artistヘリット・リートフェルト・アカデミーで写真を学んだノードカンプの作品は、映像の領域までをしなやかに行き来して、建造物や都市環境についての認識に、人の経験や記憶、夢までもがどのように影響を及ぼしているのか探求している。これらの作品は、時に明快かつ空虚的でもあり、形式に美を見出しながら、孤独や孤立、メランコリックな感情を照らしている。Architect」がフォーム写真美術館(アムステルダム)で上映され、その後、国内外の映像祭や展覧会に招かれる。Gibellina(同地を襲った大地震後の1968年、ブッリによって制作されたランドアート。Gibellina」を発表。同作品は、グッゲンハイム美術館(ニューヨーク)、K21(デュッセルドルフ)、MAXXI(ローマ)、ポンピドゥセンター(パリ)を巡回して上映した。Form賞を受賞している。AITのレジデンスプログラムでは、「沈黙」や「恐怖」などをテーマに瞑想的な場をリサーチすると同時に、恐怖の対象そのものや、その裏側に潜む自身(または私たち)の支配欲求と脆弱性にも着目する。メディアアートを学ぶ。インスタレーション、映像やスチール写真、オブジェクトなどを横断的に用いるスパパリンヤの作品は、これまで正史とされた情報を解釈して現代の社会市民に及ぶ影響と、その構造を明るみにしたり、問いを含むものである。近年は、特に歴史的事実に関心を寄せ、人的行為への影響とその社会・文化的状況についてプロジェクトを進めている。Space)や黄金町バザールなどのプログラムを通して日本での滞在経験も持つ。(ACS)のディレクターとして数々のプログラムを企画した。スウェーデン出身、ウプサラ在住)イラストレーターとして活動するアーロン・ランダールは、バルト海に浮かぶゴットランド島で生まれる。マルメにあるコミック・アート・スクールで学んだランダールの作品は、スウェーデンで発行される雑誌などの媒体で見られ、そのイメージは、自然そのものや人間の手が加えられていないひっそりとした環境を描写しつつ、どこか不気味な佇まいを持ち合わせている。スチールペンとインクを用いて描く線影は、ディテールを捉え、霧がかった印象をにじみ出している。Dropp》を出版予定。Karlsö》を構想している。これまでランダールの作品は、ギャラリーのみならず、ウプサラ大学病院での展覧会(2017年)などで展示されている。2011-12年、トルコとジョージアにおいて昆虫研究も行うなど、創作の関心対象は幅広い。Park」と協働を行い、アーティストのフローレンス・ドワイヤーとキュレーターのステイシー・ハンターを日本に招聘しました。ふたりは、東京と佐賀県有田町を横断的に移動しながら、現代における陶芸表現とデザインの交差を観察、リサーチをしながら創作を行いました。ParkとAITの協働は2012年まで遡り、当時は、アーティストのニック・エヴァンス、メアリー・レッドモンド、そしてキュレーターのケイティー・ウェストを招聘しています。Parkに派遣しました。プログラム参加後も、これらのアーティストは国内外にその活躍の場を広げています。Parkとスコットランドのアーブロースに位置する「Hospitalfield」は、ブリティッシュ・カウンシル・スコットランド、クリエイティヴ・スコットランド、大和日英基金、グレイトブリテン・ササカワ財団の助成を受けて、日本を活動拠点とする2名のアーティストを交換レジデンスプログラムに招きます。Workshop」と、関東圏でレジデンスプログラムを行う複数の団体に連携を広げた、より大きなプラットフォームを築こうとする歩みです。交換レジデンスプログラムでは、スコットランドと日本のアートシーンに見識のあるキュレーター、および本プログラムと2020年にかけてレジデンスプログラムを行う両国の団体からアーティストが推薦され、最終選考を経て、次のアーティストを派遣します。◎選考について推薦されたアーティストの申請書をもとに、本プログラム実施団体から構成される選考委員会が、これまでの作品と活動、創作の背景のほかに、派遣先の地理的条件やプログラムを通した将来の創作発展性などが議論されました。Vol.11)バッカーズ・ファンデーションとAITは、2007年からアーティスト・イン・レジデンスプログラムを通して協働を続けています。これまで10回を数えた本プログラムは、毎年2名のアーティストと1名のキュレーターを日本に招聘して、リサーチと制作に続く展示の機会を設けることで、国際的な芸術文化の交流の場として役割を担いました。