素晴らしく上手い、研究された正しい芸術がある。宮殿のバルコニーで手を振る王侯貴族に拍手をするだけの庶民ではイヤなのだ。「まあ、なんて上手なの」と拍手をしたいのではない。演奏者と共になりたい・・・そう思う。バルコニーから手を振る崇高な芸術にひれ伏すだけではなく、共に感情を動かしたい。シューベルトの「ます」・・・プライか、このスゼーの歌唱、迷ったのだが、スゼーの歌唱。ダルトン・ボールドウィンのピアノが素晴らしい。川面がキラキラと光る、それをピアノで表している。スゼーの歌声は、もう何と言ったらいいのだろう?共に飛翔してしまう。僕は聴き手として、演奏に、そのような何かを求めているのかもしれない。そのような何かに触れたいから自分もピアノ曲を弾く・・・上手くなりたいから・・・ではないような気がする。0△top萌えない・・・というのは?今調べてみたら、その演奏会を聴いたのは2004年。サントリーホールだったと思う。イアン・ボストリッジの演奏会。曲はシューベルトの「美しき水車小屋の娘」だったと思う。何枚かのCDを聴き、「これは逸材では?」と思い、実際の歌唱を聴いてみたくなった。CDでは非常に柔らかい歌唱という印象だった。声もだが、彼の経歴にも興味を持ったのだと思う。オックスフォード大学の博士課程。音大ではないんだ・・・と。魔女学というか、中世の魔女についての研究をしていたらしい。「魔女???」声楽は30歳を過ぎてから独学で始めたとか。「独学???」「30歳を過ぎて???」僕とは年齢も近く(一つ違い)そのあたりも興味を持った。演奏会に行ってみようと思い立った最大の理由は、伴奏者(ピアノ)が内田光子だったから。「えっ?内田光子が伴奏???」CDの歌唱を聴いて一抹の不安は正直あった。心が萌えない・・・とてつもなく知的で上手くて、どこか欠点を探そうとしても皆無のような、そんな歌唱。多くの人が絶賛しているのも納得できる。好みの問題なのだろうか?そんな簡単なものでもないような気もした。一抹の不安は実際に会場で生の歌唱を聴けば消滅すると思っていた。歌もピアノも最高に素晴らしいのに、でも萌えなかったのだ。「僕の好みって、マイノリティーなのでは?」その想いは、実は今でもある。「僕がおかしいのかもしれない。美というものを、芸術というものを理解できないところがあるのだ」と。有名な「ます」・・・やはりボストリッジは上手いと思う。ピアノはユリウス・ドレイクで内田光子ではないけれど、いつも共演しているピアニストであり、この人も上手い。0△topオペラが消えた時これはヘルマン・プライのフィガロ。モーツァルトのオペラではフィガロ、そして魔笛のパパゲーノは特にプライの当たり役ではなかったか?ターフェルと比べると歌というものが強調されているように感じる。実際の舞台ではなく映画版だから、歌唱(音声)は、おそらく別録りだったと思われる。歌手としては歌唱に集中できたということもあるだろうが、プライのフィガロは絶品だ。ソードミード」という音型が何度も出てくる。プライの音型処理は完璧ではなかろうか?絶妙すぎて色香まで感じさせてくれる。行進曲風のリズムは変わらない。歌は飛翔、浮遊している。チェルカスキーが亡くなったのは1995年、これでピアノの世界のロマンティックな時代が終焉したと感じた。ヘルマン・プライが亡くなったのは1998年。これでオペラは終わったと感じた。0△topオペラは芸術か、娯楽か?オペラはもちろん好き。実演に接する機会はほぼ皆無。理由としてはお値段が高い。オペラは総合芸術だからお金が掛かるのは理解できる。ピアノ使用料、調律代、ホール使用料・・・とシンプルにはいかないのだろう。「家賃か???」と思うほどの値段ってどうなのだろう?ピアニスト同様にオペラ歌手も現代スターは、往年系と比較すると小粒のような?「日本人の公演を聴けばいいじゃない?」それは思った。アーティストは聴衆が育てる・・・みたいなところもあるだろうし。ヴェリズモ系のオペラだと声量という点で気になるところはあるし、ブッファ系は、それはそれでビジュアル的に(感覚的に?)辛いものがある。受けないコント・・・みたいな、身の置き所がないような気分というのだろうか?