今日、9月30日はダヴィッド・オイストラフの生まれた日です。僕が生まれて初めてヴァイオリン協奏曲を聴いたのが、オイストラフの演奏するハチャトゥリアンのヴァイオリン協奏曲でした。メンデルスゾーンでもチャイコフスキーでもなく、ハチャトゥリアン・・・このオイストラフの演奏(レコード)が圧倒的でした。以後ハチャトゥリアン=オイストラフという図式が出来上がってしまいました。現在でも個人的には、ハチャトゥリアンのヴァイオリン協奏曲は、オイストラフの演奏が最高だと思っています。その後は、ハイフェッツやフランチェスカッティに傾倒することになり、オイストラフは、やや遠い存在になっていましたが、最近オイストラフのボックスセットを購入したので、再び聴き始めています。どこかヴァイオリンの音色というと、「甘美」とか「涙腺を刺激するような・・・」みたいに、どこか感傷的という刷り込みが僕には少なからずあったのですが、オイストラフのヴァイオリンの音色、そして演奏は「甘美」でもあるとは思うのですが、すごく「存在感のある図太さ」のような圧倒的な強さを感じます。先日の文章に対し、鍵コメントやメールをくださった方々、本当にありがとうございました。ピアノの先生からも「そんなことを言う人がいるのですか?」のような内容のメールが多数ありました。その先生の「アマチュアの分際で・・・」とか「私たちは専門としてピアノを学んだ!あなたたちとは違う!」という思いの根底には、音大を卒業するまでの、数々の苦労というものがあり、音楽というものを「趣味」としている人とは、音楽に対しての接し方、その重みが違うという思いがあるのではないかと僕は感じました。「専門と趣味は違う!」・・・そうなのでしょう・・・きっと・・・でも、そうだとしても、音楽を聴いて、その感動を聴くだけではなく、その感動を放出したいという思いは、音大というものは関係ないのではないかと僕は思います。その部分はアマチュアも同じだろう???そして正直、僕は平均的レベルの音大生やピアノの先生よりも、演奏能力の高いアマチュアのピアノ弾きも世の中には多いのではないかと思っています。ような、お互いにどこかで境界線を決めて、互いに交わろうとしない、自分たちの世界というものに固執するような、そのような狭さを、メールの先生からは感じてしまいました。「3つのタブー」なんて、後ろ向きな思考に現在いるのは、あるピアノの先生からのメールが原因だ。このブログはメールフォームを介してのピアノの先生からのメールが実に多い。ほとんどが、「私もそのように思う」という同意のメールで、数少ない反対意見のメールも、「私はそのようには思わないけれども・・・」というように、その内容は中傷メールというものではない。「自分の楽しみのために弾いているアマチュアは、本来は人前で演奏するべきではないと思う。音大を卒業したような人ならともかく・・・自分が感動して、その感動を分かち合いたいという気持ちは理解できなくもないけれど、その感動というものだって、やはり、きちんと勉強した音大生やピアノ講師とは、その感動の質そのものが違うはず。人に演奏を聴いてもらうということは、そんなに生易しいものではないんですよ!」まぁ、こんな内容でしょうか?いつもだったら「僕はそんなふうには思わないよ~ん!」と気にしないのだと思うけれど、さすがに演奏会前の不安な時には、これはキツイ!もしかしたら、この先生のメールは、大変に「心あるメール」なのかもしれないなどと感じてしまったりもしている。たしかに人前での演奏、それもサークルの仲間だけでの演奏会とか、発表会とは異なり、企画してお客さんを集めてという演奏会という場で弾くのは、生易しいことではないだろう。音大生やピアノ講師と、アマチュアや子供とで感動の質が異なるとは僕は思えない。専門的に勉強していること、してきたことで感動が少なくなるのであったら、その方が問題だし、そうだとしたら感動することのできるアマチュアや子供を見習うべきだろう。純粋さを失くすことがプロフェッショナルなこととは思えない。そのあたりは、僕は揺らぐことはない。・・・やはり、僕は演奏会が怖いのだろう。その先生の「所詮、あなた(たち)は素人なの!」という内容に揺らいでいるのだろう。僕は、その先生の演奏を聴いてみたい・・・そう思う。