エットレは治療に消極的だったのではないだろうか・・・と想像する。若かったから進行も早かっただろう。事実、癌は転移をしているのだ。「バスティ(エットレの愛称)・・・あなたの命が危ない。「私は自分の命よりも自分の声を守りたい。歌手としての名声、声の輝き、その頂点のところでエットレは発症した。歌えなくなる、声を失うということを受け入れられなかったのではないだろうか?命よりも声を優先した。井上氏の声の変化、現代の治療でも、あそこまでの声の変化があるのだ。声を失っていく過程、声を失い、歌えなくなってしまう自分・・・ここの部分の人生は壮絶なものになるとエットレは予想したのだろう。癌が発見されてから最愛の恋人とも別れたのだ。壮絶な人生は一人は歩んでいくしかない。0△top復帰ブログで自分の病気のことを話題にすることは、あまりないと思う。自分の病気を明らかにしたことで、このブログを読んでいるリアルな知り合い、例えば、サークル仲間の中には、大変驚いたりした人もいたみたいだ。「実は私も・・・」と打ち明けられることもある。癌という病気は、とても身近な病気なのだ。今は若く、そして元気な人でも、癌になる可能性はあるのだ。いや、可能性は高いと言い直したい感じだ。なった時に、「そういえば、かつてkazさんという人がピアノを弾いていたけど、癌の攻撃を何度も受けても、ピアノって弾いていられるのね」と思ってくれたら、僕としてはとても嬉しい。体力面では、とても深刻だ。以前だったら弾けただろうなと思う曲でも、体力の問題で弾けない曲が出てきた。ピアノライフの縮小もしなければならなくなった。以前は複数のサークルに所属していたし、単発的な弾き合い会のようなものも参加していけたら楽しいだろうな・・・などと思っていたけれど、今はとても無理だと感じる。サークルは一つだけで精一杯だ。電車に乗って会場に辿り着くのも実は大変なのだ。疲れて目の前が真っ暗になったりする。駅や公園のベンチなどで休みながら到着しているのだ。練習会ではそのような体力で僕が弾いていると感じているメンバーはいないと思う。最近は、体力配分も上手くなってきたので、練習会後の打ち上げなどでも、僕の体力の無さを見破る人はいないはずだ。・・・そのような中、ピアノを弾くって、なんだか楽しい。僕が密かに誇りに思っていること、それは「癌でも、そして再再発してもピアノって弾けるんだよ」ということを実践しているということ、また「電子ピアノでもピアノって弾けるんだよ」ということを演奏することで証明しているということ。癌という病気も悪いことばかりではないのだ。新たな目標ができるし、その目標を目指すことで自尊心を保つことができるのだから。僕が言われて嬉しい言葉は「えっ、kazさんは電子ピアノで練習しているの?」という驚きの言葉だ。僕がブログで時に(いつも?)辛辣なことを書くのは、これも自分の病気というものが関係しているものと思う。いつまで書けるか分からないわけだから、書きたいことは書いておこうという心理が働くのだと思う。選曲に関しては、癌というものを恨んだりすることもある。長期的な視点で選曲をする楽しみは僕には生涯ないだろうと思う。「来年の演奏会は何を弾こうかな・・・」などという楽しみとはもう無縁なのだ。「来年かぁ・・・生きてる?」みたいな・・・なんで、こんなことを書いているのかというと、この人が復帰したのを知ったからだ。咽頭癌で闘病したということ、演奏会をキャンセルしたことなどは知っていた。個人的な知り合いではないけれど、やはり癌からの復帰というのはとても嬉しいのだ。0△top無難に弾きたい?先日、友人に来月の演奏会の曲を聴いてもらった。この時のことは以前に書いたけれど、友人の感想の中に「演奏に悲壮感を感じる」というものがあった。「一生懸命なのは伝わるんだけど、その一生懸命さが悲壮感に思えてくるんだよねぇ・・・」と。考えるに、その時の演奏は、僕なりの曲への想いというもの、音楽への想いというものよりは、「本番でどのように弾けるか」という演奏者目線が全面に出てしまったからだと思われる。