オープン前日の7月16日の内覧会にお呼び頂いて、ありがとうございました。この展覧会は楽しいの一言に尽きるというか。『借りぐらしのアリエッティ』の世界が美術セットのように東京都現代美術館の中に造られているんですけど、アリエッティという小人の女の子のお話しなので、本当に自分がちっちゃくなったような気分で見て回っていって、それが凄く楽しかったです。それに加えて種田さんが今まで手掛けられた作品も見ることが出来る。「映画のセット展」みたいな感じで見ていただければと思っています。映画のセットって、なかなかセットだけを取り出して一般の観客の方に直接見せるようなことはないので。一つは、先ほどから言っている、なかなか実写で出来ないファンタジーなものをジブリさんとかアニメの方はすっと出せているわけですよね、それを仮にセットで作ったらどうなるだろう。「ファンタジーのセット化」、これってなかなか出来ないんです。いうチャンスはなかなか無い。アニメでさっと出来たファンタジー空間を現実に作ったらどうなるだろう、というのをやってみた。リアルで少しアニメ的というか、そういう空間を実際に見ていただけたらなと思うんです。一つの世界観から、アニメと、種田さんの作られた現実の造形と。それを比較して見ると面白いですよね。『借りぐらしのアリエッティ』(米林宏昌監督)を見てからでもいいですけど、見てなくても。私もまだ『借りぐらしのアリエッティ』を見てないですけど、凄く楽しかったです。ファンタジー好きのごつい男性と一緒に見に行ったんですが、ごつい人が興奮して、2人で笑っていました。森のような植物の小道だとか、巨大な椅子が設えられていたりとか、本当に見どころ満載です。それと、同じくジブリさんとやっている企画なんですが、小さなルーブル美術館展っていうのを、夏なので軽井沢でやっています。それもよろしかったら、秋までやっています。軽井沢の「メルシャン軽井沢美術館」というところで、『小さなルーヴル美術館』です。軽井沢に夏に遊びに行ったりするとですね、さっきの「借りぐらしのアリエッティ×種田陽平展」とは逆に、大きなルーヴル美術館が全部ちっちゃくなっていて凄く面白い。逆の体験が出来て、なおかつレストランで美味しいワインが飲める。素晴らしい宣伝ですね(笑)。私の姉が軽井沢に行くので、その話をしておきます。薦めておいてください(笑)。それと今週の金曜日、この近くの丸の内で講演をするんです。真面目な講演で、「映画の中で生きる芸術』というタイトルで。「夕学五十講」という、普段は経営者の方とか色々なゲストが講演するんですけど、なぜか僕が話すことになりまして緊張しています。最後に皆さんから質問があれば。今日ご覧いただいた『愛の亡霊』についてでもいいですし、種田さんに聞いてみたいことでも良いです。映画の美術を勉強していまして、私もファンタジー要素のある映画が好きです。種田さんの作品には人を惹き付ける美術セットが多いなと思います。リアルなセットだけを作っても、人の目には留まらないというか。リアルなんだけど、そこに人の目に留まる、感じさせるようなセットを作るという時に、「こういうことをしています」というのはありますか。秘訣みたいなことですか。種田さんの作品を拝見して、時々「スケール感が面白いな」と感じます。実際のスケールとはちょっと違うようなものを作られていたりする。いつも見ているものと違うという感じで、注意を喚起されることがあるんですけど。「大事なものは誇張して見せたい」という気持ちはあります。自然な風景の中に埋没していくのではなくて、ここのシチュエーションは重要だ、その中で際立って欲しい。いう工夫をしたら狙い通りのものが伝わるか、少し誇張して見せたい。それがエスカレートしていくと、どんどん大きくなったり、逆に形が特殊になったりしていくけど、あんまりデザインで考えたりはしていないですよ。1枚の絵画的なイメージみたいなものを思い描いて、その思い描いたものを少しでも表現したいと思ってやっている。何か特殊なものをデザインしようとか、そういう風にはやったことはないです。映画の中で役者たちが紡ぎだす名場面というか、一番の見せ場みたいな場面があるじゃないですか。僕らの仕事は、美術というのはそこでやるのでは遅いんですね、そこの瞬間は一番重要な役者の見せ場になりますから。その前後、あるいはその前の方の入り口部分とか、物語に観客を引き込む場所みたいなところで、造形力というか、そういうものが発揮出来るんじゃないかなと思っています。