10△top3つのTaboo一般的に、ピアノの学習において、「~あるべき」「~の方が望ましい」と思われていることがある。系統だった、きちんとしたピアノ歴ではない。エチュードも弾いていないし、ハノンも練習したことがない。いわゆる、ピアノの学習において、多くの人が通ってきた道を通っていない。子供の頃、勝手に弾いていて、その後30年のブランクがある。~するべき・・・という正しい(と思われている?)道を通っていないので、自分の演奏の欠点をそのせいにしてしまいがちだ。何よりも、演奏会の前になると、きちんとしたピアノ歴ではないという事実が、精神的に自分を追いつめる。練習時間が圧倒的に少ない。練習できる時には練習している。睡眠時間を削ってまで。これは当たり前のことだけれど、僕には仕事があって、オフの日でも仕事関係の事で時間を取られてしまう。ピアノの練習のために、有給を取るということは、自分に禁じている。有給なんて取れないという現状もある。1週間、全くピアノに触れないこともある。練習量というものは、上達に比例するだろう。焦りが自分を追いつめる。電子ピアノで練習している。これは、日頃からグランドピアノで練習している人と比較すれば、圧倒的に不利だろう。実際のグランドピアノとのタッチや響きの差は、自分の想像力で埋めるしかないと思っている。思ってはいるけれど、演奏会の前になると、このあたりも不安材料になってくる。「電子ピアノは所詮、電化製品なので・・・」などというピアノの先生の文章を読んだりすると、ものすごく不安になってきてしまう。この3つは、きちんと演奏するうえでは、欠くことのできないものとされている。その3つが僕を苦しめる。「楽しめばいい」というピアノとの接し方も、もちろんアマチュアなのだから存在するけれど、でも演奏会で人前で弾くと決めたからには、「自分が楽しければ・・・」ではマズイだろう。僕は「3つの禁」に苦しんでいる気分だ。「雪が降る・・・」ブラジルの作曲家というと、やはりヴィラ=ロボスが有名なのでは?でも盛んに演奏されているとは言えないですね。フランシスコ・ミニョーネも日本版の楽譜が出版されたりして、以前よりは演奏されるようにはなってきているのでしょうか?ブラジルに限らず、南米のピアノ曲は「民族色」というものが敬遠されて演奏されないのでしょうかね?エンリキ・オスワルドは、ブラジルの作曲家ではありますが、ずっとヨーロッパで暮らしていたので、いわゆる「民族色」は薄い作曲家とされています。僕には「サウダージ」・・・感じさせますねぇ・・・オスワルドに「雪が降る・・・」という作品があります。日本版の楽譜も出版されています。この曲は、新聞社の作曲コンクールで優勝した曲として有名になったそうです。いっても日本では演奏される機会は少ないようですが・・・わずか2ページの短い曲です。Estrellaです。一回ハマルと抜け出せない南米のピアノ曲。Estrellaという人の演奏にたどり着いた。パリでコルトーに師事したピアニストのようですが、細かな事は分かりません。この人の演奏はいいですねぇ・・・そのEstrellaが、フランシスコ・ミニョーネの「街角のワルツ」を弾いている。この「街角のワルツ」は12曲のどれもが好き。古い録音なので音質は、それなりだけれど、このような演奏や曲にはハマッテしまうのだ。講師演奏、ピアノの先生方は、さぞかし弾きにくいのではないかと想像します。「さっ!先生の演奏よ!」・・・のような雰囲気の中、注目を浴びながら演奏する・・・プレッシャーは感じるでしょうが、でも演奏中、誰からも注目されず、私語はないまでも、多くの人がプログラムをめくりつつ・・・という空気の中で演奏するよりはいいのではないでしょうか?その「さっ!先生よ!」の空気の中で、何を弾くかですが、ここで聴き手のことを考える必要があるかとは思います。多くの先生は、いわゆる有名曲を演奏されるようですが、たとえば「幻想即興曲」のような、誰でも知っている曲を弾くのは、聴き手の感動を誘うという意味では難しい面もあるかと思います。聴いてはくれるでしょうが・・・かといって、「レッスンで習っているスクリャービンのソナタを・・・」「ドビュッシーの前奏曲を・・・」と、現在練習中の曲を弾くのも難しい面がある。