30分のステージを暗譜で弾き通すわけだから、それだけで怖さがある。客席が暗くなり、ピアノの前に座る・・・そのことを想像しただけで「どうしたものか・・・」と緊張する。その場を、いかに切り抜けるか・・・という思いで一杯になってしまう。「kazがどのように弾けるか・・・なんて聴きに来ている人なんていないんだから、自意識過剰じゃない?もっと曲そのものを聴いている人が感じられるようにしないと・・・」たしかに、今は「失敗しませんように・・・」と自分で思いすぎているような気はする。それで当然ではないのか?ピアノを再開したいと思った時、その時には「上手くなりたい・・・」というよりは、「音楽に触れたい・・・」と思った。そのような思いは、演奏会を控えた今、少なくなっている?Aさんの演奏を聴いて、考え込んでしまったのは、彼の演奏には「愛」というものが感じられるから。「本当に、この人、ウィーンのワルツやオペレッタが好きなんだなぁ・・・」ということが伝わってくる。超絶技巧を聴かせてくれるわけでもないし、編曲が凝っているわけでもない。クリティカルに聴けば、まぁ、いろいろとあるのかもしれないが、でもAさんの演奏には惹きこまれてしまう。今の僕に全く欠けている要素、作曲家や作品への愛というものが彼の演奏からは伝わってくる。「本当にレハールが好きなんだなぁ、敬愛しているんだなぁ・・・」ということが伝わってくる。思いすぎているのかもしれない。「自分がどのように弾けるか・・・この部分は自分の問題なのだ」と強く自分に言い聞かせてみる。失敗をしたくないという思いは消すことができないとは思う。消極的な演奏になってしまっても・・・と思う。世の中には専門的にピアノを習っているというよりは、趣味という認識で習っている人が、子どもを含めて圧倒的に多いのだろうと思われる。カテゴライズされるのだ。「専門的に習う・・・音大をも視野に入れて」とか「趣味なので、ピアノの楽しさを味わうことを重視して」のように・・・ピアノで楽しさを・・・ここの受け取り方は人によって様々なのだろう。何をもって「楽しさ」と感じるかは、人それぞれなのだ。指導側が「専門=音大」「趣味=楽しさ」と大雑把に捉えているのならば、趣味で弾く人のニーズに応えられないのではないだろうかと思う。趣味ピアノにだって、夢はあるのだ。子どもの時に習っていたピアノ、この時の経験が、大人になって再びピアノと共に生活したいと思った時に生きてくるのだ。子どものピアノレッスンというものは、その子どもの将来にまでつながっている。その子どもが、どのような夢を将来描くかは分からないけれど・・・ここでピアノを弾いているAさんは、子どもの頃、ピアノを習っていた。ピアニストになるとか、音楽院に進むという、いわゆる「専門的に」というレッスンではなく、趣味のピアノとして習っていた。その頃の先生は、穏やかな先生だったそうだけれど、基礎というものを徹底的に教えてくれたのだそうだ。「今は納得できないかもしれないけれど、あなたは音楽が大好きなんだと思うの。将来、またピアノを弾きたいと思う時がきっとくると思う。その時のことを考えて私は教えなければならないと思っているわ」Aさんは、正直、その頃は先生の言っている意味が理解できなかったのだそうだ。先生の予言は当たったのだ。ピアノは嫌いではなかったけれど、Aさんはスポーツに熱中するようになり、ピアノから離れた。音楽を聴くことは好きだった。ピアノを辞めても音楽は聴き続けていた。オペレッタが大好きで、CDも沢山所有していた。Aさんは「音楽を聴く生活」に満足していた。仕事が忙しいからこそ、音楽は安らぎを与えてくれた。ある日、心の底から「触れたい」と感じた。聴くだけではなく、大好きなオペレッタを弾きたい、直接「曲に触れたい」と思った。基礎というものを徹底的に教えてくれた、かつての先生にAさんは心の底から感謝した。