プログラム終了後、これらのアーティストとキュレーターは、国内外で展覧会や芸術祭に招かれたり、関心領域や創作に対する思考、方法論が多方向に伸びるなど、普段の生活環境から離れて養われた視点はそれぞれの活動において今も欠かせないものとなっています。その後も日本を訪れ、当時の記憶を振り返りながら、アップデートされたレンズで日本を見つめ直しています。本プログラムは、今後もアーティストの表現活動を促進させ、また国内外で新しい経験と研鑽を積む機会を継続的に支援することを主眼に、2019年より、日本を活動拠点とする2名のアーティストを選出して、海外のレジデンス機関、またはアーティスト自身が選択する訪問先に派遣します。Vol.11として推薦により選ばれたアーティストは、2週間から1ヶ月間をかけて、フランスやイタリアなどヨーロッパ各国を中心に、西洋絵画の歴史を再訪してこれまでの思考をさらに深めたり、各地で活動するアーティストやアートスペースの訪問にあわせて議論の場を設けるなど、海外における創作活動の鼓動とアートシーンを体感する機会を得ています。引き続き、アーティストやキュレーターによるリサーチや滞在制作の様子、その後の活躍など、国内外のあらゆる場所に派遣する本プログラムの今後をお伝えしていきます。左:オルセー美術館(パリ)展示風景/右:ヴェッキオ宮殿(フィレンツェ)の一室。Epaminonda(1980年生まれ、キプロス、ニコシア出身、ベルリン在住)イギリス・ロンドンのロイヤル・カレッジ・オブ・アートとキングストン大学で学ぶ。2013年、ドイツ「国立美術館賞」の最終候補作家4名のひとりにノミネート。2019」は銀獅子賞を受賞した。その他にもベルリンビエンナーレ(2008年)やドイツ・カッセルの大型国際展「ドクメンタ14」(2017年)など多くの国際展に出品。日本では森美術館のグループ展「万華鏡の視覚」(2009年)に出品した。2020年には原美術館(東京・品川区)にて開催される「メルセデス・ベンツアート・スコープ2018-2020年」展(仮題)に出品予定。2019年7月6日(土)には原美術館でアーティストトークを行う。Steemanシャルロット・マーカスは平面素材を用い、写真のシリーズ作品やサイトスペシフィックなインスタレーションを構成する。それは「静物画の延長」とも記述され、新たな語りを加えることで平面世界の可能性と限界を探るものである。写真や絵画、彫刻の境界線に余白を生み出すマーカスの創作は、それぞれが絡み合い、拡大しながら全体性が考察され、空間、色や形だけではなく、関係性や構造についても間接的に言及するものである。ヘリット・リートフェルト・アカデミーにて写真を学び、卒業後はオランダ国内外で数々の展覧会に参加。Space、アムステルダム、2017)がある。2018)などがある。2019年1月からのレジデンス滞在では、日本の伝統やテキスタイルを中心に、現代の日常生活における歴史とシンボリズムについて、新たな視座を探求しリサーチを深める。Carlgren(1984年スウェーデン・ルレオ生まれ、ストックホルム在住)イルヴァ・カールグレンは、実験的かつ整然としたアプローチで抽象的な水彩画を制作している。細部まで念入りに塗り重ねられた色は光によって少しずつ変化し、観る者の知覚を操作する。それは私たちの限界を探ること自体を作品のメディウムとしており、その中でカールグレンの実践が生まれては終わりを迎えるといえる。模倣することをやめ、カールグレンはそこに存在することと静寂に特徴づけられる研ぎ澄まされた視覚言語を制作している。スウェーデンのヴァランドスクールオブファインアーツにて修士課程を修了。スゥェーデン芸術助成委員会、ストックホルムのロイヤルインスティテュートオブアートなどからこれまで助成を受けている。Fair、ストックホルム、2017)がある。Liedtke(1985年ドイツ・ザールフェルト生まれ、同ハレ在住)2010年に木彫刻制作の実習を終了した後、2016年ハレ・ギービッヒェンシュタイン城・芸術デザイン大学を卒業。現在は、絵画と彫刻のほか、詩やサウンド・パフォーマンスなど多様な表現に取り組む。ハレ−ライプツィヒ)の創設メンバーとして、さまざまなアートイベントを行う。Risse」(均整的な亀裂)を執筆し、知的障害のある人びとと一緒にイラストブックの制作も行う。