[単行本(ソフトカバー)]ヨハン・ヨアヒム・クヴァンツシンフォニア2011-12-22あと、もう一冊くらいあげるなら、この本。春秋社2010-12-17今とは違った「価値観」が見えるはずです。バロック時代にどのような考え方をされていたのか?、ロマン派の時代はダイナミクスをどのようなイメージで捉えていたのか...いろいろと見えてくると思います。様式は時代とともに変化する「価値観」からも見ていかなければなりません。音楽史についての基本的な知識は必要です。当時の人々が音楽に何を求めていたのか?...何を表現しようとしたのか?...それを抜きにして各時代毎の「個性」は見出せません。音楽全般と思想の流れを掴むためには以下の本がおすすめです。2005-10読み物としてすらすらと読めます。論理的な部分と感覚的な部分がバランスよく書かれている著作。ギター史の流れについては日本語で読める良い本はなかなかありません。英語ですが、以下の本が一番のオススメかも。Pubns2001-08-01(日本の出版社で、全訳を考えてくれるところありませんかね?全部読んで、全部訳しましたので、いつでもご連絡くださいまし!)クラシックギターの奏法史というものも学んでいかねばなりません。これらのことも「教則本や楽譜」などの資料から謎解きしていくしかありません。「アンドレス・セゴビアの音楽にはロマン派的からの影響が強い」と言われますが、それを考えていくためにはセゴビアの運指などを丁寧に分析していくのがよいと思います。以前以下のような記事を書きました。「版」の意味〜セゴビア編ソルの20のエチュードソル20の練習曲〜セゴビアの意図を探るセゴビアの運指の「理由」を考えていくことで、セゴビア本人の音楽的な嗜好やその当時のギター界の流行がわかります。これは別の時代との比較がなければ、わかりません。ソルの原典もあたらなくてはなりません。ソルの生きた時代(古典音楽の時代)の「一般的な価値観」とソルの音楽家としての「価値観や美観」それぞれを分析していかねばなりません。ソルの場合であれば、その教則本にしっかりと「音楽のあるべき姿」が述べてあります。いうものをしっかりと勉強しながら、時代様式というものをギター奏法の中にも求めていかなければなりません。今回は「時代様式」について書いてみました。これで、ヒント集は終了ですが、明日もう一本だけ関連記事を書く予定です。いままでの「ヒント集」の「まとめ」を書いてみたいと思っています。お楽しみに!音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。Tweet2月7音楽表現を考えるためのヒント2表現力っていうのはなんでしょうか?そしてどのように学ぶべきなのか?ということをテーマに連載しております。前回は、音楽の三要素を使って、「音楽でストーリー(ドラマ)を作るためのヒント」をお話ししました。音楽表現を考えるためのヒント1ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第二回!音楽の三要素とはなんでしょうか?旋律、和声、リズムです。今回はこの3つのうち、旋律についてお話ししてみたいと思います。西洋音楽において旋律はどのように作られるでしょうか?何か元になるものはないのかな?...どう思いますか?作曲家たちはどのようにして旋律を作っているのでしょうか?...インスピレーション?霊感?こう考えてしまうと...なんだか正体不明ですね。ミスティックなもので、我々凡人には理解しがたいものになってしまう。シンプルに考えましょう。基本になっているものは「音階」です。西洋音楽であれば、基本的に「音階」でメロディーが作られているわけです。音階にはどのような要素があるのか?...まずはそのあたりを勉強していくとよいと思います。音階にはどのような種類があるのか?...「楽典」の知識が必要です。...メロディーの「変化」を表すためには以上のような要素が用いられます。...いろいろな印象がありますね。その印象をうまく使って音楽は「変化」を表しているのです。簡単に言うと、まずは「実際に声にだして歌ってみる!」ことが大切。音程を感じながら歌ってみる。音程それぞれに「印象」があります。それを整理していくしかありません。旋律というのは和声やリズムとの兼ね合いでいろいろと変化します。そのあたりの「感じ」をつかみたいなあ...というのであれば、以下の本がオススメです。非和声音に扱い方など、具体的な楽曲とともの紹介してあります。ある程度の基礎的な「楽典の知識」(調性や音程など)は必要ですが、読み進めていけば「こういうことを作曲家は考えて、自分のイメージを旋律に託しているんだな!」というのがおぼろげながらも分かってきます。いずれにしても、メロディーは和声とともにあって意味をなしてきます。非和声音についての知識が必要となってきます。「非和声音」というくらいですから、「和声の音にあらず」です。和声がわからないと理解しづらいですね。旋律を解釈する場合には非和声音を見つけることからスタートするとよいかもしれません。メロディーはただ適当に音階を上がったり下がったりしているものなのでしょうか?...