(04/27)吃音(どもり)完全克服プログラム:子供がどもりになって・・悩んでます。(08/01)RSSフィード最新記事のRSS最新コメントのRSS最新トラックバックのRSS「シェイプ・オブ・ウォーター」を観た。土曜日は日比谷に出て「シェイプ・オブ・ウォーター」を観た。ギレルモ・デル・トロ監督独特の趣味が反映したダーク・ファンタジー。アカデミー作品・監督賞など複数受賞したのに、日本の興行はあまり当たっていないようで、大きなシネコンでは既に上映終了。土曜に見たのはTOHOシネマズシャンテ日比谷という小さな箱。シャンテ日比谷はほぼ満席。ここが満席になるのなら、シネコンのもうちょっと大きめの箱で公開続けてもよかった気がするけれども。満席で映画見た経験なんて久しく無い。前の客の頭で字幕が一部見えないと云うのも何十年ぶりという気が。昭和の昔の映画館ではそんな事もあったけど、いまや設備の整ったシネコンでは、前席が気になるなんてあり得ない。映画見るならシネコンでやっている内だなあ。映画の舞台は米ソの冷戦時代。人類とアマゾンの川で見つかった異種生物との遭遇、そして異種間に生まれた愛を描く。現地のインディオに神と崇められていたこの異形の生物は、昔の映画に出た、大アマゾンの半魚人がモチーフらしい。軍事研究施設の掃除婦として働くイライザが、軍に捕獲され研究対象となった異形の半魚人と偶然遭遇し、彼に知性があることに気付き、意志を疎通させてゆく。サリー・ホーキンスは、言葉が喋れないという障害を持つこの主人公を、実に印象的な熱演で演じる。出てくる人物は社会から疎外され心に傷を持つものばかり。差別され、生活も貧しいが、他者には思いやりがあって優しい。彼らは、捕獲されてアマゾンから運ばれ、生体解剖されようとしているこの異形の生物を助けるために奔走することになる。言葉を喋れない人間の女性と、同じく言葉は発しない異形の生物との心が触れ合って行く過程は、若干性急だがよく描けている。異種間の愛については、性愛まで踏み込まず、もう少しプラトニックに語っても物語は成立したものと思うけれども、逆に荒唐無稽さが増すかもしれない。監督の趣味もあるだろう。この辺りはまあ難しいところか。冷戦時代のレトロな機械装置や暗い映像はスタイリッシュで美しい。このままでも十分面白いが、若干筋書きが勧善懲悪に偏って単調なのは、軍事施設の警備責任者、ストリックランドがあまりにも単純な悪役だからというのもあるか。実際には、彼も自己承認欲求に悩み、たった一度のヘマを咎める将軍に「私はいつまで自分を証明し続けなければならないのですか?」と問う。この辺りの人物描写をもっと深めて、彼の回心まで描いたならば(その場合は死ぬのは当然ながら将軍になるのだが)もっと物語に奥行きが増したかも。研究対象にのめりこみ、結局のところ、母国もアメリカも裏切ることになる、ロシア人の科学者ホフステトラーは鮮やかに印象的だった。喋れないイライザが、懸命に手話で伝えようとするメッセージも印象的。彼を見殺しにするなら、私達は居なかったのも同じだ。19:00」のメッセージが。與兵衛をちょっと前に予約してあったのだった。危うく忘れるところであった。コメント:0「ブレードランナー2049」と、それにまつわる妄想的感想。先月28日の土曜日に「ブレードランナー2049」を2Dで観た。前作も大ファンである。「2049」前日の夜には、「ブレードランナー・アルティメット・エディション」DVDを引っ張り出して予習。(そう、そんな物も持ってるのでした(笑):このDVDの感想はこちらの過去ログに)前作「ブレードランナー」は、酸性雨が降る未来社会、しかし古いアメリカのハードボイルド、あるいはフィルム・ノワール的な背景描写。私とは誰か、そして何処へ行くのかという形而上学的な問い。デッカードと人造人間であるレイチェルの恋。冒頭のLAのシーンから、映像はとても美しくも衝撃的で、しかし物語は叙情的だ。先週も時間の空いた時に「2049」二度目を見に劇場まで。あと一回くらい見ても楽しめるが、後はメイキングなど入ったDVDボックス発売を待つか。長尺だが全く飽きない。