リドケの作品は、人が「現実」を美しいもの、不確なもの、未確定なものとして認識する能力や可能性について言及しており、その思考の中心には、私たちが何を形として捉えているかという存在論的な問いが含まれている。それは、アートを転覆する現象や観念を相対化することにも繋がっている。Saxony-Anhalt、ハレ、2015)などがある。Višić(1987年ルールモント生まれ、ティルブルフ・オランダ在住)マリーナ・ヴィシックは、映像の領域にどのような質感や動きが取り込まれているのかをリサーチしながら創作活動を行っている。映像作品は身体的経験を再検討しながらも困惑と心酔の感覚を与えることから、イメージの規模や身体への関係性と同様、これらを演出することが重要と考えている。ヴィシックの作品は、物語を伴うよりも、常に動きを備えたモノとして提示される。制作の初期過程では変換が多用され、ヴァーチャルと現実世界を行き来させることで、ごく日常の事物が脚光を浴び、ヴァーチャルがカタチを露にするような世界へと変化させている。2016年、ロンドンのスレード・スクール・オブ・ファインアート校で行われた修了展において、ヴィシックの作品は想像豊かな色彩が高く評価され、ジャン・シェゴ賞を受賞している。影響を受け、レジデンス・プログラムにて滞在中は、光や影、素材とその表情など日本の古典的美学についてリサーチを行う。Museum、スヘルトーヘンボス、2013)がある。Gallery、ロンドン、2016)など数々のグループ展にも参加している。アーティスト活動のみならず、オランダを拠点とするSEA財団でアシスタントキュレーターとして活動したほか、非営利団体のアーティスト・プロジェクトスペースやアーティスト・イン・レジデンス・プログラムなども携わった経験を持つ。現在は、インディペンデント・キュレーター、またプロジェクト・マネージャーとして展覧会やシンポジウムの企画に加え、出版物の制作にも取り組んでいる。Andersson(1979年カルマル生まれ、ストックホルム在住)ハンス・アンダーソンは、身の回りのものを用いて、抽象的なイメージや彫刻的な立体を制作している。素材が伝承する意味や内外の特性、その緊張関係に着目し、制作は直感的で非線形的な過程をたどる。彼の展覧会や作品名は常に無題であり、これにより、作品が特定の物語を示唆することを回避し、見慣れたものや既に知られたことへの新たな視点や発見、また、非言語の領域での解釈を促している。アンダーソンは、長い時間をかけて作品と対峙しながら制作を行うが、待つことや沈思によってもたらされるというこの考え方は、フランスの哲学者、シモーヌ・ヴェイユによる待望することにより真理を追求するという芸術や哲学の思考理論にも共通する。art..」(ヴェストフォシン美術館、ノルウェー、2017)など国内外の展覧会に参加。作品はマルメ・アート・ミュージアムやマルメ・ノルディック・コンテンポラリー・アートコレクションにも所蔵されている。Abdallah(1990年生まれ、サウジアラビア・カティーフ在住)サウジアラビアの東部にある都市、カティーフを中心に国内外でアーティスト活動を行う。ロードアイランド・スクール・オブ・デザイン(アメリカ・ロードアイランド州)にてデジタル・メディアを学び、シャルジャ大学(アラブ首長国連邦)でアート・デザインを学んだ。現在は、映像やインスタレーション、詩、イメージなどのあらゆるメディアを扱いながら、サウジアラビアの社会に内在する問題を浮き上がらせるような作品を制作している。Marathon(ロンドン、2013)、シャルジャ・ビエンナーレ11(アラブ首長国連邦、2013)、ベネチア・ビエンナーレ(イタリア、2013)がある。Bartokルアンクリタヤーは、タイのバンコクを拠点に写真やテキストなどを用いて創作活動を行っている。その作品は、ルアンクリタヤー自身の周辺にみられる問題を軸にしながら、特に都市におけるさまざまな環境や人びとと、その変化や進歩などを扱っている。バンコクが洪水による被害を受けた際、都市に住む者を襲った恐怖や空想と期待を、不気味なほどの夜の都会を背景にあぶり出すことを試みている。視覚イメージとしての写真を用いて、不安定な状況が続くタイの政治に対するさまざまな人の異なった態度を表現している。それに続くシリーズは、態度のみならず、そこにどのようなアプローチが見られるのかを、SNSに見られる写真や、より伝統的なフィルムとデジタル写真における切り取られ方や提示の仕方をもとに制作されている。