台本通りに一番役者が盛り上がって、ここでまさに戦うみたいなところで美術が頑張るということじゃなくて、そこに向かうための一番良い装置と仕組みを、かなり早めに用意して作ったりする。世界観というのを、まずその映画の中に作り出すものとして美術がある。最初のうちというのは、お客さんは特殊なものとして見てないと思う、徐々に引き込まれていくと思うんです。その引き込まれるシーンみたいなところで、一番重要な装置と空間を作って、まさにそのシーンからこの映画の雰囲気が始まるみたいなことを、監督たちと話し合いながら、そこでやったらいいんじゃないかというところに勝負をかける。そこで失敗すると、またその10分後ぐらいに頑張る、みたいな積み重ねでだんだん盛り上げていく。撮影中にも少し調整をしていくんですか。お芝居の感じに合わせて。そんなに思った通りに上手いこといかないので、調整しますね。外したりしながらも、どっかで穴埋めしようとしながら、何とかラストシーンまで頑張る。全体で上手く映画の世界観みたいなのが出せるように、少しずつ積み重ねていってという風には思っているんですけどね。良いお話を聞けました。海外の美術監督で、種田さんが「この人の美術は面白いな」という人がいたら教えていただきたいのと、その美術監督の面白いとか興味を引かれるところはどういった部分なのか。日本だけじゃなくて海外でもいたら、教えていただければ。美術監督は同業なので、海外の人でもあんまりそういう風には見ていないというか、割と同じ目線で見ているので。過去の人は別なんですけど。過去の美術監督だと「わー」と思って見るんですけど、現代の美術監督は別の国の人でも同じような視点を持っているような気がしていて。個人的には、マーティン・スコセッシ監督とやっている美術監督のダンテ・フェレッティなんかは注目していますけどね。いうのは、昔の撮影所のスタイルでやっているんですよね、独自のスタイルで。それで凄く注目しています。この人は1943年生まれで、僕よりも一回り以上歳上です。「借りぐらしのアリエッティ×種田陽平展」で見たのですが、イタリアの映画撮影所のチネチッタ(Cinecittà)のポスターを種田さんも描いてらっしゃったんですけど、ダンテ・フェレッティも描いていましたよね。『ギャング・オブ・ニューヨーク』(マーティン・スコセッシ監督、2001年)をチネチッタで撮影したんですよね。元々はフェデリコ・フェリーニ監督の美術をやっていた人で、昔のイタリアのスタイルをアメリカ映画の中に持ち込んでやっていて、「いいなあ」と思って見ています。他にもやっぱりヨーロッパやアジアの中から、アメリカに行ったりイギリスに行ったりしてやっているスタッフや美術監督の中に、僕に刺激を与えてくれるような、そういう人が多いですね。映画は、ボーダー・国境を越えて活躍する時に凄く面白いものが生まれると思っていて、今までもそうだったと思うんですね。ハリウッドの歴史は、ヨーロッパなど色々な国の監督やスタッフが作ってきた歴史です。いう時代だからこそ、ジャンルやボーダーを越えてやっている監督とかに興味を覚えますね。『パンズ・ラビリンス』(2006年)とか好きです。ギレルモ・デル・トロ監督ですね。あれはなかなか出てこないんじゃないんですかね。美術的にも監督的にも。スペインが舞台で、元々メキシコの監督だと思うんですけど、ラテンテイストのデザインは目新しかったですね。ファンタジー映画なんだけど、ああいうファンタジー映画は見たことがなかった。色々な映画が作れるんだなと。新しいものをどんどん。希望を与えてくれるような映画が、まだまだあるといいなと思っています。種田さんもクエンティン・タランティーノ監督とか、台湾の監督とか、海外の監督とされていますけど、海外の監督との仕事はやはり刺激的ですか。ツーカーというわけにはいかない。映画の話は世界共通というか、世代とかもあまり関係ないじゃないですか。映画の話をしていれば仲良くしていられると思うんですよね。それは海外の監督だけじゃなくて同じ日本人同士でも、映画の話がなければ全然会話が成り立たなくても、映画の話があれば盛り上がるというのはある。いう中で昔の映画の話とかして、「あれ見た見た」とか言いながら、話し合いながら盛り上がっていくみたいのは、これからも映画作りの基本なんじゃないかなと思っていて、そういう意味では面白いです。種田陽平さん、船曳真珠監督、どうもありがとうございました。皆さんどうぞ拍手でお送り下さい。