前作へのオマージュに満ちたスタイリッシュな映像と音楽。自我と記憶と魂、そして生命の再生を巡る旅。力強く、懐かしく、詩情に溢れ、哀しい。こんな続編がよく作れたと感嘆。ライアン・ゴスリングは「ドライヴ」にもあったあの哀しい瞳が印象的。ドゥニ・ビルヌーブ監督は、「メッセージ」の叙情に溢れた映像に感心したが、本作でもその映像美は実に良い。前作の「ディレクターズ・カット」でリドリー・スコット監督が描こうとした「デッカードとは何者か」という伏線も(私の考えるに)見事に回収されている。原作、P・K・ディックの小説に流れるトーンにより近い思索的な仕上がり。前作の大ファンならきっと気に入るのでは。前作をチェックしてから観るなら、私の個人的好みでは「劇場公開版」。ハリソン・フォードのヴォイス・オーバー(モノローグ)が入り、レイチェルとデッカードを乗せたスピナーが壮大な大自然の景色の中を飛んでゆくラスト。「レイチェルには4年の寿命は設定されていなかった」とハッピーエンドを語るデッカード。この空中撮影はスタンリー・キューブリックの「シャイニング」、オーバールック・ホテルへと向かう冒頭部分で使わなかった余りのフィルムの再利用だったとか。ここから先はネタバレを含む感想。予備知識無しに観たい人は、スキップしたほうがよいかもしれないのでご注意を。世界大戦や気候変動を経た未来社会、カオスと化したLAのダウンタウン。古いアメリカのハードボイルド物のようなインテリアや内装という映像のトーンは前作を踏襲。前作のメイキングDVD「デンジャラス・デイズ」を見ると、冒頭シーン、鍋でなにやら煮込んでいる農家にレプリカントが帰ってきて、ブレードランナーに撃たれるというのは、前作で絵コンテも書かれたが撮影されなかった初期のアイデア。Job(人間もどき)」と侮蔑され差別を受けるレプリカント捜査官。AIが操作するプロジェクションされた3次元ホログラムの恋人だけが話し相手というところが切なくも哀しい。この辺りは前作に出てきた、早老病で地球外に移住できなかったセバスチャンが投影されている。LAに降る雪も「ブレラン」前作へのオマージュでは。「リドリーが『雪がほしいな』というと、雪はすぐに降るのさ」とプロデューサーが「デンジャラス・デイズ」で語っていたものなあ(笑)「強力わかもと」が出なかったのはちょっと不満(笑)ショーン・ヤングのシーンは、前作の映像に沿ってCGで復元していると思うが、実に美しい。「ブレラン」1本でスターになったが、ちょっとおかしくなって映画界を去ったと聞いたけれども、本作のクレジットにも登場している。前作と同じ俳優で、元デッカードの同僚「ガフ」が出ていたのは二度目の鑑賞で気づいた。折り紙やら「シティ・スピーク」やらヒントがあったのに見逃していたな。ここから先は私の勝手な妄想なので、観た人もあまり気にしないようにお願いしたいが、「デッカードがレプリカントか」という疑問については、一部あいまいにボカされているが、既に答えは出ている。レプリカントでなければ、レイチェルとの子供がレプリカント同士から生まれた「奇跡」である事にならない。レプリカント同士を恋に陥らせ子供を作る計画は、おそらくタイレルによって計画されていた。ウォレス社の最新鋭レプリカントである「Luv」はデッカード本人をオフ・ワールド・コロニーに連れ去ろうとするのか。ウォレス博士は付いて来ていない。結局撮影されなかった前作「ブレラン」の絵コンテでは、タイレル博士自身は既に亡くなっており、ロイ・バティに殺されたタイレルはレプリカントだったというもうひとつの結末が準備されていた。これを踏まえるなら、本物のウォレス博士はオフ・ワールドに移住しており、地球に残ったウォレスは、あの特有の目の光り方で分かるように記憶を移植されたレプリカント。レプリカント同士の結婚で再生の奇跡が生まれたからこそ、デッカードを標本として、本物のウォレス博士のところに連れて行こうとしているのではないかと思うのだが。あとはDVDのメイキングでも待ちましょう(笑)まあ、しかし実に面白い映画体験であった。映画の原題は「Arrival」。