長野県の小布施(おぶせ)に行ってきました。長野駅から長野電鉄で約30分。町並みがとても美しく整備されていて、外国人観光客が非常に多い、インバウンドの町です。観光の目玉は、まずはなんといっても葛飾北斎です。どれくらい北斎かというと、マンホールの蓋が以下のような感じ。神奈川沖浪裏の波濤ですね。このあたりの町並みは、本当に美しいです。外国人観光客でごったがえしております。80歳になってから、4度も小布施に通っています。パトロンの高井鴻山がいたというのが重要だったのでしょう。北斎というと、一般的には浮世絵で有名です。小布施時代には肉筆画を中心に活動していて、北斎館には貴重な作品がたくさん展示されています。見物なのは、祭りの山車の天井に描かれた肉筆画です。龍と鳳凰、男波と女波、迫力満点で、実に見事です。この手の美術館で入館料1000円は、最初は多少高めに感じましたが、いやいや、ぜんぜん問題ありません。北斎館から東へ2kmほど行ったところにあるのが、岩松院というお寺(曹洞宗)です。ここが必見なのは、本堂の大間天井に、北斎の肉筆「八方睨み鳳凰図」が描かれているからです。山を背負って、山門が構えています。左右の仁王像が、なかなか愛嬌があります。仁王様、八方睨みな感じ?本堂入館料は300円。いやあ、大迫力の天井絵でした。89歳の筆になるものとは思えない迫力です。小布施に来たからには、絶対に寄るべきでしょう。岩松院には、他にも見所がたくさんあります。広島藩改易後に信濃国高井野藩に国替えとなり、ここで波乱の生涯を閉じます。上の写真、石段を登ったところにあるのが霊廟です。一つは、小林一茶の「やせ蛙まけるな一茶これにあり」の句で有名な、蛙が相撲をしていた池です。一茶は文化13(西暦1816)年に岩松院を訪れ、例の句を詠んだということです。最近は、小林一茶というと即座に精力絶倫を連想してしまうという...さて、こんなふうに小布施に文化が花開いたのは、文化活動に熱心な大旦那たちがいたからです。そのなかでもきわめて重要なのが、高井鴻山です。町の中心部に記念館があります。自らが文化人でもあった高井鴻山の書・詩・画が展示されています。見所は、愛嬌のある妖怪絵です。一つ目の妖怪がとてもかわいいです。日本家屋にも入れ、二階にも上がれます。しながらも、清潔感に溢れる、たいへん良い気分になる建物です。二階から見える景色が、実に「和」。いうパトロンたちが日本の文化を根底から支えていたことがよく分かる、たいへん良い博物館です。小布施は、町の中も綺麗に整備されていて、とても気分が良くなるところです。小さくも丁寧に手入れされた庭園をいくつも回れます。路地の一つ一つの完成度が高いです。美味しい栗のスイーツに舌鼓を打ちつつ、また訪れたいと思った、素敵な町でした。「みんなのミュシャ」展(Bunkamuraザ・ミュージアム)を観てきました。印刷物やテレビ番組等で作品自体を目にすることは多いのだけれど、実際のポスターはとても大きくて、迫力があります。繊細な線に、惚れ惚れとします。情報量が多くて、いつまでも見ていられる感じ。眼福だったのはともかく、個人的な研究を豊かにする2つの目的があって観に行きました。一つは「装飾芸術」の位置づけ、もう一つは「ナショナリズム」の観点です。ヨーロッパは伝統的に「装飾芸術」を低く見て、古典的な絵画と彫刻のみを上級の「美術」とみなす傾向がありました。19世紀末からジャポニズムの影響やラスキンやモリスの主張等もあり、装飾芸術の地位が高まっていくことになります。注目されるのは、装飾芸術の復権が民族的意匠の再発見を伴っていることです。具体的には日本や中国の造形美術に対する高い評価の他、東欧(ハンガリーなど)の民族的意匠が注目されていきます。ミュシャに対する評価はこういう19世紀末ヨーロッパの空気と関係しているのかな、という関心がありました。