Aさんは電子ピアノを購入し、再びピアノを弾くようになった。夢はオペレッタを作った作曲家たちとピアノで会話すること。「初めてオペレッタを劇場で聴いた(観た)時の感動は忘れられないよ。幕が開くと、そこは光り輝く世界だった。「聴くだけのものと思っていた。子どもの時の趣味ピアノ・・・それは将来につながっているものなのだ。コンクールというものは、基本的に他者との比較というもので成り立つ。比較なのだから、そこには選定基準のようなものが当然あり、その基準に大きく外れないコンテスタントが有利になっていく。演奏というものを、むりやり比較することの無理を感じてしまう。上手い、下手というものが明確に判断できる段階ならまだしも、本選ぐらいになれば、皆「上手」なわけだから「無理」を感じてしまうわけだ。コンクール覇者の演奏、どこか「減点サバイバル」というものを勝ち抜いた、ソツのない演奏という気はする。演奏そのものだけではなく、その他の演奏には関係のないものも選考には絡んでくるのかもしれないし・・・インプレサリオたちの目に(耳に)留まり、演奏の場を与えられるピアニストは、コンクールの覇者とは、また違った「したたかさ」があるように思う。インプレサリオたちは、「お上手な演奏」や「ミスなき演奏」を求めているわけではないからだ。そこには「聴衆の耳」「聴衆の欲求」というものが反映されているように思う。その演奏が「また聴きたいわ」とか「他の曲も聴いてみたい」と聴き手に感じさせることのできる演奏かどうか、そのような演奏のできるピアニストであるのか・・・・という視点が加わってくる。演奏というものは、芸術なのだと思うけれど、演奏会というものは、同時にビジネスの場でもある。演奏はプロの場合、「練習成果の披露」ではなく「商品」でもある。その演奏が、どんなに上手に演奏されていて、どこも減点要素のない演奏であっても、商品として魅力がなければインプレサリオたちは動かない。「また聴きたい」=「招聘される」=「ピアニストとしての生活」というシビアなものがそこにはある。インプレサリオたちの耳に届くまでという段階を考えても、コンペティション歴がある程度なければ、それさえ難しいという現実もあるだろう。Dacicというピアニスト。この人もマイアミ国際ピアノ・フェスティバルのホームページから見つけたピアニストだ。この人は、とても「したたかな演奏」をすると思う。大きく期待を裏切られることがないという意味において、評価の定まった、有名なピアニストだけを聴くのもいいけれど、ピアニストの演奏を聴く楽しみには、新しい才能の発掘の喜びというものもあると思う。コンクール覇者の演奏を聴くことも、ある意味で彼らはフレッシュな存在であるから、新しい才能の発掘なのかもしれないが、やはり彼らは若いので、物足りない面が(僕には)ある。どの人も同じような演奏に感じられてきてしまうのだ。ユーチューブを手当たり次第に聴いていくのも、お気に入りのピアニストと出逢う確率としては良くないだろうと思う。自分の直感を信じて、CDショップで、曲目とジャケット(というのか?)の印象で選ぶ方法もあるが、これは大都市圏に住んでいないと難しい方法かもしれない。一つ発掘の方法がある。海外の音楽祭とかフェスティバルのホームページで、過去に招聘されたピアニストや次のシーズンに呼ばれているピアニストで、自分の知らないピアニストがいたら、そのピアニストの演奏を聴いてみるのだ。この場合、ユーチューブで聴くことになる。そのピアニストの演奏を気に入ったら、CDを購入したり、もし来日する機会があったら、聴いてみたりすればいいわけだ。コンクールは各国の審査員が選んだピアニスト・・・ということになろうが、「~音楽祭」「~ピアノ・フェスティバル」のようなものは、審査員ではなくインプレサリオの意向というものが大きく関わってきているように思う。インプレサリオ・・・つまり興行主。無名の存在であれば、インプレサリオの耳にも届かないわけだが、彼ら、インプレサリオたちは、そこそこ活躍しているとか、ローカルなピアニストたちの発掘が上手いと思う。