原作は、テッド・チャンのSF短編。「あなたの人生の物語」。原作が収載された同名の短編集を読んで、新鮮な衝撃を受け、感想を過去ログに書いたのが2004年。SFの世界では、ヒューゴー賞、ネビュラ賞ダブル受賞という作品はまず外れがない。原作は、エイリアンとのファースト・コンタクト物。地球に飛来したエイリアンとの意思疎通を図る女性言語学者が、時制を超えリニアな時の流れに束縛されない異星言語を調査、解読してゆくうち、自らの認識に変容を起こし、時空を超えた一種の超感覚知覚を身に着けることになる。全ての未来を知った上で織りなす娘との関係が詩情に溢れて描かれている。最初にこの原作を映画化すると聞いた時、本当に映画化ができるのかと危惧したが、映画化は、原作をかなり忠実に踏襲しつつも、新たなエピソードも加えて成功している。原作を先に読んでいてもある意味深く感心する出来。原作を読まずにいきなり映画を観ると、ちょっと意味が分からない部分があるのでは。若干のモディファイはある。映画版「メッセージ」では、主人公母娘の関係についての描写は、若干薄くなっている。最初から物理学者を登場させたのは正解。原作ではエイリアンとのコンタクトに出てくるのが言語学者のみ。船長が南洋の島で原住民と最初に交流するのなら、自分の顔を差して名前を呼ぶのから始めるだろうが(それでも大変な間違いが起こるのは映画でもカンガルーのジョークとして扱われている)外宇宙から飛来した人類と全く違うエイリアンと意思疎通するならば、英語を書いたりしゃべるよりも、やはり宇宙を統括する真理、純粋数学や元素周期律表等の情報交換から始めるのが普通だと思うものなあ。原作で言う「ルッキング・グラス」の向こうに登場する霧に煙る巨大なタコ型エイリアンと彼らが投影する「異星文字」もなかなか印象的に映像化されている。主演のエイミー・アダムスも、原作の透明感をそのまま投影して実に素晴らしい。原作が優れている場合、映画で原作にないエピソードを挿入すると大概失敗するものだが、「メッセージ」に新たに挿入されたエピソードは、印象的に作品全体の分かりやすさを高め、作品に深い陰影を与えている。エイリアンが去った後、悲劇に終わりかねなかった中国軍のエイリアンへの総攻撃が何故回避できたのか。パーティーでの中国軍元帥と主人公の出会いは、映画の伏線を一気に回収するエピソードとして鳥肌が立つほど素晴らしい。脚本家が実に優れていたな。最初から調査に同行する物理学者イアンと主人公との関係についても、原作を補完して、物語を実に分かりやすく俯瞰できる映画的な効果を上げている。自分の過去と未来が全て同時に俯瞰できるようになっても、悲劇に終わる愛娘との物語を選択する主人公。DVDが出たら必ず買わなくては。チャンプを継ぐ男」を観た。世紀の傑作とまでは思わないが、実によく出来ている。スタローンはこれ一作で世界的大スターになった。本作品は、もう一発当てようという商売気ではなく、スピンアウトとして持ち込まれた企画が実現したそうだが、「ロッキー」シリーズのバックグラウンドを巧みに織り込みながら、第一作の「ロッキー」に似たカタルシスを観客に与える事に成功している。最後のチャンプとの対戦で「ロッキー」のテーマが流れるのは若干反則のような気がするが(笑)、まあスタローンは「俺の映画で俺のテーマソング使って何が悪い」と言うだろう。「ロッキー」は元々「3」で終わるはずだったらしいが、「4」「5」「ザ・ファイナル」と制作。本作は、「4」で扱われたアポロ・クリードの死と「ザ・ファイナル」で描かれたロッキーの老残の延長線にあるもの。「5」は出来がイマイチだったので、「ザ・ファイナル」は観なかったなあ。「5」は、実際に白人のヘビー級チャンプとなり「ホワイト・ホープ」と呼ばれたトミー・モリソンが出演して話題となったが、その後モリソンは、HIV感染が明らかになりボクサー人生に終止符を打つことに。マイク・タイソンと対戦する大型契約もあったらしいが、全てが消滅。余計な現実の蹉跌が記憶に残っている。アドニスとメアリー・アンとの最初の出会い。son」と微妙な距離感を持って語られる会話は、アドニスの出自が後に語られて納得。