「ピアチェーレ」代表の私的ブログピアノが弾けなくなった時なんとなくピアノに対してのモチベーションが上がらない、キープできない、弾けないわけではないけれど、弾きたいという感じでもない。こんな時って誰にでもあるだろうし、贅沢な悩みでもないのかもしれない。生活上の、そして人生においての浮き沈みのようなものはあるしね。大人だってそうなのだから、子どもだってそうだろう。「辞めます!」・・・たしかにピアノ教室の先生としては、そのような思いになるのかもしれないが、生徒もだが、先生も「辞めます」というよりは「中断します」と捉えたら何かが変わるのではないかな?「辞めないための工夫」というよりは「○年後の再びの時のための工夫」がより重要になるというか。「お嫁さんになって母親になってからも、また先生に習っていい?」と言われて、「そう?では15年後の3月の予定は?レッスンは何時にする?」なんて考える先生はいないだろうし、再開するにしても、自分ではない別の先生と出逢うであろうことは想定するであろう。それでも「中断します」ではないだろうか?誰にでも「弾けなくなる日」は必ずくるのだ。ピアノを弾きながら呼吸が止まるなんていう人はいないのだから。弾けなくなったと自覚した時、それまでのピアノ人生を振り返るだろうと思う。したくなくても走馬灯のように駆け巡るだろう。弾きたい、でも弾けない、このような苦渋を味わった人が実際にいたのだと知るだけでも、「自分は何をやっているのだろう?」と思う。思うだけで何も行動はできないが。時間だけが過ぎていく・・・それだけは感じることができる。2フィレンツェ時代の原智恵子の教えを受けたピアニストに中井正子がいる。彼女は当時藝高に在学中だった。「感受性の高い若いうちに留学した方がいいわ。私はパリ音楽院がいいと思う」この原智恵子の言葉が大きかったのだろうか、中井正子はパリに留学するのだ。勇気あるなぁ・・・などと思う。彼女がフィレンツェの小さなサロンコンサートで演奏した時、原智恵子は聴いていた人々に「ねぇ、あの子の演奏はどうだったかしら?」と尋ねていたという。「私は原先生の意見だけ訊ければいいのにな・・・」そのことを伝えると、原智恵子はこう言ったのだと言う。「あなた、演奏家というのはね、人がどう感じたのか知らなければいけないの。人がちゃんと聴けているかとか、正しいとか正しくないとかは関係ないの。自分が弾いたものに対して相手がどう思ったのか知っておきなさい」この言葉は演奏というものについての本質を突いていると僕は思う。デュオ・カサド、つまりガスパール・カサドの共演者として、原智恵子はヨーロッパ中で再び活躍することになる。カサドの教えは相当厳しかったらしい。演奏することはあった。先のショパンの協奏曲も日本での演奏だ。これは想像だが、日本の楽壇の重鎮たちの態度も変化していたのではないかと。「生意気な女」として排除することができたが、今は、あの大物、カサドの夫人、マダム・カサドなのだ。手のひらを反したような扱い・・・とまではいかなくても、その変化を原智恵子は感じとっていたのではないかと。「夫や子どもを捨てた鬼女」そのように日本では言われていたが、離婚の真相は夫の女性関係にあったらしい。その辛さをカサドに伝えると、彼はこう言ったのだ。「じゃあ、僕と結婚する?」と。厳しい音楽家としての夫、愛情を注いでくれた夫でもあったカサド。「61歳まで独身を通してきた私は独身主義者だと思われてきました。この度の結婚について世間が驚くのは無理のないことだと思っています。世間が驚く以上に私がチエコを知って驚いたのです。チエコが結婚の優しさを私に教えてくれました。20年早かったら・・・と残念に思います。1もしウィリー・カぺルが事故死せず、そのままピアノを演奏し続けていたら?そんなことを想像しても仕方がないのかもしれないが、ピアニスト系図のようなもの、伝統の伝承のようなものが異なり、今のピアノ界も変化していたのではないかなどと思う。視点を日本という国に移してみると、カぺルのように、つまり、もしこのピアニストが日本で演奏活動を続けていたら、今の日本のピアニズム、ピアニスト系図のようなものも著しく異なっていたのではないか・・・そんなことを思わせるピアニストが二人いる。したら、権威とか狭い意味での頑ななアカデミズムのようなものに反発し、独自のものを発するような勇気、これは男性よりも女性の方が発揮することがあるのでは?