彼らに光を当て、さらにワールドワイドの存在にしていくというか・・・むろん、有名ピアニストだけを招聘する音楽祭が多いけれど、中には「発掘」という面を重視している催しもある。個人的に僕が注目しているのは、フロリダのマイアミ国際ピアノ・フェスティバル・・・このフェスティバルに招聘され、演奏したことがきっかけで、有名になったピアニストは多い。以前紹介したホルヘ・ルイス・プラッツもそうだし、あとはケマル・ゲキチなどのピアニストがその例になるのではないかと思う。このフェスティバルのインプレサリオは、どこか「知られざる才能」というものの発掘に力を入れているように感じる。有名ピアニストの演奏会も、もちろんあるけれど、どちらかというと、日本などでは知られていない「これからの有望株」というピアニストの演奏会が多いと思う。Katzというピアニストも、このフェスティバルのホームページで見つけた、個人的には注目しているピアニストだ。音楽祭やフェスティバルのホームページには未来のピアニスト情報が満載だったりする。0△top聴き手目線が足りない「親和力」というもの、ここに何故こだわっているのかと言うと、先日友人に来月の演奏会の曲を聴いてもらったのだ。残念ながら、僕の友人は全員クラシック音楽が大嫌いなので、誰も演奏会を聴きに来てはくれない。先日聴いてくれた友人には、食べ物で釣って、無理やり聴いてもらったという感じだ。彼は、クラシック音楽は嫌いだけれど、南米のフォルクローレは好きなので、「アルフォンシーナと海」を僕が弾くということで、なんとか聴いてくれたのだ。一通り僕が演奏会の曲を弾くと、彼はこう言った。「クラシックの演奏会が苦手なのは、聴き手との一体感がないからなんだ。演奏者は演奏者で聴き手と断絶しているというか、自分だけ一生懸命演奏しているだけで、聴いている人との一体感がないんだよね。「ふ~ん」ここは僕も常日頃思うところだ。「本番で上手く弾きたい」という思いは誰でもあるだろうけれど、クラシックの場合、それが「失敗しないように」とか「練習と同じように弾けますように」と同じになりがちだ。これは、自分のことだけで、聴き手のことを視野には入れていない。「まだ練習が足りないので一生懸命練習しなくては・・・」これも自分目線の考えだ。練習は必要だが、聴いている人がどう感じるか・・・という目線が入っていない。演奏の出来映え・・・これを気にしているのは、親とか先生、あとは自分自身だけだったりするのではないか?事実、僕自身も人の演奏を聴く時には、出来栄えなんかは気にしない。気になるのは、惹かれる演奏か、退屈な演奏か・・・だけだ。自分のことになると急に出来栄えが気になるのだ。自分の世界だけで弾いてしまう。「家で練習していた時のように弾けますように・・・」となってしまう。「なにやら難しげな顔をして、お辞儀をして、何やら難しげな曲を弾いて、さっさと引っ込んでいく。「人に聴かせるんでしょ?だったら演奏にセールスポイントがないと。・・・ということで、「親和力」ということが気になりだしたのだ。「アルフォンシーナを弾くんだったら、聴き手を泣かせなきゃ。死ぬほど練習すれば解決する・・・というようなことでもないので、だから難しいのだ・・・と思う。0△top空気を動かせるピアニスト親和力ということで、思い出したピアニストがいる。日本での知名度は今ひとつか・・・という人なのだけれど、欧米では巨匠的な扱いをされているピアニストだと思う。この人は、キューバ出身ということで、以前は活動が限定されていたところがある。アメリカでのリサイタル、この時の演奏が注目され、一気に人気に火がついたのだと記憶している。日本で火がつかなかったのは非常に残念ではあるけれど、今聴いておくべき注目のピアニストだと思う。ソコロフは日本には来てくれないけれど、この人は来日してくれるのが嬉しい。小さめのホールで地域も限定されているのが残念だ。