聴いている人は「何やら難しい曲を弾いている・・・」と正直感じているかもしれません。弾きたい曲を弾けばいいのでしょうが、聴き手の立場からすると、発表会での講師演奏では、「絶対に達者な子供では弾けないよ!」のような「大人の、アダルトな選曲」をして頂きたいと思います。生徒の演奏がポップスばかり、アニメの主題歌ばかり・・・という発表会では、いわゆる「中央ヨーロッパの定番クラシック」の曲を弾いた方がいいような気がしますが、大概は、生徒の弾く曲も「中央ヨーロッパ寄り」の選曲になっていることが発表会では多いのではないでしょうか?なので、講師演奏では南米・・・この「ヴァイドーザ」を演奏しているのは、ブラジルのピアニスト、ロベルト・シドン。リストの演奏が比較的有名なのではないかと思います。8歳の時には、リストのラプソディーを弾きこなしていたとか?この人は、医学の道に進み、軍医となるのですが、ピアニストへの夢を、あきらめきれずに、プロのピアニストとして、人生を再構築した人でもあります。0△top南米音楽を弾いてみませんか?ラテンの曲が好きだ。南米の作曲家のピアノ曲が好きだ。演奏会や発表会では、何故か演奏される機会は少ない。?楽譜が手に入りにくいということも一因かもしれない。Op.9-2」もいい曲だけれど、モーツァルトの「トルコ行進曲」も素敵だけれど、それらの曲が弾けるのであれば、ヴィラ=ロボスのワルツ「トリストローザ」も弾けるだろう。商品詳細を見る「音楽にジャンルはない!あるのは良い音楽と悪い音楽だ!」デューク・エリントンの言葉。「私の音楽はGフラットとFシャープの違いを学ぶことから始まった」その、デューク・エリントンの音楽を、クラシックのピアニストであるティボーデが録音していて、そのアルバムが実に素晴らしい。0△top真似してはいけない?ピアニストの演奏を聴いて、「この弾き方は素敵!私もこのように弾いてみよう!」とチャレンジすることは、ピアノ学習的には良くないことなのか・・・ナザレの曲を聴いていて、ふと思った。ナザレの曲、特にタンゴのリズム(この場合はブラジルのタンゴ)の曲は、ただ弾いているだけ・・・という印象の演奏になりがちだな・・・棒弾きになりやすいな・・・と。「印刷されているから、そのように音にしてみました」のような演奏になってしまうことを自ら感じていて、でも実際にどのようにすれば、ピアニストのように弾けるのかが解らずに、悩んでいる人がいたとする。仮に、その人がナザレの曲を練習していて、たまたまアルトゥール・モレイラ=リマの演奏するナザレの曲を聴いたとする。「やはりピアニストはミスなく弾くのね、指もよく動くわぁ。自分も、つっかえないように反復練習しなくちゃ!」と感じる人は、もしかしたら「棒演奏」からの脱却は難しいのかも?普通は、ピアニストの演奏に、「ハッ!」とする瞬間があるのでは?魅了される瞬間があるのでは?その場合、「このように弾いてみたい」と、ある意味「真似」の要素が練習に入ってくるのは、これはいけないことなのだろうか?「真似はダメよ!参考ならいいんだけど・・・」では、「真似」と「参考」との線引きは?考えてみたら、僕は子供時代を含め、「真似」ばかりしてきたような気はする。実際には、「このルバート・・・頂き!」のように、そのまま真似る・・・ということはないけれど・・・アルトゥール・モレイラ=リマのナザレを聴いて、僕は「微妙なる揺れ動き」と、短調になった時の、これまた「微妙なるニュアンスの醸し出し」にとても惹かれる。僕が、ナザレの曲を弾くとしたら、モレイラ=リマの演奏から受けた、自分の脳内イメージの音世界がすでに存在していると思う。「カルーソー」の作詞・作曲者、ルチオ・ダッラが亡くなった。去年の3月のことだそうだ。1年以上も前のことだ。このことを知って、かなりショックだ。仕事柄、人の最期を看取ることも多いのだけれど、仕事では、もちろん泣いたりはしない。歌手やピアニストが亡くなると、本当に胸にドスンと響いてしまう。訃報というものは、自分の生活を見つめ直す機会になる。「無駄に過ごすなよ」と。「このまま死ぬのかな?」と感じたことがある。入院した時など・・・その時は、「まだ死にたくない!」と心から思った。「あれもやりたかった」「これもやっておきたかった」この感覚は、僕だけではなく、多くの人が感じることらしい。