「夜空」も知っている。昭和時代は歌謡曲全盛時代だった。子どもも高齢者も知っているという曲が多くあった。紅白歌合戦もステイタスがあったような気がする。選ばれるということが名誉だった時代。フリードマンやホフマンの演奏を聴くと、「ああ、昔はよかった」と思う。同時に現代のスティーヴン・ハフの演奏などを聴くと、「現代も捨てたものではないな」などとも思う。歌謡曲だと、僕にとって、スティーヴン・ハフのような存在が杉本真人なのかもしれない。このような人が頑張っていて、根強いファンも存在している。昭和の歌謡全盛時代も良かったけれど、今、頑張っている、メッセージを伝えている人もいるのだ・・・そうも思う。今日はクリスマス・イヴ。世の中にクリスマスソングは数多いけれど、僕はこの曲が好き。「切ないなぁ・・・」聴いてそう感じられる曲、歌は現在も存在しているのだ。0△top黄昏シネマクラシック音楽の基準みたいなことを考えた出来事がある。10年以上も昔のことになるが、ピティナのセミナーを見学したことがある。ピティナ主催のコンクールの課題曲セミナーみたいなもの。率直な感想としては複雑だった。「このようにこの曲は演奏するんですよ」というものを強制するようなセミナーではなかった。バロック期の課題曲であれば、その曲をどうたら・・・というよりは、バロック期全般の指導法とか、演奏法に関して説明されていたように思う。ピティナ側講師が課題曲を演奏してしまうんですね。演奏が始まると、聴くというよりは、客席が一斉にメモ魔と化する・・・という雰囲気ではあった。休憩時に、録音した演奏(本当は禁止なのでは?)を聴きながら、メトロノームを参考に楽譜にメトロノーム記号を書き込んでいる(と思われる)人たちが結構いたように思う。「それって演奏という行為から、かなり逸脱しているのでは?」とクラシック嫌いの知人は言っていたが、課題曲を講師側(ピティナ側)が実際に演奏してしまうと、それはやはり「模範演奏」と感じてしまう講師たちも多かったのではないだろうか?演奏行為からの逸脱・・・というのは厳しすぎる感想かもしれないが、基準というものが重要視される世界なのではないかと感じたのは事実だ。そもそもコンクールなんて基準到達度判定の場・・・みたいなところはないだろうか?優勝者に演奏の機会が与えられるということは素晴らしいことだが、正直聴き手としては、「どの人も同じ」みたいな印象さえ持ってしまって、どこかクラシック界が停滞してしまう一因のようにも思えてくる。どれだけ弾けるか、理解しているか、実行できているか、つまり到達度を聴きたいわけではないのだ。聴き手は演奏者の近親者でも先生でもないのだから、そんなことは関係ないのだ。多くのコンクール組の達者な人たちからは、その「何か」を感じることは非常に少ない。杉本真人という作曲家がいる。クラシック畑(?)の人ではありません。歌手の時は「すぎもとまさと」という平仮名表記になるんだったかな?作曲家として杉本真人は、ちあきなおみに、かなりの曲を提供している。歌手すぎもとまさと、として、ちあきなおみに提供した曲も自身で歌っている。職人芸的な上手さからすると、圧倒的にちあきなおみに軍配が上がる。ちあきなおみという歌手は、どんな曲であっても「なおみワールド」という色香の世界を表出しているので、単純比較をすれば、歌手すぎもとまさとは不利ではあるのだ。美声・・・とはとても言えないのではないか?悪声というのは言い過ぎだとしたら、だみ声(同じか?)?上手基準であるところの適度なヴィブラートにも欠けているような?でも惹かれるんだよね。クラシックと歌謡曲とは比べられるものではない・・・それを言ってしまってはお終いのような気はするが。すぎもとまさと(杉本真人)の曲としては、この曲は地味な部類になるのかもしれない。僕はこの曲、歌い方、声がとても好きだ。何かをドスンと落としてくれるし、元気が出てくる。「声なんて関係ないんです。上手く歌おうとか、歌えなかったとか、関係ないんです。心で歌うんです」先の動画の中で二葉百合子が言っていた言葉。「決まりました!」という感じ?でも二葉百合子という大御所が言うから決まるのであって、例えば僕などが言ったとしたらどうだろう?