室内楽アルカント・カルテットの、28日、王子ホールでの公演を聴いた。2夜のシリーズで構成される特別企画だが、第2夜は「エナジー」と題されているので、彼らが思いきりぶつかれる曲ということだろう。演奏会は、バルトークの弦楽四重奏曲第5番で始まったが、大木がドスンと根を据えて、「アーチ型構造」をしっかりと支える感じが薄く、いささか骨組みが弱くきこえる。特殊奏法が異様にうまいが、かえって。別の音楽にもきこえる。op.64-2)では、ずっと細かい機微が押さえられている感じがした。第1楽章、アレグロ・スピリトゥオーソが象徴的で、沈み込むような深い音色で開始し、ロ短調の主体的な雰囲気に、いかにもハイドンらしいユーモアが差し挟まれていく。その間の、推移の見事さを彼らほど見事に捉えた例は少なく、とりわけ第1ヴァイオリンのヴァイトハースの多彩な歌いまわしは、さすがである。4本の弦はそれぞれに細やかな工夫を施して、演奏に角度をつけていく。その後の2楽章は安定感のある演奏だが、プレストに入り、表現がやや単調なものに思えた。響きの華やかさと、即興的ともいえる装飾の奇知によって大胆なユーモアが聴かれるものの、それらはやはり煮込みが足りない分、途中で大きなずれとなって表面化した。最後のユーモラスなフィニッシュはいいが、完全に聴き手を虜にするところまでは行っていない。上がありそうだという演奏であった。op.59-1)である。アプローチは意外に浅彫りであるが、非常に高いところに辿り着くための豊富なエレメントを感じさせる演奏であった。構造的なアピールについては、この上もなくすっきりしたプレゼンテーションが爽やかであり、長大な曲が長大であるとは感じられなかったことも指摘しておきたい。第2楽章から第3楽章にみられるベートーベンの独創性は、明解に表現されていた。第2楽章では、第1ヴァイオリンを除く声部が先行し、最後に第1がとびきり華やかな音色で追走する構造が見事に出たし、第3楽章ではチェロと第2ヴァイオリン、ヴィオラと第1ヴァイオリンの組み合わせから展開する構造の広がりが鮮やかに捉えられていた。音色の面からいっても、第2ヴァイオリンやヴィオラといった内声に強みをもつアルカントQだからこそできる、表現の深みを窺わせる箇所があった。アダージョ楽章(第3楽賞)は特に、4本の弦の絡み方が濃厚であるが、特に、第2ヴァイオリンが薄く高い響きをつくるのが、チェロをはじめ、周りの響きと微妙に混ざり合うことによって、なんと木管楽器の響きのように聴こえたのは驚きであった。第1ヴァイオリンが主体となる部分でも、他の3本の楽器の刻みこそが、聴き手にとっての楽しみであったろうし、それらの関係を一生懸命に追っていくと、あっと言わされる瞬間が随所にあった。クァルテットの形態から、十分な弾きこみで磨き上げていくのが難しい事情がある以上、自分たちが共有している高度なセンスを頼りに、コンパクトに関係性を深めていくことで、難関を突破していこうという意思が明白である。ところで、ベートーベンは、いまはこれ以上は望めないというほど自信のある作品を書き得たときには、最後に典型的なポリフォニーを書いて、神さまへの捧げ物にする。アルカントQは、この大事な結びの部分に至るまでは、上のような方法で、確実に聴き手を圧倒していた。それなのに、すべて台なしというほど酷くはないにしても、こうした要諦までしっかり歌いきるためには、やはりクァルテットとしての練度がものをいってくるのであろう。コーダは挑戦的な失敗というべきか、ギリギリで間に合わせてきた響きの連鎖に、僅かな、しかし、無視できない綻びが見えた。そのことを殊更に言い立てることが正しい態度なのかどうかについては、疑問がある。それを言い出せば、より繊細な部分においても、多くの聴きどころがあった。弦楽器に造詣の深い方であればあるほど、この4人のパフォーマンスには驚きを禁じ得なかったろうし、4つの声部のどれかには、必ず食いつきたい部分があったに相違ないのである。私の場合、第2ヴァイオリンのセペックの粘りづよい動きと、揺るぎのない作品解釈の確かさにおいて、感動的であった。いえ、前回と比べて、クァルテットがクァルテットとして成長したという実感はない。コンサートとしては楽しかった。アンコールで演奏されたラヴェルの弦楽四重奏曲(第3楽章)では、タペア・ツィンマーマンの弾くヴィオラの濃厚な音色を思う存分に楽しむことができて、ヴィオラ・マニアの私としては、幸福そのものであった。