人間というものは怠惰な生き物。僕がそうなのかもしれないけれど、人の訃報は、自分の生活、そして人生に「活」が入る効果もあるのだ。ルチオ・ダッラ・・・とても感情豊かな歌手だったような気がする。公演先のスイスで突然亡くなったそうだ。0△top「嵐のような口づけ」エルネスト・ナザレというブラジルの作曲家ですが、「ブラジルのショパン」と呼ばれ、日本でも楽譜が出版されているメジャーな(南米の作曲家としては・・・)存在なのかと思います。「オデオン」・・・という曲が有名でしょうか・・・この曲のように、ナザレの曲は、割と気楽な小品といった趣があるような印象を持つ人が多いのかと思います。ナザレは音楽院のような高等教育機関で勉強をした人ではありませんでしたから、残した曲は小品ばかりで、大掛かりな大曲がないので、なおさら「楽しい曲を沢山書いた人」のようなイメージがあるのだと思います。少年時代から作曲をしていますが、ナザレの生涯の後半は、大変に哀しい、そして悲惨なものだったようです。娘をインフルエンザで亡くしてから、ナザレは自分の中に閉じこもるようになっていったようです。この時期から彼の不幸は始まっていく印象があります。耳の障害も深刻になり、ほとんど聞こえない状態にまでなっていったといいます。妻が亡くなってからは、ナザレ自身の健康状態も著しく悪化していきます。診断は、末期の梅毒・・・神経も侵されていたようです。神経障害の施設でナザレは療養するのですが、患者に「家に帰る」と言い残し、施設を出たまま行方不明になります。3日後、森の中で遺体で発見されます。森の中の滝のそばで、手を伸ばしピアノを弾いている姿で亡くなっていたと当時の新聞は報じています。解剖の結果、ナザレは溺死だったようですので、ピアノを弾いている姿で・・・というのは本当ではないのかもしれませんが・・・そのナザレの曲ですが、たしかに楽しげな短い曲が多いです。楽しげなようで、ふと感じさせる哀愁が、ナザレの曲の魅力のような気がします。僕はナザレの曲の中では、「嵐のような口づけ」という曲が好きです。この曲は、陽気なリズムで楽しげな雰囲気を装うことはなく、私的なナザレの告白・・・といった感じがします。ナザレと同じブラジル生まれのピアニスト、アルトゥール・モレイラ=リマが弾いています・・・このピアニストは日本では有名ではありませんが、ショパン・コンクールの入賞者を調べてみると、この人の名前が見つかると思います。0△topタッチジャン=イヴ・ティボーデというピアニストを再認識したのは、この演奏を聴いたから・・・いわゆるクラシックの曲ではないのだけれど、彼は完全にクラシックの打鍵、それも一流のピアニスト特有の打鍵で演奏している。そこに魅力を感じたのだ。僕は、実はジャズは苦手。ジャズ・ピアニストの「音」が苦手・・・というより、クラシックのピアニストの打鍵に惹かれる。捉えるか、僕の場合は、指が動くとか表現とか・・・ということよりも(むろん、それもあるが)やはり「音」「打鍵」で判断することが多い。0△top相互作用の演奏ジャン=イヴ・ティボーデというピアニストに最近は注目している。何枚かCDを所有していて、以前に確実に聴いたはずなのだけれど、印象に残っていない。僕の愛好家としての趣味としては、別の所にいる人・・・という認識だった。最近は、ラフマニノフ~カぺル~ワイセンベルク~ハフ・・・という線上にいるピアニストと感じるようになってきた。このティボーデと、「エル・システム」の、ある青少年オーケストラとの共演の映像がある。この演奏が、とても熱い。オーケストラと指揮者は、若い、爆発するような音楽へのエネルギーを発散し、どちらかといえば「冷静」なティボーデも、とても熱くなっている。ジャン=イヴ・ティボーデというプロのピアニストの技量と芸術性が、若いオーケストラのメンバーに伝わり、オーケストラは「熱さ」「若さ」だけではない何かを表出しているようにも感じる。変な言い方だけれど、演奏者同士の「やりとり」の「見える」演奏・・・そんな感じだ。ティボーデはゲイであることを公にしているし、衣装もヴェルサーチやヴィヴィアン・ウエストウッド・・・と凝っていたりするので、そのようなことばかり話題になるのは残念だと思う。