―日本画のパイオニア―」が開催されている。横山大観(1868~1958)・菱田春草(1874~1911)・川合玉堂(1873~1957)・川端龍子(1885~1966)はいずれも、伝統をふまえながら新しい時代に即した絵画を模索しつづけた近代日本画のパイオニアたちだ。―日本画のパイオニア―」展の絵画から、この4人の日本画家たちが追い求めた理想や、新たな表現へのチャレンジ、独自のスタイルを確立していった過程などを紐解きながら、その魅力や見どころを紹介していく。酷評され、海外で評価された「朦朧体」まずは、菱田春草と横山大観から。本展の導入部は「朦朧体」と呼ばれる没線描法の作品からスタートする。この「朦朧体」は、墨による輪郭線を使わずに「光」や「空気」を表現できないか――という岡倉天心の問いかけに対して、大観と春草が探求していった技法だ。輪郭線がないため全体的にぼんやりとした印象だが、不思議なほど奥行きや空気感、その場の湿度までが感じられ、どこか異国風の趣もある作品である。画題として用いらているのは東洋のモチーフなのだが、「光」を色彩の濃淡で表現する点においては西洋風の技法ともいえる。描線が少ないことに加えて、このあたりの色彩表現が独特の雰囲気を作り出しているのだろう。日本では酷評されたが、アメリカ・ヨーロッパの展覧会では好評を得て高値がついた下図(左)は、菱田春草の“朦朧体”を用いた作品『初夏(牧童)』の一部である。春草は、明治40年代になると朦朧体から離れて、水墨画をベースとした東洋風の表現に回帰していくのだが、その頃の作品と比べると同じ「牧童」でも大きく描き方は異なっている。背景の草なども描線がはっきりと描かれるようになり、この頃から構図や描法に琳派の影響も現れ始める。美術館の方の話では、この二つ並んだ牧童は同展の隠れスポットなのだとか。至近距離まで近寄って見られるので二人の牧童、そして背景の描き方の違いをじっくりと観察してみてほしい。外隈(外側をぼかし、対象を白く浮き立たせる技法)で表した作品。水墨を主体に月と四季の草花を組み合わせる表現は江戸琳派にも先例があるこの後、春草は37歳の誕生日を前に短い生涯を閉じることとなる。前身)で共に学び、インドやアメリカ、ヨーロッパへも共に赴いた。冷静な春草と情熱的な大観と性格は正反対だったが、とても仲が良かったようである。横山大観のコーナーは、画材・技法・テーマと見どころ満点!春草が『月四題』を描き上げた同じ頃、大観は中国旅行を経て、山水画制作に取り組んだ。大観の画巻はこのとき描かれた「楚水の巻」と「燕山の巻」、そしてのちの「生々流転」などが広く知られているが、同展では「楚水の巻」の実物を見ることができる。風景だけでなく、時間帯による空気感の違いや湿度が墨一色で表現されているこの作品は、揚子江沿岸付近の風景をイメージして、その湿潤で気候の変化が激しい風景を、朝、昼、雨、夕の4場面に分けて描いたものだ。雪舟を思わせる力強い筆致に加えて、風景のみならず気候による空気の変化までを描き切る繊細な表現が見事である。大観の模索はまだまだ続く。大正期の作品は一気に華やかさを増す。大正5年に描かれた『作右衛門の家』では、南画を思わせるタッチに、大和絵風の鮮やかな色彩が用いられ、貴重な岩絵の具を用いるなど画材への挑戦も見られる。この作品に使われている技法は「絹本裏箔」といって、絹の裏側に金箔を貼って、絹目の間からキラキラと輝く効果を生かしたものだ。山種美術館これをさらにアレンジしたのが、次の作品『喜撰山(きせんやま)』。和紙の裏に箔を貼って、あとから紙を剥いで薄くし、紙から透けてみえる金の効果を生かした作品だ。薄く剥いだ箇所もあるが、紙には絹のような目の隙間がないため、金箔は輝きではなく透ける色合いとして表出し、これにより京都の深みのある赤土の色を表現した作品である。山種美術館ほかにも、可愛らしい「木兎(みみずく)」や、中国原産の「叭呵鳥(はっかちょう)」、「龍」といった生き物や、壮大な風景画(山水画など)、桜や富士山といった愛国心溢れる古典的な画題も多く制作されており、特に「富士山」は生涯で2000点以上描かれたという。言えば「富士」!