シャドウ部の深みが増します。「小嶋さんの作品について教えてください。内側から湧き出してくる光なんです。色というのは、表面的なものになってしまうのです。きっかけは、太素杳冥の中にある写真を撮影していた時です。日没頃撮っていた時に、自分には光溢れる風景に感じられていたのにはっと気がついて周りを観ると真っ暗だったのです。下は輝いて見えました。それが何でだろうと思ったのが始まりです。陰が極まって、陽が生じるようなイメージです。そこには、色はいりません。観る人が陰影の中にご自分の色を感じてもらえれば良いです。光と陰の中の生命感を表現している。陰の部分も一つだけの黒ではない。)プリントの中の黒ですが、けっしてベタの黒ではありません。版画をやっている時に学んだことですが、真っ黒に潰すのは簡単なことです。真っ暗に見えても、僅かな陰影の濃淡の差異の中に何かの存在を感じさせるのはとても日本的です。光と陰の中の生命感を表現している。陰の部分も一つだけの黒ではない。)和紙は良いけれども、難しいです。何が難しいかというと、黒の濃度が全然出ないのです。明暗の階調の幅が狭く、それで、普通の階調の再現域の広い洋紙と違った表現をしないといけないからです。私は、調和の世界を気にします。それは、単純に数字化したら、この黒の濃度は出ていないけれど、調和の世界ならその黒の色を感じることはできます。展示風景)その生命感をちゃんと描写して、全体的に暗さを表現するには、技術が必要になります。この滝の写真ですが、普通に撮るだけだったら、決してこうはなりません。暗いところを出したら、滝が白く飛んでしまうし、滝を出したら、まわりは真っ黒に潰れます。写真は写真家小嶋三樹のSignatureWorksのようだ。)「ネガは楽譜であり、プリントは演奏である。アンセル・アダムス(アメリカの写真家。1902〜1984)ただ、写真を撮ってプリントしただけでは、譜面どおりに演奏しただけということです。指揮者が違ったり、オーケストラが違ったりすると、同じ楽譜なのに、違った感動が生まれます。同じ指揮者が30代の頃に演奏したのと、60代で演奏すれば、生涯をとおして違ったものが生まれ表現されます。写真でも、10年、20年と経ってから、プリントしなおすと、新しい発見と表現があります。写真というのはそういうものだと考えます。写真を撮って写真屋さんにだして終わりでなく、撮ったところは、まだ過程の半分の一歩手前なんです。自分のイメージにそこから近づける作業が必要です。パソコンの画面上だけではなく、プリントする場合には自分が良いと思った和紙であったり、版画の紙であったり、そして、表装などの見え方まで、写真をするなら考えるべきだと思っています。私は、紙の質感を見せたいので、展示会では、額装の時でも、ガラスを入れません。展示風景)作品一つ一つに題名はつけません。見ていただく方の感性で対峙して見ていただくのに、題は必要ないと思っています。地名ぐらいは表示する場合もありますが、それも、作品を観てもらうには、あまり重要ではないと考えています。言葉で表現できないものをやっているのに、言葉でどこまで説明する必要があるのかということです。自然の中の命の光です。やってきて気づいたのはそこです。一つの光として表現する。Photographyとは、本来、光で描くという意味です。明暗の話ではなく、光を描くには、影が必要で、逆に陰を描こうとすると光が必要になります。両方の調和の世界です。このニュージーランドでの写真は、敢えて、青色を出しました。ベースはモノクロです。父がちょうど亡くなった時だったので、青を使ったのは影響があったのかもしれません。​(ひかりといのちとの題名がついているのは小嶋さんの作品では珍しい。ニュージーランドで撮影)このダイヤモンド富士ですが、普通に撮ると逆光ですので、山肌がベタで真っ黒になるのです。シルエットでよければそれで良いのですが、山や森を出すには、技術的な裏付けが必要です。残念ながら、写真では実際の明暗の差を再現できません。ラティチュードと言いますが、記録し再現できる階調の幅に限りがあります。それが前提ですので、自分の表現したいものに近づける調整が必要です。暗い所のディティールを描写するには、明るく撮れば良いのですが、そうすると明るい所は真っ白になってしまいます。明るい所を大切にして暗くして撮れば今度はシャドウ部が真っ黒になってしまう。そこで、暗室で光を多くあてたり少なくしたりするプリント調整をします。(朔旦冬至ダイヤモンド富士)「100人のうち、99人に伝わらなくても、1人感動してくれる人がいたらいいのです。