(^-^)/写真を撮りますよ!こっちを向いて・・・・!!!「その曲を弾けるからといって、必ずしも指導出来る分けではありません。大きいお姉さん達も、勿論、指導のサポートをします。(^-^)/・・・わかった???一般的には、音楽が演奏出来るようになれば、指導は出来るようになると思われています。上級生にとっては、初心者を指導するのは、いとも簡単!!と、ついつい思いがちです。・・・ところがそうは問屋が卸しません。音楽大学を卒業して、就職を希望する先生予備軍の人達が教室にも訪れます。その人達の大半は、一度も子供を指導した経験がないだけではなく、初歩の教材なんかは勉強する必要は何もない・・と思っています。実際には、音楽大学時代に、バイトで近場の音楽教室で指導した経験がある生徒もいます。確かに、そういった経験があると子あたりは、他の就職希望者よりも良いようですが、それと音楽の指導は関係がありません。子供を指導するには、それなりのカリキュラムが必要なのですが、しかし、残念ながら音楽大学では、子供の指導や初歩のカリキュラムのlectureはありません。極まれに、音楽大学の付属音楽教室で生徒を指導している先生が、その先生の指導に付属音楽教室の生徒を対象にして指導のlectureをする事がありますが、初歩の初歩の段階で、音楽大学の付属音楽教室や音楽大学の先生に直接指導を求める生徒、父兄の意識は、私達、一般の音楽教室の生徒達の意識とは根本的に違います。初めから音楽大学に進学する事を目的として、コンクールや留学のための音楽の勉強であり、レッスンが辛く厳しい事は当たり前なのです。そこには、音楽は楽しく・・という発想そのものがありません。親と子供が毎回のレッスンで涙を流しながら厳しい先生のレッスンに耐えているのです。音楽大学とは、そういった辛さに耐えられた者だけに与えられるstatusなのです。昔、私達の教室に面接に来た音楽大学の卒業生に、芦塚先生が「子供達に音楽の楽しさを指導して音楽を大好きにして欲しいのですが・・?」と言うと、面接に来た卒業生が「音楽は楽しいものではありません。」と、即、返して来ました。芦塚先生が「でも、うちは、ただの音楽教室なので・・・」という事で、面接は終わりになりました。一般的には、「音楽を楽しく教える」という事は、生徒達にへつらって迎合して教えるという意味になるのです。その面接に来た学生は、芦塚先生が「子供達に音楽の楽しさや素晴らしさを指導して欲しい」と言ったのは、「子供達にへつらって、妥協して、おべっかで褒めて指導して欲しい」と言われたという事だと思って、すこぶる傷ついたのですよでも、それでも一般の教室で、厳しく指導しながら、発表会レパートリーの音楽を教える・・というのは、矛盾していますよね。私達の教室のように、「Classicの音楽を、楽しく教える」・・・という、発想自体が日本の音楽教育界にはないので、「Classic=つまらない音楽、勉強のような音楽」・・という風に捉えられてしまうようです。詳しくは**のページを参考にしてください。教室の生徒達にとっては、「Classicがつまらない」という発想自体がないので、そこの問題は全くないのですが、それでも、子供達が、実際に指導をしてみると、本当に指導の難しさが分かります。今まで、自分で何気なく演奏出来ていた所が、指導してみると、それを後輩達に、伝えられないのですよ。そこで、自分達がどうして、演奏出来るようになったのか、その過程を思い出せば良いのですが、ここの所も、一つのネックになるのですよ。子供達が上手くなって、楽に演奏出来るようになってくると、子供達は自分が最初から出来ていたように錯覚に囚われてしまって、先輩に指導して貰って、一生懸命に練習した記憶すらなくなってしまうのですよ。なるのでしょう??「喉元過ぎれば、熱さを忘れる」ってね!!methodeがなくて、独りでにいつの間にか出来るようになる・・という事は絶対に有り得ないのですよ。そりゃ、当たり前でしょう??でも、いつの間にか独りでに出来るようになるというmethodeを学ぶことは素晴らしいことですよね。ここでしょう!!「芦塚メトードの根源は音楽の魂を学ぶ事です。音楽の上達のためには、感謝の念を忘れないことが大切ですよ!!日本の音楽家達は、自分が有名な先生に師事した事を自分のstatusにしようとします。有名な先生は、喩え一回、二回見て貰っただけでも、自分の恩師になります。それで、本当に長年自分を育ててくれた先生に対しての恩を忘れる傾向にあります。