おそらく「フ・・・素人は気楽でいいわね。心・・・だってさ」みたいなことを言われるかもしれない。心をどう伝えるか・・・この部分なのだろう。心が大切だとして、レッスンで先生から「心で弾きましょう」とだけ言われたら、相当困るだろうと思う。心で演奏しているように第三者(聴いている人)が感じるような、具体的なノウハウを教えてください・・・と思うだろう。そもそも、クラシック音楽は敷居が高いなどと言われる。「クラシックなんて高尚なものは私なんかには分からない」みたいな?作品そのものが難しいとされてしまいがちだが、そうだろうか?それとも単なる聴き手の問題なのだろうか?演奏者にかなりの責任があるのでは?ツラツラと達者であれば心が動くわけではない。なにやら難し気な曲を達者に弾いた、次の人もやはり同じようにミスもなく達者に弾いた、でも何も感じない・・・これは作品の責任?聴き手の責任?豚に真珠ということ?演奏がつまらないのでは?心に何も響かない。「心で歌うんです」この二葉百合子の言葉が重く響いてくる。クラシックだけではなく、その他のジャンルの音楽にも「この人上手い!!!基準」のようなものはあるような気がする。のど自慢大会で鐘を沢山鳴らすような歌声、歌謡勝ち抜きコンテストで優勝するような歌声、カラオケの自動判定もなんのその、高得点をたたき出すような歌声。上手い歌手、パッと連想してみる。尾崎紀世彦とか五輪真弓、ちあきなおみ、美空ひばり・・・この人上手い基準にピッタリと入る人たち。「この人上手い基準」みたいなものから外れているような、ある意味「ボソッ・・・」とした歌声に心惹かれることもある。クラシック音楽の場合、基準が厳密というか、狭いのだろうか?歌謡曲やポップスみたいなジャンルでは、鐘三つ・・・がせいぜいかと思われるような歌声に心を奪われてしまうことも多い。心にドスンと来るか、来ないか・・・という価値基準のようなものが、聴き手に備わっているのだろうか?何故クラシック音楽の場合も、そのような基準があっていけないのだろう?バート・バカラック、この人は作曲家として有名。個人的にはディオンヌ・ワーウィックなどが朗々と、それこそ「上手い人基準」で彼の名曲を歌っている。彼の代表作「アルフィー」はバーブラ・ストライサンドのバージョンが最高だ。美声とコントロール力の勝利・・・みたいな歌唱だ。バート・バカラック自身の歌声。自作自演ということになる。僕は、彼の歌唱を「上手い人基準」の歌声とは感じない。鐘三つタイプ?でも心にドスンと来てしまう。していたことは知らなかった。歌手をやめようかと思い悩んでいた時期もあったのだ。復帰に至ったのには、二葉百合子との出逢い、「岸壁の母」との出逢いがあったらしい。不動の人気を誇っていた歌手なのだ。弟子入りをするという発想、行動に驚く。「声なんてどうでもいいんです。上手く歌えたとか、歌えなかったとか、どうでもいいんです。心で歌うんです」ピアノも同じだよなぁ・・・と思う。それが難しいんだよね。坂本冬美、これまでも歌の上手い歌手だなとは思っていたけれど、それだけではなく、ちょっと評価が変わった。和歌山と言えば、紀州梅干し。その梅干しの会社に勤務していた。これだけ歌えれば、本人がどうであれ、周囲が放ってはおかなかっただろうと思う。往年のオペラ歌手と同じだなと。コレッリはデビュー前は船舶会社の社員、つまり会社員だったし、バスティアニーニはパン工房で働いていた。したらパン職人として一生を終えていたかもしれなかった。周囲がそうはさせなかった。「やってみないか?」「うん、歌が好きだ。その役目をしたのだと思う。この時点でプロに習っていなかったというのも驚きだ。「これだけ歌えればねぇ」「才能がおありの方は違うのよ」みたいなこと。物凄く上手いが、それだけではなく、内側からの何か、18歳の時点でそれを感じる。これだけ歌えても、やはり作曲家のレッスンを受けると変わるのだ・・・そこも興味深いところだ。SONGここ一か月間の心情としては、こんな感じだったかな?岡林信康の歌って、どこか社会の矛盾を突く・・・みたいな歌が多いような気がする。クリスマスに聴くという感じの歌ではないような?でもこの曲は、今の時期の僕にとっては・・・だが、相応しいような気がする。