アパートメントで大音響で音楽を流すビアンカの背景、教育も受けタブレットやPCを使いこなしながらも血に飢えたボクサーへ傾倒してゆくアドニスの父親に対する屈折した想い。脚本も細かい所がよく出来ている。誰もが弱みや深刻な問題を抱えているが、それと戦い超克する事が尊いのだというメッセージは、第一作「ロッキー」から継続するテーマ。今の御時世ではシンプルでストレート過ぎるかもしれないが、しかし多くの人の心を打つ。マーティン・スコセッシが映画化。「神」という概念が生まれて以来、人の心を惑わせてきた深刻な問いが「神の沈黙」。この世は至るところ悲惨や不幸に満ち、義人にすら時として苛酷な運命が待ちうけ、恐ろしい艱難辛苦が与えられる。それらは本当に全てが神の御意志なのか。我らが神を求めても、神は何一つ我らにその声をお聞かせにならないではないか。神は本当に存在するのか。これは宗教そのものの存立を脅かす実に危険な問いでもある。先にキリスト教布教のために来日した師が棄教したと聞き、その真相を確かめるために日本に来たポルトガルの宣教師。日本で弾圧をうけるキリスト教に帰依する農民たちと共に生き、しかし自らの為に農民たちが次々と拷問を受けて死んでゆく地獄の中で問うた「神よ、あなたは何故沈黙しているのですか」という血を吐くような問いと、クライマックスで脳裏に響くキリストの声。実に印象的なシークェンス。日本人の俳優は実に重厚。あんな昔風の顔ばかり集めることができたと感心。田舎の旧家に行くと、昔の御先祖様の白黒写真が障子の桟の上に飾ってあったりするが、正にそんな顔だ。貧しい農民を演じる塚本晋也の、黒光りするような存在感が素晴らしい。CG使っていると思うが、磔にされて海の波に翻弄される場面はこの映画全編を通じて弾圧されるクリスチャンを象徴する圧巻の迫力。キチジローは、ユダでもあり、狂言回し、トリックスターでもあるのだが、人間の矮小さと醜さ、それでも残る信仰心と原罪とを一気に体現している印象的な役柄。これを窪塚洋介が見事に演じている。イッセー尾形は、腹に一物あり、冷酷でしたたかな、封建時代の支配層を描いて実に鮮やかに成立している。外国人監督が演出して、日本人役の演技にここまで違和感が無いというのも驚き。実際には彼らが農民を虐殺しているのだが、司祭に「お前たちの栄光のために農民たちが死んでゆくのだ」と迫る巧妙なレトリックも彼らの冷徹な知性を象徴している。前に居た宣教師が覚えた日本語は「ありがたや」一言。日本の全てを下に見ていた彼は、教えようとするばかりで何一つ学ばなかった。キリスト教はこの日本には根を張れないのだ、とロドリゴに畳みかける台詞は、「神の栄光を伝える我らのみがこの世の正義」というカトリック宣教の傲慢を皮肉な一面から照射して、司祭を棄教へと追い詰めてゆく。井上筑後守役が常に扇子で虫を払っているのは、「蝿の王」であることを寓意しているのではとさえ思わせるシーン。以前、キリシタン一揆で有名な天草に行った事があるが、小さな島が連なり、平地は少なく山ばかり、港に適した場所も少なく見るからに貧しい土地。あんな所で苛酷な年貢を課されたら生きてゆくだけでも大変だったに違いない。現世が地獄であるからこそ、ここではない楽土「パライソ」を希求する心が芽生えたのだろうなと納得のゆくような風土。エンドロールを見ると、どうもほとんど台湾で撮影したようだが、長崎、熊本辺りの寒村を実に良く現しているなあと感心。シーンは悲惨だが、映像は素晴らしく美しい。暗く重たいが、魂をゆざぶる素晴らしい映画。過酷な弾圧を受けた貧しい農民たちが、血と涙の中で夢見た「パライソ」は、まだこの世に顕現していない。コメント:4映画「この世界の片隅に」を観た。土曜日のお昼は、映画「この世界の片隅に」を観に劇場へ。小さな箱なのだが、結構混んでいる。予告編でやたらにアニメ作品が紹介されるのにはちょっと閉口したが、観客層にはあまりコアなアニメファン感無し。そもそも、こうの史代の原作を読んでいたく感動し感想を過去ブログに書いたのは2009年の8月。アメリカに住んでいる時。