SIGHTで開催された「デザインの解剖展」の企画制作などを手がけた経験のあるデザイナーだ。「デザインの解剖展」では私もテキスト執筆と編集を担当したため、私にとっては同展の企画にともに携わった仲間でもある。岡崎はいろいろな表現方法に長けているが、特に得意とするのはコマ撮りの映像作品だ。「解散!」は身の回りのものの部品や要素をバラバラに分解し、それらを体系的に並べ、ものの成り立ちを観察する内容である。そもそも「解散!」とは子ども向けにわかりやすく説いた言葉で、それが意味するのは解剖だ。これは子どもに向けた「デザインの解剖」なのだ。「デザインの解剖展」の企画では、岡崎はつねに自分自身がワクワクしながら、こうすると面白い、こんなものも面白い、と計り知れない発想力でアイデアを練っていた。子どものように目をキラキラとさせながら。した純粋な好奇心を原動力に、緻密な手作業で1コマ1コマを撮影することで、皆をアッと言わせる映像作品「解散!」はできあがっているのだろう。本展の「ことば」「かたち」「はいち」を考察する映像作品も、そうしたユニークな視点と緻密な手作業が結実したものだった。フォークや歯ブラシ、ペンチなど身の回りのものを粘土の台にゆっくり押し沈めていき、その凹んでいく跡だけで外形を観測する映像。ゴーヤやたまねぎ、レンコンなどの野菜を端から順に輪切りにし、その断面図をスタンプにして、それらをつなげた映像。バナナや野球のボールなどを皮だけの状態にして、中身を徐々に減らしていき、その形状が崩れていく映像。最後は「解散!」と同じ手法で、軍手の滑り止めのゴム部分や、とうもろこしの実を1粒ずつ剥がしていき、真っ新な生地や芯だけにしてしまう。どこの位置にどの粒が配置されていたのかを記録した配置図まで展示されていた。どちらも600粒前後はあり、想像するだけで気の遠くなるような作業である。そもそもコマ撮りには根気がいる。常人はそれだけで無理だと思ってしまうが、それを軽やかにやってのける岡崎のセンスにはつくづく脱帽する。SIGHTギャラリー3[東京都]毎年8月になると、否が応でも、戦争について考えざるをえないムードに包まれる。8月6日は広島原爆の日、8月9日は長崎原爆の日、そして8月15日が終戦記念日。お盆と時期が重なることから、8月前半は多くの戦没者に黙祷する日々が続く。いえ、私はこうしたムードは嫌いではない。広島の原爆に関しては、小学生の頃に読んだ漫画『はだしのゲン』が私の原体験となった。描写が過激、残酷など賛否両論をいまだに巻き起こしている漫画であるが、私はすこぶる名作であると絶賛したい。この漫画のおかげで、私は原爆の恐ろしさと惨たらしさを身をもって知り、戦中戦後のどんな苦難においても「麦のように」たくましく生き抜いていく強さを教わった。熱中しすぎて、小学生ながら「原爆ドームを見てみたい」と両親に頼み、広島へ家族旅行に連れて行ってもらった思い出もある。今にして思えば、これはある種のオタク的な“聖地巡礼”だったのだろう。そんな原体験を持つ私としては、本展は見逃せない展覧会だった。純粋に中立な立場から「ヒロシマの心」を訴えることを目的に、JAGDA会員のグラフィックデザイナー1人が毎年、無償でポスター1点を制作。それを歴代の広島市長に贈呈するほか、国内外に向けて頒布する活動を行っており、その1983年から2018年までの全21点が紹介された。何より、1983年の第1回ポスターを制作したのは亀倉雄策である。それは無数の美しい蝶が炎を被って燃え落ちていくという、ファンタジーと恐怖を併せ持ったポスターだった。このポスターに敬意を払いつつも、この偉大な壁をいかに超えるかが、きっと次の年から課せられた目標だったに違いない(この構図は、東京オリンピックポスターとどこか似ている)。21点のポスター表現は種々様々だった。このうち何かが誰かの心に響き、原爆に関心を少しでも持つきっかけになればいいと思う。ポスターと漫画では媒体が違うとわかっているが、願わくば、小学生の頃の私を強く突き動かした『はだしのゲン』のように......。1点1点のポスターにじっと見入りながらも、ふと目線を外すと、壁から天井にかけて雲が棚引く青空の壁紙が貼られているのに気づいた。それを眺め、あぁ、広島に原爆が落ちた日も空は青かったんだよなぁとしみじみした。会期:2018/07/07~2018/09/16パナソニック汐留ミュージアム[東京都]力強い、そんな印象だった。これまでに河井寬次郎の作品は日本民藝館でしか観たことがなかった。同館のコレクションは柳宗悦の目によって選ばれたものということもあり、どこか品の良さを湛えた作品が多い。ところが、本展で作陶初期から後期までの作品、さらに木彫やキセル、家具、言葉などを併せて観ると、河井へのイメージがずいぶん変わった。器用ゆえにいろいろな作風ができてしまうのだろうが、そこに通底するのは、河井の人間力とも言えるどっしりとした力強さのような気がした。河井が、初期に中国や朝鮮の古陶磁に倣った作品を焼いていたことには驚いた。その後、柳や濱田庄司とともに民藝運動を推進するようになり、自身の作品にも「用の美」を追い求めるようになる。戦争を挟んで作陶をいったん中断し、戦後には自身の内面から湧き出る創作意欲を次々と形に表わしていく。河井の作品が輝きだすのは、このころからだ。素朴だけど重厚な形状に、色鮮やかな釉薬を巧みに使った独特の模様。技手として研鑚を積んだたまものであろう。焼物はある意味、化学だ。同試験場で身につけた化学的知識が、河井の表現の幅を広げたに違いない。なかでも特に目を引いたのは、木彫である。