ピアノのような原典崇高主義のようなものはオペラには少ないように感じる。オペラには慣例というものがある。楽譜に記載されていなくても、ヴァリアンテをつけるのは常識のような?それでも一時はオペラにも原典主義、ザハリヒ傾向の時期があった。作曲者が書いた譜面そのものを再現・・・みたいな?でも当時のスターのために書かれたどうでもいいようなアリアまで復活させるような動きは現在は収まったようだ。慣習としてカットされたズンタカタッタ的なアリアは、昔のようにカットされるようになった。歌手の妙技を聴くのか、それとも曲そのものを味わうのか?ピアノよりはオペラ(歌曲はまた別のような?)の方が今でも妙技系の分野だと思うけれど、それでも昔とは変わってしまったところもある。「マリア・カラスのノルマ」のような言い方をされた。「カラスの椿姫」とか。現在は指揮者の名前が先に来る。「レヴァインのカルメン」のように・・・この傾向はまだ続くかもしれない。オペラハウスを揺るがすような大物カリスマ歌手が出現すれば、また歌手の名前が先にくるようになるのかもしれない。この映像は、おそらくメトでの公演。「レヴァインのフィガロの結婚の舞台」ということになる。フィガロ役にブリン・ターフェル、スザンナ役にバルトリ・・・とスターを揃えている。これは「ターフェルのフィガロの結婚」ではなく「レヴァインのフィガロの結婚」だ。劇進行というのかな、オペラというアンサンブルとして聴くと、レヴァインらしくキビキビ系の演奏だと思う。躍動感もありいいのではないかしら?でもアリアの楽しさ、歌手の妙技性というようなものは薄れてしまっているように感じる。この蝶々」、ターフェルとしてはサクサクと歌っているというか?もうちょっとなんとかならなかったのだろうか?でもアンサンブルとしてはこれでいいのかもしれない。全体的、かつ総合芸術的に聴いてしまえばこれでもいいのかも。行進曲風の特色はここで出しているし。僕は「歌が聴きたいの~」というところがある。歌手の妙技を聴きたいの・・・ターフェルのフィガロのアリアはかなり不満。これはブリン・ターフェルの歌がどうこうというよりは、オペラをどう捉えるかということにつながってくるのかもしれない。イタリアの田舎のオペラ劇場を体験したことがある。歌手たちやオーケストラ、むろんスカラ座・・・のようなわけではなかったけれど、正直「随分と庶民的だな・・・」などと感じたりした。庶民の娯楽?地元出身の頑張っている歌手に声援が多かったり、未熟でもフレッシュな若手には、たとえ高音でひっくり返っても「いいよ、いいよ、あんたはまだこれからでしょ?」的な温かさがあったり。したらオペラって、おハイソな人たちの社交の場というだけではなく、一般庶民の娯楽の場でもあるのでは?これはクラシック音楽そのものにも言えることなのかもしれない。ヴンダーリヒの歌唱を聴いて感じるのは、力感を感じさせないということ。ギアチェンジが必要ない・・・みたいな?細部まで研究しつくし計算しつくし、巧みにギアを変える上手さというよりは、ヴンダーリヒの場合、まるで温泉みたい・・・と感じる。湯量豊富な草津温泉みたいな?力感を感じさせないというのは、往年のピアニストにも感じることだ。そのあたりが現代のモダンな(?)演奏との違いかもしれない。ヴンダーリヒ、どこか往年の偉大な歌手というイメージがあり、それはその通りなのかもしれないが、彼の録音はすべて「若い頃」の歌唱なのだ。35歳で亡くなっているわけだから、自然とそうなる。この「アデライーデ」も率直というか、単刀直入的な魅力がある。どこか抑えきれない若者特有の躍動のような魅力。すべてのフレーズが滑らかなラインというのも魅力だろうと思う。「いつの日か奇跡が起これば、僕の墓に、亡骸になった僕の心から花が咲き誇るだろう」という歌詞、こんなセリフ、60歳の達観した人間のセリフではない。若者特有のもの、ヴンダーリヒの声そのもののような・・でも、50歳を過ぎても、聴き手としてヴンダーリヒの「アデライーデ」を聴くと、一緒に心が浮きだってきてしまうのだ。僕の心も花が咲き誇る・・・のような?