0△top飛び出すための練習ベネズエラの「エル・システム」の青少年オーケストラ、数多くのオーケストラがあるけれど、その演奏能力の高さに驚いてしまう。彼らが演奏している楽器だって、プロのオーケストラの団員が所有しているような高価な楽器ではないだろう。彼らの多くは、スラム街出身で、実際に犯罪の被害者や、そして加害者だった者も多いという。音楽に接し、そして演奏することが自分の人生を再び取り戻すことでもあったのだ。楽器を演奏する・・・それは孤独な練習を重ね、深く追求していくような感覚があったのだけれど、練習を重ねるということは、「狭く・深く」というよりも、本当は「広い世界に飛び出していく」ということにもならないだろうか?彼らの演奏を聴いていて、ふと、そのように感じた。日頃の練習や、ピアノのレッスンにおいても、孤独で、ある意味、辛い練習というものが、物凄く広い領域に飛翔する・・・という感覚をも持てるようになれば、感じられるようになればいいのかもしれない。商品詳細を見る南米、ベネズエラ・・・クラシック音楽とは、あまり結びつかない国のようなイメージがあった。ベネズエラの音楽教育システム「エル・システマ」は、今や世界的な注目を集めるまでになった。ベネズエラは貧富の差が激しく、貧困や治安の悪化などが問題となっていた。そのような社会で犠牲になるのは、子供、青少年だ。日本の「非行問題」などとは比較にならないほど、貧困層の子供たちの生活は深刻だ。音楽家で、経済学者でもあった元文化相のホセ・アントニオ・アブレウという人が始めた運動が発展し、ベネズエラの国家的音楽教育システムにまで成長した。最初は10人ほどの音楽教室から始まったが、現在では200以上のユース・オーケストラがベネズエラにはあり、そして「エル・システマ」で音楽に関わっている青少年は40万人にも及ぶという。その多くの青少年は貧困層以下の出身者であるという。「エル・システマ」の理念は次の3つ。1、すべての人が経済的事情を懸念する事なく音楽にアクセスできることを保障。2、集団(オーケストラ)での音楽活動を通じコミュニケーション能力を高める。3、社会規範と自己の個性を両立することを音楽体験を通じて学ぶ。個人で楽器演奏を習得するだけではなく、オーケストラという集団の中で、他人を尊重し、そして自分を尊重することを学んでいくシステムなのだという。楽器は無料で貸りられるし、もちろんレッスン代は無料だ。音楽による情操教育という面もあるのだろうが、ベネズエラでは音楽は生きるための手段でもあるのだ。「エル・システム」による教育で、たとえばベルリン・フィルに入団するような者も出てくるようになった。「エル・システム」で教育され、そして技能を身につけた者は、今度は指導する側になり、ユース・オーケストラの育成に携わるようになる。無料で・・・ベネズエラという国で、このような動きが発展してきたことに正直驚いてしまう。日本の子供、そして青少年の方が圧倒的に裕福な生活をしているだろう。ピアノを習っている子供も、そして大人も多い。ベネズエラの青少年の方が、圧倒的に「音楽に恋している、熱き想いを表現している」と感じるのは何故だろう?ベネズエラを変えたもの、それは人間の力、そして音楽の力であるといえよう。音楽には人の人生を変えてしまうことのできる力があるのだ。ナポリはエンリコ・カルーソーの生まれた土地でもある。カルーソーの墓を訪れた。バスティアニーニの墓と同じく、沢山の花が供えられている・・・カルーソーは、ナポリの貧しい家庭に生まれている。子供の頃から食べるために働き、そして出世払いで声楽を学び、スカラ座に、そしてアメリカに渡った。どのような苦労があったのだろう?どこまで歌を愛していたのだろう?「私の人生はとても苦しかった。私の歌で聴いている人が泣いてくれるのは、そのためなんだ・・・」アメリカに渡り、名声を手にしたカルーソーだが、咽頭の手術をしているのは意外と知られていない事実だ。このあたりの年齢は、何かしらの困難を抱える年齢でもあるのだ。僕には、まだやりたいことがある・・・カルーソーの墓前で祈る。本来は、祈りは他人のためにするものなのかもしれないが、自己中心的な僕は自分のために祈った。「まだやりたいことがある。これ以上、僕の体力、そして聴力を奪わないでください」と・・・48歳の熱望・・・エンリコ・カルーソーを描いた歌がある。