリュッケ結成時の野心に満ちた作風は一変しています。ダボスに居を移して、7年ほどですが、この14年後にナチスに退廃芸術のレッテルを貼られたことでダボスの自宅でピストル自殺を遂げます。この時点でかなり、精神的な問題を抱えていたようです。繊細な彼の神経では、激動の時代の波に抗しきれなかったようです。キルヒナーの作品は以前、ベルン市立美術館の一室を占めていた大コレクションでも見ましたが、この美術館のコレクションも素晴らしいです。次もドイツ表現主義のエミール・ノルデの大コレクションです。Brücke」に参加していました。今日はハンブルクHamburgでゆったり散策。Kunsthalleで名画鑑賞。2階の常設展示室で20世紀の作品の展示を見て回っているところです。ドイツ表現派の旗手、エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーの充実したコレクションを見たところです。そのキルヒナーやマックス・ベックマンと並ぶドイツ表現派のエミール・ノルデの展示室に進みます。エミール・ノルデはドイツ人の画家(出身地のノルデは現在はデンマーク領)で表現主義的な傾向の絵画を描きましたが、どのグループにも属さずに、あくまでも独自の道を行きました。一時、キルヒナーたちの芸術家集団のブリュッケに所属しましたが、長続きせずに1年ほどで脱退しました。彼もまた、ナチスにより、退廃芸術の烙印を押されることになります。彼はナチス党員であったにもかかわらずです。戦後は退廃芸術家であったことがプラス方向に働き、広く社会に認められることになります。ところがまた、今年になって、彼の過去が洗い直されることになります。新しい研究でノルデがナチスに深く傾倒し、反ユダヤ主義的な動きをしていたことが分かり、にわかにノルデの作品は批判の嵐にさらされているそうです。長くドイツ首相の執務室に飾られていた2点の絵画もメルケル首相によって、取りはずされたそうです。近年、芸術家の人となりとその芸術は強くリンクされることが社会的な風潮になっています。その波に飲み込まれて、ノルデの作品も消え去る運命にあるのでしょうか。芸術家本人とその作品は一体化したものなのか、独立したものなのか。今後、深く考えていくべき問題でしょうね。このハンブルク市立美術館を訪れた時点では、ノルデの作品は美術館の中心的な役割を担っていました。その作品群を見ていきましょう。エミール・ノルデの《風の中の船乗り》。1910年、ノルデ、43歳頃の作品です。強い風を受けて傾きながら進む帆船が暗い画面の中に描かれています。大胆なタッチはファン・ゴッホの影響を感じます。色彩は暗めに渋い表現です。エミール・ノルデの《エルベ川のタグボート》。1910年、ノルデ、43歳頃の作品です。煙を上げて、荒波の中を進む船が大胆なタッチで描かれています。色彩表現も原色系ではなく、表現主義というよりもファン・ゴッホの影響を感じます。エミール・ノルデの《紳士と淑女(赤い室内)》。1911年、ノルデ、44歳頃の作品です。赤い部屋の中でワイングラスを挟んで座る正装の男女が極めて単純化されたフォルムと簡明な色彩で描かれています。ドイツ表現主義の王道をいくような作品です。エミール・ノルデの《エジプトの聖マリア(三連祭壇画)》。1912年、ノルデ、45歳頃の作品です。3部構成の作品は、エジプトのマリアのあまり知られていない伝説を描いています。エジプトのマリアはキリスト教の聖人で、特に正教会で、第一の聖人の聖母マリアに次ぐ第二の聖人とも呼ばれ、極めて篤く崇敬されているそうです。ノルデはこの頃、宗教を題材とした作品に取り組んでいました。表現主義はいかにも宗教画には不似合いな感じですが、それを逆手にとって、視覚的な魅力を排除して、本質的な価値に踏み込もうとした意欲作ですが、意外に絵画ファンにも受け入れられました。三連祭壇画の左側の絵画《アレクサンドリア港》です。マリアは、エルサレムへの巡礼を決心するまで、アレクサンドリアの売春婦でした。淫蕩にふける裸のマリアが実に表現主義的に描き出されています。三連祭壇画の中央の絵画《転換》です。マリアは、聖墳墓教会の入り口で立ち入ることができませんでした。聖母子像の前で祈りをささげ、彼女自身、キリスト教精神に目覚めた後、ようやく、立ち入ることができました。赤いドレスのマリアの一心不乱の必死な姿が見事に表現されています。三連祭壇画の右側の絵画《砂漠での死》です。数年後、マリアは砂漠で後悔して亡くなり、パレスチナの聖ゾシマがマリアを発見しました。彼がまだ彼女を埋めることを考えている間に、ライオンが来て、彼の足で墓を掘りました。荘厳なシーンが描き切れています。ここまでくると、表現手法が何かよりも、どこまで本質的な内容に迫っているかが重要であることが分かります。以上の三連祭壇画はハンブルク市立美術館の至宝であり、ノルデ自身もこの作品がこの美術館に収められることを望んでいたそうです。1915年、ノルデ、48歳頃の作品です。