~クラシックとは「クラシック音楽」とは、元々はハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンなどの音楽家たちが作った音楽を指し、ショパンやブラームスなどの作曲家が自分達以前の音楽と自分達以降の音楽を区別するためにそう呼んだことに始まります。今では、一般的にクラシック音楽といえば大体西暦1600年頃に活躍したバッハやヘンデルあたりの作曲家から、西洋の芸術音楽の流れを汲んだシェーンベルクやヒンデミットなどの現代音楽を指します。そんなクラシック音楽の中にも、時代の流れに沿って様々なカテゴリがあるのですが、ホワイトでは以下の7つに分けてご説明いたします。1.中世西洋音楽(6世紀~15世紀)2.ルネサンス音楽(15世紀半ば~16世紀)3.バロック音楽(7世紀~18世紀半ば)4.古典派(18世紀~19世紀初頭)5.ロマン派(19世紀初頭~20世紀初頭)6.近代音楽(20世紀前半~第二次世界大戦あたりまで)7.現代音楽(1920年~)もちろん、音楽は中世音楽よりもっと以前、紀元前の古代ギリシアの時代には既に存在していました。古代ギリシアでは音楽を「ムーシケー(mousike)」と呼び、これが「music」の語源にもなっています。音楽史の文献によっては古代ギリシアから説明があるものもありますが、今回は楽譜が誕生し西洋音楽の基盤となった中世西洋音楽からご説明させていただきたいと思います。見出しをクリックすると記事が表示されます1.中世西洋音楽(6世紀~15世紀)世界史における中世の時代は、ローマ帝国が分裂し、ゲルマン民族が移動し始める4世紀末頃を指しますが、音楽の世界で「中世音楽」というと、大体8~9世紀あたりのものを指すことが多いです。それ以前のものは楽譜が残っておらず、どういったものだったかよく分かっていません。中世西洋音楽には、キリスト教の聖歌である「グレゴリオ聖歌」という宗教音楽や、フランスの「トルバドゥール」などの世俗音楽があります。グレゴリオ聖歌は神に祈りの言葉を捧げるために教会で歌われるものです。始まりはただ言葉を唱えるだけだったものが、言葉の抑揚から徐々に音楽に発展していったと考えられています。「神様のための音楽」なので、人間的な感情が入ってはならないと考えられており、メロディの起伏はあまりなく、最初の頃はハーモニーの要素も楽器の伴奏も無い、モノフォニー(単声部)の声楽曲でした。「モノ」とは単数、「フォニー」は声部やパートという意味です。「メロディだけなんて、なんかつまんないな」と思われる方もいるかもしれませんが、グレゴリオ聖歌が歌われるのは石造りの教会なので残響音がかなりあります。そんな教会で歌われると、きっと単声部の歌でもかなり荘厳な響きになり、聴いていると教会独特の神聖さが感じられることでしょう。日本人である私たちにも、なんとなくイメージできますね!そうしてずっと単声部(モノフォニー)の時代が続いたわけですが、10世紀半ばくらいから、独立した旋律がいくつか組み合わさった曲が出てきます。これを「ポリフォニー」といいます。「ポリ」は複数という意味です。12世紀あたりになってくるとポリフォニーが複雑化し、リズムやメロディも動きのあるものになってきます。初期のグレゴリオ聖歌と、12世紀後半に登場した作曲家「レオニヌス」や「ペロティヌス」の曲を聴き比べてみると、その音楽的規模の違いに驚かされます。グレゴリオ聖歌の一方、フランスの「トルバドゥール」なども、中世の時代に栄えた音楽です。禁欲的な聖歌とは違い、恋愛やお酒などのことを歌った世俗的なものでした。騎士などの吟遊詩人が主な担い手となっていたために聖歌のように楽譜を編纂する人もおらず、11世紀ごろになってようやく解読できる楽譜が出てきます。2.ルネサンス音楽(15世紀半ば~16世紀)ルネサンスとは「復興・再生」を意味する言葉で、美術の世界では14世紀中ごろから始まった芸術運動ですが、ルネサンス音楽は「復興」や「再生」といった意義があるわけではなく、単にルネサンスの時代の頃の音楽を「ルネサンス音楽」と呼びます。ルネサンス前期の音楽の中心地域はフランスです。ドファラ、ミソドのようなもの)が取り入れられ始めました。中世音楽に引き続きやはり声楽曲が中心なのですが、徐々に器楽曲が増えていきます。ルネサンス初期の中心を担うのもやはり「ミサ曲」や「モテット」といった宗教曲が多いです。ルネサンス初期の作曲家としては、中世からルネサンスの転換期の中心的人物であったギョーム・デュファイという作曲家が挙げられます。