そんな想い(錯覚?)さえ感じる。僕の心も昇天していくかのごとく高まって・・・のような?一緒になれるのだ。科学とかスポーツ、基本的には過去よりも現在の方が進歩しているというのが前提としてあると思う。フィギュアスケート、1980年の世界選手権で渡部絵美がフリーで3Tと3Sを成功させた。当時としては快挙だったけれど、今だったら二種類、二回のトリプルジャンプではお話にもならないだろう。演奏はどうだろう?誰でも難曲を弾く・・・のような底上げ的な意味では進歩しているのかもしれない。「イスラメイ」のような曲も、そのへんの(?)音大生でさえ弾きこなす・・・のような?昔だったら弾く人は限られていたと思う。進歩しているのよ・・・ピアノの演奏会には滅多に出かけないけれど、声楽の演奏会はよく聴きに行く。数年前、マーク・パドモアという人の「冬の旅」を聴いた。大変に素晴らしい卓越した歌唱だったことは僕にでも分かった。帰り道、僕はたった今聴いたマーク・パドモアの歌唱ではなく、昔聴いたヘルマン・プライの「冬の旅」を回想したながら歩いていた。どちらも素晴らしい歌唱だったことは間違いない。僕の中に懐古趣味のようなものがあって、その部分がパドモアではなくプライを求めたのか?そうかもしれない。パドモアのシューベルトは素晴らしかった。プライの歌唱から感じたような、自分との関わり・・・のようなものがなかった。プライの歌唱を聴いた時には、自分が生きていること、孤独な旅人の虚無感、そのような想いが混ざり合い自分の中で混沌としていた記憶がある。プライのシューベルトは僕の中に鋭く切り込んできた。パドモアの歌唱とは、ある意味距離があったような気がする。「素晴らしい」とか「最高に上手」とかは思う。自分の中には入ってこない。素晴らしい歌手がいるということに喜びは感じるけれど、パドモアは切り込んではこなかった。昔の演奏って、現代の基準とは異なる。声楽の場合だと、やたらポルタメントが多かったり、ピアノでもアゴーギクが大きかったりする。先生から「そんなふうに弾いてはいけませ~ん」のような演奏ではある。ショパンのバラードの1番で、最初のCの音、ここを左手と右手でずらして弾くなんて、今だと御法度だろう。最初のCのユニゾンは当然同時に弾く。モイセイヴィチはずらしている。モイセイヴィチの演奏は僕の中に切り込んでくる。ツィメルマンの演奏は切り込んでこない。「最高に上手いじゃない?」とかは感じるんだけど。僕自身の懐古趣味?それはあるだろうが、それだけでもないような気がする。何だろう?言葉では説明できないような何かがたしかに存在しているように思う。クラシック音楽の低迷、衰退、さかんに叫ばれている。「クラシックなんてダサい」とさえ言う人もいる。「昔と比べて今は娯楽が多いから」そうだろうか?演奏そのものが変わってしまったということと全く無関係ではないような気はする。演奏を聴いて、ただ「上手ね」とか感じたいのではない。自分の心が動いて欲しいと願う。一緒に泣きたいとさえ思う。切り込んできて欲しい、そう思う。そのような演奏、今では非常に少ないように感じる。演奏を聴いて一緒に泣いたり、鼓動を速くしたりしたいだけなのだ。マーク・パドモアの「アデライーデ」・・・ベートーヴェンにも(?)こんなに素敵な曲があったのね。パドモアの歌唱は素晴らしいと心から思う。このような歌唱に対して不満は全くない。2△top星になったお父さんフリッツ・ヴンダーリヒの父親はチェロ奏者であり、またカペルマイスターでもあった。母親のアンナはヴァイオリニストだった。幼いフリッツが音楽的な環境に恵まれていたと想像するのは難しくはない。父親のフリードリヒはナチスによりカペルマイスターの地位を奪われ、また戦争で重症を負ったこともあり、フリッツが5歳の時に自殺をしている。アンナは子どもたちに不憫な思いをさせたくないと、音楽教師として必死で働いた。それでも一家の生活は相当苦しかったようだ。フリッツ自身も働かなければ生活していけなかったらしい。フリッツがパン屋で働いていた時、「お前、パンを練ったり焼いたりしている場合じゃないだろ?その声・・・」フリッツは歌よりも金管楽器に最初は魅せられていたようだ。