音楽を聴いて性的な興奮にまで近いような感覚を感じてしまうなんて、あってはならない。そんなものは音楽ではない。音楽とは厳粛なるものなのだ。リストは曲芸師だった。軽薄だったのだ・・・」恐怖心とリスト軽視の傾向はどこか関連があるのかもしれない。0△top「えっ、リストの歌曲?」かつてサークル(今所属しているのではない)仲間と話していた時に、リストの話題になった。「リストって興味ないな。難しそうで・・・」まぁ、難しいよね?でもリストには美しい歌曲が沢山ある。この分野ではショパンなど比較にならない感じだ。「えっ、リストの歌曲?」という反応ならまだ良かったのだが、その人は無関心。「ふーん・・・でも私、オペラって苦手」オペラじゃない・・・歌曲だ!!!と叫びそうになったのだが、案外とピアノ弾き、ピアノ愛好者って歌に無関心な人が多いような?「興味ないしぃ・・・」リストには実に魅惑的な歌曲が多いので、是非聴いてみて頂きたい感じだ。リストの歌曲で有名な曲、ある意味では「愛の夢」とか「ペトラルカのソネット」なのだと思う。ピアノ版も有名だから。歌手たちにとって、歌好きにとって最も有名な歌曲は「夢にきませ」なのではないだろうか?実に美しい曲で、ソプラノによって歌われることが多いように思う。個人的にはエリザベート・シューマンによる古い録音が実に魅力的だと思う。歌詞を考えてみると、女性よりも、むしろ男性が歌った方がしっくりくるような気もする。この歌唱はへドル・ナッシュという古いイギリスの歌手の歌唱。ピアノパートはジェラルド・ムーアで、ピアノも実に素晴らしい。リストの歌曲はピアノパートも本当に美しいのだ。リストに限らずなのだが、あるピアノ曲を弾くとして、その作曲家の歌曲は是非聴いてみて頂きたい感じだ。できれば歌曲の楽譜を買って、実際に3段譜を両手で「自己満足歌曲の世界をピアノで・・・」という遊びをしてみて欲しい。実に楽しいし、ソルフェージュ能力も養えるし、何よりも「歌のようにピアノでも弾く」といういい練習になると思うのだが・・・リストはフランス語が堪能だったらしい。ヴィクトル・ユーゴーの詩に実に素敵な音楽をつけているように思う。この詩の世界、音世界は「官能」の世界なのではないだろうか?これもリスト・・・なんだよねぇ。0△top愛の夢リストにおいての、ショパンのノクターンOp.9-2や「幻想即興曲」にあたる曲、つまり通俗曲と人によってはカテゴライズしてしまう曲に「愛の夢」がある。この「愛の夢」の演奏、実に多くのピアニストが録音している。ピアニストがリサイタルで・・・ということは意外と少ないような?またアマチュアのサークルなどの場でも意外と演奏される機会は少ないような?発表会などでは結構演奏されるか???まぁ、非常に有名な曲だとは思う。実際には、あまり演奏されない(?)にしても。いわゆる「耳だこ」と言われる曲?このような曲って、少なくとも「いったいどんな曲なのかしら?」という観点では聴かれないだろうから、演奏者にとっては難しいところもあるのかもしれない。実は、この曲、このブログにもリンクしてある「愛の夢のつづき」というブログを書いているMegumiさんという方が一週間後、8月30日にサントリーホールで演奏される。いわゆる「耳だこ曲」「通俗曲」ではない「愛の夢」が聴けるであろうと、僕は非常にワクワクしているところだ。「愛の夢」のリスト直弟子の演奏、ローゼンタールの神のような演奏もあるが、もう彼は登場してしまったので、別のお弟子さん(?)の演奏を紹介したい。0△topもう一人のピアノの詩人クラシック音楽の苦手な人、僕の周囲には沢山いる。「なんだか堅苦しそう・・・」なんだそうだ。そのような人たちでもショパンは知っている。ピアノの詩人・・・だからね。ショパンは「ピアノの詩人」、そしてリストは「ピアノの魔術師」と呼ばれていて、このような呼び方は、クラシックから遠い人たちにとっては、ある種のイメージは捉えやすいのかもしれない。ピアノを習っている人たちまでが、どこかリストに対しては魔術師というイメージを持ちすぎているというのだったら、それは残念なことだと思う。