本展にも富士を描いた作品が4点展示されている。山種美術館所蔵)』は来館者なら撮影OKだ。後に紹介する玉堂も、一時期は大観や春草と同じ日本美術院に参加した画家だが、行きつく先は大きく異なる。龍子は異色の経歴を持つ画家で、はじめは洋画家としてキャリアをスタートさせている。並行して新聞や雑誌の挿絵も手掛け、1913年に洋画修行のため渡米するも、帰国してまもなく日本画に転向。創立して、独自の道を歩むことになる。龍子の作品は、大画面に力強い筆致で描かれたダイナミックなものが目立つが、本展ではその繊細な一面も覗き見ることができるので、小品も良く鑑賞してみてほしい。大胆な筆致と躍動感あふれる大画面で異彩を放つ「鳴門」から。龍子が院展を脱退し、自らの青龍社で初めて開催した「第一回青龍展」に出品されたものだ。院展で批判された“会場芸術”という言葉を、大衆と芸術が接触するための理想の姿を現す言葉として積極的に用い、多くの人々が展覧会場で身近に鑑賞できる作品を生み出して行った。牡丹に唐獅子、蝶というのは古典的な画題だが、堂々と描かれるべき獅子が子猫のような滑稽な姿で蝶を追いかけており、「華曲」という題名にも龍子の独特なセンスが感じられる。山種美術館所蔵そして次の『月光』は龍子作品の幅広さを感じさせる一枚である。仰観で切り取った拝殿の屋根が画面の大半を建物が占めているが、主題は右上の空間にうっすらと姿を見せる月。月の光が照らす空間そのものである。風景画を眺めるとき、大観や龍子を見る時のような驚きはない。日本人の心にピッタリと寄り添い、強い郷愁を誘う、日本の「原風景」ともいうべき風景画スタイルである。玉堂は、狩野派をはじめとする漢画の様式を基礎に、古典的な表現技法を用いて、身近な自然とそこに生きる人々の姿を描き出そうとした画家で、時代とともに日本画の風景表現に新境地を切り開いていった。京都で学んだ円山・四条派の柔らかい岩の描き方から、狩野派由来の河北系山水画のような画風へと、新しい表現へ挑んでいた頃の作品。玉堂は、橋本雅邦との出会いをきっかけに、それまで一定の地位を築いていた京都画壇から東京へと活動の場を移している。山種美術館所蔵その後も、昭和期に多く見られるようになった、ワイヤーと滑車を使った近代的な渡し船を描いてみたり(『春風春水』昭和15年)、田んぼと労働に励む女性たちを俯瞰的に捉えたユニークな構図を試みたり(『早乙女』昭和20年)と、当時としてはなかなか斬新な表現にも挑戦している。本展の最後を飾るのは、晩年の大観、玉堂、龍子の3名による「松竹梅展」の作品。松竹梅展は、山種美術館の創立者である山﨑種二の所望によって開催された展覧会で、松・竹・梅の3つのテーマを三名の画家がそれぞれ担当し、全三回開催されている。「梅」を龍子が、「松」を大観が、「竹」を玉堂が担当した第一回松竹梅展と、「梅」を大観が、「松」を玉堂が、「竹」を龍子が担当したの第三回松竹梅展の作品が見られるが、ここでも3人の画家の特徴ははっきりと表れている。晩年に描かれた松竹梅展の作品は、いずれ劣らぬ日本画のパイオニアたちが生涯をかけて探求した世界観の集大成とも言えるだろう。「日本画は難しい」「古典の知識がないとわからない」と感じている人がいたら、ぜひ今回の展示を見て欲しい。大観晩年の作品は堂々たる風格。少ない描線とさりげない仕掛け(二羽の鳥)で雄大な世界を表現する。描くのはやはり身近な自然とそこに生きる人々。いう画題に対して竹林ではなく筍という独特のセンス。パイオニア―」の展覧チケットを、抽選で5組10名様にプレゼントいたします。応募期間は9月30日(月)まで。応募方法は専用ページよりご確認ください。WEDデザイン・アートドガ、ゴッホ、ブーダンまで。WEDデザイン・アートアクセスランキング2.10-2.16ほんのりビターテイストの限定軸ボールペン「カフェドクレナ」発売。講師(3DCG/アニメーション・イラスト・WEB))弊社の中心となれるリードデザイナーを募集致します。気になるフォント、知りたいフォント。1』MdN公式InstagramInstagramでは、デザイン関連本や本に関連した参加型コンテストについて発信しています。