つまり女性の方が勇気があり、男性は権威とか体制というものに、少し弱い面がある?神戸で生まれるが、完全にパリ仕込み、幼い頃よりパリで暮らし、パリ音楽院でラザール・レヴィの薫陶を受ける。そのままヨーロッパで活躍するが、戦争の影濃くなると、日本に戻る。原智恵子にとって、日本は母国というよりも異国そのものであったのではないだろうか?当時、鮮烈なまでのピアノ・・・と聴衆は感じたはずだ。人気ピアニストのトップの座に君臨し、日本で演奏活動を続ける。原智恵子は東京の掟に従わなかった。パリ時代の自分を通してしまった。聴衆の心は掴んだが、音楽のためならば、大物男性にも物おじせずに自分の意見を言ってしまったのだ。楽壇からは当然反発がある。「原というピアニストは女のくせに生意気だ」「あの女はそのうちに力を持つようになる。原智恵子というピアニストの人気が大衆に浸透するほど、「いじめ」に近いような圧力さえ加わるようになった。師、レヴィやコルトーと日本で接し、パリを想い出す。「ああ、パリ、あの頃は良かった。ここでは自分は疎外されてしまうのだろう?でも自分の音楽を曲げることはできない。「子どもを捨てた鬼のような女」当時は週刊誌などで相当叩かれたらしい。1959年4月、ある二人の音楽家の婚約が日本の各新聞で報じられた。二人はイタリア、フィレンツェで新生活を始めることになる。0△top音楽ってサウダージ「私って人生の勝ち組!ホホホホ・・・」と自覚している人ってどれくらいいるのだろう?高級住宅地に住み、夫は官僚。カリスマ主婦として時折取材だってされるのよ、そう私はセレブ、私は勝ち組・・・そんな人はいないんじゃないかなぁ。反対に「私って負け組だから・・・」と思って暮らしている人も少ないんじゃないかなぁ。人って、それぞれある。蝶よ花よ・・・でもないけれど、不幸な感覚に自己陶酔しているわけでもない。どんな感じ?「まぁ、それなりにあると言えばあるけれど、それなりに懸命に・・・」という感じではないかな?サウダージというポルトガル語はなかなか日本語に訳すのが困難な言葉なのだそうだ。哀しみ?郷愁?そうなんだろうが、それだけでもないようなのだ。「今は幸せ・・・かな。過去を想い出すと、胸が痛くなることっだってある。不幸なの?哀しいの?そうではない。した後悔みたいなもの?あの人に愛していると伝えられなかったとか?でもそんなことを想い出せる自分は不幸ではない。超ハッピー♥なんて単純なことでもない」みたいな?音楽みたい・・・などと思う。「楽しい曲なんです」「悲しい曲なんです」なんて単純に分類できないような?長調でも明るいだけではない曲って多い。胸がキュンとしてしまうような?日常生活の中での心の隙間に入り込んできてしまうような?小さなサウダージを感じさせてしまうような?どうしてピアノなんか弾くのだろう?教養のため?時間が余っているから?高級そうな趣味だから?上手になって人に自慢したいから?サウダージを感じたからピアノを弾いているのでは?胸がキュンとして、微かな痛みさえ感じた。単純な人生を歩んでいる人なんていないから、心の隙間にサウダージとして音楽は入り込んでくる。「ああ・・・」とだけしか言えない。弾くのではないかな?カルロス・ガルデルの曲に「想いの届く日」という曲がある。ガルデルはレ・ペラと組んで多くの名曲を残し、そして歌った。・ペラの詩の世界とガルデルのメロディーは調和しているように思う。この曲は映画の中の曲だ。ガルデル主演の映画「想いの届く日」の中で、ピアソラ少年は新聞少年の役で出演している。「君、僕の楽団で弾いてみないか?世界中を周るんだ」ピアソラ少年は、両親の反対にあい、参加できなかった。ピアソラは生き残ったのだ。・ペラ、そしてガルデルの乗った飛行機が墜落するのだ。生き残ったピアソラはタンゴの革命児として飛翔していく・・・アルゼンチンではガルデルの命日を「タンゴの日」と呼んでいるのだそうだ。明るい曲?短調ではないね。明るいというのとは違う。歌っているのはアルゼンチンの歌手、ファン・カルロス・バリエット。基本的にこの人はロック歌手ということになるのだと思うが、ガルデルやユパンキの曲を歌うと、サウダージになるような気がする。嫉妬深い星たちが私たちを見るだろう神秘の光が君の髪に宿るのだ君は僕の慰めなのだ。