非常にヴァリュエーションゆたかだった。ジャズ、サンバ、ボサノヴァ、ポップス、ロック、ワーグナー調、イタオペ調、ミュージカル風、クラシック名曲のパロディ、童謡など、数え上げればキリがないが、ケンジの職業がギタリスト兼作曲家だという設定を、「悪用」していた。アリア的な歌の部分には、非常にシンプルなものが当てられており、そういった面では反オペラ的な要素もあるが、頑張って「反・・・」などというよりは、オペラの歌の虚飾的なものを取り去ると、このようになってもおかしくない、という見方のほうが、より正しいのかもしれない。今回の作品は、縦軸に場面にあわせた音楽のフレキシビリティが置かれ、横軸にドイツ音楽的なしっかりした構造が織り込まれている。これが、今回のオペラのひとつのポイントを成している。「アゲハの唄」がその象徴であり、よく調べてみると、多分、この曲はガチガチに動かない頑丈な構造をもっているのではないか。そのくせ、とても自由な飛翔を伴うような感じもする。会話部分は、神田作品に特有のスタイルが踏襲され、彼の作品に触れたことがある者ならば、「いつもの」やり方と感じただろう。古典オペラのレチタティーボのように、この方法により、ある程度は確立した形で、劇を進めることができるようになった。このスタイルは頭のほうを大事にして、後ろの部分を曖昧にする日本語の特徴をよく捉えているものの、歌となったときにやや鋭すぎる感じもある。そのため、どうしても口調が批判的、直情的な感じになってしまい、なにかを訴えかけるような人物像になりがちという点で、問題がある。ここまでは、そうした「主張」があるのが神田オペラの特徴となり、悪くない結果を生んでいる。今後、ケンジやジロー、アゲハやサクラのような人物とちがうキャラクターを構想したときには、通用しなくなるかもしれない。アゲハのテーマは、「ライト・モティーフ」と見られないこともないし、「A・G・E・H・A」音を仕込んでいることから、新ウィーン楽派的な知的構造を伴うともとれるが、実際は、もっとシンプルな意味で使われているにすぎない。そこにも、ある種のアイロニカルな音楽的知性が光っている。主人公がギタリストであることを踏まえて、若手ながら、既に相当の実績を持っているプロ・ギタリストである松尾俊介を呼んで、ピットに座らせていたのだが、これといって華々しい出番があるわけでもなく、どうも生かしきっていなかった感があるのは勿体ない。【プロット、演出】プロットは、すべて紋切型で構成されるが、これは意図されたものであり、そう「なってしまった」のではない点に注意したい。木下順二の「夕鶴」が下地になっており、そのパロディとしての要素が多い。お金をめぐる問題が出てくるのも、「夕鶴」のテーマを踏襲しているが、札束がばら撒かれる場面があることから、さらに「トラヴィアータ」の有名な場面を想像する人もあるに違いない。カエル、モグラ、クラゲのコントでは、ちょっとした芸術論が闘わされ、人数が足りないが、フランス・オペラの常道を皮肉る「ボエーム」終幕のアイロニカルな場面のパロディであろう。した遊びをもたせながら、主には、アゲハの深い信頼に基づいた、ケンジの成長というところに焦点が当てられている。アゲハのほうも、ケンジとの関係により成長し、蝶となって去っていくという展開があることを、前のエントリーで述べた。この二重の成長劇が、結局のところ、このオペラのすべてである。最後、アゲハの自己犠牲により、ケンジの魂がエピローグでみられるように救済されたところを見ると、この作品が「リング」のパロディでもあったことがわかるだろう。エピローグのケンジは、まだ夢をみている途中だという感じもあり、不安定だ。そこをどのようにみるかは、観客それぞれの感性による。演出は、転換などが無駄なくスムーズで、よく練られていた。全体に子どもオペラ風のライトさが目立つが、レヴェルを落とすのではなく、それぞれがそれぞれの視点でみられるというようなものを、彼は目指しているのであろう。油断すると、学芸会風になってしまう恐れもあった。神田らしくもなく脇が甘かったのは、あらすじを読んで大いに不安があった、アゲハの変身前後のシーンに集中する。羽が生えてくる部分では、背中に網状の黒い布をつけてあって、これを引っ張って伸ばすのだが、アゲハにやっつけられるはずの黒服たちが、明らかに羽を手繰っており、それもなかなか伸びてこないので、これでは興醒めというものだろう。