音楽だけではなくスポーツにも熱中していたとされている。見ると、フリッツの鼻は変形しているらしい。これはボクシングの栄誉の痕跡(?)でもあるとされている。神から授けられた声を自覚し、フリッツは声楽を本格的に学び始める。レッスン代は自分で稼いでいたらしい。ドイツを代表するリリック・テノールとして成長していく。フリッツの声、それはミューズに祝福されたギフトであったのかもしれない。ハープ奏者のエヴァと結婚し、3人の子どもを授かる。フリッツにとって大切だったもの、それはむろん音楽、歌であったのだろうが、彼は家族というものも非常に大切にしたのではないかと思う。多くの残された家族との写真からも、そのことを感じさせる。自分自身は5歳の時に父親を失っている。母親は常に必死で働いていた。苦しい生活だからこそ自分は何かに熱中したのだ。愛情を注いであげたい・・・このような想いがフリッツにはあったのではないだろうか?歌手としてのキャリア、父親としての幸せ、そのどちらも頂点に達しようとする時、不幸が襲った。36歳の誕生日の直前だったらしい。35歳という年齢を考えると、非常に多くの録音が残されている。我々は「永遠の青年ヴンダーリヒ」の声を聴くことができる。フリッツの熟年期の声、もうこれは想像しかできない。偉大な歌手は突然星になってしまった。0△top15分の壁リアルに僕を知る人は意外と思うかもしれないが、僕はシューマンが好き。なるだろうか?でも演奏する機会はない。アマチュアの演奏の場、それはサークルのような場になるだろう。ネットで参加者を募った弾き合い会とかね。そこには15分の壁というものがある。規約(?)にはなくても、大体演奏時間としては10~15分程度という暗黙の掟があるのではないかと思う。教室の発表会などもそうだと思う。そのような場で「ショパンのプレリュード全曲を弾きたいです」というのは難しい。抜粋すればいいじゃない?そうなのだが、僕は抜粋というのが苦手。曲にもよるとは思うが、全曲演奏に耳が鳴れてしまっているというのかな、上記シューマンの3曲なども抜粋すると違和感を感じる方だ。シューマンのピアノ曲って長くないですか?15分の壁に突き当たってしまうのだ。アマチュアにおけるショパン人気、これは15分の壁という現実も関係があるのでは?15分あればショパンの場合、選曲の幅が、かなりある。一つの壁が歌曲好きということ。「クライスレリアーナ」も弾いてみたいけれど、それよりも僕は「詩人の恋」が好きなのだ。この場合も抜粋など許されない。なると、30分ほどの演奏時間となる。問題は「誰と?」「どこで?」みたいな?一部は実現している。自宅でピアノパートを弾くのだ。ヴンダーリヒの歌声を想像しながら一人悦に入る・・・これはこれで楽しいが、時に実際にテノールと合わせたらと想像はしたりする。バリトンではダメなのね。ヴンダーリヒを聴き続けてきたから。バリトンだと調性なども違ってくるし。今までヴンダーリヒの歌声だけを聴いてきた気がする。フーベルト・ギーゼンのピアノを聴いてみる。シューマンで最も弾いてみたい曲は「詩人の恋」になるみたいだ。0△top人は最後の瞬間まで挑戦したいと思うシューベルトに「岩の上の羊飼い」という歌曲がある。大変に爽やかでフレッシュな印象を感じる曲だ。フレッシュであり、同時にそれは天上のメロディーでもある。この曲の編成は非常に珍しい編成となっている。ピアノという組み合わせは今でも斬新なのではないだろうか?シューベルトにしては歌のパートにコロラトゥーラの超絶技巧を駆使している。普通、歌曲は一人の詩人の単一の作品を音楽にする。ゲーテの「魔王」のように。この曲は複数の詩人の異なる詩を組み合わせている。これもかなり斬新な発想だ。この曲はシューベルト最晩年の作品。この曲か、あるいは「白鳥の歌」の最後の曲がシューベルト歌曲の最後の作品と言われている。どちらが最後にしても、この「岩の上の羊飼い」はシューベルトが亡くなる数週間前の作品となる。晩年と言っても31歳だったわけだが、死を予感しつつ新たな挑戦をしたということになるのだろうと思う。少なくとも枯れてはいない。