2△topピアノでタンゴまぁ、現実には絶対にあり得ないことだと思うが、メゾソプラノの方から伴奏を依頼されたと仮定して、弾きたくないなぁ・・・と感じるのが、カルメンの「ハバネラ」だと思う。楽譜そのものはそれほど難しくはないのかもしれないが、あの同じリズムの連続、大変そうだなぁ・・・と。あの独特のリズムそのものが大変そう。タンゴ、この場合はアルゼンチンのものを想定するが、タンゴをピアノソロで弾くというのも、相当難しいことなのではないかと想像する。ピアノの場合、最もよくあるのが、ピアソラの曲をピアノソロ版で演奏するというケース。ピアソラが、いくら「タンゴの破壊者」だとしても、やはり難しそうだ。タンゴって、踊りに非常に密着しているような?非常に短い間隔で、強い律動がある。「ザッ!ザッ!」のような?アルゼンチン・タンゴの楽器と言えば、それはピアノではなく、バンドネオンということになろう。あの独特の強力な律動は、バンドネオンに相応しい。アルベルト・ニューマンというブラジルのピアニストを知っているという人は少ないように思う。ラテン好きの人しか知らないような?この人は非常にピアソラに可愛がられたのだそうだ。彼のバンドでピアノも弾いていたのかもしれない。後にヨーロッパでミケランジェリにも師事する。う~ん、ピアソラとミケランジェリって、どう結びつければいいのだろう?アルベルト・ニューマンのドビュッシー、かなり個性的かもしれない。ミケランジェリの弟子ということで、なんとなくドビュッシーと結びつく感じなのだが、その演奏は非常に「印象派風の典型的モヤモヤドビュッシー」とは異なるような?僕などはドビュッシーの作品は苦手な方なので、かえって聴きやすいのだが。彼の本領発揮・・・という演奏は、やはりピアソラ作品ということになろうか?この演奏は、あの有名な「ラ・クンパルシータ」で、ピアソラ作品ではないけれど、タンゴ独特の短い間隔での律動にも動揺せず(?)見事に弾き切っているように思う。ピアノでベルカントオペラのアリアを歌うように、長く、メロディーラインを引っ張っていくことは難しいことのように思うが、反対に短い間隔で律動を入れていくのも難しいように思う。0△top返事を期待しない後世の人への手紙2月25日の自分のコンサートまで、あと約4ヶ月。本当は必死に練習している時なのだろう。いや、練習はしているが、今ひとつまだ実感がないというか?もう少し経てば「自分は何という大それたことをしようとしているのだろう?」などと感じるのかもしれないが。なにぶん、すべてが初めての経験なので分からないことだらけなのかもしれない。来月のピアチェーレ、その時弾く曲と2月のコンサート、曲の重複が一曲もない。積極的に「頑張ろう」と思ったわけでもなく、たんに計画性というものが僕に欠如していたということなのだろう。僕は事務能力というものが、著しく欠けているような気がする。キャンセル待ちの方を募るという、普通ではないことをしているのも、間際で焦ると思ったから。間際になると演奏のことで一杯になり、「その日は残念ながら聴きに行けなくなりました」というメールが来ても、「ああ、残念だな」と思うだけで、何もしない可能性がある、なので、少しでも余裕のある時に、考えておこうと思うのだ。年が明けたら、申し込んで頂いた方に確認というか、正式な曲目などをメールさせて頂きます。会場までのアクセスとか、正確な時間とかもですね。曲目は、でも大体は決まっている。今まで人前で弾いてきた曲の総決算(?)という感じかな?是非ラテンの曲はプログラムに入れたいと思っている。あとは、ショパンとリストとか。ブラジルってクラシック音楽が非常に盛んなのだろうか?とても素晴らしいピアニストを輩出しているような気がする。往年系では、タリアフェロとかノヴァエスとか。日本での知名度は今ひとつだが、アメリカではスターであるオルティスとか。国際コンクールの賞命中率(?)はブラジルよりも、日本の方が高いのではないだろうか?音大の数なども、ピアノを習っている人の数も、セミナーの数なども。表面的には日本の方がピアノが盛んであるイメージを持つ。立派なホールで毎日催されるピアノリサイタル・・・うん、ブラジルよりは盛んなのだろう。アントニオ・バルボーザ、彼もブラジルのピアニスト。アラウのお弟子さんだったと記憶している。この人は、ショパンの演奏に定評があった。