リストの曲って腕自慢のアマチュアがバリバリ弾くというイメージ?コンテスタントたちがコンクールで実力を(腕力を?)証明するための曲?ところでリスト自身はどのような演奏をしたのだろう?むろん、それは想像するしかないのだろうが、リストには大勢の弟子がいた。リストは彼らに何を伝承しようとしたのだろう?幸いなことに、リストの弟子にあたるピアニストの中には録音を残している人たちもいる。その演奏に対して「これがリスト直伝、リストなのだ」と早計に判断はできないだろうが、何かその弟子たちの演奏に共通するような要素のようなものがあるとしたら、それをリストに関連付けても100%間違えとも言えないのではないか?少なくともショパンと比べ、サーカス的、軽薄・・・というイメージがあるとしたら、それは安易なイメージなのかもしれない。「魔術師」という言葉もいけないのだろうか?リストの弟子、僕はまずモリッツ・ローゼンタールを思いつく。彼はショパンの弟子であったミクリの弟子でもあったし、素敵なショパンの演奏が多いので、ローゼンタール=ショパン・・・のようなイメージがあるが、リストの直弟子でもあったのだ。これはローゼンタールそのもの・・・という演奏だが、彼の演奏を特色づけている何かの要素のようなものが、他のリストの弟子ピアニストからも感じることができるのだったら、それはリスト自身が伝承しようとしたもの・・・かもしれない。リストは「ピアノの詩人」だったのかもしれない。17この曲もミシェル・ルグランの作品。大変に美しい曲、美しい歌唱のように思うが、この曲は長い間お蔵入りとなっていた。ミシェル・ルグランとバーブラは、あるアルバムを制作していたのだが、何故か完成はしなかったらしい。一人の女性の人生を追ったコンセプトアルバムとなるはずだったようで、おそらくこの曲の他にも、いくつかの美しい曲が眠っているのかもしれない。1990年代、バーブラのデビュー30周年を記念して発売された「ジャスト・フォー・ザ・レコード」というアルバムに記録として収録されて初めて世に出た作品、歌唱。アルバムとしては未発表になってしまったのかもしれないが、この曲などシングルカットすれば結構ヒットしたのではないかと思ったりもする。16アルバム「バーブラ・ジョーン・ストライサンド」からの曲紹介、3曲目。バーブラとミシェル・ルグランとは相性がとてもいいように思う。過去にも彼とはシャンソンのアルバムを制作しているし、80年代のバーブラ初監督映画「イエントル」(邦題は愛のイエントル。愛という一言が余計だ)の音楽もミシェル・ルグランが担当している。ミシェル・ルグランの作品を歌うと、バーブラの歌唱の美しさが際立つような?揺れの感覚が素晴らしいと個人的には思う。フレーズの中での力点の示し方というか?声を薄くしたりといった微妙なところも非常に美しい。してもメトロノームに合わせたような演奏になってしまうと悩んでいる人は、バーブラのミシェル・ルグラン作品を聴いたらいいのではないかと思う。0△topアマチュアは難曲を披露したがる?自分のコンサートの前に大事な演奏会がある。ピアチェーレの演奏会。こちらは10月1日から申込み開始になる。ピアチェーレのホームページ、そこのメールフォームから申し込んで頂くようになる。こちらはPDFとしてチケットがメールで返信されるようになる。演奏する曲だが、後半の2曲は決まっている。アール・ワイルド編の「ヴォカリーズ」、そしてスティーヴン・ハフ編の「眠れる森の美女パラフレーズ」この2曲で12分ほど。これだけでもいいが、ちょっと短い。前半をどうしようか・・・今はそのところを考え中というか。いわゆる、簡単な曲、耳だこの曲・・・というものを弾いてみたい気がする。世間一般的にカテゴライズされるところのアマチュア上級者って、このような曲をバカにしていて、でもこのような曲を弾いてしまうと、真の実力が暴露されてしまうので、弾かないし、弾けない。超絶楽譜黒々系の曲ばかりを弾き、「さあ、どうだ、お前たち初心者にはこんな曲は弾けないだろう?」みたいな?弾きたいな・・・いい曲だな・・・と感じたのだったら、その曲が弾き時なのではないだろうか?