歌のパートは華やかだ。シューベルトにしては珍しい。クラリネットも鮮烈だ。ピアノのパートはなんとも地味。シューベルト歌曲のピアノパートでも伴奏に徹した最たるものになるのかもしれない。ブンチャッチャッ・・・のような音型。「まあ、初見でもいけそう・・・」みたいな伴奏譜ではある。クラリネットのシャロン・カム、ソプラノのバーバラ・ボニー、それぞれ素晴らしい。単純な音型の繰り返し、「僕、地味に徹します」という楽譜でも、そのタッチの見事さは隠せない。幸福感に溢れた天上の曲に、隠された孤高の孤独・・・のようなものを感じるとしたら、それはジェフリー・パーソンズの集中された研ぎ澄まされた音がそう感じさせているのかもしれない。好きなピアニストは誰ですか・・・と問われて伴奏者の名前を挙げる人はそうはいないだろうと思う。僕の場合、声楽好きにも関わらず、歌手の歌唱には注意深くても、ピアノに関してはそれほどでもなかったかもしれないと反省している。所有しているCDもピアノよりは圧倒的に歌のCDが多い。お気に入りの歌手のCD、ピアノに注意して聴いてみた。聴いた中で、お気に入りのピアニストというものが、ソロの場合と同様にいるのを発見した。歌手が素晴らしくても、ピアノが今一つであれば、このような音楽世界は表出できないだろうと感じながら聴いていたところは、もちろんあるが、でもピアノ中心には聴いてこなかった。僕のお気に入りの伴奏ピアニスト、ダルトン・ボールドウィン、ジェフリー(ジョフリー)・パーソンズ、そしてフーベルト・ギーゼン。彼らは名伴奏者として名高いのだろう。声楽ブログでは、彼らの名前はよく登場する。鑑賞者ブログでも歌好きの人の場合、歌手だけではなくピアニストについても触れていることが多い。ピアノブログではどうなのだろう?ピアノしか聴かないという場合、彼らのような名伴奏者のピアノサウンドというものとは無縁で過ごしてしまうのだろう。したら、なんとも勿体ないような気がする。名伴奏者の音、個人的な印象では、やや硬質というか、非常にクリスタルな感じがする。ぼやけたような、曖昧なボヤン、バシャンとした音、散ってしまう音だと声や楽器との調和、曲づくりという面であり得ないからかもしれない。ピアノの特質、長所を生かしつつ、声や楽器の音との調和をはかる・・・そんな印象だ。スゼーの声、歌唱は極上だ。ありえないぐらいに素敵な歌声だ。寄り添うように・・・そうなのだが、ピアニストとしての「音」を聴いてみたら、それは新たな発見でもあった。生クリームに愛着を感じる。「エッグスンシングス」という店のパンケーキには、山盛りの生クリームが添えられていて嬉しい。できればパンケーキはいらないので生クリームだけ頂きたいほどだ。世の中のケーキ、今は生クリームが当たり前で、もちろんそれは嬉しいのだが、たまに昭和レトロのバタークリームのケーキを食べたくなる。若い世代の人の中にはバタークリームのケーキというものを知らない人もいて驚く。子どもの頃、クリスマスに父親がケーキを買ってきてくれた。高級な生クリームではなく、バタークリームのケーキ。新鮮なイチゴが飾られているのではなく、着色料を使いました的な色合いのピンクの、これまたバタークリームのバラが飾られていたりした。真っ赤なチェリーとかも・・・ケーキ屋だけではなく、昔はパン屋などでもバタークリームのケーキは売っていたと記憶している。日常的な食べ物ではなかった。ハレの日の特別な食べ物だった。今、売っていないんですねぇ。バタークリームのケーキそのものを知らない世代もいるくらいだから仕方ないようにも思うが、妙に懐かしく、食べたくなったりするのだ。「そんなにバタークリームが好きだったらガトー・エシレがいいんじゃない?」「ガトー・エシレ?」エシレ・バターというものがあって、そのバターをふんだんに使用したケーキらしい。ブール」という店でしか売っていないらしい。エシレ・バターそのものは、その店の通販で購入できるらしいが「ガトー・エシレ」は店頭販売しかしていないらしい。売り切れるから」と知人は言う。巷にはバタークリームのケーキは見当たらないようだが、あるところにはあるのだ。