彼のCDは、おそらく非常に入手困難だと思うけれど、でもユーチューブで聴けてしまうんですねぇ。個人的にはマズルカ全曲がこの世のものとは思えないほど素晴らしい。興味のある方は是非是非聴いてみて頂きたい。この演奏は、バルボーザのヴィラ=ロボス。第4番」の全4曲を弾いている。僕にとってはバルボーザ=ショパンなのであるが、このヴィラ=ロボスも非常に素晴らしい。ヴィラ=ロボス自身、自分の曲に関して、こう述べている。「私の作品は返事を期待せずに書いた後世の人々への手紙である」バルボーザ、本来はもっと有名になっていたはずだ。彼は心臓発作で、たしか50歳の若さで亡くなってしまった。50歳・・・僕と同じ齢ではないか!できることは、いや、できないと思ったことでも、挑戦可能なうちにやってみることだ・・・そう思う。ちなみに、2月のコンサートではヴィラ=ロボスは演奏しない。0△topブラジルのショパン幼かった頃の僕は、世の中の人は皆ピアノを弾くものだと思っていた。世の中の人は自然に鍵盤に向かい、即興的に何かが弾けるものだと。ピアノのレッスンを受ける、ピアノを習うということは、その即興演奏のようなものを伸ばしていくものだと。実際は違っていたわけだ。楽譜を読むということに慣れなかった。「もうちょっと練習してきてね?本当にお願い・・・」そう言われてもレッスン課題(バイエルですね)を練習することはなく、即興演奏で遊んでばかりいた。読譜ができないと、家で何を練習すればいいのか分からない。練習はレッスンで先生と一緒にするものとなっていた。それはそれで先生も感情的になるし、苦痛だったから、練習すればよかったのかもしれないが、何をしていいか分からなかった。その曲を「弾きたい」という欲求そのものが皆無でもあった。導入指導のコツ、それは読譜能力を養うことではないかと思う。練習しない子どもって、「しない」ではなく「できない」「何をすればいいのか分からない」という可能性がある。「ああ、弾いてみたい」というようになったのは、やはり医大生に音楽や偉大な演奏を紹介してもらってから。いう大変に折り目正しい演奏をするピアニストのレコードを所有していた。そのレコードには収録されていた曲の縮小版全音ピアノピースが付録(?)としてついていたのだ。ワイマンの「銀波」とかランゲの「花の歌」とか、そのような曲を弾いてみた。自然と読譜もできるようになっていったと思う。「一応弾けた!!!」何という喜びだっただろう。その成果をレッスンで披露することはなかった。「弾けるわけないじゃない!」と拒絶されてしまったので。今思えば、レッスンではバイエルを片手でも弾けなかったわけだから、無理もないと思う。「一応弾けた」という喜びもつかの間、模範演奏のレコードの演奏と、自分のそれとは、何か大きなものが異なっているように感じた。「ピアニストの演奏なんだから当たり前じゃない?」と思えばそうだが、自分の演奏はバシャンバシャンしていて、ただ弾いているような気がして、それがイヤだったのだ。最近ユーチューブで中村紘子のレッスンを見て感慨深かったことがある。彼女の指摘、「バタバタしない」「指先に音を集めて」「同じフレーズ内の響きとして散漫なものにしないために同じ動きの中で」「入れて抜く」・・・このようなことは、自己流ながら、当時自分で研究していたところがあるからだ。音が散ってしまう、歌い方に抑揚がないというのが自分の欠点で、自分なりになんとかしようと思ったのだ。医大生の紹介してくれる演奏、何らかの影響はあったのだと思うが、それはそれとして具体的に自分のピアノというものと結びつけることは、それまでしなかった。感動でボーッとしていたというか?神西敦子の演奏は、清潔で折り目正しかったけれど、なんというか劇的印象を僕に与えるというものではなかったし、中村紘子のレコードから受ける印象は、音そのものは冴えていたけれど、曲によってはあまりにピアニスティックなところに多少の違和感を感じたりしていた。「アルプスの夕映え」とか、あまりに冴え冴えと演奏されていたから。そのような印象は、ショパンの作品の演奏からも感じたりはしていた。そんな時、なんとなく購入したレコードが、ブラジルのピアニスト、アルトゥール・モレイラ=リマのショパン名曲集。「まあ、なんと渋い趣味なの!」という感じだが、そのレコードは日本で録音されたもので、来日公演の際に録音されたものではなかったか?