コンポーザー・ピアニストの場合、楽譜を視覚的に読んでいって、指に覚えさせていって、「弾けました。表現を考えて弾いてみましょう」のような手順を踏まないような気がする。最初から頭の中にサウンドが鳴っているのではないだろうか?視覚的に「ドね。次はミとソね・・・」のような感じではなく。我々の場合、実際には視覚的に音は読んでいく場合が多いのだろうが、コンポーザー・ピアニストたちの練習手順のようなものは参考になるかもしれない。曲をどう仕上げていくかみたいなこと。0△top右脳と左脳の入れ替えもしコンクールで前のバッハのような演奏を繰り広げ、続いてこのようなエチュードを聴かせてくれたら、「あっ、この人優勝候補かも」と一次予選の段階で思うだろう。音が集中していて生きている。機械のようではない、つまりただ音を並べない、これが難しいんですよね。一応ショパンのエチュードなんかもレッスンで弾いているけれど、まるで自分のは機関銃のような?このような悩みを持つ人は多いのではないだろうか?音並べ演奏の一因として、同じような音しか出せないというものがある。それを自覚していない。移動と同時に弾いてしまうと、音としては「バシン」「ゴツン」のような粗雑な音しか出せない。これではどんなに心を込めても機械的な演奏からは脱せないかもしれない。素早く効率的に移動し、弾く瞬間よりも前に鍵盤上に指が達していないと、なんだかな・・・という演奏になってしまうような気がする。曲でも移動、動作は機敏に・・・という感じ?打鍵の一瞬前に「気を入れる」みたいな?移動と同時だと間に合わないんです。このあたりは、もろ「弾き方」みたいなことになるから、実際には先生から学ぶしかない。先生自身の演奏が音並べで、バシン、ゴツンのような演奏だったら?そうなると難しいよね。「まっ、アマチュアの私とデミジェンコとを比較する方が間違い。普通はそうなるだろうし、才能も違うのかもしれないが、「あっ、素敵な演奏」と自分が感じたのだったら、それを打ち消す必要はないと思う。素敵を追い求めないとピアノはそこで終わってしまうような?まずは「バイエル」を弾いてみる。ドミソドミソとかドソミソドソミソのような伴奏型の曲。左手のドミソドミソに右手のメロディーを無意識に合わせていませんか?モーツァルトのソナタ、左手の刻みに右手のメロディーとか音階を合わせていませんか?チェルニーも左手の刻みに右手のパッセージを合わせていませんでしたか?実は導入段階から、そのように弾いてきてしまったのかも?右脳と左脳を入れ替える・・・みたいな発想転換をしてみる。Op.10-4」という左刻み典型の曲をどう弾いているだろう?右脳と左脳を入れ替えてみる。0△top音型美と音力コンクールでの第一関門、つまり一次予選、ほとんどのコンクールでは「バッハ」「エチュード」が課せられているような気がする。音大の入試なども同じ。これって指が動くとか、そのような面を聴くというよりも、特に国際コンクールの場合、基本的な音力を判断しているのかなとも感じる。バッハ、例えばプレリュードとフーガみたいな曲の場合、同じ音型の連続であったりする。中間部でショパンのようにカンタービレで歌うとか、スクリャービンのように幅のあるダイナミクスによる魅力で圧倒するとか、そのような音楽ではないので、音の質、根本的な音力、目力ならぬ音力が必要となってくるのでは?「いつも同じパターン」という難しさ?華やかなコンチェルトの競演である本選よりも、むしろ「バッハ」「エチュード」の競い合いである一次予選を聴くと、いろいろと感じることがあるかもしれない。ドレとドソではエネルギーが異なる、長い音符と短い音符でも異なる。休符は単なるお休みということ?つまり音の連なりのシェイプを感じ取り、表現できるか?まさに導入期でなされるべき基本的なもの、それが顕著に表れるのがバッハであり、エチュードなのかもしれない。ドライな音質でポツポツと・・・丹念にさらい込みました・・・このようなバッハって「沢山練習しましたけど何か?」