言ってはみたが、技の利く、創意工夫に満ちた存在感のあるクァルテットであることは間違いがないと思う。オーケストラ読売日本交響楽団でのスクロヴァチェフスキの常任指揮者としての任期も残り少なくなり、この9月のシリーズが終わると、あとは来年3月を残すのみとなる。9月のシリーズから、ブルックナーを中心とするプログラムを聴いた。ブルックナー『交響曲第9番』から。イージーなミスも少なくなく、練度不足が指摘できるが、そういう部分には目をつぶって、こころで感じたいものの多い演奏だったといえる。スクロヴァチェフスキと読響のアーティストたちは、ブルックナーの9番が彼自身の作品を含めて、過去のどの作品にも似ていない、インディペンデントな価値がある作品であることを、つよく主張した。どちらかというと、ブルックナーは保守的な作曲家だが、一方で、そうした使い古された要素から驚くべき新鮮な息吹きを引き出した人もいない。そのなかでも、この9番は図抜けている。その意味で象徴的なのは、もちろん、スケルッツォになるかと思うが、特に今回の演奏ということに限っていうならば、第1楽章の響きの作り方にこそ、その秘密がもっともよく表れていた。1つ1つのフレーズを敢えて連結させず、インディペンデントに扱っていくことで、構造を成すそれぞれのパーツがその場限りでいのちを使い果たし、一回的に輝き、かつ、失われていくような音楽づくりには、呆気にとられた。このことは、それ自体が人間の在り方に照応されて、示唆的な意味を持っているが、具体的(音楽的)には、大きく2つの効果をもたらしている。1つは、聴き手の興味をいつも一歩先に向けるということ。1つは、たとえ技術的に出来の悪い瞬間があったとしても、音楽が停滞しないということである。第1楽章最後の勇壮な結びである。直前の静かな部分で金管にすこし目立つ瑕が出たが、それをいうのも瑣末というほど、次の瞬間から響きが別ものになる。弦のエネルギッシュな下支えから、金管がめげずに膨らんでいく部分の物凄さは、全編のなかでもとりわけ印象的なものを残す。スケルッツォは、トリオの美しさが無類であった。弦楽器がほんの数本しか使われていないかのような、室内楽的で、清澄な響き。「主部」のデモーニッシュな部分をフェイクに使い、むしろ「トリオ」に実体があるというイメージが明確に、演奏のなかに表れている。これを天国の響きとすれば、マーラーがそれを受け継いだともいえそうなアダージョのあやしく、暗鬱な輝きや、『トリスタン』に倣ったかと思われるひどく尖鋭で、クラスタ的な書法として表れる第3楽章は、地獄の音楽ということになるのだろうか。この流れの最後にあたるクライマックスで、オーケストラの真ん中をなにか神聖な存在が通っていくように、あるいは、迷いを断ち切るように響きを踏み固めるときのキレの鋭さは、それが音楽世界にとって、来るべくして来たものであることを物語るだろう。第3楽章は、今回の演奏で圧倒的に見事であった弦楽器群にポイントがあった。展開部における深いストーリー・テリングは、楽曲全体をぐっと引き締めている。総休止の盛り上がりでは、まるでパイプ・オルガンのような厚みのある、神々しい響きが導かれるが、その中心部から響きを必死に押していたのも弦楽器だ。ノーラン率いる弦の涙ぐましい働きは、この演奏のコアに置かれるものとして相応しいものだった。ストリングス全体が賞賛すべき働きをするなかでも、ノーランはときに一人で変化をつけるような瞬間まであって、この稀有な才能に恵まれたコンマスの存在価値を、いまさらながら思い知らされる。前半は、アンドレ・ワッツの独奏ピアノによるベートーベンの『ピアノ協奏曲第4番』。ワッツは、ベートーベンが書き残した感情の動きを、音楽的な構造のうえでしっかりと捉え、それを誇張なく、素直な表現として貫き通すことによって、素晴らしい効果を得た。この推移は、ピアノとオケの重なりのなかで丁寧に組み立てられ、スクロヴァチェフスキの好サポートも印象的だ。謙虚な表現だが、ノーヴルな音色は忘れがたいものであり、要所で適切な自己主張を交えながらも、すっきりした表現であった。言い足りないのだが、このあたりにしておく。特別に、もう残り少ないという感傷性はないようだが、いつもながら手抜きのないスクロヴァチェフスキの音楽づくりはさすがであったとしておきたい。“AutoPage”AutoPage最新お知らせ。