考えようによっては、今のうちでないと聴けなくなるピアニストかもしれない。日本でも火がついたらチケット入手も困難になるのではないかな・・・そんなピアニストだと思う。僕がホルへ・ルイス・プラッツを聴いたのは、日本ではなくヨーロッパでだった。アムステルダムのコンセルトヘボウだったと記憶している。この時は、開演前から異様な熱気と演奏者に対しての期待感に満ち溢れていた。この時は、彼はまだ「話題の人」だったのだ。演奏が始まると、演奏者と聴衆のエネルギーが結合し、異様なエネルギーの高まりが感じられた。実際には見えるはずはないし、見たわけではないけれど、ホールに火花が散るとでもいったらいいのだろうか?何と形容したらいいのだろうか?演奏者と聴衆とのテンションのやり取りが普通ではないのだ。会場の空気を動かせるピアニストはそう多くはない。0△top親和力カルロ・ベルゴンツィが亡くなった。ベルゴンツィの歌声を一度だけ生で聴いたことがある。20年近く昔のことだ。カーネギー・ホールで聴いた。その時の演奏が、ユーチューブにアップされている。その時の歌声を聴いてみると、様々な記憶が蘇ってくる。僕が聴いた時には、ベルゴンツィは70歳を過ぎていた。テノール歌手で、その年齢まで歌うということ、そのものが驚異的であると思うのだが、それだけではなくベルゴンツィの演奏には「親和力」があると思った。親和力とは、化学の言葉で、元素どうしが互いに引き付け合って結合する力のことを言う。これを音楽に当てはめてみると、演奏者の想い、技能というものが、聴衆の熱い想いと重なり、引き付け合って結合し、あるエネルギーが生まれるということだと思う。このエネルギーは分析することも困難だし、当然見えるものでもないけれど、でもはっきりと感じることのできるエネルギーだ。このエネルギー、親和力を生み出すことのできる演奏家は数少ない。偉大な演奏家は少ない・・・もし、「声」ということのみを求めるのであったなら、若い頃のベルゴンツィのCDを聴けばいいのだ。素晴らしい声を、そして芸術を堪能できる。この日、カーネギー・ホールにいた人々は、ベルゴンツィの「親和力」に触れにきたのだと思う。今でも、はっきりと想い出すことができる。聴いている人、すべてがベルゴンツィの歌声に集中している。たしかに、あの場にはエネルギーの動き、投げ合いがあったと思う。0△topヌエバ・カンシオン南米の曲というと、我々日本人にとっては、どこか「底抜けに明るい」というイメージがある。躍動するサンバのリズム・・・のような。南米のフォルクローレを聴いていくと、それだけではない、いや、それとは正反対の、どこか物悲しい、そして秘めた力強さを感じさせる曲が多いのに気づく。南米フォルクローレにおいては、1970年代、南米激動期に起こった「ヌエバ・カンシオン」という動きがあった。ヌエバ・カンシオン・・・新しい歌運動とでも訳せばいいのだろうか。「死体収容所は建物全体が死体で埋め尽くされていた。無数の列の中ほどに私は夫を見つけた。彼らはどんなことをあなたにしたのか。頭部や顔面の恐ろしい裂け目にもかかわらず、いまだに抵抗しながら前を見つめているように思えた。彼の服はナイフで引き裂かれ、彼の手首は異様な角度で腕からぶら下がっていた。胸は穴だらけでパックリと傷口が開いていた・・・」これはビクトル・ハラの妻、ジョアンが夫の死体を見つけた時の手記だ。ビクトル・ハラは南米チリに生まれた。フォルクローレのメロディーを採取し、そして自身で詞を書くため、農村を旅している時、虐げられ、貧しさに喘ぐ人々の姿を目にした。ビクトルは、歌手として、そのような現状を歌で変えていけたらと決意したのだ。南米全体も革命で揺れていた時代だ。ビクトルのような、歌での世の中の変革を目指す運動は、ヌエバ・カンシオンとして南米全体に広がっていった。「僕らは、それまで歌われなかった真実を語り、歌っている。