難しい超絶系、その曲を弾きたいから弾く。2△top残席についてのお知らせ来年2月25日、僕のサロンコンサートですが、お蔭様で残席あと1席となりました。チケットを発券するわけでもないので、このブログのメールフォームから申し込んで頂いて、僕からの返信にて、申込み完了となります。2月の末、ノロウィルスとかインフルエンザなどが蔓延する季節で、もし体調不良などで当日お越しになれない場合、そして前もってそれが予測できる場合は、やはりこのブログのメールフォームからご連絡頂ければと思います。当日朝に発熱、いきなりの嘔吐・・・なんてこともあるので、その場合は難しいでしょうが。今回、三分の一のお客様が、僕の演奏を聴いたことのない人。ブログを読んで「どんな演奏をするのかしら?」と申し込んでくれた方たち。ブログも真面目に書かなきゃなぁ・・・などと思う。20名という極めて少人数のコンサートなので、演奏以外にも心配なことがある。曲に関して、解説というか、トークを交えるが、その部分は、まあいい。客席を蝶のように舞いながら・・・などという芸当はできない。演奏しながら、そのあたりも頑張るというのは厳しい。登場して、ひたすら弾いて、袖に引っ込む・・・という通常のコンサートのようでもマズイだろうとは思うが。蝶のように漂い、朗らかに挨拶しつつ・・・というのは難しいかもしれないな。今は演奏よりも、そちらの方が心配だったりする。15アルバム「バーブラ・ジョーン・ストライサンド」について語ると、ついつい熱くなってしまう。この曲、ジョン・レノンの曲だよねぇ・・・このアルバムで、バーブラはミュージカル歌手というイメージから完全に脱却したのだと感じる。歌いくちの上手さ、絶妙なニュアンス、これらの要素はバーブラが「バラードの女王」と称される要素でもあると思うが、このアルバムで、そのバラードの歌い手として生まれ変わったのと同時に、コンテンポラリーな要素をも獲得しているように思う。後にバーブラは映画「スター誕生」でロック歌手、エスター・ホフマンを演じるが、そこでは「えっ、バーブラがロック?」のようなイメージを完全に覆している。歌唱面での「スター誕生」のバーブラの成功は、実はこのリチャード・ペリーの功績もあったのではないだろうか?アルバム「バーブラ・ジョーン・ストライサンド」で何か脱皮できたのだと思う。この歌い方、個人的には全く違和感はない。これって40年以上昔の録音とは思えない・・・と。14冒険作ともいえる「ストーニー・エンド」の次作、たしか1971年のアルバムだったと思うが、プロデューサーには「ストーニー・エンド」でバーブラの若返り(?)に成功したリチャード・ペリーが再び、というか連続で担当している。「バーブラ・ジョーン・ストライサンド」というアルバムで、個人的には彼女のアルバムの中では最も好きなアルバムだ。バーブラのアルバムで最初に購入して、じっくりと聴いて頂きたいアルバムでもある。選曲は「えっ、これがバーブラ?」のような、今までにないような曲が選ばれている。引き続き、ローラ・ニーロの曲が歌われているし、ジョン・レノンとかキャロル・キングの作品もバーブラは歌っている。キャロル・キングなんて初期の頃のバーブラとは全く結びつかないような?選曲の妙・・・ということよりも、実は歌い方、歌唱そのものが爆裂(?)している。絶叫しているわけではなく、上手さ爆裂なのだ。地味目な曲かとも思うが、表現力ということで悩んでいる人には、何らかの助け(?)ともなるような、「表現ってこうやるのよ」というようなバーブラのメッセージとも受け取れるような、そんな圧倒的な上手さなのだ。歌い始め、「I」という言葉での曲の入り方・・・まさしく絶妙だ。この曲にはオクターブの跳躍が何回も出てくるが、「ただオクターブ高い音を歌ってみました」ではない、工夫というか、なぜオクターブに作曲者はしたのか、演奏(歌唱)というものを介して聴き手に迫ってくる。楽譜の行間を読む、あるいは楽譜に忠実とは、ただ書かれている音を弾きましたぁ・・・ではなく、ここまで再現できることが、実は本当の「楽譜に忠実」なのではないかと・・・グレン・グールドはバーブラのこのような歌唱に関して、「強調が凄い」と表現している。