ギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。新サイトOPEN!http://tomikawaguitar.comクラシックギター弾いてみたいなあ...!と思っている方...真剣にクラシックギターに取り組んでみたい!と思っている方...→富川ギター教室では生徒随時募集中です。http://tomikawaguitar.com※他に池袋、横浜青葉台でもレッスンしています。富川勝智の演奏会チラシはこちらでご覧頂けます。>5月19スペインが教えてくれたもの〜スペインギターフェスタ2015無事終了2015年5月16日〜17日にかけて行われた「スペインギターフェスタ2015」無事に終了いたしました。(↑初日のあとの記念撮影!)初日はギター独奏、二日目はトークイベント+ギターアンサンブルで行いました。同時期にスペインに留学し、今もなお各自がスペイン音楽とスペインという国と密接なつながりをもっている5名でのイベントでした。独奏では各自の個性がはっきりとわかったと思います。個性があるのは当然です。スペインで修行した人間共通の「こだわり」があります。その「こだわり」があるからこそ、奏者各自の個性が際立ちます。二日目のトークイベントのテーマは「本当のスペイン音楽とは?〜スペインで学んだもの」というものでした。そこで留学当時の話をいろいろとしました。どのようにスペイン語を学んだいったのか・・・どのように留学先を決めたのか・・・そして、実際にどのような考えをもつようになったのか・・・留学から10年以上経ち、それぞれがプロ活動を日本で行った今だからこそ、客観視できる「留学で学んだもの」があります。(↑プレトークの様子)プレトークでは、いろいろとお話しましたが、岩崎氏が「他の楽器のコンサートにいったとき”どういう音楽をするんだろう?”と思うけど、ギターのコンサートに行ったときは"どういう音を出すんだろう?”と思うことが多い」と言ったのが印象に残りました。ギターは他の楽器に比べると奏者による音色の違いやイメージの違いが色濃く出る楽器です。我々がスペインで習った師匠達全員、ギターという楽器の音色のこだわりは強いものでした。各自が「音色」に悩み、「音色」が音楽の表現に結びつく経験をしてきたのだと思います。考えてみると、最近のギタリストたちは、あまりギターの音色にこだわりがないのかもしれません。司会進行役をしてくれた若手ギタリストの林祥太郎君は「最近のヨーロッパではマスタークラスといっても、音色に対するアドバイスは少なく、どの楽器でも共通の音楽表現のレッスンとなってしまうことが多い」ということを述べていました。西洋音楽に共通の語法(表現法)はあります。クラシックギターならではの語法もあります。それはスペイン音楽の中に息づいているものでもあるかもしれません。東氏が「スペイン音楽の中にギターが息づいている」ということを言っていましたが、ギターの音色自体に「スペイン音楽表現のヒント」があると言っても良いのかもしれません。スペインで修行した我々は、「音色」にはこだわりをもってきたのだろうなあ、とプレトークイベントを終えてから思いました。各自、仲は良いですが、お客さんを前にして、「きちんと考えをまとめて話す」という経験はなかなかありません。私も、残りの出演者の意見や持論から新しいアイデアをたくさんもらうことができました。演奏自体は、リハーサルや本番を通じて、たくさんの新しい感覚を得ることができました。新しい感覚を得ると同時に、全奏者に共通の「こだわり」が実感できました。言葉にすることは難しいですが・・・。来年もやってみたいイベントですし、もっともっとたくさんの方に来ていただきたい・・・そして、もっともっと「スペイン音楽」と「クラシックギター」について考えてみたいなあ、と思っております。Tweet2月10音楽表現を考えるためのヒント5表現力っていうのはなんでしょうか?そしてどのように学ぶべきなのか?ということをテーマに連載しております。今まで4回連続で記事投稿してきました。「ヒント集」ですので、興味ある本などを読んでいただいて表現力アップを目指していただきたいと思います。考えるためのヒント」第五回!表現のしかたというのは、時代によって違います。その時代時代によって、「これは強調してほしいなあ!」という要素が違うということです。これを「時代様式」と言ったりします。アウフタクトと一拍目の関係も時代によって感覚が違います。このブログでもあの齋藤式指揮法の齋藤秀雄先生の言葉を借りて、以下のような記事を書きました。拍子を理解するために�ここから引用します。一拍目の存在感は時代によって異なる...ということを私は補足説明しました。このことに関して齋藤秀雄氏の「音楽は文法」という言葉を思い出しました。アウフタクトと一拍目(つまり上記でいうと「小節線の右側の音」ですね)の関係を以下のように述べたという言い伝えがあります。上記の「花」が一拍目です。バロックであれば、花に強い存在があります。古典であれば、花には依然ある程度の存在感が残るが、バロックと比べれば一拍目のアクセントは弱まります。ロマン派では「なんて綺麗な」のほう(つまりアウフタクトのほう)の意味合いが強くなります。結果として一拍目の存在感は希薄になります。旋律の扱い方も時代によって変化してきます。このあたりをじっくりと研究していかねばなりません。このような違いがあるのか?...各時代毎に「このバランスがいいね!」という旋律の歌わせ方や和声の表現の仕方、拍の表し方のブームがあります。いっても、人間は「飽きてしまう」のですね。違うことをやってみよう!...このほうが今の時代にあっているんじゃないかな?...というふうに変化させてしまうわけです。古典の時代にシンプルな和声と美しい均整のとれた音楽が隆盛したあと、人々は「飽きてしまいます」。複雑な和声、装飾的な旋律が多く含まれている旋律が「目新しい」時代になり、それがロマン派になっていきます。それに飽きれば、12音技法などが登場し...時代それぞれに「強調したい点」が違ってくるわけです。そこに表現の仕方の濃度の違いがでてくる。それが「時代様式」と言えます。その楽曲が演奏されていた当時の価値観=様式感というわけです。それを知った上で、現在の我々の価値観で演奏したって一向に構わないのですが、当時書かれた曲は「当時の価値観を考慮した上で」書かれています。現在の価値観や表現の基準で演奏した場合に、つまらない音楽になってしまう場合もある。そこには注意を払わねばなりません。この様式について、学ぶためには当時の文献や楽譜、教則本などをたくさん読んでいくしかありません。