それは、有名な先生の威厳に乗っかっているー所詮はー、虎の皮を着たピアニストにしかなりません。Sait-Saёns先生が馬鹿にするのですよ。アハッ!本当に誰が自分を育ててくれたのかが分かれば、その人の将来は安定します。本当の意味での、バックボーンを見失わない事が、将来の自分を作ることだからですよ。一般の社会の感覚としては、当たり前の事なのだけどね。事が音楽になると皆、寄らば大樹で、・・狂ってくるようです。夏の講習で一週間ザルツブルグに行っただけなのに、ザルツブルク音楽学校留学とか、履歴に書いたりして。それで「凄い!」と思ってくれる人達は所詮は素人だけなのですよ。音楽を齧った人達には、そんな見せかけは通用しません。それどころか、そういう風に自分を見せようとする人達は、所詮は、張子の虎で、中身はないと、解釈されてしまうのですよ。上っ面の音楽家だ!!ってね。皮だけ作って、中身は入っていないのよ。寄らば大樹は、音楽教室や音楽大学には成り立っても、音楽界には成り立たないのですよ。そこは実力の世界だもんね!勿論、私達の教室でも、通常のレッスンでは、その生徒に対してのlectureをします。芦塚先生は上級の生徒達には、他の生徒の指導をさせるのか?そこには日本の教育が抱える大きな勘違いに対してのantitheseがあります。その一つが、「演奏出来れば、指導は出来る」という勘違いです。その勘違いは、教室で勉強している生徒達も同じ勘違いがあるのです。いつも芦塚先生がいうように、教室で勉強して音楽大学や留学をしたからといって、それは芦塚メトードで学んで来たという分けであって、芦塚メトードを学んだという事ではないのです。塾の回答と音楽大学の受験の回答は、問題に対しての答えが合っていれば、合格ですよね。芦塚メトードではそうは行きません。回答は合っていたとしても、本当の意味で理解が出来ていないと、合格にはなりません。合っているはずの回答も、曲の時代が違えば、或いは相手の生徒のlevelが違えば、間違いになってしまいます。あるpassageの練習法は、その生徒、一人一人に合わせて、数種類のカリキュラムが準備されています。いつもお話するように、小学生に時に学ぶChopinのEtudeのその曲を、中学生の時に、レッスンを受ける時には、全く新しいカリキュラムで学びます。高校生になっても、音楽大学の学生になっても、際限なくversionupして行きます。レッスンはだんだん難しくなっていきます。最終的には演奏家としてのproversionのレッスンを受ける事になります。それで、初めて(その曲のレッスンは終了)となります。今回は、子供達の指導も、教室では二段階の指導を準備しています。今回は今まで、お姉さん達に練習のお手伝いをして貰っていた小学生の生徒達が、新しく合宿に入ってきた後輩達の練習のお手伝いを始めて挑戦しました。先輩達は、後輩の指導をcheckして、アドバイスをしたりしました。後輩の曲の練習のお手伝いは、今まで通りにします。いった指導が上手に出来るようになると、その指導する側の生徒の音楽的な技術が見違えるように短期間に向上します。繰り返し確認しておきますが、子供達に「後輩の面倒を見て!」と言ったからといっても、おいそれとは指導が出来るものではありませんよ。経験で慣れて来る事によって、上手くなって来るのは、人あたりであって、子供の扱いだけです。技術指導に関しては、慣れとは無関係なのですよ。面倒を見たとしても、その相手の生徒が技術的に上手くなる事はありません。いう事で、教室の合宿を見学に来た先生が「子供同士で指導させれば、嫌がらなくって練習してくれるのに違いない」・・と勘違いをしてしまって、「さっそく、自分もやってみよう」とその先生の教室で同じようにやったら、指導をした生徒も指導された方の生徒も、「先生が自分がやるべきレッスンをサボって、子供にさせた!」と怒って教室をやめたそうです。教室で、子供同士で指導をしたとしても、指導する側の勉強である事も、指導される側もbackに先生がいて、checkがなされている事を見ているので、クレームが来ないのですよ。教室を開設した当時は、教室に変わってきたばかりの父兄が、上級生の子供が伴奏をするのを聞いて、「先生に伴奏をお願いします。」と、言われてしまった事があります。全員の子供の伴奏を子供達がする分けではありません。大人でないと対応が出来ない子供もいます。当日、どう演奏が変わるか分からない生徒もいます。上級の生徒が目一杯で、これ以上、伴奏の生徒を担当出来ない場合もあります。音楽の表現が難し過ぎて、上級の生徒でも手に負えない曲もあります。