ビクトル・ハラ運命の9月11日と呼ばれている日、時の大統領、アジェンテが「民主主義は軍部に降伏しない」と言い残し、ピストルで自決する。軍部の圧政に抵抗する民衆もスタジアムに閉じ込められた。その数、7000人とも言われている。そこにビクトル・ハラもいたのだ。ビクトルは、そこで歌を歌ったのだ。「やめないか・・・」兵士はビクトルの両腕を折り、指を砕いた。それでもビクトルは歌い続けた。兵士はビクトルの体中に機関銃の弾丸を浴びせ続けた・・・ビクトル・ハラ・・・享年40歳・・・それほど昔の出来事ではない。1970年代の出来事なのだ・・・この曲はビクトルの代表曲である「耕す者の祈り」という歌。「起き上がれ、そして両手を見てごらん。育ちゆき、君の兄弟たちの手を握るために。僕らを貧困へ支配するものから解放しよう。見る「僕はギターが弾けるから、歌が上手いから歌うんじゃない。僕はピアノ指導者ではないし、子どもを教えているわけではないので、あまり教材や子ども用(?)の曲については詳しくはない。ブログなどで、よく登場する作品、邦人作品も含めて、そのような作品は聴いたり楽譜を購入したりしている。自分が人前で弾くわけではないのだけれど。そのような作品、つまり昔は存在しなかった作品の中で、群を抜いて弾かれていて、レッスンでも教材として使用されているのはギロックの作品なのではないだろうか?個人的にはギロックの作品はキャッチ―だし、響きも綺麗だし、いい曲だなと思う。どの曲も・・・きっと、ギロックという人は、とても愛情深かった人なのだと想像する。作品に愛情が反映されている感じがする。ギロックが可哀そうだな・・・と思うこともある。それはギロックを選択する際の教師側の動機において。教材研究というものも大切なのだと思う。知らないよりは知っていた方がいいし、引き出しは多いほうがいい。今はいろいろな教材があるのよ。「やはり教材研究はした方がいいと思う。「教師は常にアンテナを張り巡らせて情報を得ておかないとね・・」ギロックもこのような使われ方をしたら、本望ではないだろうと思う。ソナチネだと練習しないから、だからギロックという発想の前に、どうしたらソナチネを練習してきてくれるのかを考えるのが先だと思う。ソナチネは重要でしょ?古典作品は重要でしょ?どの生徒にも基礎は必要でしょ?「別に専門家になるわけではないし、生徒がつまらなそうに弾いているのだったら、興味の持てる曲を弾かせるのは一つの指導の在り方だわ」そうかな?このあたり・・・すごく疑問だ。自分の作品が、どこか「逃げの教材」として使用されているのだったら、ギロックも悲しんでいるのではないだろうか?バロック、古典を弾けないままピアノを辞めてしまうと、将来、もしピアノを再開することになったとしても、本当に苦労すると思う。個人的経験から強く強く思うところだ。いえ、作品としてギロックは本当に魅力的だ。「ギターのギロック」とでも呼びたい作曲家が、ティエリー・ティスランドという作曲家。フランスで活躍しているギタリストらしいのだが、素敵でキャッチ―な曲がたくさんある。最近発見してハマっている作曲家だ。このような作品は「逃げ・・・」として使用したら可哀そうだと思う。「あれから3年の歳月が二人の間に流れたのですね・・・永遠の愛をお互いに誓ったあの時から。あの時はその愛を信じていました。今だってその愛は消えていない。あの時、私は、あなたのアメリカ行きに心から賛成した。私たちの愛は日本とアメリカとの距離をも乗り越えられると思っていました。あなたは卒業するまで日本には帰らないと言っていたわね?でも卒業しても帰らず、さらに大学院で勉強するという手紙をもらった時、私たちはお互いに別々の道を歩み始めたのかもしれないと感じました。感じるのはいけないことなのかしら?私は永遠にあなたを待っていなければいけないのかしら?あなたは新たな人生を見つけて歩み続けている。私からどんどん離れていってしまう。3年待ってくれって・・・それは無理。私にも人生があるもの。私はある人と結婚することにしました。