今も増え続ける住宅の開発と、人間の理想や願望との関係をテーマとした作品である。そこには、まさにバンコクの住宅市場に飲み込まれようとしている売却地や新たに建設中の高層住宅ビルの写真が含まれている。これらの作品とともに、不動産広告を飾るキャッチコピーが虚しさを漂わせながら提示されている。Photography」(オターバイン大学、オハイオ州、2016)などがある。Pictetにも選出されている。2016年には、ソヴリン・アジア美術賞のファイナリストに選出されるなど、国内外を問わず活躍している。イギリス・ブリストル生まれ)イギリス出身のアーティスト、ローリー・ピルグリムは、「解放」を軸にした作品を制作し、アクテヴィズムやスピリチュアリティ、音楽、コミュニティなどの関係や時間の探求を通して、私的また政治的な問いを表現している。ピルグリムは、アクティヴィストやフェミニスト、またソーシャリー・エンゲージド・アートの起源に強く影響を受け、ライヴ・パフォーマンスや映像、テキスト、ワークショップ、音楽の作曲にいたるまで、幅広いメディアで作品を発表している。人が集う手法として作曲を手掛け、音楽が苦境や祝祭の場面において、または人びとの意志を伝えるため、どのように扱われてきたのかを丁寧に調査している。ateliersにてレジデンス・プログラムに参加。映像作品の上映に加え、アムステルダム市立美術館でのパフォーマンスや、2015年には広州トリエンナーレにも参加している。AITのレジデンス・プログラムでは、"ERASURE"(消去・抹消)と題名付けられた新しい作品制作のためにリサーチを行う。これは、急速に進む環境破壊や、人間と非人間の種の融合、超近代性(ハイパー・モダニティー)と呼ばれる時代における機械などを参照し、行動・実践が行われる私たちの身体に着目している。基礎を与えているかを探る。イギリス・ウェールズ生まれ)領域横断的なワークショップやセミナー、執筆を通して、素材とプロセスを深く調査し、作品に投影している。彼女の制作と、視覚芸術の境界および先入観に焦点を当てたアプローチは、多くの学問領域をまたぐ「拡張領域」の中心にありながら、素材の特性を捉えた芸術彫刻でもある自身の彫刻的領域にまつわる批評的な言語を生みだしている。想起させ、普段見慣れたものから切り離された時に起こる緊張をはじめ、素材と精神状態の変化をコントロールしようとする試みがみられる。見慣れた粘土の形やその構造が、流動的かつ不安定な感覚への視覚的交替に利用されている。結果、マスターマンのインスタレーション作品は、プロセスと環境に強く結びついた証言とも言える。法則やパラメーターとして粘土を使うことにより、制作現場での身体的リアリティとその意味や、どのようにアート作品が出来るかを、コンセプトと物理性を溶かし合わせることによって明らかにしている。2008年、キングストン大学でファインアートの学士課程を首席で卒業し、ロイヤル・カレッジ・オブ・アートにて修士号を取得。ウィリアム・ベニントン・ギャラリーにて二人展を行うなど、イギリス国内外で展示を行う。コレクティヴ・マターと呼ばれるソーシャル・アウトリーチ・アート・コレクティヴに所属し、2016年、テート・ギャラリーが行うプログラムのひとつを担当した。オンライン・ジャーナルcfileonline.orgへの執筆も行い、カムデン・アーツ・センターでワークショップなども行っている。AITでのレジデンス・プログラム終了後、多様な陶芸のあり方を広めるべく、ロンドンのウェストミンスター大学において、講師として教鞭を取ることが決まっている。Englishジェニー・ユーシャンスキー(イタリア・ローマ生まれ、アメリカ・カリフォルニア州/スウェーデン・ストックホルム在住)ジェニー・ユーシャンスキーは、コンセプトやリサーチに重点を置きながら、素材そのものと批評となる要因がどのように特徴づけられているかを、作品制作を通じて、詩的かつ実験的に探求している。それは、時間や記憶、歴史、言語という世界をカテゴライズするために作られたシステムのあいだに存在するような隙間を、深く掘り下げてゆく行為である。その隙間はゆるやかに広げられ、個人的な経験と、科学的な検証がそこに並走して入り込んでいく。ユーシャンスキーの作品は、鑑賞者にそれぞれの意味を投影する余地を残しながら、単一的な見方を解体し、再び想像されるようにしている。作品が対峙する、より大きな事柄と鑑賞者が、対話をもつ時間が用意されている。