そもそもは自邸を建築した際に余った木材を使って彫り始めたもので、仏師にイメージを伝えて下彫りをしてもらい、河井が仕上げ彫りをしていたという。木彫りは焼物のように色鮮やかな釉薬を使わない分、彫りによる造形がじかに伝わってくる。焼物よりも複雑な造形が可能だ。それゆえ何とも言えない力がみなぎっており、圧倒された。作陶を中断せざるをえなかった戦中にこつこつと書き溜めたという、短い詩句も心に響いた。此世は自分を見に来たところ」など独特の言い回しから、河井の人間性が伝わってくる。した焼物以外の作品に触れることで、河井の焼物も初めて理解できたような気がした。[群馬県]「役に立つのかわからないもの、あるいは美しいと思えないものを、家の中に置いてはならない」。英国を代表するデザイナー、ウィリアム・モリスの言葉である。原理主義とも取れる強い言葉だが、それに納得させられるくらい、モリスがデザインした壁紙の数々は美しかった。猛暑のなか観に行ったかいがあったと思えた。モリスといえば、産業革命により粗悪な大量生産品があふれた世の中を嘆き、伝統的な職人の手仕事を賞賛した「アーツ&クラフツ運動」の先導者として知られる。この運動を語るとき、モリスは世界中に多大な影響を与えた思想家というイメージがともなうが、そもそもは自身の生活空間を良くしたいという純粋な気持ちから、彼のデザインは始まっている。モリスは結婚を機に新居「レッド・ハウス」を建て、そこで快適な生活空間には壁紙が欠かせないと気づき、木版(ブロック・プリント)による壁紙を生み出した。「部屋に何を置くにしても、まず壁をどうするか考えよ。壁こそが家を本当の住まいにするからだ」という言葉をモリスは残している。最初にデザインした壁紙《トリレス(格子垣)》は、新居の庭にあったバラの生け垣がモチーフとなった。満開に咲き誇る真っ赤なバラ、生い繁る葉、いかにも鋭い棘、バラの蜜を吸う虫、その虫を狙う鳥......。生け垣のワンシーンを切り取り、写し取った壁紙からは、バラと虫と鳥たちの密やかな物語が感じられる。新婚生活を送るかたわら、その生け垣をじっと見つめたモリスの温かな気持ちまで伝わってくるようだ。Co.鋭い観察力をもとに、動植物の曲線的な美しさを存分に生かし、それを完璧な構成でパターンに起こしたモリスのデザイン力にはあらためて感心した。当時はまだ木版が主流の時代である。版と版が連続した際の全体像を想定してデザインを起こさなければならない。同時に、装飾は何のためにあるのかをあらためて考えさせられた。家の中を美しく飾るという目的だけでなく、モリスはおそらく何かしら物語のあるモチーフをパターン化し、その物語を人々と共有したのではないか。時代を経たいまもモリスがデザインした壁紙に多くの人々が惹きつけられるのだ。本展、欲を言えば、壁紙が空間に収まった様子をもう少し観たかった。二つの空間が再現されていたものの、まだ物足りない。壁紙は絵のようにして観るものではなく、壁に張られて眺めるものなのだから。会期:2018/07/04~2018/08/07クリエイションギャラリーG8[東京都]デザイナーの柳原照弘の仕事を、一部だがよく知っている。それは佐賀県有田焼創業400年事業の「2016/」プロジェクトだ。私自身も同事業に一部携わったため、端々で「2016/」の噂を聞いていた。「2016/」とは、有田焼の窯元と商社16社と、オランダを中心とする8カ国16組のデザイナーとが協業し構築したひとつのブランドである。柳原はこれのクリエイティブ・ディレクターを務めた。2016年4月には全部で300以上のアイテムを開発し、ミラノ・サローネで商品発表をして好評を得たことで知られている。注目したいのは、むしろそのプロセスだ。デザイナー陣が2度にわたり、各1週間ほど有田町の古民家に滞在し、産地視察や事業者との意見交換、また商品開発の打ち合わせなどに費やした。滞在日程や日数は各々が自由に決めたことから、なかには1カ月ほど有田町に滞在したデザイナーもいたという。有田町を世界中のクリエイターが集まるプラットフォームへと導いたのである。柳原のベースにつねにあるのは「デザインする状況をデザインする」という考えだという。この言葉の意味を考えるとき、「2016/」のプロセスを思い返す。柳原は徹底的に協調型のデザイナーなのだ。人と人とが信頼関係を構築することをむしろ楽しんでいるようにも思える。本展は、人と物と空間とが結びついたとき、どのような状況が生まれるのかを実験したような展覧会だった。最初の展示室には、人物の上半身写真がプリントされた紙が何枚も吊るされていた。それらはなんとなく人物写真に見えるのであって、本当のところはわからない。完全にピントをずらした“ピンボケ”写真であるからだ。このぼんやりした人物写真の合間を縫って、来訪者が室内をウロウロとすることで、虚像と実像が混じり合う。クリエイションギャラリーG8奥の展示室は3枚の布で大きく区切られていた。この布が光によってモアレを起こし、ぼんやりと透けて見える向こう側を不思議な空間へと誘う。布の向こう側へ回ると、柳原がこれまでにデザインした実験的なプロダクトが展示されていた。「2016/」の技術革新に挑んだ磁器もあれば、目の錯覚を起こすようなガラス製品もある。柳原は本展を「平面と空間の境界線を探る旅」と言う。二次元と三次元を混濁させ、人と物と空間までも混濁させる。して既成概念をいったんゼロに戻したときに初めて見える、または起こる何かを、柳原はデザインの手がかりとしているのかもしれない。杉江あこエディター、ライター。Ltd.掲載画像・その他の無断転載・転用を禁じます。