無理かしら...」どこへでも、いつかきっと行けると思っている。その気になれば、何にでもなれる気がしている。本気で望めば、何でも手に入る、と信じている。それは若さの特権で、夢を実現する原動力でもある。それをあきらめてしまったら、不可能を認めてしまったら、僕は僕自身ではいられなくなる。バカだ、ガキだ、青い奴だ、と言われようとも僕自身はそう思っている。いつか失う日は来るのだろう。その日への道は確実に始まっている。理由はともあれ、失うものはあるのだ。夢も可能性も失いはしない。僕は一生忘れないだろう。分析を試みていましたが、前半が終わったところでここでちょっと休憩。実際に演奏上のことを少々。基本的には1小節一つ振りです。テンポを遅くするならば2,3拍を簡略した3拍子、或いは3拍目を分割(先入)したサブディバイドの振り方、も可能かもしれません。その場合はテンポアップの際にスムースに振り方が移行できるようにするべきでしょうね。いずれにせよ、拍を示すというよりも拍から拍へのドライブ感が伝わるようにするのが先決。特別難しい指揮法は必要ないでしょうが、2拍子振りにならないようすると演奏者には伝わりやすいです。トレ・バットゥータ、クアトロ・バットゥータ(3小節、4小節を3拍子、4拍子の様にとらえる)で振る人もいるかもしれません。(例えば前奏部分を4拍子→3拍子→2拍子、の様に)オーケストラ全体が同じフレーズ間隔で進むところはそれも意味があるかもしれません。(「A」や「B」など)ただ、打楽器はほとんど一致しませんし、フレーズのズレが起きている部分ではかえって混乱するでしょう。「H」や「K」などで小節数の目安のために便宜的にクアトロ・バットゥータで振る、のも一つの手かもしれませんが...どこかの声部を強調してしまうのは「音楽的」には無意味です。リズムは、兎に角、(四分音符で数えて)3拍めが遅く、結果として1拍目と3拍めが近いいびつな形になりがちです。理由は、ほとんどがプレパレーション(準備動作)分の遅れに思えます。展覧会の絵(ムソルグスキー)の「古城」などでも毎回感じます。自分でピアノで弾いてもちょっと気を許すとそうなります。「リズムがすごくおかしいわけでもないのに、なんだかノリが悪い」と思える時のほとんどがこの原因。冒頭のTimp.でよく起きる現象ですが、他の楽器でも管弦楽器でも当然起こります。四分音符(もう少し細かく言えば八分音符の)の粒子が正確に進む上に、確実に各リズムが乗るようにすればとてもスムースにドライブ感が作られます。前奏でこれが作られないと「A」に入ってメロディが入ってきた時に一瞬違和感が感じられてしまいます。「A」~「B」ではフレーズに着目します。フレーズの区切り方(スラーの長さ)をどう表現するか、はこの曲全体の作りに大いに関係します。冒頭のメロディは3拍(付点二分音符)が基本単位。この付点二分音符を減衰の多い形で演奏すると当然リズム感が強くなり、声部のフレーズの違いや合成を強調できます。全体としてのボリューム感も減らすことになるので、同じ「f(フォルテ)」でも後半に向けて変化を付けられそうです。言ったメリットに対して、アタックが強くなる分アクセントの有無がつけにくくなり、フレーズのラストが短くなりがちになります。結論としては、基本的に管楽器は短く(抜き過ぎに)なりがちなので、音を保つ方向が良いように思います。ほどほどに、そして曲全体の構成を考えて整合をとる、のは常識。ここで気になるのはCla.の高音。シ、ド、レあたりになると音が立ちすぎ、フレーズがブチ切れに、或いは不用意なアクセントが付きがち。音を絞らないと良いフレーズにならず...しかしあまり不自然に操作すると演奏者から良い音楽が生まれず...困りどころです。自然なフレーズになるよう、奏者とコンセンサスを取ったうえで練習してもらうしかありませんね。フレーズの終わりの音は、抜き(減衰)を強くしてもしなくても、音価通りになるようにするのが肝要。最後の音が四分音符のパートは短くなりがち。注意していてもだんだん短くなります。