今では知る人ぞ知るという感じのピアニストなのかもしれないが、1970年代当時は、今よりは日本でも有名だったのではなかったか?ショパン・コンクールで第2位となっている。アルゲリッチが優勝した時の2位。いてみたいと思ったのだ。当時の僕に感じさせる魅力がモレイラ=リマの演奏には備わっていた。した音、どうすればいいのだろう?散らずに散漫な音にならないためには?カンティレーナの部分、どうしてこのように歌えるのだろう?ブレスの際に力を肘ではなく、手首から抜いてみたら?・・・とか、当時は未熟なりに、色々と工夫してみたものだ。「一応弾けた!!!」むろん、モレイラ=リマの演奏とは雲泥の差だっただろうが。自分の中でも先生に認められたいという気持ちはあったのだろうと思う。「自分で弾いてみたんです!」「ショパンなんて弾けるはずないじゃない?」そして僕のブログ愛読者(いるのか?)には有名な、例の楽譜ビリビリ事件。先生に楽譜を破られてしまったのだ。ピアノ教師という人たちに、今でも何らかのマイナス感情が僕にあるとしたら、この時の自分の体験は関係しているかもしれない。それよりも、あの時の火のような欲求、欲望と表現した方が近いような気がするが、「なんとなくただ弾くのではなく、モレイラ=リマさんのように弾いてみたい」という欲求に、自分なりに忠実になり、独自の工夫をしてみた、小学生だった僕を自画自賛してみたくなる気持ちの方が強いだろうか?「自分でやってみた・・・」これが30年後、ピアノを再開した時に、そして今でも役立っているように思えるからだ。ような存在である自分だけれど、触れるかもしれない、一瞬でもその中に身を置くことができるかもしれない、この胸の震えるような欲求、それが現在、ピアノを弾いている動機となっているような気がする。小学生の時からその部分では変わっていないのだ。その曲が弾けるようになりたい・・・それよりは、何かに自分でも触れてみたいと思う。0△topキャンセル待ちについて来年、2月25日の僕のコンサートなのですが、日にちも決定していなかった時から、数名の申込みがあり、その後、客席の定員を15名から20名に増やしました。有難いことに満席となりました。現在、キャンセル待ちの方が一名いらっしゃいます。「満席(20席)+キャンセル待ち一名」なわけですが、ふと考えてみました。申込みされた20名の方のうち、当日聴きに来られない、つまりキャンセルする方はどれくらいいらっしゃるだろうと。全員の方が聴きにいらして、キャンセル待ちの方は、今回は諦めて頂くという可能性もありますが、キャンセルが出る可能性もあるのかな・・・と。時期が時期だけに、インフルエンザ大流行だったりして、聴きに来られない方もいるのではないかと。病気ではなくても、どうしてもはずせない用事ができてしまったりとか。50000円のオペラのチケット・・・であれば、余程のことがない限り、聴きに行くでしょうが、無料のコンサートなので、急な私用(公用)で聴きに行かれなくなったというケースだって考えられる。何らかの理由で聴きに来られなくなった場合、できるだけ早めにメールフォームからお知らせ頂けると助かります。その場合、空いた席はそのままでも、無料のコンサートなので、経済的負担(僕の)は変わらないわけですが、なんとなく勿体ないというか。一名のキャンセルだった場合、もちろん、現在キャンセル待ちの一名の方にお知らせするわけですが、複数のキャンセルがあった場合はどうするか?その場合は、席を空けておけばいいのだと思いますが、それもなんとなく勿体ないような?キャンセル待ち募集・・・というのは、とても変な感じですね。「募集」ではなく、「受け付けます」という感じでしょうか?キャンセル待ちの方の場合、完全に申し込み順にキャンセルがあった場合、ご案内させて頂きます。キャンセル待ちの場合も、このブログのメールフォームをご使用下さい。キャンセルがあった場合、その都度このブログでお知らせしようと思っていたのですが、本番間際になりますと、事務処理どころではない・・・となるような予想をしています。一人でプログラムを全部弾くということは初めてですし、慣れていないので、演奏だけに翻弄されてしまうのではないかと思います。キャンセル待ちの方を募っておけば(?)キャンセルがあった場合、メールでその方にお知らせすればいいかと。本番間際にバタバタしないかと。