0△topもう一つのオリンピック基本的にテレビ視聴はしないので、あまりオリンピックも観ていない。「えっ、もうオリンピックは終わってしまうんだ?」と知り、マラソン競技はテレビで観た。普通は「日の丸日本!」「やったぞ、日本人、メダル○個獲得!」のように盛り上がるべきなのかもしれないが、そのような観点ではなく、リオのマラソンはいいなと思った。普通、マラソンって競技場でのゴールになるのが普通だと思う。リオでのマラソンはそうではなかった。そのようなものを超えて、人間として一つの輪になる、観ていて清々しい感じだ。個人として競う、そのようなものを超え、国が競う・・・みたいな雰囲気は、あまり好きではない。これはオリンピックだけではなく、個人的感情として、「カテゴライズして競い合う」みたいなものが好きではないのだと思う。人間は皆、同じなのだ。それは肌の色が同じだから、人種が同じだから・・・ということではなく、それらのものが違っていても、人間は同じなのだ・・・という感じ方。別にオリンピックのような場という特別な場ではなくても、人はカテゴライズしてしまうことがあるように思う。ピアノの世界という狭い世界でもそれはあるように思う。プロとアマチュア、音大卒とアマチュア、初心者と上級者・・・のように。同じでしょ?同じピアノを愛する人間でしょ?「ブラックパワー・サリュート」という言葉がある。人種差別がまかり通っていた時代、主に北米を中心に生まれた言葉であり、行動だと言えよう。黒人公民運動として、黒人差別に抗議する示威行為とも解釈できる。オリンピックでもそのようなことがあった。1968年のメキシコシティ・オリンピック。この時代は、北米だけではなく、人種差別問題に揺れていた時代だと言える。白人優先主義に対して、黒人たちが暴動という行為によって、自分たちも人間なのだという意思を示したりとか。世界は揺れていた時代だ。オリンピックという場で、国内の差別問題に抗議する、そしてそれを行動として実際に示す・・・これはブラックパワー・サリュートとしての行為となる。陸上競技の表彰式でそれは起こった。アメリカの黒人選手が金メダルと銅メダルを獲得し、メダル授与、国歌が流れ、国旗が掲揚されるという場面。金メダルはトミー・スミス選手、銅メダルはジョン・カーロス選手、両選手は国内での差別問題に対して抗議を示すために、シューズではなく黒いソックスを履いた。これは黒人の貧しさを象徴する。黒い手袋を着用し、拳を天に向かって掲げる。会場はブーイングの嵐だったという。神聖なるオリンピックという場で政治的な行為をしたということで、二人は非難されることになる。IOCはアメリカ陸上界を永遠に追放する・・・みたいな動きもあったらしい。帰国後も両選手、その家族には脅迫状が届いたりとか、それはそれは大変だったらしい。解放運動の結果、スミス選手、カーロス選手は、ある意味「人権のために戦った英雄」として捉えられるようになった。ここで銀メダルを獲得した選手に注目してみる。表彰台に立っているように見える。スミス選手、カーロス選手のように、派手なパフォーマンスはしていない。彼はオーストラリアの選手だ。ピーター・ノーマン選手。実は彼の故国も当時は北米のような白人優先主義がまかり通っていた国なのだ。先住民であるアボリジニの親子を引き離し、子どもは白人家庭、寄宿舎で育てさせるなんていう信じられないような政策も1969年まであったらしい。ゴール直後、二人のアメリカ人選手は、オーストラリア人であるノーマン選手を讃え、さらにこう尋ねたという。「君は素晴らしいアスリートだ。映像だと非常に分かりにくいのだが、表彰台の3人は、あるバッジをつけている。「人権を求めるオリンピックプロジェクト」のバッジだ。北米の人権解放運動に賛同する選手が身につけていたバッジだ。ノーマン選手はこう言ったのだ。「僕もそのバッジを身につけて君たちと一緒に表彰台に立ちたい・・・」と。「君たちの行為への賛同を示したい」と。ノーマン選手はただ立っていたのではなかった。