秋野不矩はジョージア・オキーフと重なります。きたオキーフを紹介してみました。生徒たちを連れて浜松市美術館へ。ここ何年かの恒例授業となっている。2時間連続の美術の授業ではあるがその授業内の時間に行って鑑賞して帰ってくるので慌ただしい。それでも生徒たちはこの美術館行きをいつも楽しみにしていてくれる。毎回必ずワークシートを課しており、今度の五分美術史は、その提出された生徒たちの文章のうちの二つから構成しました。以下、テキストと画像です。油彩による超写実の世界。エアブラシによる超写実の世界。水曜日のクラスしか美術館に行けませんでしたが、提出されたワークシートから、二つを紹介します。感じさせないような描写だと思いました。ような色のグラデーションや鉛筆の使い方に感動しました。らず、しっかりとわかる。リアルな描写に対してこの二人はとても冷静に作品を見ています。紹介したワークシートの文章はそれを伝えています。それは本物ではなくて描かれたもの。ワークシートの文章でした。教科書でみる印刷された作品や、液晶画面の映像からはつかむことが出来ません。感じられたことだと思います。値は十分すぎるほどありました。ひ行ってみてください!////テキスト終わり。7万人の入場があったという木梨憲武展に比べると、地味な展覧会でしたが、木梨展のように企画屋さんの企画を丸ごと買って展覧会をしたのではなく、美術館学芸員が自前で作った企画であり、浜松出身作家ということであるので、これは地方都市美術館がやるべき仕事であると思い、浜松市美がんばっていると思いました。六本木ヒルズ森タワー53階地上約230mにある美術館です。塩田作品のメインは、黒や赤の糸を空間全体に張り巡らせた大型インスタレーションで、これは圧倒的です。他にも窓枠や旅行鞄を使ったインスタレーション、自分自身のパフォーマンス映像やドローイングなども展示されていました。作品から感じたテーマは「皮膚感覚」です。作者自身が感じる不安とか、心の動きとか、外界から感覚的に受け取ってしまったものとか、そうしたものを、ある時は自分の身体を使い、ある時は過剰な量のモノを空間全体に使って、強く拡張している作品です。したがって作品はどこまでも個人的なものなのですが、その度合いが強烈で、かつ、繊細さを表現する造形に成功しているので、彼女個人の魂の震えに見る人は共振してしまうのでしょう。描かれているものは、クッションやガラス製の美しいお皿や、アクリルケースに入っているつぼなど身近なものばかりですが、一点一点に息を呑む美しさがあります。美しく写実的に描かれているだけではありません。クッションの絹の質感、そこにほどこされている刺繍糸の質感が、とてもリアルでありながらどこかリアルでない感覚が生まれます。作家の、見つめている目と描いている手の間にあるもの、そして鑑賞している自分と作品の間にあるもの、それは何だろうと思わされます。あわい、とはこのことかと。伊庭靖子の作品は、鑑賞者の『見る』という行為に、美しい余韻を持たせてくれました。前回の表現の自由と不自由についてでは、高校生たちはとてもしっかりと聞いてくれました。自分が見たことで伝えるということは大切だと思いました。Comments(0)高校生のための5分美術史No.7二学期が始まります。二学期最初の五分美術史は教科書の中からでなく夏休みに私が見たことを伝えようと思います。あいちトリエンナーレあいちトリエンナーレの紹介は夏休み前にしましたね。名古屋で3年に一度国際芸術祭が開かれていて、今年はその年です、だから行ってみようよ、きっと面白いよ、と。見てきた作品から、こんなのもアートだよの紹介を少し.タニア・ブルゲア展示室に入る前に手にスタンプが押されます。国外脱出が果たせずに亡くなった難民の数の合計を表しています。こんなストレートな質問に答えるワークショップが開かれそれの結果が展示され会期中も参加型で増え続けていく作品。これも全66作品のうちの一つです。自由について考えてみてください、というテーマの展示でした。展示取り下げや内容変更などをし、今も問題は収束していません。私は、抗議が始まる前のタイミングであいちトリエンナーレに行きました。送ることになった女性たちの悲劇を伝える作品で、政治的というよりはむしろ文学的な作品であると思いました。今回の展示中止によってさらに表現の不自由が顕在化するという皮肉な結果になりましたが、私は高校生の君たちに表現の自由について考えてほしいと思います。これまで3年生の二学期後半は自由制作となることが多く、本当に何を描いてもいいんですか?