Chiyodaで個展を開催する。今展のタイトルに冠された『滅びと再生の庭』は、同じく昨秋に現代企画室より刊行された堀の同名の著書に由来している。もたらした近代文明の本質的な有限性に対して、芸術がいかに向き合うことができるのかを問い続けている。以降」堀が試行している表現の展開の一端に立ち会うことができる。■堀浩哉/本展に寄せてあの大地震から一ヶ月後に、被災地を巡った。閖上の瓦礫の中を突き抜けると、あくまでも穏やかな海に出た。多くの人や家を呑み込んだままのはずなのに。その海の映像に「記憶するために」という文字を重ねた。それは文字であり、言葉であったが、書き重ねるごとに「線」であることが際立ってきた。以降」その言葉は「意味」を発しながら「意味」から離れ、逸脱して「線」そのものになってきた。「書と画」がまだ分離する以前、地中深くで絡み合う樹木の根のように「意味」と「線を刻む」ことへの熱望は不可分に絡み合っていた。ドローイングとは本来「息を深く吸う」ことであり、樹木が根から栄養を「吸い上げる」ことを意味したように、絡み合った根の場所を探りその養分を熱源としながら、息を吸うように「いま、ここ」で生きている痕跡を刻むこと。「線」を、引っ掻き、「傷」を穿つように「書く=描く」。その「現場」は「滅びと再生の庭(フィールド)」であり、永遠に開かれた余白として立ち現れ、そこでは完結しない落書きであり祈りでもあるような「線」が、上書きされつづける。絵画を再起動するために。描く」の契機であった、2011年の閖上の海の作品と、さらにそのはるか遠い起源でもあった1979年の小さなドローイング、そして1999年の「傷」にまみれた(そしてパフォーマンスとも連動する)ポートレート作品を、同時に展示している。