日々の映画鑑賞と研究の記録、最新DVD情報などなど。ときどき書評めいたことも。このサイトはPC用に最適化されています。スマホでご覧の場合は、記事の末尾から下にメニューが表示されます。---評価の目安:★★★★(大傑作、あるいは古典)★★★(傑作、あるいは必見)★★(見たほうがいい)★(興味深い)(基本的に、興味のない映画はここでは取り上げません。ここで話題にしている時点で、それなりに見る価値はある作品であるといえます。冒頭のところだけ訳すつもりだったのに、とうとう全部訳してしまった。ネーの文章はなかなか一筋縄ではいかない。rampe』におさめられた難解な文章のなかでは、これなど読みやすいほうではあるが、それでもところどころわかりづらい部分がある。第6章がなかなか難解で、とりあえず訳してはみたが、正直、よくわからなかった。第7章の始めのところも少しわかりづらい。一応訳し終えたが、いろいろ不十分なところもある。セルジュ・ダネー1.ニコラス・レイ、通称ニックことレイモンド・ニコラス・キンズルの映画には、忘れがたいセリフがふたつある。1957年、『にがい勝利』のリビアの砂漠で、リチャード・バートンは苦々しく認める。「おれは生者を殺して、死者を救うのだ」。その前年、ジェームス・メイソンは自分の幼い息子を殺そうとしてこう叫ぶ。「神は間違っていた!」(息子を殺そうとするアブラハムの手を神が止めたのは間違いだった)。『ビッガー・ザン・ライフ』という映画の中でのことだ。このふたつのセリフが、すべてを言い表している。レイの映画のメイソンのセリフは、父親の言い分である。狂っていて、脅迫的で、父親の名に値しない、つまりは邪悪な父親の言い分である。バートンのセリフは、息子のおかれた袋小路を示している。抜け出すことができない、少なくとも無傷では抜け出すことができないダブルバインド状態を示している。父親を、殺すことによって救うか、それとも、救うことによって殺すかという袋小路。レイの映画が描いているのは、叛逆というよりも、叛逆の不可能性、ふたりの人間、若者と年配者、養子と養父のあいだの終わりのない闘争なのだ。年配者は父親を「演じ」、銃撃に身をさらし、自分の死を偽装し、「息子」からまさしくかれの叛逆を奪い取ってしまう。ヒステリー状態になった息子は、父親の欲望を支持しなければならない。そのためには、父親に欲望があることを認めなければならないのだ。この点で、『エヴァグレーズを渡る風』は見事な映画である。レイの映画のほぼすべてがこの物語を語っているのだ。どの物語もよい終わり方はしない。いやむしろ、どの物語にも終わりがないか、あるいはとってつけたような偽りのハッピー・エンドで終わるといったほうがいい。この父子の関係(filiation)における強いられた同盟関係(alliance*1)、あるいは、同盟関係として生きられる父子の関係、これがニコラス・レイの映画なのだ。これはまた、80年代の初めに、何らかのかたちで「映画の歴史」を語るやり方でもあったのである。2.「ニックス・ムーヴィー」から「水上の稲妻」となり、最終的に「ニックス・ムーヴィー」と呼ばれることになるこのヴィム・ヴェンダースの映画の中で、レイはヴェンダースのために、レイという登場人物を演じる。この映画は名高い作家政策[作家主義]の到達点を示している。この政策は(ここフランスで)発明され、奇妙にもエディプス的な言葉によって表明されていた。ある映画作家の失敗した作品は、作家でない映画監督の成功作よりも興味深いというのだ。言い換えるならば、正しかろうが間違っていようが、作家には理がある、なぜならこれは父親の問題だから、というわけである。今日、この作家政策は、興業において、作家の名前のもたらす効果についての必要不可欠なマーケティングに姿を変え、一方、作家たちは、しばしばうわべだけのかたちで死者として崇拝されるようになった。『ニックス・ムーヴィー』はこうしたことすべてであり、またそれ以上でもあるような作品だ。父子の関係を描いた映画というよりも、この映画そのものが父子の関係を体現しているのだ。レイの欲望にこたえた映画と、コッポラの注文にこたえた映画*2、ヴェンダースはこの2作をわけて考えることが出来ないと思っている。一方は、ヨーロッパふうに撮られた作家の映画。開かれた、もっというなら深淵のように口を開けた、貧しくて、実験的な作品。ニューヨークのロフトについてのドキュメンタリー。