静かにバッジを身につけることで、白人だがブラックパワー・サリュートに賛同を示したのだ。これがノーマン選手の故国オーストラリアでは問題になった。「白人が劣性人種である黒人の行為に賛同するとは何事か?しかもオリンピックという場で!」この時のノーマン選手の記録は、いまだにオーストラリア記録なのだそうだ。国内では誰もノーマン選手の記録を超えてはいない。次の1972年のミュンヘン・オリンピック、素晴らしい成績をノーマン選手はその時までに残していたにも関わらず、オーストラリアはノーマン選手をオリンピックに派遣させなかった。ノーマン選手はオーストラリア陸上界から追放されることになった。ノーマン選手の家族をも含めた差別だったらしい。追放されたノーマン選手は体育教師や肉屋などの職業を転々としていた。ノーマン選手に国から打診があった。「メキシコでのあの行為は間違えだったと正式に表明したまえ。したら君は復帰できるだろう」と。ノーマン選手はその申し出を拒否した。「人間として当たり前のことをしただけなのだから・・・」ノーマン選手は、アルコールに依存し、そして鬱病を患い、そして2006年に亡くなっている。彼の葬儀では、かつてオリンピックで競ったスミス選手とカーロス選手が彼の棺を担いだのだという。2012年、オーストラリアは正式にノーマン選手の偉業を認め、そして謝罪している。「ノーマン選手の素晴らしいアスリートとしての記録、成績、これを正式に認める。彼の表彰台で行った行為、人権に対しての行為、これに対しても認めるのに非常に時間がかかったことも認める」と。小学生の頃、弾けもしないのに、シュナーベルのこの演奏に憧れて、一人で弾いていたものだ。泣きたくなるほど切なく感じたこの演奏、一人憧れ、一人弾いていた。レッスンではバイエルだったから、無謀だよね?でも無駄・・・ではなかったような気もする。1アマチュアって、やたら難しい曲を弾きたがる?かつて弾いたであろう初心者、中級者が弾くような曲をバカにしている?バカにして弾かないのは、実はそのような曲を美しく弾けないから?誰でも知っているような有名な曲をアマチュア上級者は弾きたがらない?真の実力を披露してしまう結果になるから?11月のピアチェーレの演奏会、後半の2曲は札幌のチャリティーコンサートで弾いた曲をそのまま弾く。アール・ワイルドとスティーヴン・ハフのトランスクリプション。これは、どちらかと言えば音符が沢山あるという意味では、アマチュア(自称)上級者が得意になって弾くような曲・・・となるのかもしれない。音符的シンプルさの漂う曲、難易度というものを無理やり当てはめてしまえば、「バイエル程度」とか、そのような曲。あとは誰でも知っている、いわゆる「耳だこ」とされている曲、このような曲を11月のピアチェーレで弾いてみてもいいかもしれない。たしかにアマチュア、それも(自称?)上級者が人前で演奏する時には、「せっかく参加するのだ。できるだけ多くの音を弾いて、もとをとらなければ・・・」みたいな印象はあるかもしれない。憧れの曲が存在しているということかも?「ああ、いつかこんな曲が弾けたら・・・」という思い。実際にその曲が一応でも弾けてしまったら、さらに次の憧れに進んでいく?そのような構図はあるのかもしれないが、かつて憧れだった「自分通過曲」を過去のもの、もう自分には関係のない初級者の曲と捉えてしまう、もう自分は初心者なんかじゃないしぃ・・・みたいな捉え方は寂しいとも思う。「耳だこ」の曲、タコになるのかどうかは、演奏によると僕は思う。演奏によって「タコ」か「永遠の憧れ」に分かれるのではないかと・・・そんな永遠の憧れのような、僕にとっての「憧れのタコ」を紹介していこうと思う。曲って、いつもの曲(?)と異なり、一曲集中主義となるもののようだ。いつものレッスンでは合格となるレベル(?)を超え、長く、そして深く弾いていく。「ねぇ、発表会まで間に合うの?」「○ちゃん、一応弾けているけど、それでいいのかな?先生は○ちゃんはもっとできると思うのよ?」叱咤激励し、発表会本番に向かっていく。これが通常の姿なのだろう。背伸びをさせ、つまりちょっとだけ、いつもの曲よりも高度な曲にチャレンジさせ、実力向上をも狙う。