岡林信康の曲としては、ちょっと異色な曲なのだと思うが、これは岡林自身の実体験から生まれた曲なのだそうだ。自分は自分の道を歩んでいく。今の自分の心情を代弁してくれているような歌だ。クリスマスにも相応しい。部屋の中、一応クリスマスの飾りつけをしている。信仰があるわけではなく、クリスチャンではないのだが、飾りつけやケーキぐらいはいいのではないかと思う。初詣だって僕は無宗教なわけだから、別にいらないのだ。お参りには行きますね。自分にとっての「歳時記」みたいなものだろうか?順調に歳時記を描いていくことに慣れてしまっていた。桜の時期は、当たり前のように「開花したんだね」と思い、正月には、おせち料理を食べる。当たり前の日常的なこととして捉えていた。今年のピアチェーレは精神的に辛かった。11月に入って、歳時記が通常とは異なるものとなったから。最後の追い込み練習の時期と重なったし、本番でも心の中では、実はピアノどころではなかった。自分のこと、これは自己救済というのだろうか、最大限の内なる力を総増員してなんとかしていくものだ。「お子様が救急搬送されました。○○病院です」そのような知らせを受けて、2週間後に、どうしても演奏しなければならない場がある、そんな感じに近かっただろうか?ピアノどころではない。弾かなければ、練習しなければならない・・・のような?意外と本番では、緊張はいつも通りしたけれど、割と淡々と(?)演奏できたのではないかと自分では思っている。ピアノなんて、歳時記の中では些細なことなんだろうか?そのような心理状態の中、暗譜で弾いている自分に驚いたりもした。「普通に弾けてるじゃない?」と。「失敗したらどうしよう?」みたいな「自分のこと」を考える余裕が一切なかったとも言える。それどころではなかった・・・それから一か月が経過し、自分の歳時記も例年通りのものとなった。クリスマス・ソングを聴く気にはなれない。例年この時期はクラシックを聴く気分にはなれなくて、いつもはクリスマスの曲を往年の歌手やバーブラ・ストライサンドのCDで満喫するのだが、今年は違った。暗い曲ばかり聴いている・・・そう思った。それが今の自分にとって、自然なことなのかな・・・とも思った。今の時期の自分の歳時記として、今年のクリスマス・シーズンに聴いている曲を記録したくなった。ブロッサム・ディアリー・・・声に癒されている。2やはりパープル・シャドウズも若い頃の姿を知らない。50年前の彼らを知っている人は「年取ったな」と感じるのかもしれないが、僕には「かっこいいオジサン」としか映らない。客席も萌えていて、「ああ、青春♡」という一体感を感じる。1僕はグループサウンズ全盛時代を知らない。僕よりも10歳ほど上の年代の方たちには、非常に懐かしさを感じさせるサウンドなのだろう。「我々はGSを聴きながら青春を過ごした」みたいな?曲そのものは知っている。そこが不思議なところだ。ヴィレッジシンガーズというグループは知らなくても、この「亜麻色の髪の乙女」は聴いたことがある。島谷ひとみという歌手がカバーして、最近ヒットした曲なのだそうだが、僕は島谷ひとみバージョンは聴いたことがない。最近のカバーでこの曲を知ったわけではない。曲そのものは知っていたということになる。テレビで幼い頃聴いた記憶はないのだが、知っている・・・グループサウンズの人たち、その昔は紅白歌合戦に出場できなかったのだそうだ。品行方正なNHKに不良グループはそぐわない・・・と。今だったら考えられないし、じゃあ、今の紅白って?などとも感じる。知る世代にとっては、現在の彼らの姿は「ああ、懐かしい」「ああ、年取ったな」「ああ、普通の人になっちゃったな」みたいなことを思うのかもしれないが、僕は現役時代の姿を知らないので、単純に「かっこいいオジサンたち」「かっこいい先輩たち」と感じる。芸能界のオーラが消えてしまった・・・そうなのかもしれないが、僕には普通の人がエレキギターを、ドラムを操り、歌まで歌っているという新鮮な印象がある。70歳近い(過ぎた?)オジサンたちが、かっこいい・・・なんだか自分の目標にしたいような姿なのだ。0△topウィーンのアンディさん僕が密かに(?)