ミュシャ自身がデザインサンプルを大量に残していることに、確かに時代の空気を感じてきたのでした。図録でも「ミュシャの装飾文様と日本の七宝について」(38-39頁)で、民族的意匠との関連が指摘されているところです。一つの「ナショナリズム」に関しては、ミュシャ自身の「スラブ叙事詩」ほどではないですが、なかなか興味深い作品が展示されていました。こちら、写真撮影OKのスペースに展示されていたので、撮ってきました。黒い眼帯をしているのは、チェコの英雄ヤン・ジシュカです。ディーヴチー・ヴァールカ』ヤン・フスについては私の大学での授業「教育原論」でも触れています。教員採用試験に必ず出てくる教育思想家コメニウスと深い関係があるからです。ルターの宗教改革との比較でも触れることになります。ヤン・フスやコメニウスについて触れるとき、ミュシャの作品は学生たちに具体的なイメージを喚起させるのに、とても役に立ちます。この作品に付された解説パネルには以下のような説明がありました。「チェコ人の戦う魂の象徴」ということです。ミュシャは19世紀末から20世紀初頭の「ナショナリズム」の勃興を体現している人で、間違いないわけです。図録でも「チェコ復興運動の機運が高まる」とか「画家として祖国復興に貢献することを目指していた」(41頁)とか「熱心な汎スラブ主義者だったミュシャ」(42頁)などと書かれているところです。そんな民族主義者ミュシャの絵が、遠い極東日本に大きな影響を与えているという不思議さ。会場にはミュシャに影響を受けた現代日本作家の作品も展示されていました。私の世代にはお馴染みの天野喜孝(FF)や出渕裕(ディー土リット)の作品があって、眼福でした。あけみというラインナップ。ミュシャの作品は、民族主義を突きつめるとかえって普遍的になっていくという、ひとつの好運な例なのかもしれません。本展覧会の名前自体が「みんなのミュシャ」という。「スラヴのミュシャ」を自認していたミュシャ本人(ムハと呼ぶべきか?)は、どう思ってますかね。平日の昼なのに大混雑で、みんなミュシャが好きなんだなあと再確認した展覧会でした。遊楽図の系譜」展を見てきました。「遊び」というと、近代以降では子どもの専売特許のような印象を持ちがちなのですが、かつては大人も子どもも一緒になって全力で遊ぶものでした。大人も一緒に遊ぶ様子がよく分かる展覧会だったように思います。中世では、蹴鞠や貝合という遊びは貴族の嗜みでした。梁塵秘抄に記された「遊びをせんとや生れけん」とは、後白河法皇が愛した今様に由来します。中世以降は、中国の士大夫層の嗜みであった「琴棋書画」がアレンジされて、屏風や襖絵が描かれることになります。遊んでいるのは大半がいい大人です。近世初期に描かれた風俗図や遊楽図でも、全力で踊っているのは、大人です。子どもも描かれてはいますが、授乳されていたり、手を引かれていたりするのが目立つくらいで、遊びの主役であるようには見えません。囲碁や将棋や双六の盤は、豪華な蒔絵を施された嫁入り道具にもなっており、単なる子どもの遊び道具とは扱われていません。総合的に見て、「遊びは子どものもの」という意識を確認することはできません。子どもと大人の遊びが明確に分裂し、「遊びは子どものもの」という意識が作られていくのは、近世中期以降のことでしょうかね。この時期に作られた児童用玩具が大量に発掘されているのを思い出します。近世中期は、子どもに対する教育の意図が明確に目立ち始める時期でもあります。「子ども=遊ぶもの/大人=働くもの」の分離プロセスについて、想像力が喚起される展覧会でした。開催されている「クリムト展―ウィーンと日本1900」に行ってきました。有名な「ユディトI」の生は圧巻でした。図版で見ている時は気づかなかったのですが、生で見ると、額縁も含めた立体的な装飾技術が素晴らしいのに驚きます。