シンガー・ソングライターのルチオ・ダッラが書いた曲。実に多くの歌手が歌っている。音楽院(大学)は、どのような人物を輩出したかで、そのグレードが決まるようなところがあるのかもしれない。海外だったらジュリアード音楽院とかパリ音楽院、モスクワ音楽院・・・さて、ナポリ音楽院は?ナポリって風光明媚な都市だけれど、音楽では「帰れソレントへ」とか「オー・ソレ・ミオ」などの歌は頭に浮かぶけれど、あまり音楽とか演奏家を思い浮かべない土地かもしれない。「ナポリの6度」というのは、かつてのナポリ楽派の音楽家が好んで使った手法なのだそうで、ここ、ナポリは、昔は音楽の中心地だったのだ。ナポリ音楽院出身者は、作曲家を中心に、それこそ音楽史に残るような音楽家が多い。ムーティとヴァイオリニストのアッカルドもナポリ音楽院・・・ピアニストでは、フィオレンティーノの他には、チッコリーニもナポリ音楽院で学んでいる。チッコリーニは有名だけれど、ブルーノ・カニーノは日本では有名なのだろうか?あまり有名ではないのかもしれない。ブルーノ・カニーノ・・・「ベルカント・ピアニスト」という感じを僕は受ける。音そのものがベルカントというか・・・ブルーノ・カニーノの演奏する、ベートーヴェンの「うつろな心による変奏曲」この曲は、初級~中級者がよく弾く曲という印象で、ユーチューブで検索すると、子供の演奏が沢山出てくるけれど、ブルーノ・カニーノのように演奏するのは、とても大変なのではないかと思う。0△topナポリ音楽院セルジオ・フィオレンティーノというピアニストは、ナポリ音楽院の出身。カーネギー・ホールにデビューしたのが1953年。そのまま世界を舞台に活躍するピアニストとなるはずだったけれど、翌年にフィオレンティーノは飛行機事故に遭遇してしまう。大事には至らなかったけれど、それ以後はフィオレンティーノは母校、ナポリ音楽院で教える人生を選び、演奏活動の場を限定してしまった。ナポリ音楽院を退職してから、「そろそろ演奏活動でも・・・」と、活動の場を広げるのが、1993年のこと。彼は、その数年後に亡くなってしまうので、世界的な・・・という意味でフィオレンティーノが活動していたのは本当に短い期間であったと言える。彼の知名度が低いのは、そのためでもあったと思われる。フィオレンティーノの生き方はガツガツしていない感じで憧れるところもあるけれど、彼の録音を聴いたりすると、やはりナポリという一地方で教えていた人生というもの、それは彼自身の選択だったとしても、愛好家としてみれば、やはり「生でフィオレンティーノを聴いてみたかったな・・・」という思いは残る。そのナポリ音楽院、正式名を「サン・ピエトロ・ア・マイエッラ音楽院」という。同名の教会、修道院が付設されている。この書き方は正しくはないのかもしれない。教会、そして修道院に音楽院が付設されているというのが正しい認識なのかもしれない。イタリアの音楽院は、ナポリ音楽院に限らず、教会や修道院との密接な関係がある。教会では捨てられた子供、孤児などを育て、そこでコーラスや楽器演奏などの音楽教育を施した歴史があるからだ。音楽院と教会が結びついているのだろう。このあたりは、日本の音大やアメリカの音楽院とは違う歴史の重み、伝統の重みを感じさせる。「悲しみは星影と共に」この映画は日本では現在、DVD化されていないようです。この映画を紹介するのは、残酷なまでの哀しみ、そして絶望感に満ち満ちた作品だからです。救われないまでの暗さが映画を支配している・・・そして、この映画は驚くべきことに実話だということです。どんなに辛い人生でも、そこには意味がある・・・でも、ここまでの悲惨な人生に意味があるのでしょうか?どこに光を見出せばいいのでしょうか?「刑事」も「鉄道員」も名作として知られていますが、この「悲しみは星影と共に」は、知られている作品とは言えないと思うので、あえて紹介してみました。貼りつけた動画には字幕がありますので、おおよそのストーリーは伝わるかと思います。「鉄道員」この映画もピエトロ・ジェルミ監督、そして主演の映画です。音楽も「刑事」と同様に、カルロ・ルスティケッリが担当しています。家族愛を描いた作品なのだと思います。お父さんは、とても頑固なんですよね。