ウィーンのアンディさんと呼んでいる、世界の大人ピアノの仲間の一人。驚くべき超絶技巧を披露しているわけではないけれど、しかも悪評高き(?)電子ピアノでの演奏だけれど、この人は引き出しが実に豊富なのだなと感じる。「本当にウィーンものが好きなんですね?」ウィーンのアンディさん、ビジュアル的にピアノ男子という感じではない。マッチョな感じ?でも弾いている姿と演奏の絶妙なるミスマッチが魅力的。この演奏、「一応つっかえずに弾けるようになったから表現を考えました」という手順を踏んだ演奏には聴こえない。大人の再開ピアノ、かつて子ども時代に習っていた昭和ピアノの習慣を引き継いではいないだろうか?ワシワシと練習して、つっかえなく一応弾けるようにする、その後先生のダメ出しをもらう。「そこ、歌えてないわ~」と。一応弾けてから・・・という昭和感覚をそろそろ捨ててもいいのかもしれない。今自分が弾いている曲よりも、シンプルな曲を弾いてみる。ショパンのスケルツォを弾いているのだったら、モーツァルトのソナタのゆっくり楽章、多くの場合、第2楽章を弾いてみる。シ~レドしドレ~シソ・・・のような曲。大人の場合、いつピアノが弾けなくなるのかは分からない(?)ので、憧れの曲をキープしておくのはいいと思う。スケルツォは練習継続でいいと思う。モーツァルト、「一応弾けるんだけど・・・」となる場合が多いのでは?でも最初のシ~の場面、左手の伴奏とのバランスは絶妙ですか?フレーズの頂点とか、呼吸のような伸び縮みは絶妙ですか?ソ~ラソファ♯ミレドレーシソ・・・ラの音、バシン・・・みたいな音で弾いていませんか?素敵なサウンドを自分の引き出しの中に入れておく。モーツァルトの室内楽とかオペラとか。昭和時代のピアノレッスン、僕の記憶だと先生はダメ出ししかしてくれなかった。やったら・・・の部分が欠けていた。その昭和の残り香のようなレッスンは今は全く過去のものとなったのだろうか?音を弾けるように→先生のダメ出し→本番では言われたことを注意して弾く→なんだかな・・・その繰り返し・・・この昭和手順は今も消滅していないのでは?曲作り、譜読み、曲作りのノウハウ、弾き方・・・は最初から先生と行うと発想転換してみたらどうだろう?「そこ、バシンとなってない?」「あ、本当だ。具現化の領域は先生の具体的アドバイスの助けを求める。「あっ、本当だ」みたいなこと。引き出しの中の理想サウンドは自分で豊富にしておくのだ。「ああ、この箇所はヘルマン・プライがパパゲーノのアリアで歌っていた、あの部分みたいに・・・」その具体的方法を先生に求めるのだ。できない→レッスンでの具体的なアドバイス→できない→具体的アドバイス・・・のような?レッスン室ではできても、自宅での練習ではできないことが多い。「あっ、本当だ」の部分がなければ、曲だけ変わって、いつまでも「音並べの自分」からは脱却できないのではないだろうか?先生方へのお願い、是非「具体的なもの」を生徒に与えて欲しい。「こうすれば?」のような。生徒は次のレッスンではできていないかもしれないし、後退しているかもしれないけれど、レッスンでの「あっ、本当だ、できた」はとても大切だと思う。生徒は「音が弾けてから・・・」「上達してから・・・」とか先送りせずに、譜読み段階で自分の脳内理想サウンド、素敵サウンドを具現化しようとすること、先生のヘルプは必要だけれど、理想サウンドを捨てないこと。理想サウンドを最初から求めること、それが練習・・・と発想の転換をしてみること。ああ、なんて躍動感を感じる演奏だろう?別にJ.シュトラウス父の作品を弾くわけではなくても「ああ、いいじゃない?」「素敵だよね」と感じたのだったら、それを引き出しの中に入れておいて、自分が弾く曲では譜読みの段階から具現化しようとしてみること。次回は、このヤンソンスの「ラデツキー行進曲」の躍動感、幸せ感を自分の演奏で具現化している人を紹介したい。「どうせ趣味なんでしょ?楽しければいいじゃない?今さらプロのピアニストになれるわけでもないんだし・・・」こんなことを言うピアノ教師は存在するのだろうか?「まさか、いないわよ!」という声が聞こえてきそうだが、こんなことはないだろうか?A君は基礎力が足りない。