全部自分都合なわけですが・・・しかしながら、「いつのまにか満席になってしまった」と仰っていた方もいるので、キャンセル待ちの受付は可能・・・ということをここでお知らせしておきます。キャンセル待ちの方には、少なくとも本番2日ぐらい前までには、状況(キャンセルの有無など)をお知らせしたいと思っています。キャンセルがあり、ご案内できるという場合は、その都度お知らせします。あと、お申込み頂いているハンドルネーム「もも」さま、メールフォームからではなく、コメント欄からのお申込みでしたので、御面倒だと思うのですが、再度「メールフォーム」からお申込みして頂けますか?むろん、現在でも申込み済ということになっていますが、メールアドレスが不明なので、こちらから会場アクセスとか、その他メールでお知らせできないので。0△topハイフィンガーという提起その昔、テレビで中村紘子のレッスンを放映していた時、たしか僕は大学生だったと思う。ピアノを弾くということとは無縁の生活だったし、無縁の世界にいたけれど、ピアノを聴くということは愛好家として生活の中にあった。NHKで放映されていた「ピアノのおけいこ」なる番組、実は子どもの頃から結構観ていた記憶がある。中村紘子のレッスンはそのような「ピアノのおけいこ」のものとは少し異なっていたように思う。先生ではなく現役のピアニストが・・・ということが違っていたと当時は言われていたし、なんとなく僕もそう感じていたように思うが、「実に具体的なレッスンだな・・・」というのが正直な感想だった、もっと違うものを想像していたのは事実だ。「深淵なるお芸術とは~」みたいな?全然そうではなかったのね。日本人ピアニストとか、優秀音大生の演奏に対して感じていた弱点のようなもの、その原因を、そのレッスンから感じとるとか、考えるということはしなかった。自分が弾いていなかったからだろう。過ぎ去ってしまったという感じだろうか?それから何年か経ち、中村紘子の「チャイコフスキー・コンクール」という本を読んだのだと思う。あるから出版後すぐに読んだのだと思う。日本人ピアニストを聴いて感じていた、ある種の物足りなさのようなものは、これだったのか・・・と。「ハイフィンガー奏法」なる言葉は、この本がきっかけで世に浸透したのではなかったか?「指先と鍵盤との関係が、常に真上からのものであるので、響きがポツポツと固く・・・」とか「音楽を自分の内面的欲求からというよりも、むしろ形式からつかんでいるようなところがあって、いうなれば音楽の輪郭を表面からなぞっているような感覚があり、もちろん表面上は音譜をきちんと弾いてはいるのだが、その音楽と演奏者との間になんの関わりあいも見出されないのである」のような、愛好家として感じていた日本ピアノへの不満のようなもの、その要因が巧みな文章で説明されていたように感じた。「ああ、そうだったのか・・・」むろん、この本が出版される以前にも、日本人ピアニスト、日本ピアニズムにおける、ある種の平坦さ、機械のようにノーミスに弾くが、どこか無表情、何を弾いても同じ・・・のような欠点は言われていたように思う。その根底には、文化の違いとか、宗教がどうたらとか、西洋音楽の歴史の浅さとか、はては日本人特有の恥じらいとか謙虚さのような、人種としての特有性のようなものとして語られていたように思う。「私たち、歴史も文化も西洋人とは違うから・・・」のような?「チャイコフスキー・コンクール」では一つの問題提起があったように思う。「そうだろうか?日本人の西洋音楽に対する基本的な感受性の有無に関することなのであろうか。それとも知性や感受性といったものを論議する以前の、ごく具体的に言って表現技術に類する問題なのであろうか?」と。それ以前に弾き方に問題があるのでは・・・と。想像だが、「あなたたちには決定的な西洋文化の歴史が不足している」とか「埋められないような文化の違いがある」のような、自分たちにはどうしようもないような(?)深淵で曖昧なことが起因であれば、まだいいだろうと。「弾き方に問題があるのでは?」ということだと、それまでの辛かったピアノ道をどう受け止めればいいというのだろう?楽しいことも我慢して、厳しい修練に耐えてきた。レッスンも頑張って、練習も頑張った。私は難関の音大にも合格した、でも感じる。「とても達者に弾ける。練習すればもっと弾ける。