アゲハが消えていく場面は、舞台が沈んでいく機械音を利用して、上手くオーケストレーションしているのは面白いが、その前に、ライティングで蝶の羽のシルエットを壁に投射し、その中心にアゲハが立って、蝶の形を完成させるのが、残念ながらずれていた。中央も中央の席に座った人には問題なかったと思うが、数列でもずれると、アゲハの立ち位置と蝶の体幹がずれてしまっていけない。エピローグでは、コーラスを終わって、街の人たちが両手をかざして暗転する。何かと思ったが、後ろの人が「蝶々だ」と囁いてくれたおかげで、合点がいった。万一、意味がわからなくてもきれいだった。意味がわかると、さらにピリリと来る演出で、印象的に思える。これだけの掌に、ちゃんと光を当てられる照明設備があるのは、新国ならではのことであろう。ケンジの掌に、それが当たっていなかったのは、どういう意図であったか不明だ。暗転の前、全体合唱になったときも、ケンジは歌っていない。舞台人にはその方面の方が多いのか、オカマ系の人物が数多く出てきたのは、どういう意味があるのだろうか。中井英夫とか、島田雅彦とか、両村上とか、現代文学の視点でみれば珍しいことでもないのだが、必然性は感じられない。ひとつ指摘したい点は、ケンジとアゲハの関係が、順調に進みすぎるということであろうか。「夕鶴」では、ライバルの女は現れないが、その意味あいを理解できない夕鶴にとって、オカネが与ひょうをたぶらかすライバルのような存在として見えてくる。そのため、夕鶴は必死になって機を織ることになり、かえって墓穴を掘ってしまうのだ。アゲハの場合、お金の問題は、むしろケンジのほうを悩ませるので、アゲハ本人からみて、ケンジをめぐる敵がいないことになる。そこが、筋として甘さになるのではないか。本気でやろうと思えば、ルビーやミッチを、その位置におくことができたはずだ。ルビーは、ケンジをめぐってアゲハとライバル関係になることで、かつての輝きを取り戻すことができるのではないか。ミッチに関しては、最後の幕でアゲハと対峙するシーンがあるが、すぐにアゲハのことを認め、自分のこころを隠してしまうので、ついに最後まで本性を見せないで終わる。彼は、明らかにケンジに想いを寄せている。過去のことが舞台上で再現されたり、テレビ的な操作も交えながら、自由に舞台を使いきるアイディアは、神田の独壇場である。演奏会26日、青いサカナ団の歌劇「アゲハの恋」の上演を視聴した。今回は2度の公演で前日が初日に当たるが、こちらは2日目の公演である。全体の印象としては、とても素直な作品で気に入った。「アゲハの唄」が、妙にこころに刺さってきて・・・。そのイメージが強すぎた感はあって、「ア・ゲ・ハ!」というシンプルな音楽的素材が、あまりにも効果的すぎるために、他の素材に対する印象が薄くなってしまったことは残念だった。(私には信じられないことだが、)あの「アゲハの唄」が気に入らないという観客がいたとすれば、この作品は成り立たなくなってしまうのだから、大変な問題だろう。この「アゲハの唄」は、第1幕、子どもたちが捕まえたアゲハ蝶を放させる代わりに、主人公のギタリスト兼作曲家、ケンジが子どもたちに聴かせるために生まれた。その後、人間の姿になって現れたアゲハに求められて、アゲハの声も交えながら2回目を歌い、最後の場面では、ケンジと子どもたちとの合唱、そして、全体合唱に発展していく。中心となるモチーフが、「A・G・E・H・A」音でつくられているという。曲調はミュージカル風の軽めの音楽で、アゲハのひらひら感がでた佳曲であるが、まあ、ありふれている。確かにありふれているのだが、神田は、そういうありふれた素材を、臆面もなくオペラの中心部分に据えている。このことだけをとっても、この作品はとても大胆であるといえるだろう。先ほど言ったように、「アゲハの唄」が気に入らない観客がいたら・・・とか、そういう心配ごとをはじめから切り捨てたところで、神田は創作しているのだ。この作品は、相当にリスキーなのかもしれない。プロットが他愛もない、現実味がない、オペラとしては軽すぎる、ミュージカルとしては退屈、劇としては言葉が聞こえにくい、あんなものはクラシックの歌じゃない、紋切り型だ、下らないパロディで塗り込められている、ユーモアが古くさい、新しさに欠ける、作品のフォルムが決まらず折衷的、メッセージが曖昧、何が言いたいのかわからない・・・予想できる批判はいくらでもあるから。それらの批判のどれもが当てはまるとしても、私は、そのことによって、この作品を語るということは、まったくナンセンスなように思えてならない。