ケーキとは思えない値段にひるみながらも、その「ガトー・エシレ」は卒倒するぐらいに美味であった。パリの香り?美味しかったのは事実だが、昔懐かしの、僕が懐かしく思うバタークリームのケーキとは違った。本場パリのバタークリームケーキではなく(それもいいが)懐かしい日本昭和ケーキが食べたいのだ。実際に食べてみたら、もしかしたら思っていたほどの感動はないのかもしれない。バタークリームのケーキと名乗って売られていても、それは現代風に美味しくなってしまっているのかもしれない。amazonでもバタークリームのケーキが購入できるらしい。それだけはしてはいけないような気もしている。この動画のような、ピンクのバラが飾られていた。集まった音、バシャンと散ってしまわない音、最近ここに拘っているのは、今年の8月に2台ピアノ、11月に連弾を経験するからだ。同じ楽器内、あるいは楽器同士でのアンサンブルということになるので、他の楽器や声楽とのアンサンブルと比較すると、ピアノ同士、タイミングのズレのようなものは目立つだろうと思う。大切なのはそこか?むろんズレないようがよろしいだろうとは思う。ソロでもミスのないほうがミスばかりの演奏よりはよろしいのと同じで。ソロはミスがなければいいのかというと、そればかりでもないような?2台ピアノ、連弾でもズレなければいい・・・ということでもないだろう。そこで気になったのが音。曖昧で散漫な、どこかバシャンと散ってしまった音。ソロでもそれはマズイのだろうが、合わせものになると、「バシャン」の二乗効果とも言うべき現象が発生してしまうらしい。・・・というのは、CDや生演奏、ユーチューブ動画などを散策していて気づいたからだ。「おっ、いいな、上手いな」というデュオ、各々の奏者の音がクリアで集中しているのだ。系(?)の演奏の方が圧倒的に多いけれど、印象としては「なにやら舞台で大音響が鳴っている?」のような印象なのだ。してソロよりも難しい???曖昧で散ってしまっている音そのものが強調されてしまうような???人数もソロの倍、音符の数もソロの倍・・・と単純に考えると、それぞれの弱点も倍???ソロの時よりも音のクリア度、五割増し・・・で演奏する必要がある???この人たちの、それぞれのソロの演奏も聴いてみた。ソロよりもクリア度五割増し・・・というわけではないんだね。ソロでもクリスタルクリアな音で演奏しているもの。0△top最速のインコース奏者スポーツには詳しくはないが、トラック競技、インコースとアウトコースでは距離が異なってくることぐらいは分かる。スタート位置が違うもの。仮にスタート地点をインコースとアウトコースを同じにして、ずっとそのコースを走らなければならないとしたら、これはもうインコースの人が有利だよね。ピアノ演奏に例えてみる。「なんだかあの人と私、違う・・・音が違う」そう感じるのは、その人はインコースを走っているのだ。効率的な何かをしている。自分はアウトコースをひたすら走っている。演奏の残酷さって自分との差は、はっきりと感じるけれど、ではどうしたらいいのか・・・という解決策が見出しにくいということ。これは演奏だけに限らずかもしれないが。ここで人間は二つの方法を選択する。インコースを自分も目指す。やり方は分からないし、インコースには行けないかもしれないけれど、そこを目指そうとする。「ああ、私も・・・」という想い、憧れがあると強いかもしれない。一つは、ひたすらアウトコースで頑張ってしまう。「努力が足りないんだわ(練習量が少ないんだわ)」とひたすらアウトコースで頑張ってしまう。ここで不幸なのは、インコースの人との違いは意識していることだ。自分も・・・とは思えない。発想転換にしろ、新しいことに挑戦するにせよ、変化というものは痛みというのかな、結構辛さを伴う。そこで言い訳を考えてしまうのだ。これは無意識レベルかもしれない。ブランクがあるから、いい歳だから、子どもの頃からの基礎に欠けているから等々。「どうせ・・・」と思ってしまうと、そして違いを才能みたいな曖昧なものにストンと理由づけしてしまうと、それはそこで終わる。