伴奏でも、闇雲に子供達にさせている分けではありません。子供同士の相性等といった音楽には関係のない事も配慮しなければならないのです。いった細やかな配慮が出来て、初めて子供同士の伴奏合わせが可能なのです。子供同士の伴奏合わせは、次のstepでは、ensembleの導入につながっていきます。先生が幾ら伴奏しても、それだけでは先生についていけば良いだけなので、ensembleに繋がって行くことはないのです。いった配慮をしないままに、或いは、指導の仕方が分からないままに、子供を指導させたり、練習に付き合わさせたり、子供同士の伴奏の合わせ等に丸投げされると、本当に子供達は子供同士で音楽を勉強して行く事が嫌になってしまうのですよ。見学に来た先生達は、子供達が楽しそうに、一緒に勉強しているのを見て、教室のそう言った当然の配慮が分からなかったのよね。「子供は子供同士で一緒にやる事が好きだから、子供同士が勉強出来る場所さえ与えてやれば、音楽を好きになってくれる」・・と勘違いしてしまうのです。それは、部活のようなNiveauの低い、趣味としてのapproachの場合だけなのですよ。教室のオーケストラや室内楽のような専門的な音楽の技術的なapproachでは、ちゃんとしたcurriculumやsystemがないと無理なのですよ。指導係と言っても、先生の代用ではないのだから、指導する子供達、一人一人の指導のcheckpointは、詳しく説明を受けています。「合宿中にこれだけは出来るようにしてね!」という一人一人のcheckpoint(課題)を先生から貰って、そこの部分を重点的に後輩と一緒に練習します。中、上級生は、日頃の学んでいるtechnicを理論としてfeedbackします。一般の音楽大学の音楽の勉強とは違って、芦塚メトードでは必ず、その技術は論理的に把握出来なければなりません。一般の人達は、曲が演奏出来るようなったら、その曲は指導出来るようになった・・・と勘違いをしてしまいます。日本の音楽教育が画一的になってしまうのです。本当の意味で、「それは何故、そう弾かれなければならないのか??」それが理解出来ると、どのような状況にも対応が出来ます。芦塚先生が、Munchen時代にや、日本に帰国した後にも、学生達から、音楽大学の先生が「こう注意をした」という話を、一つ、二つ聞いただけで、「その先生はこのように演奏させたいのだよ。」と、分かり易くlectureが出来るのも、どのようにでも、多様なinterpretationが出来るのは、色々な解釈法が論理的に分かっているから、先生の解釈だけではなく、どの先生の解釈でも理解出来るからです。実例を上げると、下のホワイト・ボードは弦楽器のbow・technicの一覧です。教室は弓の持ち方をグルミヨーやシュバルベ先生のように、所謂、ベルギー派と呼ばれる1点支持の持ち方にしているのか?この演奏のlevel(Niveau、所謂、技術水準)になって、始めてその弓の持ち方の価値(意味)が理解出来るようになります。芦塚先生のmethodeの基本では、bowのtechnicを細かく分析し、整理統合して行きます。弓には、その音の立ち上がりの部分と弾き終わりの部分、その間の音を伸ばす部分の3つに分かれます。それぞれにいくつの奏法の可能性があるのか?を考察して行きます。統合的に正しい奏法と誤った奏法を考察して行きます。普段、オケ練習で、何気なく弾いているpassageでも、実際に理論として勉強しなおすと、演奏は出来ていたとしても、色々と(本当は)理解出来ていない所が、段々露呈してきます。芦塚メトードで大切な事は、正しく弾けるというだけが出来上がりではありません。一般的に間違えて弾かれる技術は、その通りに一般的に間違えて演奏出来なければならないという事です。「これは、こう間違えて演奏される。」「正しくはこう演奏しなければならない。」と、正しい表現と間違えた表現の区別が出来るという事が大切なのです。それで、始めて本当の正しい奏法とイミテーションの奏法の違いが分かるようになるのです。日本人の根底にある、アジア人としての音に対する意識はヨーロッパの人達の音とは全く異なります。日本人が良しとする弦楽器の音は、アジア人が好む弦楽器の音なのです。それがもっと、顕著に現れて、似て非なる表現になるのが、歌です。いう人種ですが、これはヨーロッパの音楽を表現する発声とは言えません。しても、モンゴロイドなのですよ。教室でも、チョッと油断をしていると、いつの間にか、モンゴロイドの二胡や馬頭琴の音になってしまっている。