これも通常の姿なのだろう。僕の先生は、ちょっと(かなり?)そのような意味では変わっているのかもしれない。本番前一ヶ月とか、そのような時のレッスンって「本番まで一ヶ月だよね?頑張らないと」的なレッスンになるのが普通だと思うのだが、「もうその曲はいいですよ。新しい曲をやりませんか?何かお好きな曲はありますか?」「えっ、本番一ヶ月前に譜読み?」「もう弾けてますよ、いいですよ。子どもの発表会だけではなく、一曲集中主義って、コンクールや受験という場合に限らず、日本ピアノの世界では人前での演奏、つまり本番前においては通常の姿なのではないかと思う。大人の場合も、たとえば発表会とかサークルでも、わりと一曲集中主義になっているのではないか?そしてそれが当たり前と思っているところもないだろうか?その曲を長く弾いていくメリットもあると思うが、デメリットもあるだろうと思う。長く同じ曲を、ある一点(つまり本番)に向けて練習しているわけだ。してもその曲を弾くという意識、音楽をする・・・というよりは、曲を弾きこなすという方向性が強くなっていくのが人情だろう。苦手なパッセージなども時間をかけて練習してきたわけだ。「さあ、音楽をしなさい」という方向転換は難しいところもないだろうか?本番が近づくにつれ、「あそこは大丈夫かしら?」「ここが心配なの」みたいな心の状態になってしまうこともあるのでは?例えば、カルロス・グアスタビーノの曲を練習会なり、発表会なりで演奏するとする。グアスタビーノ、日本ではほとんど演奏されないような印象だが、バイエル程度(終了程度ではない)でも演奏可能な曲も多い。研究している教師ならば、それらの曲は知っているだろう。「さあ、一週間後の発表会ではグアスタビーノの○○という曲を弾くのだ。暗譜は大丈夫かしら?先生に注意された、あそこの部分は本番でも弾けるかしら?あのパッセージははずすのかなぁ?練習でも命中することは少ないし。それも大切だが、もうちょっとグアスタビーノ周辺を彷徨ってみたらどうだろう?グアスタビーノの○○という曲、それは自分にとっての課題・・・だけではなく、もうちょっと大きな存在として認識できるように。音楽って自分にとって何???グアスタビーノってピアノ曲と声楽曲が多いんだ。アルゼンチンの作曲家だったのね。アルゼンチンってアルゲリッチもたしかそうよね?でもなんだか情熱的とも感じるけれど、哀しくない?グアスタビーノって2000年まで生きていた人なの?えっ、現代の人といってもいいんじゃない?それにしては保守的というか、いかにも現代音楽というのとは違う。「これが現代音楽なのだ」という調性もなく、一回聴いても理解できないような音楽が主流だった頃に、あえて反対の道を進んだ人だったのね。したら、この人、相当強い人だったのかもしれない。グアスタビーノって生涯独身だったのね。私生活については、ほとんど分かっていない?寂しく暮らしていたのかしら?ブエノスアイレスに住んでいたのね。えっ、日本のワンルームのような質素なアパートに住んでいたの?ピアノはアップライト?アップライトピアノで作曲していたんだ?小さなアップライトのダンパーに、さらにパッドを装着して音を出なくしていた?そうなんだ。「ピアノの音が近所迷惑になりますからね」えっ、彼はそんなことを言っていたんだ。本番で弾く曲以外にどんな曲を作っているのだろう?物静かな、控えめな、でも火のように強く熱い人だったのかも?カルロス・グアスタビーノ、南米アルゼンチンの作曲家。日本ではほとんど演奏されることはない。歌曲「バラと柳」だけは歌手たちから愛唱されてきた、唯一のメジャーな曲と言えよう・・・そうなんだ、歌なんか好きじゃないし、ピアノしか聴かないから知らなかった。「バラと柳」という曲、聴いてみようかな・・・えっ、こんな曲だったんだ。物静かで、控えめで、でも強かった人、私、一週間後にこの人の曲を弾くんだ。間違えたらどうしようとか、無事に弾けるかしら・・・だけではなく、「バラと柳」を聴いた時の心の動き、グアスタビーノに対して抱くもの、そんなものを感じてもいいのかな?いいんじゃない?