古典派の作品のスケールとか、かなり弱点が露出してしまう。ギロックのある種の曲だったら、その弱点が隠される。「一応雰囲気も出して弾いているじゃない?ソナチネ?う~ん、A君は音大に進むわけじゃないし、ギロックのような曲だったら練習してきてくれるので、まぁ、いいんじゃない?」いいわけないよね?・・・と僕は思うのだが?逃げのギロック、逃げのキャサリン・ロリンでいいの?「でも本人は楽しんで弾いているのだから・・・」楽しさって何?曲を美しく、音楽的に演奏するということに対して、「趣味なんだから・・・」と教師側が思ってしまうのは、これは怠慢ではないかと。逃げのギロックでピアノを辞めたA君が社会人になってピアノを再開したとする。その時に「ああ、あの時もうちょっときちんと習っておけばよかった・・・」と絶対に思わせないのが重要なのではないだろうか?ブランクが長くてということではなく、絶対に子ども時代のピアノで後悔させてはいけないのでは?真剣な趣味というものもあると思う。真剣=専門的に学ぶ=音大進学=ピアニスト・・・今の時代、こんな設計図は時代遅れではないだろうか?「趣味なんでしょ?」この言葉の根底に差別意識を感じる。「どうせあなたは・・・」みたいな。音大になんか行かない。ピアノは真剣に習いたいの。美しく弾きたいから・・・この当たり前の欲求に専門も趣味もないのでは?アメリカ、テキサス州の、ある高校生たちのパフォーマンス。普通(?)の高校の、ある意味部活動みたいなものだろうか?舞台に立っている全員がブロードウェイを目指しているわけではないだろう。ほとんどの生徒が大学に進学したり就職したりするのだろう。趣味・・・になるのだろう。専門・・・ではないよね?彼らのパフォーマンスは真剣な趣味のように感じる。高校生たちから学ぶことも多々あるような気がする。来年は愛の溢れる年になって欲しい。人は不幸を耐え忍ぶことよりも、幸せを受けとめることのほうが難しいらしい。ジョン・ラスキンという人の名言。彼はこうも言っている。その人が何を考えているか、信じているか、それは関係ないのだと。重要なのは、その人が何をしたのか・・・何をするのか・・・これは、コダック社のCM。世間ではどれだけこのようなことがあるのだろう?僕が変わっているのかもしれないが、この「趣味なんだから・・・楽しく」という言葉、差別されているように感じる。「専門に行けないから仕方ないね。弾くのは自由だし・・・」みたいなニュアンスが隠されているように感じてしまうのだ。70歳の人がサークルでシンプルな曲をトツトツと弾く。それだけでもいいじゃない?そうだろうか?その70歳の人は進歩するかもしれないじゃないか?75歳になった時には、トツトツ・・・ではなく人の心を動かすほどの流麗さを身につけているかもしれないじゃないか?70歳?そのぐらいでいいんじゃない?これは差別に感じる。感じる僕が変わっているのだろう。アメリカの田舎にH君という15歳の少年が住んでいると仮定する。このH少年は歌が大好き。Album」というCDを購入した。H君はバーブラの存在は知っていたけれど、歌は聴いたことがなかった。女優として認識していたところもあった。「ああ、なんて躍動感を感じる歌い方なんだろう?なんという声!!!ソンドハイムという人の詞も凄い・・・」H君の心も躍動してしまったのだ。「ああ、僕も歌ってみたい。このように歌ってみたい・・・」この場合、田舎に住むH少年がバーブラ・ストライサンドのように、それ以上に歌えるということが重要なのだろうか?H君の心が動いたということが重要なのではないだろうか?何が心を動かしたのか?それを自分でも探してみたくなったのだ。動かしたものを追う、それが重要なのではないか?自分の心を動かしたものに、そこに忠実でありたい。「どうせ趣味だから・・・」「○○さんのような才能なんかないから・・・」「もういい年齢だし・・・」これって、自分を自分で虐待していませんか?できる、できない・・・ではないのだ。自分を動かしたものに忠実でありたい。それは傲慢でもなんでもないと思う。Album」が発売されたのは、たしか1985年だったと記憶している。最近・・・という気がしていたが、もうそんなに昔のことだったのか。