と時々聞かれました。その質問のために用意している私の答えはいつも決まっていました。『誰かを傷つけたり不快にさせるような表現でなければ、なんでもいいよ』というものです。この条件は表現の自由を損なうものだと捉えることもできます。実際あいトリでは、不快だから取下げろという脅迫によって展示は中止されてしまいました。表現の自由はどんな内容であっても保障されなければならない、のだと今は思います。表現したものが誰かを傷つけたとしても、傷ついたと主張する人たちは今回のように言葉の暴力に訴えるのではなく、両者(見た人と作った人)は色々なやり方で丁寧にわかり合っていくべきだと考えます。皆さんはどう考えますか?以上、高校生向けテキスト。高校生に向けてのショートショートレクチャー。二週間ほどお休みして、今回はフェルメールです。教科書では原寸大で作品が載せられている、『レースを編む女』です。(ヨーロッパのレースは『編む』のではありませんが和訳するとこうなったのでしょうか。実際彼女は『編んで』はいません)以下画像とテキストです。フランスフェルメールは、美術史の流れの中ではバロック美術に位置する画家です。バロックは、ルネサンスの端正な表現に比べて、色彩や明暗など様々な点でとてもドラマチックな表現が特徴です。この「レースを編む女」においてもその特徴は随所に見られます。手や衣服の中の誇張された明暗、黄色の衣服とブルーのクッションや、赤い糸とグリーンのクロス、などに見られる色彩の強いコントラストなどがそれです。この作品がドラマチックに感じるとしたら、その一番の根拠は「時間が止まっている感じ」ではありませんか?フェルメールは、どのようにして、このレース編みの細かい作業の瞬間を表現できたのでしょう。モデルとなった女性に長くこのポーズをとり続けていてと依頼したのでしょうか?それはちょっと無理な気がします。43ページの、『牛乳を注ぐ女』を見ても同じです。なると考えられることはひとつです。カメラで撮影後その写真をもとに制作するという方法です。p143参照)はありました。一説には、フェルメールは、描きたいモチーフをピンホールカメラで覗き、デッサンせずにそのままキャンバスに投影し、そこから絵作りした、と言われています。作品がどれも小ぶりなのはそれが当時のピンホールカメラの限界のサイズだったことが考えられます。(実際、初期の大作にみられるデッサン力は今一つで、作品が小さくなってからは狂いがありません。窓辺の風景が多いのはカメラに光を取り込む必要があったからではないかと私は思っています)ところで皆さんは、見て描かないなんて絵描きとして『ずるい』と感じますか?私は目と手の力だけで絵が描かれていた時代に、当時としては最新のテクノロジーを使って新しい表現を生み出したのだと評価できると思います。写真というものが普通にはなかった時代に、この、まるで時間を止めたような作品を見た人たちは、今の私たちとは異なる感動を持ってフェルメールの絵に接したかもしれません。テクノロジーは進化を続けています。お絵かきアプリibisPaintxと皆さんの指先はつながっているように私には見えます。指で液晶画面をなぞって生まれた傑作に驚きます。CGの世界ではどこまでがリアルでどこからがバーチャルか時々わからなくなります。パラリンピックの選手はテクノロジーによって身体機能を拡張し、種目によってはオリンピック選手より良い記録を出すそうです。私たちの世界を広げてくれるものとしてテクノロジーはいつもあります。フェルメールは350年も前にそのことを絵描きとして実践した人なのだと私は思っています。(生涯で35点の作品しか残さなかったフェルメール、なぜか日本人には絶大な人気があります。今年初めのフェリメール展ではインターネットで日時指定の予約をして前売りを買いなおかつ並んで入場、会場内も大混雑、立ち止まっての鑑賞禁止、でした。この2点のほかには、「真珠の耳飾りの少女」や「デルフト眺望」などがあります。高校生のための五分美術史。前回の北斎で少し感じたことは、生徒たちは、私の情熱に暖かく付き合ってくれているらしいこと。だいたい面白そうに聞いてくれてる感じですが、なんか先生熱くなってるな〜と思われてるみたいな空気が読めました。はじめてしまったのです。空気など読まずにどんどん進めていきます。ゴッホはどんな気持ちで絵を描いていたんだろう、きっとこの椅子が好きだったんだね、何を描こうとするのか、そのことが大切ということが伝わるね、という風にまとめられたら良いけれど。