自分が納得した作品を出すことが大切なんです。写真コンテストなどで受賞を狙って、あの審査員は、祭りが好きだとか、風景が好きだとかと、コンテストの審査員に合わせた写真を撮って出品している人がおられます。なると、何のために写真を撮っているのかが、分からなくなってしまいます。美術や写真でも、コンクールの審査員は、自分の生徒が出品していれば、落とせないものです。持ち回りで賞を取らせたりもします。芸術関係には、そういうところがあります。良い面もありますが、弊害もあるわけです。それで、先生に合わせて作品を作って、仮に、金賞を取れたとしても、嬉しいのでしょうか。結果に一喜一憂するのではなく、自分の撮りたいものを追及して、1人でもいいから感動してくれるような作品ができれば良いのだと思います。自分で被写体を探すことをしないで、SNSやコンテスト雑誌で紹介されて有名になった撮影ポイントで、みんなが同じ方向にズラリ並んでカメラを向けていますね。いう場所で、みんなとは違う方向だったり、後ろを向いて撮っている人がいたら、その人は本物だと思います。光と陰の中の生命感を表現している。陰の部分も一つだけの黒ではない。)デジタルでは、フォトショップなど、何種類か使います。使い方によっては、合成など邪道な面があることは確かです。ない写真の質を高める調整のための使い方をすれば良いのです。撮ったまま何もしなくても良いという考えは、暗室でプリントをやったことのない人に見受けられますが、写真が自然界の明暗差をすべて記録できない事を知っていたらあり得ない考えだと思います。色についてですが、JPEGで表現されているのはカメラメーカーの考えている色です。青空といっても五月晴れも秋晴れも同じ青ではなく、ひとりひとりが感じた色で表現すれば良いのです。写真をやるのだったら、そこは自分でやるべきです。無条件に色を使わされているのです。フィルターや風景の濃度などカメラメーカーに決められています。デジタルでの加工に限らず、「私には、こういう風に見えた、感じた」事を人に伝えるために表現するのだということです。写真の面白いところは、もちろん表面的に写すところもありますが、写真には、見えないモノが写るのだと思います。何も見えないところから、見えるものにするところに作者がいるのです。見るかたが自由に作品を観て感じることがあって初めて作品が成立するのだと思います。)最後になりますが、写真を志す人には、基本をしっかりと学んでほしいです。きれいに撮る目先のテクニックだけでなく、露出などの「写す基本とプリント表現する基本」は身につけて欲しいです。二度とない人生の中で、写真と出会い、その人にしかできない表現を目指してもらいたいです。その過程の中で、「自分はこうしたいのだけれど、なぜ、できないのだ?」、かを考え、できるようにする方法を考える、そのプロセスが大切です。人と比べて、自分が一番か二番という相対評価ではなく、自分が納得できるものを追及するという絶対評価を追及していると、自然と、他の人も分かってくれます。写真というものに対する知識が殆ど無い私には、技術的な話は、パソコンを初めて起動する小学生並みの理解力しかない。小嶋さんは、話を初めてすぐにそれを察してくれたようだ。噛み砕いて話していただいたが、それでもハードルは高かった。ここに紹介させていただいた写真を見れば、きっと、読者も感じてくれるものがあるのではないだろうか。筆者には、小嶋さんの写真を見ていると、太古の昔から止まっていた時間が、ちょうど、水の雫が垂れる音で動き出すような厳粛なものを感じる。高等生物が地球に出現する前の生命の始まりの音、それが聞こえてくる。そんな風に感じさせる写真、いや芸術に触れることが、今まであっただろうか?小嶋さんの芸術家としての姿勢は、アーティストを目指す人には、きっと一つの指針となるのではないだろうか。簡単に、苦労は無かったと言い切った小嶋さんだが、五年の間、和紙を印画紙にするために、指針無いゼロから作り上げていった話は、自分にはとてもできないと思う。その間には、焦燥感や、絶望感などもあったろう。今の温和な小嶋さんの顔からは、とても想像できない。その過程での苦しさは、小嶋さんご本人とご家族だけが知っているのだろう。できれば、この記事は和紙に関する仕事をしている人には、できるだけ届けたい。これは、和紙の新しい使い方を実際に追及した写真家の話である。いう新しい需要が、他にもあるかもしれない。海外の需要家に提案できるかもしれない。産業の新しい方向や需要の開拓というのは、どこにあるか分からない。