私は、日本で自分の人生を歩みたいの。勝手かもしれないけど、もう待てない。彼女からの手紙を僕はニューヨークで受け取った。読みながら周囲の雑踏の音が消えた・・・それは11月のある日のことだった・・・レオ・ブローウェルの「11月のある日」・・・ピアチェーレの演奏会で、このギター曲をピアノで演奏する。聴いている人の、それぞれの「11月のある日」の情景が浮かんでくるような演奏にしたい・・・と思う。「ハノンやバーナムなどの教材でテクニックを養い・・・」「残念ながらテクニックはあるけれど、音楽性に欠ける」この「テクニック」という言葉、なんとなく読んでしまい、何も疑問に思わないところだけれど、この場合は「テクニック」ではなく「メカニック」という言葉、そして概念が正しいのだと僕は思う。メカニック」と「テクニック」という概念の混同があるように感じる。言葉の問題だけだったらいいのだけれど、概念の混同となると、ちょっと問題になってくるように思う。ような意味なのだと思う。どれだけオクターブが楽に早く弾けるかとか、指の敏捷性がどれだけあるとか・・・メカニックを駆使して、表現というもに結びつけるツールを「テクニック」と呼ぶのだと思う。ある、バリバリと達者に弾けているけれど、なんとなくそれだけの演奏・・・というものは、テクニックはあるけれど、音楽性に欠けるということではなく、メカニックはあるけれど、テクニックが欠けているというのが本当だと思う。テクニックがあれば、音楽的に聴こえてくるという概念が正しいのだと思う。この概念の混同によって起こる問題、たとえば、「音大に進学するわけではないのだから、楽しいレッスンを・・・」という概念。これが問題となってくるように思う。ピアノの鍵盤を押して、音が出てくる、両手で弾けるようになってくる、これだけのことではピアノは続かない。初歩の段階からテクニックの指導が必要になってくると思われる。「素敵に弾けた」という演奏、それには必ずテクニック的裏付けが存在するからだ。満足感というものは、ただ曲が弾けた・・・ということではなく、「素敵に弾けた」とか「上手に弾けた」という表現というものが子どもだろうと、趣味ピアノだろうと関わってくるものだと思うので、そこにはテクニックの具体的指導が必要となってくると思うのだ。音楽的な演奏とか、素敵な演奏というものがテクニックとの大きな関わりがあるのだとしたら、初歩、導入の段階からテクニックの指導が必要となってくるように思う。このあたりで現場の概念がいささか足りないと、表面上は整えられた、達者な、でも無味乾燥な演奏というものが出来上がってくるのではないだろうか?優秀な音大生の演奏になく、ホロヴィッツにあるもの、それはテクニックなのだ。このテクニックの概念、ここが足りないと、なんとなく曖昧模糊とした「才能」とか「音楽性」とか「感受性」というものでテクニックが語られてしまうようにも思う。「もっと歌って~」「なんで音楽的に弾けないのかしら・・・」「もっと感情を込めて~」そのような演奏にしたいのならば、そのように聴こえるテクニックが必要だ。メカニックを表現に結びつける具体的方法であるテクニックがないと、感情豊かには聴こえない。なんとなく気持ちのうえで感情を込めれば、演奏に反映できるというものでもないのだ。このお爺ちゃんホロヴィッツのようにメカニック的には弾ける日本の音大生は山ほど存在すると思う。オクターブ連続など、ホロヴィッツをも上回るメカニックを持った音大生だっているかもしれない。音楽の世界にタッチしていたいと思う。「触れたい」と思った。それまでの人生でも思ってはいたのだろうと思う。僕の場合、病気というものと共存して生きていかなければならないと観念した時、その時に音楽にタッチしたいと強烈に思った。同時に、かつて子どもの頃、ピアノを習っていた時、僕には何もなかったのだなと思った。強く強く「弾きたい」「音楽に直接触れたい」と熱望した時、僕には「何もないのだな・・・」と思った。