いい人で愛情深いのですが・・・なので、息子や娘とは上手くいかない。大きな事件もなく、淡々と物語は進んでいきますが、とても哀しい映画のような気がします。家族が一つになった時、お父さんの愛情が家族全員に伝わった時に、お父さんはギターを弾きながら静かに亡くなります。サンドロ役、子役のエドアルド・ネボラが可愛いんですよね。ルスティケッリは、この家族愛を描いた映画「鉄道員」に、とても素晴らしい音楽を提供しています。この音楽が、「鉄道員」という映画の価値を高めているようにも感じます。僕は古いピアニストが好きなんですが、映画も古い映画が好きなんですね。基本的にはアメリカの昔のコメディーが好きですが、今はイタリア気分なので、イタリア映画の紹介です。映画に使用される音楽は、とても重要であると僕は感じます。その音楽でなければ、映画もそこまで有名にはならなかったのかも・・・というケースも多いと思いますし、映画は観たことがない、もしくは内容は忘れてしまったにしても、何故か音楽だけは印象に残っている、音楽は聴いたことがあるということも多いのではないでしょうか?「刑事」という昔のイタリア映画ですが、監督、主演がピエトロ・ジェルミ、音楽がカルロ・ルスティケッリ。このルスティケッリという人は、この「刑事」の他にも、実に美しい映画音楽を沢山書いています。「刑事」は、いわゆるサスペンスもの・・・ということになるのかもしれませんが、イタリアの庶民の生活や内面も描き切っていて、素晴らしい作品に仕上がっていると思います。ストーリーは書きません。(書けません?)調べてみてください。(丸投げ?)ラストシーンでCCが連行される恋人を追って、恋人の名前を叫びながら車を追う・・・このシーンが有名になりましたね。CC?調べてみてくださいね。(丸投げ?)カルロ・ルスティケッリの娘であるアリダ・ケッリが主題歌を歌ってヒットしました。日本でも大変ヒットしたそうです。「死ぬほど愛して」という曲です。気怠さを感じさせるアリダ・ケッリの歌い方がいいんですよね。「1963年11月1日、初めて右頸部に治療に抵抗し、存在し続けた腫瘍を発見した。11月25日、左頸部に第二の腫瘍が現れた・・・」エットレ・バスティアニーニは咽頭癌であるとの告知を、1963年1月に告げられているが、前年の3月に次のような手紙を書き残している。頭の中をたくさんのことが渦巻いていて、心にも頭にも平和な時が一瞬もないとは、とても悲しいことだ。ほとんど破滅状態までに、僕は今、自分を犠牲にしている。前へ、前へと進まなければならない。僕は空っぽで何も感じない。運命はいつも僕につらくあたる・・・」この時期には、少なくても自分の声の、そして喉の異常は感じていたのではないだろうか?エットレは周囲には自分の病気のことを公にはしていなかったので、批評家や聴衆は、エットレの声の不調を、多忙なため、あるいは不摂生のため衰えが早くきたのだ・・・などと考えた。歌い続けたのだろう?声の衰えはエットレ自身が一番知っていたはずなのに。治療を続けながらも、エットレは歌い続けた。「全盛期は過ぎ去った」と人々に言われながら・・・スカラ座、ウィーン国立歌劇場、そしてメトロポリタン歌劇場などがエットレとの契約を打ち切っていく。それでも彼は歌い続けた。1965年、6月にエットレは来日している。直前までスイスにて入院治療をしていた直後である。その時の歌唱が残されている。たしかに全盛期のエットレの声と比較してしまうと、正直辛くなるほどの声の衰えが認められる。胸が苦しくなるほど僕の何かを揺り動かす・・・エットレ・バスティアニーニはシエナで生まれた。彼の生家と、そして墓はここにある。彼の墓には、若かりし頃のエットレの写真と墓碑銘が記されている。彼の墓を訪れるのは昨年に続いて二度目になる。「何故歌い続けたのだろう?」その答えは僕などが考えても理解できることではない。昨年もそうだったが、墓前には花が添えられている。ここはバリトン歌手にとって、そしてエットレ・ファンにとっては聖地のような場所なのかもしれない。昨年は、墓地に来ると、それまで降っていた雨が止んだ。今年は、風がおさまり、雲の間から陽光が差し込んだ。急に鳥の鳴き声もおさまり、あたりは無音になる。「歌いたいから歌ったんだ・・・」エットレの声が聞こえたような気がした。