以下、画像とテキストです。1853~90ゴッホは『炎の人』と呼ばれる情熱的な絵描きとして知られています。絵の具を生のままキャンバスにぶつけるような描き方、激しくそしてドラマチックな短い人生などからそう呼ばれているのだと思います。『ひまわり』や『星月夜』は有名ですね。ゴッホが絵描きであったのはわずか8年間で、精神を病みピストル自殺をしました。絵が売れたのは一点だけ、最後まで弟の仕送りで生活していました。今では一点50億円を超える作品価格がついていますが、生前のゴッホには作品依頼のオファーも展覧会の企画もなく、したがって収入もなく、ただただ自分のために絵を描いていました、弟に支えられながら。この椅子の絵は、亡くなる2年前、35歳の時の作品です。私たちが絵を描くときには二つのことを考えます。『何を描くのか』と、『どのように描くのか』、です。ダビンチや北斎のように依頼者や企画者がいれば、『何を』はすでに決まっていました。宗教のテーマだったり、版元が企画した名所絵だったり、です。『どのように』の部分で近代までの美術の歴史は作られたのかもしれません。ゴッホもまた『どのように』の部分で彼独自のスタイルを築いていますが、この椅子の絵から伝わるのは、ゴッホがこの椅子を描きたかったというその気持ちです。ゴッホはいつも座っているこの椅子を愛着を持って描きました。日々の慎ましい暮らしといった小さなものがたりを背景に感じることだってできそうなこの椅子は『何を』の方が、『どのように』よりも優先することだってある、そのことを伝えてくれる作品だと思います。皆さんの制作に結びつければ、宿題スケッチのモチーフに何を描こうかなと思う気持ちと、ゴッホが椅子を描きたいと思った気持ちはつながっているように思います。ついて考えていたのです。ギャラリーの吉岡さんがいつも送ってくださる案内状と一緒にそれについて触れている文章があり、私にはジャストミートでした。フォーカスしている、と思いました。何を、は、素朴なモンダイであり、同時に新しい今のモンダイでもあると思うこの頃なのです。私は、何を描けばいいのか。どのように描きたいのかではなくて。『どのようにを』渉猟していたら『何を』に出会った、ように作ってきたのではないか。それでいいのかという思いがあるということです。イメージについて、まずそう思う。それで、バシュラールを読みはじめたりしています。先週は資料なしで、浜松市美でみた上村松園のことを、展覧会フライヤーをわけて話しました。がんばってプリントを作っても作らなくても5分はあっという間ですが、また続きのテキストを作ったので、ここにアップロードしておこうと思います。以下、高校生向けのテキストです。1833年////////浮世絵の続きです。前回は、歌麿の美人画を例に、浮世絵とは版元が企画したプロジェクト作品だったんです、というお話でした。いえ、浮世絵の評価は絵師の力で決まるのも事実です。今回は絵師にフォーカスし、葛飾北斎を取り上げてみます。葛飾北斎は、現代までの全ての芸術家の中で、世界ランキング10位以内にランクインしているただ一人の日本人と言われています。北斎の作品で最も有名なものは、富嶽三十六景の中の神奈川沖浪裏ですが、私たちの教科書には、諸国滝巡りのうちの一枚『下野黒髪山きりふりの滝』が載っています。富嶽三十六景も滝巡りも浮世絵のジャンルでは『名所絵』になります。美人画がブロマイドだとしたら、名所絵は風景ポスターといったところでしょうか。北斎は70歳を過ぎてから、富士山の見えるビューポイントを旅したり、滝を巡ったりして作品を残しました。この作品を見ると、滝の臨場感よりも、デザイン性が強く伝わってきます。スケッチをもとに、滝を平面的に再構成したんだなと思います。自分が滝を見にいったらと想像してみてください。いう絵作りはなかなかできませんね。した理由で、北斎の滝巡りのシリーズは、現代も、多くのグラフィックデザイナーに影響を与えているそうです。葛飾北斎は自分のことを『画狂老人卍』と名乗ったり、60回以上引っ越したりしていて、私生活ではイっちゃってる人であったらしいのですが、実は大変ストイックな絵師でした。毎日毎日描いて描いて描いていたそうです。北斎漫画という名の画帳には、世の中のありとあらゆるものを見つめた、膨大な数のスケッチが残されています。90歳で臨終の時の言葉は、『もうあと10年、いや5年でもいい、生きさせてくれれば本当の絵描きになれたかもしれない』というものだったそうです。