上江隼人氏またひとつ、ヴェルディの壁を越える。ェルディのオペラのプリモ・バリトン役(主役)には毎回“壁”がある。オペラ『リゴレット』のタイトルロール・リゴレット役は今まで自分のレパートリーの中でも一番歌わせてもらっている役だが、重ねれば重ねるほどいつも音楽と演技のバランスという難しさが立ちはだかる。それはヴェルディのオペラが本質を描いているがゆえであり、歌だけでなく演じ手としての技量も求められる深い表現に挑むことは、やりがいでもある。逃れられない運命を背負ったリゴレットの人生や、娘を思う父の気持ち。今出来る最高の表現を目指したい。そこには、長年にわたるイタリア滞在で得た学びも、きっと生きてくる。今最も旬なアーティストのリアルな声や、話題の公演に関する臨場感あるエピソードなど、オペラがもっと楽しめること請け合いの情報をお届けするコーナー「CiaOpera!」。リゴレット』で、タイトルロールを務める上江隼人氏。回を重ねるごとに進化するヴェルディ・オペラについてや役づくりのポイント、共演者、長いイタリア生活で会得したものなどのお話を伺いました。何度目のリゴレットでも、今の自分に出来る一番いいもので臨みたい。リゴレット』にて、2日にタイトルロール(オペラのタイトルになっている役)であるリゴレット役を務められる上江隼人さんにお話を伺います。みなさんに最初にお聞きする質問ですが、今回のリゴレット役に臨むにあたっての意気込みをお願いいたします。オペラ歌手っていろいろ声種があると思いますが、なかでもバリトンがタイトルロールを演じる機会というのがあまりないため、そのような機会があることがまず光栄なことだと思います。バリトンのタイトルロール、ヴェルディのオペラだとまだ多い方だと思うのですが、他の作曲家になると数が少ないですからね。それに、『リゴレット』はヴェルディの作品のなかでも特に中期作品の核となるものだと思うので、それを歌わせていただけることは大変ありがたいことです。—ヴェルディのオペラのなかでも核となる作品なのですね。上江さんは、このリゴレット役はもう何度も歌われていますよね。海外公演を含めて、10回ぐらい歌わせていただいているでしょうか。世界的な歌手たちは本当に何十回、何百回と歌っているので、それに比べたらまだまだですけれど、それでもありがたいことですね。ヴェルディを歌うときは毎回壁が立ちはだかるのです。それを乗り越えられるか、乗り越えられないかという試練のようなものをいつも感じています。すごく偉大な作曲家ですし、自分たちには思いもよらないことを考えてオペラをつくっていたんじゃないかなと。ヴェルディに「どうだ、歌えないだろう」と言われているような気がして。そこを、歌い手の人生をかけてそこを乗り越えていくところに、演者としての魅力があるのではないかと思います。—上江さんのようにご活躍の方でも、壁は毎回感じていらっしゃるのですか?毎回です!ヴェルディの作品は、どんな役でも必ず壁があります。—具体的にはどういった壁なのでしょうか?そうですね、お芝居と歌のバランスを取るのがすごく難しい、といいますか。一回出来たからといって二回目が出来るかというと、そういうわけにもいかないのです。そのときの体の状態や波長、自分が置かれている状況があるなかで、自分が出来るいちばんいいものを自分自身で感じ取らなければいけない。リゴレットという役も複数回演じていますが、どんなに回数を重ねても、毎度一から勉強するつもりで臨んでいます。昔がどうだったかというよりは、今出来ることを探して。これは折江総監督もおっしゃっていたことですが、一生懸命歌っている人というのは必ず挑戦していて、いつも自分にとってギリギリのところで闘っている、と。いう感性を、私自身も常に持っていたいなと思います。—常に初心にかえって臨まれているのですね。今回は、どんな点にポイントをおいて役作りをしようと考えていらっしゃいますか?ヴェルディのオペラはすごくメッセージ性が強いのですが、この『リゴレット』は、本当は「呪い」という言葉をオペラ・タイトルにしようかと考えていたといわれるぐらい、背負って生まれてきてしまった運命的なものを表現したかったのではないかと思うのです。リゴレットという人物の生き様もしかり、彼の娘であるジルダとの親子関係もしかり。私にも今度小学生になる娘がいまして、前回歌ったときにはまだ2歳ぐらいだったのですが、今回はそのときと娘に抱く気持ちが違います。ジルダの歳にはまだ早いですが、幼かった頃に比べて、より心配になる気持ちや、将来どうなるのだろうと考える気持ちが増したことは、リゴレットの深い部分に近づけるかなと思います。それから、これはイタリアの話ですが、とある有名なリゴレット歌いの方が、公演の一週間前ぐらいに交通事故で娘さんを亡くしてしまわれた。それでもやっぱり歌い手として歌わなければいけなかったから、本番ではオーケストラもお客さんも劇場中が泣きながらやっていたといいます。その話を聞いたとき「すごいことをやっているなぁ!」と思いましたが、それぐらい、自分の中に持つものをひとつの表現として昇華させなければいけないのだと思いました。そこがリンクしたときに、ものすごいものが現れる可能性を持っている。ただのお涙頂戴ではなく、親子関係にしても、運命的なものにしても、本質的なものが表現されている作品なのだと感じています。運命的なものといえば、リゴレット自身が背負っている運命のような部分も表現できたらと思いますが、たとえば彼は生まれつき体に不具を負っていた。これは、このオペラが生まれた当時は、舞台に乗せてはいけない題材と考えられていたようですが、ヴェルディはこういう人たちもいるんだよ、この人たちの運命や人生を共有しよう、そしてみなさんも考えてくださいという提示をした。その、背負って生まれてきたもの、変えられない運命的なものをどう表現していくかがこのオペラの興味深いところです。—その人が背負っているもの、運命的なもの、という題材は、ヴェルディ作品には多く見られますよね。『リゴレット』を作曲したこの時期は、『ラ・トラヴィアータ』や『イル・トロヴァトーレ』など、特にそこに焦点を当てた作品が多いかもしれませんね。ヴェルディ自身も“運命”のような題材に惹かれていたのかもしれませんし、こういった提示を行うことで後世まで残っていくような作品になると予感していたのかもしれません。今でこそクラシックの領域ですが、当時としては最先端をいこうとしていた人々なので。—当時の最先端であり、問題提起であり、本質的な表現を要求する芸術作品でもあったのですねそうですね。「いい作品をつくらなければ」とよくいわれますが、「いい作品」というより「本質的な作品」になるよう、うまくいくかいかないかはともかく、歌い手ひとりひとりがそのとき出来る最高のものを出そうという意識を持って、みんなでつくり上げていく。それがヴェルディのオペラに臨むときの姿勢であるべきかなと思います。ヴェルディのオペラに求められるのは、歌い手と演じ手のバランス。>Tweetこのページを。