長くするのではなく、きちんとグルーヴにのせて自然に扱うのも重要。「B」からは打楽器にアクセントが登場。やるのは、一旦大きく演奏し印象付けてからまた一旦引く手。「G」の前までの第1セクションに於いては管弦楽器はほとんどが「f」で、そのなかで打楽器群は、「p」→「アクセント付加」→「mp」→「mf」→「f」の変化していきます。これをはっきりと聴衆に認識してもらうのか、おおまかに全体の音量増として認識させるのかは、指揮者の考え次第。crescendoでいけば良いと思います。僕は前者の考えですが、アナリーゼの回でも述べたように、リズムの変化、フレーズの変化、リズムメロディの発展、等でcresc.感は伴うのは間違いなく、それを以下に抑えるかがポイントだったりします。前者の場合、長いcresc.の結果として「ff」(「G」の前)を演奏し、後者の場合は「mf」から一気に「ff」になります。「p」からのcresc.が現れるわけですが、着目はアクセントと「f」の位置。第3声部がメイン・メロディだと思われるので、バランスは気になるところ。あからさまな操作は避けたいところ。各奏者が「f」の位置を意識して演奏すること、がまず重要。試しにcresc.もアクセントもなしで、「f」のみを意識して演奏してみるとよくわかります。「f」でもアクセントでもない部分がすごくうるさかったりするのです。原因としては、抜きすぎる音型によってスラーの切れ目が目立つのも大きいですが、やはり気になるのはCla.の高音。「B」の5小節目、2フレーズ目以降アクセントのズレは増えていきます。この後「D」あたりまでは前述(「A」に於ける)なような方法でアクセントを強調しても認識してもらえるかもしれません。アクセントが増えると当然フレーズ感は短くなり、結果的にやがていくつかのリズムに帰着していきます。それを効果的にするためにバランスをとると良い...のかもしれませんが、やはりあからさまな操作をしてもしなくても、音楽は到達するべきところにたどり着く、とも思うのです。第4声部のHornが参画するのですが、気になるのは第3声部。演奏する楽団の状況にもよりますが、第4声部を凌駕しすぎることがあります。「D」で第5声部が入ってきても同様。第5声部はA.Cla.とT.Sax.とEup.ですが、この声部内でも揺らぎがあるため第3声部が勝ち気味。音域の違いもあるので競合することも無いようにスコア上見えますが、案外第1~3声部の勢力は強いのです。ここでもやっぱり第3声部が面白い。アナリーゼではあまり触れませんでしたが、アクセントによるリズムの面白さに加え微妙に音程のズレも演出されています。この第3声部内のドライブも確実にしないとこの面白さは単なるがちゃがちゃな印象になってしまいます。「D」は第3声部に注目!「E」の二つのフレーズ。各々の入りをはっきり強調するとリズムの面白さは出ます。「f」への到達点がぼやけちゃうのが残念。「f」への到達、アクセントと所謂「決め台詞」の強調を印象付けたいならば、入りの出だしをうるさくしないのが吉。二つ目のフレーズ、B.Sax.とTrb.3のズレを強調するか否か...現実問題、あまり大きく影響しないのです。...「f」到達後にcresc.が続いてしまう感じを消したいならば、同位置で「f」に到達するように演奏する手もあるでしょう。「F」の決めフレーズ、どうしても2拍目(スラーの最後の音)が短くなりがち。この音がきちんと奏されないと続く3拍めがとってつけたような音になってしまいます。2拍目を短くし、3拍目を強調する解釈もないとは言えません。その場合、その限りではありません。「G」からの8声部(打楽器も加えれば9声部。B.D.を別声部にカウントすれば全10声部ですね)は考えどころ...「G」~「H」にかけては印象的メロディ「決め台詞」が認識しやすいので、それをきちんと強調することで被さり、重なっていくのを理解できます。「H」以降は理論上常にどこかのパートが「決め台詞」を演奏していることになり、そのすべてを聴く人に認識してもらうのは難しいかもしれません。