一方は、職人による、プロフェッショナルな、手の込んだ、金のかかった映画。フィルム・ノワールとダシール・ハメットの小説に描かれるカリフォルニアを再現した作品。ヴェンダースは、今日の映画作家にとってのふたつの限界状況に同時に身をおくことに「成功」したのだ。主題を選ばないことと、主題によって選ばないことに。ふたつの経験は通じあっている。この若きドイツの映画作家は、レイという主題のもとで、コッポラというマシーンと向き合うのに必要なことを学ぶのである。ヴェンダースは、アメリカの一部──その傷ついた瀕死の部分を、アメリカに向けて投げ返すのだ。それに、なにもこれはヴェンダースが初めてやったことではない。『軽蔑』のなかで、ゴダールは、プロコシュという偏執的なプロデューサーのために『オデッセイア』を撮っている映画監督フリッツ・ラングの助監督の役を演じていた。この映画で、ラングは、落ちぶれたかつての巨匠、映画の巨人であり、またハリウッドで辛苦に耐えている人物を演じていた。われわれは、シャブロル作品のなかでウェルズを、ゴダールとヴェンダースの作品のなかでフラーを、サークの映画学校の作品で演じるファスビンダーを眼にしたのだった。3.なにもわたしは、古い作家たちの新しい作家たちに対する影響のことをいっているわけでも、シネフィル的な寛大さを話題にしているわけでもない(スコセッシがミネリを援助したり、だれそれがジャック・ターナーに最後の作品を撮らせようとする、といったことがあったりするわけだが)。なく、ヌーヴェル・ヴァーグの映画(まずフランスの、ついでイタリアとドイツの新世代の映画)のなかに、ある種の映画作家たちが生身のまま登場することをいっているのだ。映画作家なら誰でもいいわけではない。1910年頃にアメリカで生まれ、あるときぴたっとキャリアを中断され、妨げられ、打ち砕かれた作家たちのことである。1960年から1965年にかけ、ウェルズ、マンキーウィッツ、カザン、サーク、レイ、フラーといった重要な作家たちが沈黙する、あるいは、観客の人気を失って、撮影所から愛想を尽かされる。かれらはしばしば、ハリウッドにとって特異すぎる、あるいは現代的すぎる存在になってしまっていたのだ。当時、それはアメリカ映画の危機の結果、あるいはメジャーの映画会社の意地の悪さの結果に思えた。この現象は、象徴的なものでもあったのだ。映画の歴史においてはじめて、(それ以前の、パイオニアの世代と違って)映画のなかで生まれた世代が映画を撮らなくなり、「映画が、自分たちの仕事だ」と言う権利をなくすのである。かれらよりも年長の世代(ドワン、デミル、ウォルシュ、フォード、ホークス、ヒッチコック)の並外れた息の長さにくらべ、この世代の先行きは短く、その全盛期はあっという間に過ぎてしまう。かれらにはまだ言うべきことも撮るべきこともたくさんあるのに、沈黙を強いられてしまうのだ。4.こうしたことは、少なくともアメリカでは、それまで見られたことがなかった。それどころか、同じ頃ヨーロッパでは、ヌーヴェル・ヴァーグと呼ばれる最初のシネフィル=映画作家が現れようとしていたのだ。métierになるとは確信していなかった。現代映画は、うまく作られているかどうかよりも、それが与える体験に重きをおくものであり、そうした現代映画が要請するものを前にしては、職という概念そのものが、後退的で、古めかしいものに見えたのだ。ところが、その20年後、仲違いして冷戦状態となっていたゴダールとトリュフォーになおもひとつ共通点があったのは、ふたりとも、観客がいようがいまいが、観客に気に入られようが嫌われようが、決して映画を撮るのをやめなかったことである。映画は彼らの職なのだ。トリュフォーのいうように、「映画を撮っていて幸せなのは、これほど素晴らしい時間の使い方はないということ」である。トリュフォーは、この言葉が真実となるような状況を自分で作り出していたのだ。ヴェンダース、ベルトルッチ、ファスビンダー、ストローブ=ユイレについても、同じことが言えるだろう。ヨーロッパにおいて、決定的に重要なのは、興行的に成功することではない。一時的に失敗することがあっても、つねに再生産可能な仕組み(machine)を映画作家が作り上げられることが重要なのである。ひとつの美学はこうして生まれるのだ。アメリカではこのようなことは皆無だ(おそらくカサヴェテスは別として)。60年代にキャリアを打ち砕かれた世代はあれ以外にやりようがなかった。ハリウッドかそれとも無か、だったのだ。