哀しいような、熱いような、そんなものを感じたのだったら、それを本番でも大切にしてみてもいいんじゃない?たしかに一曲集中主義って大切かもしれない。13「これは私じゃない、こんなの歌えない、歌わない・・・」それまでに表現していた歌世界とは全く異なる新たな世界。バーブラは定められたビートに合わせて歌うということが大嫌いだったのだそうだ。それまでの彼女の歌を聴くと、なんとなくそれは分かるような気がする。いつもバーブラは、録音に関しては3日間ほどで完成させてしまうのが普通だった。この「ストーニー・エンド」というアルバムの録音には半年近くかかっている。プロデューサーのリチャード・ペリーは、でも確信していた。「このアルバムはヒットするだろう。これまでバーブラとは無縁だった新しい世代のファンをも獲得するだろう」バーブラは、そうは感じていなかったらしい。「こんな私を望んでいる人なんていない。結果はバーブラにとっては「ピープル」以来のヒット曲となった。あなたの間違えでなく、私の間違えでよかった・・・」バーブラはリチャードにこう囁いたという。実はバーブラは、嫌々ながら歌っていたらしいが、とてもそうとは思えないような出来ばえだ。プロだから・・・と言ってしまえばそれまでだが。12バーブラの新曲、「ストーニー・エンド」、かなりポップでキャッチ―な曲だ。新しい時代、70年代に相応しい新曲。今聴けば、そう感じるが、当時は色々とあったらしい。「ストーニー・エンド」は、ローラ・ニーロの曲。ローラ・ニーロのカバーということになる。カバーということが問題になったのではない。バーブラはデビューの頃からスタンダードばかりを歌ってきたわけだから、自分の親とか、祖父母の時代の歌をずっとカバーしてきた・・・とも言える。バーブラ自身は、「ストーニー・エンド」のヒット以後も、ローラ・ニーロの曲をカバーし、歌っている。基本的にバーブラはシンガーソングライターを尊敬しているのだそうだ。自ら歌い、作曲もするという行為に憧れを持っている。バーブラ自らも作曲をしたりしている。そのような意味での尊敬する歌手の一人にバーブラはローラ・ニーロを挙げているぐらいだ。「バーブラは時代遅れだ」このようなレコード会社上層部の意向もあった。リチャード・ペリーという、これまでのバーブラには無縁だったフィールドの異なる人物がプロデューサーとして招かれた。たしかにバーブラの歌唱は素晴らしい。現代のポップス界、ヒットチャートという世界とは無縁すぎないか?元ミュージカルスター、個性溢れるスタンダード中心の歌手としてだけで終わってしまうのは惜しいのではないか?時代は70年代なのだ。60年代は終わったのだ・・・つまり、リチャード・ペリーはレコード会社(コロンビアレコード)の最上層部からこう命令されたのだ。「リチャード、バーブラを変えてくれないか?」バーブラは素直に自分の言うことなんかに従うだろうか???バーブラはリチャードにこう言った。歌わない・・・これは私じゃない・・・」ローラ・ニーロ、日本では有名ではないような気がする。素晴らしい歌手だと思うけど・・・でも、このローラ・ニーロの「ストーニー・エンド」を聴くと、バーブラが躊躇してしまったのも理解できる。111969年のバーブラ。3年前の歌唱と比較すると、柔らかなニュアンスが加味されているような?「私にはマイクなんて必要ないの!」的な声を張った歌唱から、マイクに絶妙なニュアンスを託す・・・のような変化。「曲が違うから歌唱法も違うんじゃない?」と言われれば、それまでだけれど・・・この歌い方は、完全に1970年代のバーブラだ。個人的には、1970年代のバーブラが最も好きだったりする。音楽というか、音型というか、和声の変化にというか、もう反応力が半端ではないのだ。グレン・グールドやレナード・バーンスタインなどが絶賛していたのは主に70年代の「絶妙ニュアンスバーブラ」だったように思う。この変化がなければ、バーブラは「昔の偉大な歌手」になっていたかもしれない。(06/16)「プロになるわけじゃないんだし」とはもう言わない。http://flaw.blog80.fc2.com。