平面的な装飾美術と立体的な装飾美術の総合が、他にない独特の雰囲気を作り出しているような感じがしました。人物表現の立体性(顔と乳房)と平面性(頭髪と衣服)の落差に対する衝撃も、全体的な装飾技術の立体性と平面性の落差によってさらに際立っている気がします。見入ってしまいました。あと不勉強にして知らなかったのですが、「ベートーヴェン・フリーズ」は圧巻でした。わけの分からない執拗な迫力に満ちております。お腹とか、垂れた乳房とか、膝の描写とか、病的で、衝撃を受けます。この病的な感じに対して、なんとなく宮西計三とか大矢ちきとか山岸凉子とか楠本まきとかを思い出してしまうわけですが、もちろんクリムトのほうが先ですね。個人的な研究に関して、もちろん私は美術の専門ではないわけですけれども、かねてから気になっていたのは19世紀後半から20世紀初頭にかけて先鋭化していったように見える「純粋芸術/装飾美術」=「普遍主義/民族主義」の展開過程です。先行研究でもジャポニズムの流行と絡めて議論が進んでいるところだと思います。クリムトが活躍した多民族国家オーストリア=ハンガリー帝国でも、大ドイツ主義の挫折とも絡んで、芸術概念の再編成とナショナリズム意識の錯綜とした展開があっただろうと思います。チェコのアルフォンス・ミュシャとは異なって明示的な民族主義は見られないものの、ジャポニズムの影響を受けつつ「純粋芸術」に対する「分離」を志向したクリムトにも、何らかの時代精神が反映しているのではないかと注目しながら見たわけではあります。私の現在の実力では、よく分かりませんでした。いう観念的なものよりも、「退廃」や「官能」や、あるいは「死」の臭いの方が圧倒的に濃厚でした。開催中の「ルーベンス展―バロックの誕生」に行ってきました。フランドル出身のルーベンスとイタリア美術との関連に焦点をあてた展覧会です。第一印象は、とにかく「躍動感に溢れている」ということです。人物のポージングがポイントなのでしょう。真っ直ぐに突っ立っている人物はほとんどおらず、ほぼ必ず首と腰をひねって、肩を押しだし、太ももを振り上げ膝を曲げて重心を傾けています。「ひねり」と「重心の傾き」から動きに対する予感が芽生え、躍動感が生じます。前日見たフェルメール描く人物はまったく腰をひねっておらず、ほぼ真っ直ぐ静謐に突っ立ち、躍動感の欠片もなく、時間が止まっていて、ルーベンスとのあまりの違いに、これが同じフランドルのバロック作家かと愕然とします。ルーベンスが死んだ8年前にフェルメールが生まれているらしく、二人が生きていた時代はかろうじて被っているはずなのですが、題材のチョイスから、人物のポージングから、筆遣いから、なにもかもが異なっていることに驚きます。この間のオランダの歴史的激動(独立戦争や三十年戦争など)や宗教改革がどのように影響しているのかどうか、歴史屋としては興味あるところではあります。素人として素朴に思うのは、デッサンが狂ってる絵があるんじゃないかという疑惑です。女性の裸体画で違和感が著しく、首から背中にかけての肉の付き方や首と頭の接続が異常に見えます。デッサンが狂っていることがそのまま絵の稚拙さを表わすわけではなく、現代萌え絵にも見られるとおり「鑑賞者からの見栄えを優先して故意にデッサンを歪める」ことも表現技法の一つであって、ルーベンスの裸体像に見られる個人的違和感も、当時に固有の表現技法に由来するのかもしれません。いや、デッサンが狂ってると私ごときが決めつけるのも巨匠に対して失礼な話ではありますが、まあ、率直に言えば、ルーベンスが描く肉々しい女体からは感情が沸き立ちませんし、家に飾りたいとも思いません(もちろん仮に欲しかったとしても手に入るわけはないのですが)。「パエトンの墜落」など躍動感溢れる群像表現には、素直に感嘆の情が沸き起こってきます。