的なものを感じてしまう。音そのものに威力というか、魅力が欲しいし、音型の美をサウンドとして感じないと聴き手は(僕は?)「だから?」と思う。日本人の演奏って、パラパラとよく弾けるし、ミスもないけれど、なんだか心に響かない、このようなことは大昔から言われてきた。それは、西洋音楽の歴史がないとか、文化の違いとか、控えめな国民性とか、そのようなことが根本にあるように言われてきたように思う。したら、導入段階から「音型美」「ドレとドソの違い」のようなものを感じ取り、実際に表現するというものが落ちてしまっていることが要因なのかもしれない。「感じ取り表現する」ということは、上級になってから、一応弾けてから・・・みたいな風習が根付いてしまっているからかもしれない。ロシアの中堅どころ・・・という感じのピアニストだろうか?デミジェンコは剛腕というイメージのピアニストが多い旧ソビエト出身のピアニストの中では、リリカルな魅力を感じるピアニストだ。この演奏、音力があり、音型美に満ち溢れているように思う。禁欲的にポツポツと・・・ではなく音が生きている。0△top有名とか無名とか前記事の動画、「巴里で4月に」の演奏、ワイセンベルク本人ではなく、実はアムランの演奏。悪くはない演奏だと思う。最初はワイセンベルク本人の演奏だと思って聴いていたので、「自作ということからか、随分サクッとラフに弾いているな」という印象を持った。繰り返すけれど、アムランの演奏も悪くはない。ワイセンベルクのような音の集中力、クリスタルクリアなトーンに欠けるな・・・と。お気づきだと思うが、僕はアムランの演奏に、あまり魅力を感じない。嫌いとか、受けつけないとか、そのようなことはないのだが、一部の人たちのように、彼のことを神様のように崇めるということはない。逆に、技巧だけのバリバリ派だとも感じない。普通の良質のピアニストなのではないだろうか?個人的には好きでも嫌いでもなく、普通・・・と感じる。アムランは有名なピアニストだ。有名になる理由も分かる。別に彼が有名でも不満などない。この「有名」というところの捉え方だが、例えばサークルの打ち上げなどで、ピアニストの話題になった時、特に注釈が必要でないピアニストというように僕は思っている。アルゲリッチに対して、何かしらの説明をしないと人は分からない・・・ということはない。キーシンに対しても「子どもの頃天才少年として話題になって・・・」とか説明は不要だろう。アムランも説明不要の有名ピアニストだと思う。「カナダ人でね、超絶技巧を要する曲とか得意としていて・・・」などという説明は不要。彼らは有名ピアニストだから。アムランも最初は(日本では)無名だった。熱烈でディープなファンが招聘したのではなかったか?「こんな凄い人も世界にはいるんだよ」みたいな?難渋現代曲、誰も弾けなかったような曲を颯爽と演奏するアムランは有名になったし、一部ファンは神格化しているのではないだろうか?サンドロ・ルッソというピアニストをご存じだろうか?この人も日本にディープなファンが存在していて、彼らが日本に招聘したことがある。アムランは順調に有名になったが、ルッソさんは有名と言えるだろうか?ツィメルマンやユジャ・ワンと同じような感じで会話中に「サンドロ・ルッソって・・・」と彼の名前を出したら、まず「誰?サンドロ・ルッソ?知らない・・・」となるのではないだろうか?アムランやポリーニは有名なのだ。サンドロ・ルッソは(日本では)有名ではない。○○音大卒の人は優秀で、地方の△△音大卒の人は二流・・・そのようなことはないだろう。学校ではなく人によるのではないだろうか?同じように有名=名演、無名=冴えない・・・みたいな先入観だけは持ちたくはないような気がする。「巴里で4月に」の演奏、個人的にはアムランの演奏よりも、このサンドロ・ルッソの演奏に魅了される。くどいようだがアムランの演奏が悪いということではないが、個人的には彼よりもサンドロ・ルッソの演奏に惹かれるということだ。