いって、ほぼ全ての素材が借りものだけで固められた、この作品を、神田がなにゆえ創ったのかということについては、まったく疑問がないといえば嘘になるだろう。この作品を語るのはすごく難しいから、とりあえず、書きやすいことだけを書いておいて、少しずつ加筆していくつもりだ。この作品は、こころをきれいにして聴きたい作品だったと述べておく。私もまた大人の手垢にまみれきって、アゲハのような、清らかなこころはもたない者だ。この作品と一緒にいる間は、それでもきれいな部分が残っていると思っていたい・・・そう思わせる作品だった。いって、この作品は人間のきれいな部分だけを描いた作品ではない。主役のケンジだけをみても、欠点ばかりが目立つ。与えられた仕事に対して真面目さがないし、すぐに逃げ出して周囲に迷惑をかける。喧嘩っ早く、我慢がきかない。子どもに捕らえられたアゲハ蝶を放してやりたいと思うような、小さなやさしさと、素直な歌の清らかさだけが、彼の価値を引っくり返してしまう。彼はドン神呂の言うように「クズ」にすぎないのだが、アゲハは、ケンジのよい部分だけを徹底的に信頼している。いう彼女が味方につくと、「クズ」はたちまち宝となるのだ。ケンジ役の秋谷直之が、素晴らしかった。カラフのときもそうだったが、高音が伸びないなど、歌の巧さということでいえば、さほどでもないとは思う。真面目に歌ってくれたし、欠点だらけであっても、クズなんかではなく、一生懸命に自分の人生を生きているんだという、ケンジの姿を体当たりで演じきってくれた。神田作品では、去年の「僕は見た、満開の桜の樹の下で」でもそうであったように、歌手の頑張りというのが、歌の良し悪しとかそういうものを越えて、ダイレクトに観客に伝わるようになっているのが大きな特徴だ。彼に、少しでも照れのようなものがあったとしたら、この作品はもう成り立たない。「演じる」という意識があれば、嘘くさくなる。役の存在を信じきって、まるで、そこにいる人間に乗り移るような気持ちでなければ、神田の作品は歌えない。それはどの作曲家の作品でもそうなのだが、神田作品では特にそうなのだ。秋谷の場合、私はカラフを歌っていた彼とは比べようもないほど、素直に自分の歌をうたっている感じに思えたものだ。カラフのときが駄目だったのではない。あのときだって、たとえ「誰も寝てはならぬ」の出来が芳しくなかったとしても、姫に迫っていく秋谷の姿は凄かったのだから!しかし、このことは、秋谷だけに限ったことではない。各役の集中力が高く、ふざけるにしても、怒るにしても、まったく手抜きがない舞台で感心した。声がきれいなこともあるが、ケンジとの関係で難しい役柄だったミッチ(ケンジのマネージャー)を演じた中西勝之は、この劇に欠かせない存在だったと思う。私から言わせると、すこし慣れすぎているのが、役をつくりものにしている。神呂の持木弘や、演出家&モグラ役という中村靖のほうが、新鮮な演技をしていた。秋谷もそうなのだが、むしろ、正統派のオペラのなかで一途に生きてきた人のほうが、この作品にあっている。中西もその部類であるし、その演唱も高く評価した上での話だが・・・。アゲハについて述べよう。ヒロイン、つうと比べてみると、アゲハは、恩人であるケンジに何かを与えるものではない。アゲハの役目は、羽をむしって織って反物にして、与ひょうにあげるということではない。ケンジの歌を無条件に認めるものとして、傍に置かれるだけ。それだけで価値があるのだ。彼女は一方で、ケンジに悩みをも与える。アゲハといることで思いつく愛の歌は、売りものにならないという点について。生活のために曲を書けば、自分のなかで何かが壊れる・・・とケンジは言う。これは、与ひょうも感じなければならなかったことであるが、ケンジのほうはそれに気づくのだ。気づいても何もできないのであるが。何もできないとはいえ、与ひょうのように、ケンジがなにか致命的な失敗をするわけでもないことに、注目したい。それなのに、アゲハは消えていくことを免れないのだ。ここが、このオペラを観ていて、唯一、疑問が解けなかった場所だった。いうことだろう・・・アゲハが成長したのだ。「夕鶴」は、与ひょうが約束を破るので、元も子もなくなる話である。つうは与ひょうから助けてもらったが、それ以上は何も得られずに衰えていく。「アゲハの恋」では、アゲハは成長して飛び去っていく(プログラムには、地中に消えていく、とある)。羽の生えていなかったアゲハは、なぜ成長したのだろうか。