バレエや演劇、絵画や映画のモブシーンの様に考えるとひとつの方針が出ます。「どの部分を聴くかは聴衆に委ねられる」か「意図的に注目すべき特異点を作り出す」かの方法論です。前者では、奏者は出来るだけ各声部・パートで演奏方法を統一し、完全な群衆シーンを作り出すことになります。そのうえで、聴く人がもし楽器経験者だったり(自分の演奏した部分だったり)、視覚上どこかに注目点があったり(可愛い子がフルート吹いてたり)、音量の偶然の揺らぎやリズムの乱れである声部が気になったり(Trp.がミスっちゃったり)、その他諸々の理由でどこかの声部が耳に入って来たり(心理学でいう「カクテルパーティー現象」みたいなものもありますね)或いはもう少し全体を俯瞰で捉えることに成功して、音塊(トーン・クラスター)の中の音の重なりや和音、生まれくるメロディ感等を認識したり、クラスター自体に何か(感動や美的感覚)を見出したり...その中で最終的に8つの半音の積み重なりが同じリズムメロディを演奏する恍惚に至る、ことになります。後者では、例えば「決め台詞」を強調して聴かせる(他の部分を「pp」にする、cresc.しない、決め台詞の頭だけ演奏してすぐ落とす、等々)、フレーズの頭を先ず聴かせる、等々様々な方法でフレーズ内のどこかを強調したり、どこかの声部或いはパートのみを強調したり(Trb.が良く聴こえるとか)、ランダムでどこかを強調したり...つまり、作為的に注目点を作り出す方法論です。いずれにせよやがて到達するものは変わらないのですが。一つ考えるのは、各声部が一般的セオリーから外れた振る舞いをする部分をどうするか、と言うこと。「H」のA.Sax.の音量変化、「J」のTrp.やFluteの音量変化やアクセント。「楽譜にそう記されている」のだから「揺らぎとして捉える」のが正しい...のかもしれません。前述のような効果を目指して「全パートを一つのセオリー(メソッド)に統一する」という考え方もないとは言えません。これも指揮者の考え方、ですね。「K」からはいよいよクライマックス。テンポが上がっていきます。メロディはどうしても正しいドライブ(八分音符の並び)に対して不正確になりがち、です。最後の八分音符の位置が不鮮明になるのです。すると、当然次の休符の位置もズレて、次の発音もズレて...となってしまいます。正確にドライブにのせて演奏するのが兎に角寛容。正しい位置で八分音符が奏されれば1拍めの休符がきちんと空いて、そこにきちんと和音音型がはまります。「L」に入るとその休符部分に第2声部がメロディーを伸長します。これは音響的にはかなりの変化をもたらします。リズム的には乱れる危険性を大きくしてしまいます。なめらかに、効果的にテンポを上げるためには、各奏者が同じドライブ感を共有し演奏するに限ります。八分音符や十六分音符単位での細かいドライブを感じそこにリズムを当て嵌めるわけです。この部分の乱れの原因のほとんどは「休符部分のドライブ感の悪さ」です。具体的に言えば、休符部分でaccel.が滞ってしまう奏者が多い、のが大多数。休符の後の音の出が流れに乗れず、遅いのが次いで多い原因(特に和音側)メロディについてもう少し厳密に言えば、演奏しながらドライブを見失ってしまい続く休符を正確に休めない、ドライブを見失ったままブレスする或いはブレスでドライブを見失う、発音の悪さでドライブを見失う、と言った感じ。僕は指揮する際「ウン・ターラ」と感じないように「タカ・タカタラ」と歌いながらドライブを作っています。指揮法的には「点前では喋れない。点後で喋る」と言うのが常識。四分音符で二つ目に到達するのを早くする、ということ。アマチュアの方で時々、大きく振るあまりスピードが上がらず、叩き込む速度をどんどん上げているのを見ます。逆の方がうまくいきます。棒の上がるスピードを速めるわけですが、所謂「引っかけ」になっちゃうともうコントロールがきかないかも...上下(或いは回転)動作する腕(棒)のどこが1で2で3なのか常に一定するようにするのが得策。