MGMとの生涯契約をはなれると、ミネリのキャリアは早すぎる終わりを迎え、カザンとフラーは執筆に専念し、サークはヨーロッパに帰ってしまい、ターナーはフランスに死ににやって来、レイは亡命し、ウェルズは自分を見せ物のように曝し、ワイルダー、プレミンジャー、マンキーウィッツでさえ簡単には映画を撮れなくなる。ヨーロッパの若き映画作家たちは、自分たちがいつか映画を撮れなくなるのではないかという不安を、アメリカの年長者たちに一種の映画的余命を与えてやることで悪魔払いしていたのではないかとわたしは思う。することで、真にかれらの後継者となったのである。〈アメリカの友人〉とはいつも、不幸に見舞われたアメリカの父親のことなのだ。5.この現象を「シネフィリー」という言葉で説明するのは無理がありすぎるように思える。それにまた、フォルムの抽象的な歴史や、作家の影響の一覧表を作りたいわけでもない(真の影響というのは、斜めに働くものだ)。これらの映画作家たちのステータスそのもの、かれらの歴史、かれらが「そこから生まれた」歴史と、かれらが自ら生み出した歴史、神話となった歴史が問題なのである。映画にできる何か、映画だけが(絵画よりもずっとうまく)できる何かが問題なのである。いうのも、映画は形象をあつかう(figuratif)芸術であるからだ。映画は、形象(figures)を再帰させる可能性、かつて形象が別の唯一の何ものかを表象(représenter)していた過去から、それらの形象を再帰させる可能性の上に立脚しているのである。なかでも俳優は特権的な形象である。俳優は、映画作家と映画作家のあいだの対話の要となる部分なのだ。俳優がいるおかげで、映画はたんに次々と生まれるスタイルや流派の連続にすぎないものにならずにすんでいるし、父子の関係は、[俳優という]同じひとつの身体の、ノスタルジックで、老いたイメージを通して現れる。俳優の身体は映画を横断するのであり、映画の真の歴史なのである。この歴史は決して語られることがない。この歴史はつねに、親密で、エロティックなものであり、敬愛の情と敵愾心、吸血行為と敬意より成り立っているからだ。映画が老いてゆくにつれて、映画作品が次第にあらわにしていくのはこの歴史なのである。レイとヴェンダースの出会い、そこから生まれた映画は、この歴史の一章なのだ。「カイエ」に発表され、最初は誰もがジョークだと思ったある文章の中で、ジャン=ルイ・コモリは、『北京の55日』でレイが演じる中風のアメリカ大使の役は、自分の手を逃れてゆく作品の〈作者〉であるという状況のメタファーであると指摘していた。映画作家としての公式のキャリアの終わりであると同時に、〈俳優〉としてのキャリアの始まりでもある作品。露出趣味の、そしてそのことを自分で知っていた俳優。他人の映画で、そして時には自分の映画(いみじくも「ウィ・キャント・ゴー・ホーム・アゲイン」と名付けられた作品)で、自分が老いていくのを見ていた俳優。emploi)として、血迷ったゲスト・スターとして、亡霊として、生き残ったということだ。この意味で、誰よりも現代的なのは、オーソン・ウェルズだった。逆に、古典的であるとは、映画作家の身体が消失すること(あるいは、ヒッチコックのように、作家の身体の現前がアイロニーになること)だった。溝口や、フォードや、ホークスが自分の映画に登場することなど想像できるだろうか。「リベラシオン」の記事でセルジュ・トゥビアナが、科学のために献体する人のように、レイは自分の身体を[大文字の]映画(Cinéma)に差し出したのだと書いたのは正しい。[大文字の]映画など存在しない。あるのはいつも一人の映画作家である。この場合、それはヴィム・ヴェンダースだったのだ。6.そういうわけで、『ニックス・ムーヴィー』をモラルを理由に批判する態度は、不当であるといわないまでも、不十分であるようにわたしには思える。figuratif)を、「剰余イメージ」(surimage)とでもいうべきものを引き出すことだ。映画における契約は、相互的に行われるのではなく、一方的なものだということを知らずにいることだ。身をさらしている俳優が、かつては自分も映画作家であり、どちらの側にも通じていて、この見せ物を自分でもたらし、おのれで望んだのだとしたら、どうだろう。この見せ物さえをも、望んで差し出したのだとしたら、どうだろう。レイの目の前には、もうひとり、内向的で、居心地の悪い思いをしている俳優がいる。