人を感動させたことはないし、自分でも自分の演奏には何かが欠けているのは自覚している。「弾き方」などと言われたら、「今までの私の苦労は何だったの?」と感じた人も多かったのではないだろうか?その時師事していた音大教授を恨む?過去に教えを受けた先生を恨む?自分を恨む?どう解決していったのだろう?さて、現代、中村紘子の「チャイコフスキー・コンクール」から30年近くが過ぎようとしている。具現化させるためにメカニックをどうテクニックとして連動させて・・・などの問題もクリアし、全国の音大では、かつての「平坦で無表情」とか「機械のようにノーミスだけれど、何かが足りない」とか、そんなことは過去のことで、麗しい音楽がレッスン室に鳴り響いている。人の心を動かしてしまう日本人の演奏は、西洋人など足元にも及ばないレベルになり、国際的に活躍する日本人ピアニストは数えきれないようになった。なっていない・・・ような気がする。現在もどこかの音大で悩んでいる優秀な音大生は存在しているのではないだろうか?ピアニスト、中村紘子の死、問題提起をする人がいなくなった・・・と感じる。0△top共通認識フィギュアスケート観戦をしていると、羨ましく感じることがある。最近の傾向なのかもしれないが、「いいスケート」「スキルの高いスケート」というものへの共通認識があるということが羨ましい。基礎点の高いジャンプをただ跳べば・・・ということではなく、質が求められる。流れのあるジャンプ、空中姿勢の美しさとか。ノーミスという観点でも羨ましく感じる。転倒があっても基礎スキルの高い選手の点数が高いのは、もはやスケート界では当たり前のことなのではないだろうか?このようなこと、共通認識が、スケート関係者だけではなく、ファンにも浸透していることが凄い。選手やコーチ、ジャッジだけの認識で、観客は置いていかれるということはなく、「美しいスケーティング」というものが評価されるということは、観客も認識している。ピアノの場合、このあたりが曖昧なのかも。そもそも「いい演奏」という観点が曖昧のような気がする。演奏」「ピアノ教師の演奏」「プロの演奏」「世界的なプロの演奏」・・・目指すものがいろいろあるような?学生らしい演奏って?よく分からない。世間的立ち位置によって目指すものが変化するという感覚が分からない。音符の少ないシンプルな曲だろうと、音大生だろうと、初歩だろうと何だろうと、「いい弾き方」というものは必要なのではないだろうか?スケートのように共通認識があるといいと思う。演奏を聴く、この時には○○奏法とか、あまり考えて聴いている人はいないだろう。その人の演奏、ただツラツラと過ぎ行くものなのか、多少の破綻はあっても、「えっ、素敵・・・かも?」と感じるか、このあたりはシビアに、というか、聴こえてきてしまうものではないだろうか?何かが存在しているのでは?感性とか音楽性とか才能というもの、そこに視点を移してしまい、「ああ、私は・・・」と考えるよりは、何かを伝えるには、基礎的な伝達方法というスキル、弾き方があり、そもそもの弾き方を習っていないのでは・・・と考えてみる。音符が並んでいるようにしか弾けない、その場合の問題は、感性とか、そんな曖昧なものではなく、実は「弾き方」なのかもしれない。ピアノにもフィギュアスケートのような、共通認識があるといいなと思う。本当は「弾き方」ってあるのかもしれない。共通の、どんな立ち位置にいても必要なスキル、弾き方。0△topピアノの弾き方ピアノを弾くためにはマニュアル、この言葉が適当ではないのなら、語法のようなものがあるのではないだろうか?弾き方・・・と言ってもいいのかもしれない。どんなに心を込めて、感情を込めて弾いても、その語法を知らない限り、聴いている人には伝わらないような何か。してピアノには声楽のような発声練習がないのだろう?管楽器のようなロングトーンがないのだろう?基礎練習というと、ピアノの場合、せいぜいハノンのようなもので指をガシガシと動かすみたいな?そのもっと前の段階の、音作りというか、響きづくりというか、その部分の練習って?その部分の弾き方、語法って?音譜が立て込んでくると、全部がフォルテになってしまう。存分に歌って伝えたいのに、なんとなく癒し系というか、BGMのようにしか弾けない。才能?感性?音楽性?語法を知らないのかも?教えてもらっていないのかも?教えてもらっての途中段階ならいいのだ。