いう意味で、越中五箇山の悠久紙の方の取り組みには敬意を表する。インタビューの初めに、小嶋さんのお父上は作家の「小島直記先生」の話が出た。福岡県の八女市の方で、1919年に生まれた方だそうだ。私事になるが、実をいうと、筆者の父も1919年生まれ。この小島直記先生は、終戦時は、海軍主計大尉だったそうだ。私の父も、終戦時に海軍主計大尉だった。私たちの父親は、同じところで学び、同じところで働き、話を交わしたこともあっただろう。それから70年以上たった2018年に、その子供たち二人が、話を交わす機会に恵まれたのだ。小嶋さんのHPとFBはこちらからどうぞ。座・SQUARE公演は7月15日に国立能楽堂であります。より1998年に結成。能楽界の次代を担うべく幅広い活動を展開。能楽の発展普及に努める。第21回公演が7月15日に国立能楽堂であります。席には、まだ余裕があるみたいです。出演される山井綱雄さんの2017年に行われたインタビュー記事はこちらからどうぞ。LIFE切り絵画家の久保修さんの個展「紙のジャポ二スム」が来週から開催されるというハガキををいただいた。場所は、新宿伊勢丹本館5Fのアートギャラリー。7月4日から10まで。サイン会は土日の7日、8日の午後2時—3時。新作30点も発表されるという。久保さんの切り絵は凄い。世界という舞台で、日本の良さを追求している作家である。この春に行われた久保さんのインタビュー記事はこちらからどうぞ。是枝裕和監督の「万引き家族」が、カンヌ映画祭のパルムドールに選ばれた。日本各地でも、6月上旬から、興行が始まった。先日鑑賞したが、確かに、なかなかの出来栄えだったと思う。キャストや上演者の意気込みが伝わってくるものだった。世界の評価を受けることが多い。日本の芸術や、商品の中で、時代に取り残されているものは、世界を目指すべきということがある。今とは全く違ったものとなっていくと思っている。世界を目指そうという気概が無い。この十年だけを見ても、世界標準に達している映画は相当あるが、アメリカでもフランスでも上演されている件数は殆どない。世界に主戦場を求めるのではなく、ジャニーズ系の俳優を起用して国内の観客動員数を増やしたと喜んでいるように思う。この図式は、邦画という産業が、そういう形でこの五十年間、生存した魔法の方程式ともいえる。人口形態が少子高齢化に進んでいく今の世の中、ジャニーズでいつまで食っていくことができるだろうか?それとは全く別の切り口になるが、映画というジャンルの芸術が、果たして、紙の文化が何千年も生き残り続けたように、将来も生存するかどうかは分からない。廃れる時には、相乗効果で廃れるのではないかとも思う。デジタルという機械に頼るものなので、その機械自体が無くなると、それに伴って消失してしまうかもしれない。当時、最新鋭の総天然色の映像も、現代では、色彩の劣化だけが気になってしまうものが多々ある。それが、紙をベースとした書物や、絵画のような美術とは違うような気がする。芸術や表現方法というものは、常に、経年劣化と趣向の変化という波に向かっていくものだ。それだからこそ、映画というものは、世界を目指すべきものなのだと思う。是枝監督はじめ、万引き家族の制作に関わった人には、絶大な賞賛を送りたい。日本の映画界には、世界を目指す意気込みを持ってほしい。今回は、楮(こうぞ)の木。こちらも、駿河半紙の内藤さんの工房の庭先に生えていたもの。言われなければ、全くの雑木。楮は、和紙の原料としては、もっとも一般的。この楮の樹皮の部分を煮て、溶かして、それにトロロアオイをいれて粘り気を持たせてから漉く。本当に、不思議なのは、古の人たちはどういう経緯を経てこの楮を紙の原料に選んだのだろうということ。その樹皮を紙にする長いプロセスをどうやって開発したのだろうか?手漉きといっても、紙を漉くには、網が必要。最初に、紙を作ったプロセスは、現代ではもはや想像することさえできない。中国からの技術導入があったわけだが、中国人たちはどうやってそれを発見したのか?そして、どうやって日本にその技術を伝えたのか?そういう風に考える歴史というのは壮大なロマンに満ちている。(07/15)毎日書道展に行ってきました。(07/15)久保修さんの展覧会に行ってきました。(07/15)嬉しいニュースが飛び込んできました。(05/13)MOA美術館の「琳派ー光悦と光琳」に行ってきました。(04/04)MOA美術館の「琳派ー光悦と光琳」に行ってきました。(11/30)NARAYACAFEで「にっぽん折り紙」を買えるようになりました。