音、集めて狙って、狭い範囲で面ではなく点・・・ピアノの場合でも「あっ、この人上手いかも・・・」と耳が最初に判断するのは音なのではないかと思う。上手そうだけど、心に響かない演奏は、音が散ってしまっている。音そのものが集まっていなくてバシャンとした音?音が鳴る瞬間のイメージとして、フィギュアスケートのジャンプに例えると、軸が細く回転が速いイメージ?あとは縦列駐車とか車庫入れの上手なハンドルさばき?無駄がないわけです。最短距離を効率的に・・・みたいな?大回りしないというか?パヴァロッティは発声のある部分をトランペットのように・・・と例えていたけれど、実際に卓越したトランペット奏者の演奏、音の質、場面ごとにバタバタしない感覚・・・などの具体例を聴いてみたくなった。基本的に管楽器、それも金管楽器には疎いところがある。トランペットも日頃好んで聴くという楽器ではない。「ラッパねぇ?」みたいな?それでも往年の天才たちの演奏には惹かれる。純クラシック畑の人たちではない、それも往年のトランペット奏者なんて、ピアノ好きの人は、あまり聴かないのではないかと想像する。このような奇跡のような演奏が存在していた。このような人たちの演奏を知って欲しい、一人でもいいから。そのような気持ちはいつも持っている。ブログを書いているのだとも思う。メキシコの人だと思う。ラファエル・メンデス・・・そう、この音なんだよ。集まった、一点集中の音。0△top狭く集めるイメージ昔、クラリネットを習っていたことがある。音が好きだったんですよね。憧れの曲もあって、それはサン=サーンスのソナタ。その第1楽章を吹いてクラリネットは辞めてしまった。いわゆる挫折?理由はある。クラリネットって移調楽器。僕が吹いていたのはB菅なので、ドレミと吹くと実際にはシ♭ドレと聴こえる。これって慣れ・・・らしいのだが、どうしても視覚的にドレミと入ってきてしまうと、頭の中ではドレミが鳴ってしまうので混乱してしまうのだ。「階名はふらないでね」と言われたけれど、書いてしまっていた。クラリネットはそこでストップしてしまって、いまだに移調楽器には苦手意識さえあるのだが、クラリネット経験がピアノに生かされていると感じることも少しだけある。音の出し方、いい音の概念・・・みたいなもの?ピアノって押せば誰でも一応音は鳴る。そこが便利だが、そこが盲点みたいな?他の楽器のように「音を出す」という意識がなくても音が鳴ってしまうから。管楽器って、狭い小さなところに集中して息を吐かないと音そのものが鳴らない。イメージとしては、針の穴に糸を通すとか、自転車のタイヤの空気入れのような?シュッシュッ・・・のような?集中して狭い範囲に集めて入れる・・・のような?ピアノだと鍵盤を「面弾き」するのではなく、集中された「点弾き」で弾くイメージ?ピアノで「音そのものが固いのよね」という場合、面弾きしていないだろうか?固い=シェイプがなく、その場その場の偶発的な音が鳴っている感じ?音イメージが最初にあって、集めて狙って・・・みたいな感覚が欠けていると、いわゆる固い棒弾きになりやすいように思う。声楽のレッスン動画でよく見かけるような気がするのだが、よくトランペットを例に出して声の出し方を説明する場面。たしかにマウスピースに息を集める・・・音型によって、いちいちバタバタしない・・・みたいなイメージは声楽にも応用できるだろうと思う。これはピアノにも応用できるかもしれない。0△topセピア色の幸せドヴォルザークの有名な「ユーモレスク」、「名曲集CD」「発表会用曲集CD」などには収録されていたりはするが、この曲もあまり(まず?)プロのピアニストがリサイタルで演奏することはない曲だ。発表会御用達のようなイメージはあるが、その割にはピアノの発表会でもあまり登場しないような?変ト長調という調性(調号?)が関係しているのだろうか?ヴァイオリンの世界では、この曲はよく演奏される。クライスラーがヴァイオリンに編曲したということが大きいのだろうが、実はヴァイオリンの教則本に収録されているらしい。ヴァイオリンっ子(?)は避けては通れないユーモレスク?付点のリズムが特徴だろう。音型の上がり下がりが明確。「ここがメロディーの山なのよ。