いいえ、違います。良いメロディーには発想の元になっているものがあります。それを「モチーフ」といったりします。モチーフを元に作曲家は、変形させたりして、楽曲全体の統一した印象を作っていきます。このモチーフについては以下の本がとても参考になります。[単行本]アルノルト・シェーンベルク音楽之友社1998-12-10ベートーヴェンの楽曲を中心に「モチーフ」をどのように展開させていくのかを分析しています。冒頭部分を読むだけでもヒントがたくさん得られます。作曲家がモチーフをどのように展開させているのかなあ?と自分がやっている楽曲の中で意識が向くようになると、旋律の扱い方がとても丁寧になります。非和声音やモチーフについて述べてきましたが、旋律について意識を働かせるためには「秘伝」があります。それは...自分でメロディーを作ってみることです!そのための参考書としては、以下の本がとても参考になります。ポピュラー音楽のため・・・と銘打っていますが、段階的に書かれています。この本を読めば、作曲家が「あてずっぽうに」旋律を書いているわけではないのだ!...とわかるはず(霊感...などという曖昧な言葉では美しくロジカルな旋律は生まれないのです!)。博リットーミュージック2012-07-25以上、旋律について、どのように勉強していったらいいのか?...を参考書を中心に説明してきました。旋律にもリズムがありますので、そのあたりも注意して...と書き始めると無限に終わらなくなりますので、このあたりで。まとめとしては「歌ってみる」「メロディーを作っている人の気持ちになって分析する」「自分でもメロディーを作ってみる」という作業をしてみると、旋律を分析する感覚が養われてきます。「音楽表現を考えるためのヒント3」へ続きます!音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。Tweet2月6音楽表現を考えるためのヒント1表現力っていうのはなんでしょうか?これから何回かにわたって、このブログでヒントを書いていきたいと思っています。当教室に訪れる方には「自分で表現をしっかりとつけてみたい」と仰る方が多いのです。当教室の生徒はいろいろな曲を持ってきます。私がまったく見たことがない楽譜をその場で分析し、解釈の可能性を探る...それを見て、生徒さんによっては「先生って、初めて見た曲の表現がどうして分かるのですか?」と訊いてくることがあります。勉強すればできるよ〜!とその場ではぐらかす場合もありますが、いくつか解釈の方法を教えます。西洋音楽の普遍的なルールをいくつか知れば、表現を探していくことが可能です。今日から、その普遍的なルールを知るための参考書やヒントを少しずつこのブログでお伝えします。いうことで「音楽表現を考えるためのヒント」第一回!まずは音楽における「表現」とはなにを表しているのでしょうか?...これはとても大切です。抽象的に言ってしまえば、ストーリーを曲で描ければよいのです。いっても、音楽には「言葉」はありませんし、絵もありません。音でストーリーを描ければよいのです。ストーリーとは何か?...はじまりがあって、いろいろな変化が起きて、波乱があって、クライマックスがあって、終わりがある。「変化」=ストーリーというわけです。音楽では、それを「音楽の三要素」(旋律、和声、リズム)を用いて、ドラマを描き出します。この「表現とは変化」であるということをしっかりと整理してある名著としてハンス・ペーター・シュミッツ氏の「演奏の原理」(シンフォニア刊)があります。[単行本]大阪村上楽器2006-04-21この本から多くのことを学ぶことができます。基本的な概念はシンプルです。動的であるか静的であるか?...これが変化を作る要素ということです。テンポの速い遅い、音量の変化、アーティキュレーション、etc...いずれの要素も動的であるか静的であるかという区別がつけられます。音色についても動的であるか静的であるかということがあります。面白いのはこのような区別がつけられると、音量の変化や表情記号の知識などと組み合わせると、様々な表現のバリエーションが得られるということです。以前、スペインの女流ギタリストであるマリア・エステル・グスマンのマスタークラスで私が感じたことのブログ記事をアップしました。明るさと暗さ:開と閉この記事の中でこう書きました。マリア・エステル・グスマン氏のマスタークラスの通訳をしたときのこと。クレッシェンドを「だんだん開いて行って〜」と言ったり、フォルテを「もっと開いて!」と言ったりします。「abierto」という単語を使うわけです。直訳すれば「開いている」。英語のopenedです。文脈によっては「開放的に!」とか「明るく!」という感じで訳しわけたりします。音量の大小、音色の明暗は同時に表現されると、実に複雑な表情を孕んでいきます。楽譜のダイナミクス記号を見て、音量の大小だけで表現しようとすると、非常につまらない音楽になっていく場合があります。緊張感のあるピアニッシモ...硬質な音色で音量を小さく...というふうに表現することも可能です。