絵を描くのが好きで、空想癖のある主人公すずは、18歳で軍港、呉の家に嫁ぐ。戦時下の質素な婚礼が開ければ、次の日から毎日真っ黒になって、掃除や洗濯、裁縫や畑仕事、薪での風呂炊きなどの家事に朝から晩まで追われる日々。そんな当時としては平凡な市井の暮らしにも、幸せや愛や思いやり、嫉妬や哀しみや諦観、そして切ない別れの物語が存在している。その背景には、登場人物全てを覆い隠し、次第に広がる戦争の暗く重い影。数少ない台詞の変更と背景などの追加はあるが、原作の持つ深く静かな感動は、ほぼ正確にアニメーションとして再現されている。アニメの声優は苦手だが、主人公すずを担当する能年玲奈(本名)は、最初のシーンから上滑りすることなく既にマンガで確立した主人公に、静かで自然な血肉を与えている。違和感の無い実に良い出来。事務所と契約問題で揉めて干されているらしいが、勿体無い話だ。史代原作の叙述形式には独特の癖があり、寄せては返す波のように、新たな物語と過去の物語とを自在に繋いでゆく。コマに描き込まれた情報量は実に多く複雑で、時として読者を混乱させるほど。アニメーション化にあたっては、ストーリーは十分に吟味され整理されて組み込まれており、原作よりも逆に分かりやすい作品として成立している。「戦争のできる美しい国ニッポン」を声高に礼賛する勢力の昨今の台頭を考慮したのか、語るべき事を残し無用な軋轢を避ける為の用意周到な微調整だとも思われるのだが、原作と比較すると、いくつか削除されたり、変更された台詞がある。すずを訪ねて来た幼馴染の水兵水原の言葉。「わしが死んでも一緒くたに英霊にして拝まんでくれ」という台詞は原作でも印象的な言葉なのだが、確か映画では無かったんじゃないかな。玉音放送を聞き、集落に朝鮮の国旗が掲げられた家があるのを見て、すずを襲った激しい感情。「この国から正義が飛び去って行く」、「暴力で従えとったいう事か」、「じゃけえ暴力に屈するいうことかね」、「それがこの国の正体かね」、「うちも知らんまま死にたかったなあ」という、裏切られた絶望と憤激を吐露する一連の台詞は、もっと穏当な物に差し替えされている。白木リンを巡る物語が何故か語られていないのも、尺の問題というよりも(楠公飯のエピソードなんて描く暇あるんだからw)軍港にある軍人用の遊郭の話だから、慰安婦問題などを考慮して忌避したようにも思われるのだが。映画のラスト、全員が原作を読んでいると思われるクラウド・ファンディング協力者への謝辞ページの下に映されるのは、原作通りの、すずの想像力(あるいは右手)が紡ぎ出した物語。草津のお祖母ちゃんの家の天井から出て来た座敷童子と白木リンを結びつけるファンタジー。映画の数少ない白木りんの登場場面で語られる「アイスクリームとウエハー」がこの場面に登場している事に注意深い観客は気づくだろう。微妙な調整はあるものの、語りたかった事の真の根幹は用意周到に全て語られ、物語はオリジナルの持つ底深い力を全く失ってはいない。原作を読んだ人も、読んでいない人もこの映画には深く心を打たれるだろう。原爆で焦土と化した広島で、すずの右手に縋り付いて来た孤児。すず同様右手を失くした母親、しかし逆の左手に手をつながれていたこの子は、いわば助かったかもしれない「晴美さん」の生まれ変わり。原作にある、「よう広島で生きとってくれんさったね」というすずの言葉はそれを踏まえて発せられていると思うのだが、映画では省略されていた。エンド・ロールでは、この孤児が北條家に受け入れられ、すくすく育ってゆくポートレートが明るく描かれ、物語に最後の大きな安堵と救いを与えている。史代が丹念に綴る物語には、いつもながら深く感心する。この映画化も、戦争下の市井の生活を描いた素晴らしい作品として長く人の記憶に残るに違いない。これは、ドンガドンガと太鼓を叩く反戦映画ではない。原作の持つ静かなメッセージはしっかりと伝わっている。過去ブログにも書いた私自身の感想を再掲しておこう。我々は大切なものを、いつだって失い続ける。その、光きらめく記憶が胸に宿り続ける限り、日々の暮らしを、ただ静かに生きて行くことは、きっと意味のあることなのだ。