それが国民性というのかな??洋楽を学ぶ我々としては、困ったものです。別サイトへlinkします。大学の院生でも、出来ないこういった勉強方法は、とても回りくどい超専門的なmaniacな方法のように見えますが、実際には、音楽を(時代、時代の)様式として捉えていくので、一人の作曲家の一つの作品を徹底的に勉強すると、その時代の全ての作曲家に同じtechnicが応用されていくので、次の曲はとても、早く非常に高いNiveauで仕上げることが出来るようになるので、結果的には、時短になるのです。様式的には古典派の作曲家は、HoffmeisterやStamitz、Dittersdorf、或いはMozartやHaydn等の作曲家に応用ができます。同じ古典派の作曲家ですが、古典派の最後の作曲家であるBeethovenは、音の入りが時代の様式的に少し鋭くなりますが、殆どの部分は勿論、他の古典派の作曲家と大同小異で、演奏解釈上の問題はありません。同様に、古典派の奏法を学ぶ事は、baroqueの音楽の演奏にも応用がききます。古典派の奏法は、baroqueの奏法が発展、発達して来たからです。演奏の技術の歴史は、弓の発達の歴史でもあります。新しい弓が出来たからといっても、作曲家の曲の様式が直ぐに変わる分けではありません。その楽器や、その弓がある程度一般的になるには、やはりタイムラグが必要だからです。Haydnのピアノの曲を見ていると、その作曲の様式がCembaloからforte-pianoに移行するのがよく分かります。Haydn自身が1790年の手紙に「私はCembaloに対する興味を失った」という一節を書いています。いう事は、そこからHaydnの作品はCembalo奏法から、forte-pianoの奏法へ移行しなければならないのです。子供達へのStamitzのcelloconcertoをthemaにして、芦塚先生の古典派のbowtechnicのlecturelessonの光景です。こちらの動画は冬合宿2日目(2013年12月25日花園自治会館で)のレッスンの光景です。非公開の動画なので、このページからのみ閲覧する事が出来ます。前日の芦塚先生のlecturelessonに引き続いての、冬合宿の3日目、最終日(2013年12月26日花園自治会館)での、斉藤先生の前日の芦塚先生のlectureの復習(feedback)の説明です。前日の芦塚先生の説明を、生徒達に質問しながらの、lessonです。どこまで、確認出来たかな?勿論、この動画も非公開です。Tubeにアクセスが出来ます。奏法上の括りを、baroque時代の作曲家達から古典派までの奏法と、ロマン派から近現代までの奏法の括りに大別して、捉えます。芦塚先生のbowtechnicの原理は、楽器制作の歴史的な楽器の発達に基づいた、演奏法の違いです。音楽の表現や作曲の様式の違いは、制作される楽器や弓の時代時代での、様々な改良から来る演奏可能な表現が齎す作曲様式によるstyleが生み出す演奏技法の違いに着目して、そこから齎される音楽様式と表現の違いを演奏に反映させました。Böhm,1794年4月9日から1881年11月25日)は、ドイツの発明家、音楽家である。「ベーム式フルート」とも呼ばれている近代fluteを完成させた。フルート奏者としても一流であり、バイエルン王国の宮廷音楽家として活躍した。(青字はWikipediaより抜粋)作曲家としても、フルートのための作品を残しているベーム式に代表される今日我々が普通に目にする楽器に改良された事による演奏の違いです。我々が普通に演奏しているPianoも、実は古典派の時代には今日我々が聞くPianoとは全く違ったPianoで演奏されていました。いう事で、Pianoの奏法の歴史も、baroque時代を席巻していたCembaloからいきなり現代我々が耳にするPianoに変わった分けではありませんし、CembaloとPianoの間に、forte-pianoと呼ばれるこんにちの我々が知っているPianoの前身である楽器があって、MozartやBeethoven、Chopinに至るまでは、そのforte-pianoの愛用者だったのです。彼らが演奏していたピアノの演奏のstyleは、今日我々が普段に耳にしているピアノの演奏のstyleとは全く違います。それは楽器の特性の違いからきます。forte-pianoは、今では古楽器として、楽器を見ることも、CD等でその音を聞くことも出来ます。残念ながら、forte-pianoを演奏出来る演奏家は、現在では世界に一人もいません。