その点は、すこし不明確であったかもしれない。時間の経過という要素もあるにはあるが、これもまた、多分というにすぎないのだけれど、要するに、ケンジの歌のせいではないかと思う。アゲハは、ケンジの歌が生み出し、また、育てたのであるとすれば、一応の説明はつく。角野圭奈子(アゲハ役)は、ここ数年のヒロイン、飯田みち代や並河寿美と比べると、やや劣るかもしれないが、秋谷同様、素直な演唱で雰囲気をつくったのも確か。主役の一角として、大きな不満はない。第2幕で、ケンジがふて寝してしまったあとに歌うアリアは、とても大事な部分だっただけに、いますこし納得のいくものであってほしかった。言葉をはっきりしてほしかったし、アゲハとしては、声の出し方も響きが多すぎて、重すぎるように思う。これには、私の好みの問題もあるかもしれないが。役柄の漠然たるイメージからリリコ・レッジェーロ系だと思っていたし、実際の上演の印象からしても、そういう歌手がうたうべき役とみたが、角野の場合、力の入る部分では芯のつよいドラマティコ系の声であり、すこしイメージに合わない感じもあった。いっても、神田の音楽自体は、得意とするプッチー二系の柔らかみとゴージャスさを抑えて、ドイツ系のがっしりとしたベースを作ろうとする意図が中心であったから、彼女の選ばれたのは、あながちハズレとも言えないのだが。「アゲハの唄」のほとんど童謡のような、スッキリした軽さからすると、そうしたベース・ラインに着いたときに、ああした広がりのある声で正面から対抗するのではなく、すっと遠くに声を伸ばしていくような歌い方のほうが、自然だと思う。声があっていなかったといえば、蔵野蘭子(ルビー役)だろうが、そういうのは表現が適切でないだろう。私は、この役の難しさにも注目する。蔵野は多分、もっと歌えたはずだとは思う。彼女は明らかに抑えていた。いうのは、ルビーは当代一の人気歌手といっても、すこし落ち目にあるせいだ。いうのは、後半で、神呂にあしらわれる場面でわかる。ルビーは大歌手でありながら、多分、もう自信がないので、囁くようにしか歌うことができない。唯一、共感できるケンジの歌も、十分に歌いこなせないでいるし、しっかりと歌う力もなくなっている。ルビーのことを本当に理解したとしたら、格好よく歌ってはいけないとわかるのだ。それでは、オペラの舞台では評価されないかもしれない。蔵野ほどの歌手が、そこを我慢しているのが凄いことではなかろうか。最後のほうで、すこしだけ見せ場はあるのだが。このあたりで、中締めにしよう。そのことは間違いないし、あとのエントリーで、もうすこし意見をまとめたいと思う。ひとつ感じたのは、繰り返しやることの大切さだ。オペラというものは、上演を重ねないと良い作品に育たない。神田の作品は、今日、スタンダードな演目として知られるものと比較しても、応分のエネルギーをもった作品ばかりだ。残念ながら、その上演はこの小さなカンパニーに限られ、作者の手をはなれて育てられていくような環境にはない。そのことに対する、深いフラストレーションが、この作品に脈打っているのは確かではなかろうか。今度、2回上演となったのも、そのことに対するせめてもの抵抗であったのかもしれず、アゲハのテーマが、執拗に繰り返されたのもなにかを暗示するのかもしれない。使い捨ては、人間と、作品を疲弊させるだけだ。アゲハがいなくなったら、次の女を捜すというわけにはいかない。ケンジは、そのことを歌っているのだ。思ったようにアゲハが現れないとしても、彼はこの唄を大事に育て、歌いつづけていくだろう。彼はついにプー太郎となってしまったが、それでも、ゆっくりと彼女を待つつもりでいるようだ。エピローグは、アゲハの仰々しい最期と比べると、あまりにも爽やかなのだが、ケンジの新たな決意の表明としては、いかにも相応しい。ケンジとともに歌うことになる、街いく人たちだって、できるなら、そうしたいと思っているはずだ。少なくとも、神田(作者)はそう信じている。いう意味では、すこしだけ悪ノリの作品という面はあるかもしれない。私はそういうメッセージの中にも、神田慶一という男が、どれだけ一生懸命に、自分の作品に取り組んでいるかを感じ取るのだ。これは決して、皮肉屋のひがみごとではない。ケンジは待つことを憶えた。その立場をポジティヴに捉えている。彼の才能に、いつ時代が追いついて来るのか、私は楽しみでならない。そのときまで、鳥のさえずり、木の葉の囁きが、聴こえていればいいが・・・。“AutoPage”AutoPage最新お知らせ。