ハーモニーが取り入れられたおかげで華やかなポリフォニー曲を作れるようになった作曲家たちは、新しい刺激を求めてどんどん複雑な曲を作ります。中でも有名なのがジョスカン・デ・プレという作曲家で、彼はポリフォニーを高度に発展させ、ひとまずの完成まで導いた人物です。ところが、そんなポリフォニーの発展を快く思っていなかったのがカトリック教会の人たちです。トリエント公会議では「宗教曲は本来神に祈りの言葉を捧げるものなのに、曲が複雑になりすぎると歌詞が聞き取りづらいので、宗教曲ではあまり複雑な曲を作らないように!」とのお達しが出てしまいました。この制約のおかげでと言っていいのか、作曲家たちはもっと自由な表現を求めて教会の外へ飛び出していき、音楽は新しい時代への一歩を踏み出すのでした。ルネサンス後期に入ると、音楽の中心がフランスからイタリアへ移行します。世俗音楽の「マドリガーレ」という合唱曲が流行し、その内容は感情表現豊かでドラマチックなものでした。「音楽によって感情を表現する」―まさにこれこそが、次の「バロック時代」の扉を開けるための大きなきっかけとなる動きになったのです。神様のための音楽から人のための音楽へ移り変わった時代、それがルネサンスでした。3.バロック音楽(7世紀~18世紀半ば)おそらく、現代でも多くの人が聞いたことがあるのがこの「バロック音楽」以降の音楽です。バロック音楽はそんな時代に登場した音楽ですが、様々なスタイルが誕生しては消えていったため、「バロック音楽ってだいたいこんな感じ」と言うのが難しいです。代表的な作曲家にはバッハやヘンデル、スカルラッティがいます(この2人、バッハの同い年です)が、偉大なバッハですら、バロック音楽の典型であるとは言えません。それほど音楽理論や楽器が発達した、変化のあった時代だったのです。バロックとはポルトガル語の「いびつな真珠」という意味を指すbaroccoが由来とされています。この時代は「絶対王政」の時代で、君主が絶大な権力を持っていた時代です。王侯貴族たちは自分達の権力を誇示するようになり、華美な装飾を施したお城や家具、絵画をこぞって求めるようになりました。そこで、この非常に大げさな装飾とルネサンスの調和の取れた美を比較し、前者を皮肉って18世紀に登場した言葉が「バロック」なのです。ちなみにこの頃の音楽家は王や貴族の奉公人のようなもので、王侯貴族の晩餐会のために曲を作り楽しげな会話の後ろでBGMとして演奏をしたり、貴族のためにオペラを上演したり、といった活動が主でした。バロック時代には、まずルネサンス期に進歩を遂げたポリフォニーからの脱却が図られました。ルネサンスの項でも触れましたが、ポリフォニーは旋律と旋律が絡み合った音楽であるため、歌詞が聞き取りづらかったのです。そこで、「自由な1つの旋律と、それを支える楽器の伴奏」の曲が出来始めました。旋律と伴奏が分業された音楽を「ホモフォニー」といいます。この「ホモフォニー」の代表的なものとして「オペラ」が挙げられます。バロックの時代の幕開けはオペラと共にあり、現存する最古のオペラが1600年に世に出ます。天才作曲家のモンテヴェルディが1607年に作ったオペラ『オルフェオ』は、現代でも度々演奏されるオペラの一つです。器楽伴奏の多彩さや、登場人物の感情を音楽で劇的に表現することの巧みさにおいては目を見張るものがあります。ちなみにバッハはそんなホモフォニーの発展の時代にありながら、「対位法」というポリフォニー音楽を作っていたため、周りの人からは「古臭い」と思われていたようです。バッハも苦労人だったのですね。バッハと同い年のヘンデルやスカルラッティも、ホモフォニーの曲を多く残しています。バロック時代はそんな感じで伴奏と旋律の曲が沢山作られたため、楽器がどんどん発達しました。ルネサンス時代に「古楽器」と呼ばれていた楽器が進化し、大体現在でも使われる完成形になったのがバロック時代です。今でも超名器(そして超高額!)として名高いヴァイオリン「ストラディバリウス」も、この頃に作られた楽器です。楽器と言えば「調律(チューニング)」がつきものですよね。当時は地方によって異なる調律法が用いられていたのですが、これを何とかしようと1オクターブを12等分した「平均律」を確立したのがバッハです。当時の人に古臭いと思われながらも「対位法」によって音楽理論を厳格に打ち立て、私たちの生きる時代まで続く音楽の基礎を作ったということで、バッハは「音楽の父」と呼ばれています。