自称、forte-piano奏者という人々は沢山いるのですが・・・!「何故??」それは、一度身に付いたPianoのtouchは、もう基本的には変わらないからです。子供の内から、或いは、ピアノを習い始めた最初から、forte-pianoで、lessonを受けて勉強して来た人は世界中にいないからです。actionのピアノで習い始める。actionの音の感性で育っているからなのです。forte-pianoで演奏しているCDの演奏を聞くと、皆、ジャラン、ジャランと割れた(歪んだ)音で演奏しています。touchをする時の指のeinschlag(打ち込みの)速度が遅く、指の重量が重いから、軽い弦が音割れを起こしているのです。いった楽器的な特性を鑑みる事もなく、forte-pianoの音割れを、音楽家達は、「forte-pianoは未だ未完成のPianoだったから、こういう音しかしないのです。」と、曰(のたま)わっている!!それ、完全に違うんだな!!???間違いなのだな!!??それは、Pianoだけの悲劇ではありません。弦楽器も同じような誤解を受けてしまっているのです。ヴァイオリンの場合も同じように、どっかの誰かが、「baroqueviolinの音は汚い!」とホームページに書いていました。自称、baroqueviolinの奏者という人達が、baroque風に、・・・・・確かに、楽器そのものはbaroque仕様でも、ガンバのbowのようにぶっとい弓で、現代の弓速でバリバリと、しかも、ありえへん早い速度で、パワフルに演奏します。baroqueviolinの繊細な弦や楽器の性能を無視して、力任せにバリバリと弾かれたら、そりゃ音は汚くなるだろうよ。baroque時代には、キンキンカンカンした音や、アクロバティックな演奏はなかったのだよ。本当に昔の天然自然のガット弦なら、そんなキンキンした音で、ガンバ棒のようにぶっとい弓で弾こうものなら、たった一音(ひとおと)弾いただけで、弦がブチっと切れてしまうと思いますよ。アハッ!今の人達は、本当のガットを弾いた事がないんだね??こんにち我々は買っているガットは、科学の力で合成された柔らかいガットの音がするけれど、全く切れにくい特別な弦なのですよ。(勿論、切れる事は切れるけれどね。purcellのchaconneのgの演奏です。Tubeへlinkします。このヴァイオリニストは、個人的には、私の結構好きな演奏者です。パワフルにスピーディに演奏しています。この演奏がbaroqueの奏法と思わなければとても素敵なbaroque風(擬古典)の演奏です。baroque風の演奏とoriginalのbaroqueのstyleによる演奏は違います。baroque風の演奏ではとても素晴らしい演奏なのですが、でもbaroque時代の演奏styleを再現した演奏ではありません。baroque時代の復刻の演奏ならば、楽器的な特性等の時代考証はキチンとしなければなりませんよね。外のページへのlinkです。[芦塚メトードのソフトでの指導]リズムの積み木です。rhythmの積み木は色々な積み木が楽器店で売られています。教室の紙で出来た積み木も、何となく、そこら辺の楽器店に、極々一般的に、売って有りそうな積み木ですが、わざわざ教室の先生達の手作りなのは、そのrhythm譜の部分に、色々と考え抜かれたソフトが満載された積み木だからです。市販されている積み木とは、同じ積み木でも、そのソフトは全く違うのです。機能的なmethodeで作成された積み木なので、子供達のrhythmの理解を手助けするのに合理的に作られた積み木です。芦塚音楽研究所で制作された教材について時々、教室のメトードを全く勘違いしている人達がいます。ある時に、音符カードについて、「教室では市販の音符カードを使用しているので、音当ては、芦塚メトードではない。」と言っていた人がいましたが、芦塚先生は、芦塚メトードを指導するのに、使用する教材は、先生達の教材作成の負担を軽くするために、市販の教材で間に合うものはそのまま市販の教材を使用して、芦塚メトードの指導に当てているからなのです。市販の音符カードを、生徒に買わせただけでは、芦塚メトードとは言えません。芦塚メトードとはそのカードを使用して、lessonをするその「方法論」の事を芦塚methodeと呼ぶのですからね。時々、私達の教室では、「Beyer教則本を使用するから」・・・・といって、私達の教室が「日本の古いトラディショナルなmethodeの教室である」、と言っている人達を見かけます。