イタリア、ローマ生まれ。モルドバで育ち、アメリカのカリフォルニア大学アーバイン校において視覚芸術(修士)を学んだ後、マルメ・アート・アカデミーにて批評学を学ぶ。2015年、カリフォルニア州ピッツァー大学アートギャラリーで行われたレジデンスに参加し、個展を行う。Allegory"と題した自身のアーティストブックが個展に関連して同大学より出版される。今秋はロサンゼルス・ギャラリー・ビジター・センターでの展示に加え、ロサンゼルス樹木園で行われる展覧会への参加が決まっている。Studioを立ち上げ、これまでにアンドリュー・メロン財団やストックホルム王立芸術大学などの機関から、多くの賞や助成を受けている。Center(2010年、カリフォルニア州、アメリカ)、LAXART(2010年、カリフォルニア州、アメリカ)、豊田美術館(2001年、愛知)での展示をはじめ、第7回イスタンブール・ビエンナーレ(2001年)にも参加している。Tharmakrishnar(1987年スリランカ生まれ。ジャフナ、スリランカ在住)クリシュナプリヤの創作活動は、過去に彼女が体験した喪失や忘却の彼方にある記憶を思い出させるもの、また自己の感覚を思い出させるものとしてなぞらえることができる。ドローイングや絵画、コラージュ作品などを制作している。ささやかな色のみを使い、紙に釘を押しあてる手法でドローイングを描いている。そこに見られる多くの点や線は、心の奥にひそむ共感覚に重点を置きながら、クリシュナプリヤの個人性や、幼少期のような特定の時間を表現している。ジャフナ大学でアート/デザインを専攻し、2012年に学士号を取得。Point」(コロンボ、2015)など、同学内で行われた多数のグループ展に参加した。Jaffna」に参加。自身の父親から受け継いだ方法やツールを使い、凸版印刷のワークショップも行っている。Englishチョウ・イー・ティン(1969年ビルマ(ミャンマー)生まれ。ニューヨーク在住)1994年に法学で学士号を取得。ビルマ(ミャンマー)のパテインで活動する芸術家、マウン・マウン・ティンを父に持ち、芸術的指導を受けたチョウ・イーは、多様な表現方法を追求し、画家、そして、パフォーマンス・アーティストとして多くの国際的な賞を受賞し、その活動をいち早く認められるようになる。身の回りにある、社会政治的な環境下での矛盾や葛藤をありのままに描き出す作風で高い評価を受け、それらの作品は、主に言論の自由の制限やその社会変化が及ぼす影響による、自身の苦悩の経験から紡ぎ出されたものである。Sweetness」を同年のシンガポール・ビエンナーレで展示した。2007年には、ロンドンのアジア・ハウス・ギャラリーで、「ビルマのアーティストが直面するパフォーマンス・アートシーン」と題したトークを行うなど、勢力的な活動を行っている。Foundationを通じたレジデンス・プログラムに参加した経験を持つ。Pacificをはじめ、ニューヨークタイムズ紙など、多数の媒体がチョウ・イーの活動を記事にしている。Doornenbal(1988年オランダ・アムステルダム生まれ、在住)アムステルダム大学でカルチュラル・スタディーズを学んだのち(2012)、ヘリット・リートフェルト・アカデミーで美術学士号を取得(2013)。アートの世界に当てはめてみると、彫刻作品を通して鑑賞者がどのような体験をするかということが表現の中心をなしている。ドールネンバルは、多様なメディアを用い、鑑賞者とモノ、道具、彫刻の相互作用を促す綿密な状況を作りあげ、時に、展示空間における定式化したふるまいを意識的に用いながら、批評的、かつ遊び心にあふれた状況を創出している。近年の作品では、創造そのもののプロセスに着目し、今日における職人性や作家性の意味について思索している。Centre、リガ、2014)がある。Centre、マルメ、2014)に参加。「wabi-bijin」ドールネンバルと、アムステルダムで活動するグラフィック・デザイナー、ミズラーヴ・ズーガイが手掛けるブログ「wabi-bijin」。本ブログでは、ドールネンバルが、日本滞在中に入念なリサーチを行った2つの題材の側面を記している。関わりについてのリサーチが示されている。片側は、ポップ・カルチャーやアニメに代表される、現代の美学的観点の反応と受け取ることができる。ブログの内容とデザインは、これらの観点を追求するにつれて流動的に変化する。