このようにハンス・ペーター・シュミッツ氏の著作には多くのヒントが隠されています。そのお弟子さんでもあった吉田雅夫さんの著作も簡潔にまとまっていますので、オススメです。雅夫シンフォニア2010-10-09では、「音楽表現を考えるためのヒント2」へ続きます!音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。Tweet2月11明るさと暗さ:開と閉(強弱記号のイメージ)最近気になること。生徒さんのダイナミクスへのイメージです。ダイナミクス...一般的には音の大小ですね。僕自身も小学生や中学生の頃に「フォルテは強く、ピアノは弱く」と習った記憶があります。一般的にはこういう感じ(Wikipediaより)で習います。これはもちろん間違いではありません。いっても、これらをデジタル的な目盛りのような感覚で演奏するだけでは、音楽のストーリーを作れるわけではありません。作曲者がつけているfやp...一般には強弱記号とか呼ばれたりしますが、それにはもっといろいろなニュアンスが含まれているのです。フォルテにはフォルテの「イメージ」があり、ピアノにはピアノの「イメージ」があります。同様にクレッシェンドやデクレッシェンドは「音量をだんだん大きく/小さく」という定義以上のイメージがあるのです。留学中に習ったほとんど先生がダイナミクスのイメージを音量の大小でいうことは稀でした。フォルテには「温度の熱さ」とか...ピアニッシモには「芯の強さとはかなさ」とか...楽曲の文脈によって同じフォルテという記号がついていても、いろいろにイメージは変化しましたが、ほとんどの先生は「音の強弱」を越えたイメージを求めていました。留学から帰って来て、こんな本に出会いました。マルグリスカワイ出版2002-11-01この134ページにこんな文章があります。「大きく/静かに」だけが、「クレッシェンド/ディミヌエンド」の意味することではない。多声構造において、だんだん「厚くする/薄くする」こと、だんだん「明るくする/暗くする」ことも「クレッシェンド/ディミヌエンド」の一種である。...音量の強弱が明るさや暗さにも喩えられています。この発想はツェルニー著「ピアノ演奏の基礎」にも同様のものがあります。フォルテやピアノの「特定の性格」を定義しているページがあります(12ページ)。春秋社2010-12-17簡単にまとめると以下のようになります。pp:秘密めいて神秘的な性格。voce:穏やかに語る会話の調子f:独立心に溢れた決然とした力の表現であるが、情熱を誇張してはならず節度を保つこと。ff:歓呼にまで高まった喜び、苦悶にまで高まった痛みもっと丁寧に原書では説明しています。詳しくは原著を読んでください。ダイナミクスの表現に悩んでいる生徒さんやイメージ作りに悩んでいる生徒さんには、レッスン中にこのページを読み上げることが多いです。ほとんどの生徒さんは「強弱記号ってこういうことだったの?」と思ってくれます。楽曲のストーリー作りを楽しんでくれます。この著者はベートーヴェンの弟子です。古典の表現などについて多くの示唆を与えてくれます。この時代からダイナミクスは「イメージの表現」であるということが理解することができます。デジタルは音量表現が先にあるのではなく、先に感情が伴ったイメージがあり、その結果としてフォルテは音量が大きくなり、ピアノは音量が小さくなる(ことのほうが多い)ということなのです。私の自分自身の経験からも、同じことが言えます。ヨーロッパで演奏したり、海外のギタリストの通訳をしたり、音楽談義をしたりすると、やはりダイナミクスは音量の大小だけはないな〜と痛感します。マリア・エステル・グスマン氏のマスタークラスの通訳をしたときのこと。クレッシェンドを「だんだん開いて行って〜」と言ったり、フォルテを「もっと開いて!」と言ったりします。「abierto」という単語を使うわけです。直訳すれば「開いている」。英語のopenedです。文脈によっては「開放的に!」とか「明るく!」という感じで訳しわけたりします。同様のことはフランシスコ・クエンカ氏のマスタークラス通訳をしたときも感じました。フォルテは「明るく」そして「開放的」でもあるのです!これはもちろんスペイン語の語感による部分も大きいとは思いますが、少なくとも音量の大小だけの問題ではないことが分かります。クレッシェンドが「開放へ向かう」のであり、デクレッシェンドが逆に「閉じて行く」のであれば、音楽のイメージ作りが随分変化してきます。「光に向かって行く感じ/暗闇に引きずり込まれて行く感じ」...「外交的な感じ/内向的な感じ」というふうにイメージを作って行くこともできます。楽曲を解釈していく際のストーリー作りがしやすくなるわけです。強弱記号のイメージ...これをいろいろと持つように心がけてください。デジタル的に捉えるのではなく、最初にイメージがあるのですから。詳細はこちら!講師はギター連盟正会員の富川勝智と坂場圭介です。演奏会♪チラシまとめ→演奏会チラシ体験レッスン富川ギター教室では無料体験レッスンを行っています。正しい基礎を知りたい方、独学でお悩みの方、技術に限界を感じている方...今すぐに申し込みください。