Beyerは古いメトードで、BeyerでPianoを学習すると挫折してしまう。Pianoが上手にならない。決めつけて、芦塚先生の説明も聞こうとはしません。確かに、Beyerを教材として使用するには、指導者はかなり高いハードルの勉強を必要とするのです。BeyerをPianoの学習教材としてmanualを無しに指導すると、学習する生徒達には、辛い厳しい教則本になってしまうのです。それが、一般的にBeyerの評判を悪くしている理由なのです。それはBeyer教則本自体のせいではありません。指導者の能力不足のせいなのです。Beyer教則本は、とても良い教則本であるという事で、その教則本を使用するには、かなりのその指導者の教材研究の水準が要求されるのです。子供の時代に、Beyerで酷いlessonを受けて来たお母さん達の中には、「子供には、Beyer教則本は使用しないでください。」と頼まれる事があります。教室を開設する前から、芦塚先生は世界で出版されているありとあらゆる初歩の教材を、実際に子供達に指導して来ました。色々なメトードの代表の方達ともお話をしてそのconcept等の説明も受けたりしました。いう事で、勿論、別にBeyer以外の教則本を使用する事は、教室としては、全く問題はないので、昔は、そのように希望されるお母さん達には別の新しい教則本を使用して、そのまま指導していましたが、やはり、Beyer教則本を使用するのとしないのでは、子供の伸びは明らかに違って来るのですよ。新しい教則本には、色々と工夫はしてあるのですが、systematicではないのですよ。何処かに無理があるのですよ。その点、やはり150年間も使用されて生き残って来た教則本には、それだけの薀蓄があるのですよ。アッ、ハッ、ハッ、ハッ、ハ!!という事で、近頃は、そういうお母さん達には、お母様自身に、Beyer教則本の体験学習をさせています。「教室では、Beyer教則本を使用してこのように指導するのですよ。最初はBeyer教則本を嫌がっていたお母様達も、実際に、芦塚メトードでのBeyer教則本の指導を受けて見て、「Beyerって、こんなに簡単で綺麗な曲だったの!!」という事で、皆、納得して、Beyer教則本でのlessonに同意します。一般には、「Beyer教則本はつまらない」とか、「Beyer教則本を使用すると、生徒が中々伸びない!」、と言ったような声が起こるのかというと、Beyer教則本は、とても中身の濃い教則本なので、そのmanualが非常に難しいのです。Beyerのmethode(manual)を知らないままに、当てずっぽうに教えてしまうと、単なる風邪なのに、抗がん剤を処方するような大変な事になってしまうのです。アッ、ハッ、ハッ、ハッ、ハ!!だから、皆、Beyerには嫌な思い出があるのですよ。それがmethodeなのですよ。芦塚メトードも同じです。Beyer教則本は非常にlogisch(ロギッシュ論理的)に、しかもsystematicに構成されています。その曲に与えられた課題の意味を理解しないままに、譜面(ふづら)が易しいので、超絶に難しい101番や103番のEtudeを前の方に持って行っている校訂者が多いのには辟易させられます。Beyer教則本の真の意味を理解しないで校訂をしているのだから・・・。芦塚メトードでは、そのBeyer教則本のsystemを活かしながら、芦塚メトードのmethodeと合体させて使用しています。その芦塚methodeをVivaldiのorchestraの曲に使えば、芦塚メトードのVivaldimethodeになるし、Diabelliを中心とした連弾のmethodeでも、Burgmullerのmethodeでも、なんでもありですよ。Vivaldiの曲を、並べ替えるは、子供達の伸びに合わせて、配列を変えます。curriculumは必ずしも絶対ではありません。systemさえ、しっかりしていれば良いのです。結論的に言えば、芦塚メトードが最初にあるわけなので、本当は、使用する教材は、どの教則本でも良いのです。言うと、教則本自体も、本当は必要はないのですよ。そこの所が一般の人達には、なかなか分かって貰えない・・・困ったものです。Beyer教則本のmanual全3巻は、一般の人は閲覧禁止のmanualです。お試し版のような「芦塚陽二のBeyer教則本manualの総括的な概論」というページを特別にupしています。これは、Beyer教則本のmanual(取説)のページなので専門的なページです。