Mukdaprakorn(1981年タイ・バンコク生まれ、チェンマイ在住)1981年タイ・バンコク生まれ、チェンマイ在住。mute」の共同設立者。muteは、アートや文化に限らず、多様な社会活動において、人々の認識領域を押し広げる相互議論の場を模索している。ムクダプラコーンは、特にタイにおける写真や表現の自由、アートの現状など、同国のメディア/アート文化に関心を持ち、社会状況が常にそうしたメディア/アートによって投影されることに着目している。現在は、チェンマイで2013年に発足されたプロジェクト「チェンマイ・アート・カンヴァセーション」の活動に関わる。このプロジェクトの目的は、あらゆるマネージメントとメディアに関する知識を学ぶため、多様な議論やタイの社会、アートを結びつけることを試みている。Alone(バンコク芸術文化センター、バンコク、2012)ほか、数多くのアートプロジェクトを手がけている。BLANCHEは、2010年にデザイナーのフレデリック・フェルク(スウェーデン出身)とエマ・ブランシュ(フランス出身)により立ち上げられた、ストックホルムを拠点に活動しているデザインスタジオ。デザインハウスストックホルムなどの北欧家具ブランドとコラボレーションを行うと同時に、彼ら自身のコレクションや、ロンドンやミラノ、ニューヨークのギャラリーの依頼を受け、アート作品を制作している。一点モノの手作り家具を手がけるときも工業デザインを手がけるときも、彼らの実験的な姿勢は一貫している。フレデリックとエマの想像性は、ストックホルムのセーデルマルムにある広々としたスタジオで垣間みることができる。地下のガレージに構えられたそのスタジオスペースは、ショールームでありながら、後方に十分な設備を備えた工房もあり、自由に実験を行う場としても機能している。テキスタイルは、オーダーメイドのような手法を用いながら、フレデリックとエマの遊び心に溢れた工夫が見られる。"Succession"シリーズの椅子には、新しいかたちを作り出すためにロープで結んでからオーブンで焼き痕を付けたテキスタイルと革が使われている。コレクション作品の中には、木工と縫製の手法を組み合わせた「エクストリーム・ソーイング」という、他に類をみない方法が使われている。フレデリックは、家具工としての経験があるが、常にファッションへの強い興味を抱いてきた。エマは、芸術家であり美術教師でもある母親のもと、いつも身近にアートがある環境で生まれ育った。これらの影響は、エマとフレデリックの作品や、様々なコラボレーションから生まれた製品からも感じ取れるだろう。Walk」(2010年)などがある。シリーズの椅子は、ストックホルム国立美術館にも所蔵されている。Hem』が主催した「ファーニチャー・オブ・ザ・イヤー2013」を受賞した。2014」を受賞した。Vandyプノンペンを拠点に、彫刻やパフォーマンス、インスタレーションなど多岐に渡るメディアを用いて領域横断的に作品を制作している。プノンペンのロイヤル・ユニヴァーシティ・オブ・ファインアーツにてインテリア・デザインを専攻し、2008年に修士号を取得した。フレンチ・カルチュラル・センターやボパナ・センターなど、カンボジア国内にある数々の主要な施設で展覧会を開催。galleriesでの展示にて、プノンペンの自宅で行ったコミュニティ・プロジェクト「SurVivArt」で使用した部屋を移築し、再現するインスタレーションを制作した。Chouとアメリカ系カンボジア人のミュージックバンド、Dengue-Feverのプロジェクトに衣装デザイナーとして参画し、コラボレーションを行った。Prize』を受賞した。作品においては、ティスの個人的な経験や記憶と、急速に変化するカンボジアの状況など、身の回りで起こる変化・環境との関係性が表現されている。細い針金を編み込んで制作した彫刻作品は、カンボジアの伝統的な調理釜から集めたワイヤーなど、カンボジアでは日常的に見ることができる素材が使われている。そこには、子どもの頃の記憶に加え、個と公共をまたぐ場や、人とそれ以外のものの関係性への関心が映し出され、コミュニティが抱える問題との関り方、ジェンダーや女性のアイデンティティーなど、アーティストの役割とその可能性への問いが表現されている。ティスの作品は、近年のカンボジアが迎えている個と都市空間における経済や社会の変化や、身の回りの環境の変化を喚起する、視覚的で詩的な表現であるといえるだろう。sound台北とパリ、プノンペンを拠点に活動しているアーティスト。