グラミー賞も受賞したし、ビルボードのアルバムチャートで1位にもなった。全作品がブロードウェイ作品ということで、しかもバーブラが歌ったということで話題になったし、大変にヒットしたアルバムでもあった。「さすがバーブラ・ストライサンド!」というアルバムだった。Album」は、実はお蔵入りするかもしれなかったアルバムでもあった。バーブラ陣営の企画に、レコード会社の重鎮たちが最初はOKを出さずに渋ったのだ。「あのバーブラが久しぶりにブロードウェイの名曲を歌うのに?大ヒット間違いなしでは?」おそらく、バーブラがブロードウェイの大ヒットナンバーを歌えば、レコード会社側も反対はしなかったのだろうと思う。バーブラの選曲は、そのような大甘(?)の曲ではなかった。有名なミュージカルから選曲されてはいたが、超有名曲ではなく、脇役的な曲を選んでいた。作品としてスティーヴン・ソンドハイムの作品が多数選ばれていた。スティーヴン・ソンドハイム、あの「ウェスト・サイド・ストーリー」の作詞者として知られている。作品の作詞をしていて、作曲者としても「悲しみのクラウン」など、美メロディーの作品を生み出してはいるけれど、やはり作詞者として有名な人なのだ。バーブラの選曲は、ソンドハイムの歌詞に惹かれての選曲だったのだろう。Album」はレコード会社からすれば、通好みで、地味なアルバム企画とうつったのだろう。バーブラは保守的な重鎮たちの意見に素直に従う人ではなかったから、強引に企画を通し(?)アルバムは発売された。たしかに選曲は地味だったのかもしれない。僕自身はそれほどブロードウェイのミュージカルに詳しくはないので、正直地味とは感じなかったけれど、たしかに「マイ・フェア・レディ」の「踊り明かそう」みたいな曲は選曲されていないなとは思った。Alive」という曲。緊張しない方法、それはないのかもしれない。緊張した場合でも何ができるかを考えたほうが得策。自分の出番の一つ前の人の演奏、その人の演奏が妙に上手かったりすると落ち着かない。逆に、一つ前の人の演奏が波乱万丈的な演奏でも落ち着かなくなる。舞台袖から中央に歩いていく場合でも、直前まで聴き手として客席にいて、ピアノに向かっていく場合でもだが、その時何を思っているか・・・これは重要なのではないかと思う。「無事通過(?)できますように」とか「練習の時のように弾けますように」とか?「崩壊は避けたい」「真っ白にだけはならないように」とか?その曲に取り組もうと思った動機、つまり最初の出発点に戻ってみたらどうだろう?その曲を弾きたいと感じた、そもそもの動機。本番という最終点で出発点を描いてみる。人の演奏、表面的なミスなどは、あまり気にならない。それは多くの人が気づいている。自分の演奏となると、たった一つの音を外しただけで「ああ、この世の崩壊・・・」などと感じる。これって「何を思いながら弾いているか?」ということなのかもしれない。人の演奏は「演奏」を聴く。自分の演奏は「当日の出来栄え」を聴く・・・みたいな?世界の大人ピアノの仲間たち、この人の演奏からは動機が見える。歌曲をピアノで弾くのか?リヒャルト・シュトラウスを弾くのか?「あすの朝」を弾くのか?動機が見える。震災の直後って来日を予定していた演奏家のキャンセルもあったような気がする。中には来日を決行し、「このような時だからこそ・・・」と日本で演奏をした人もいる。この演奏会は震災から約一か月後、東京でのもののようだ。被災地ではない東京でも、かなり揺れたし、計画停電などがあったことも思い出す。普通のこと、当たり前のことが、実はどれほど尊いものであったのか、例えば「明日がある」とか、そのようなことが、当たり前のことではなかったということを思い知らされた時期でもあったように思う。リヒャルト・シュトラウスの作品って、ピアノ弾きには、どうも接点が少ない。歌曲などを聴くと、光に包まれて、陶酔の中、昇天してしまいそうな感覚を覚える。「あすの朝」という歌曲、この曲のピアノパートは、もはや伴奏ではない。歌との二重唱と表現してもいいだろうと思う。(06/16)「プロになるわけじゃないんだし」とはもう言わない。http://flaw.blog80.fc2.com。