指導者側とすれば、指導ポイントのようなものが明快な曲なのかもしれない。多くの子供たちの演奏、ヴァイオリンの演奏であったり、ピアノの演奏だったり、そしてピアノバージョンではト長調へ易しく(?)編曲したバージョンであったりするが、なんとなく感じることがある。「身につけて欲しい」という指導者側の熱意のようなものなのかもしれないが、ちょっと指導ポイントが文部省の学習指導要領っぽいのだ。0△top「舞踏への勧誘」クラシック音楽、Jポップのように流行はあるのか?「ないからクラシックなんでしょ?」たしかに、天地真理の「ひとりじゃないの」とか「恋する夏の日」などを聴くと、ある種の懐かしさを感じる。天地真理のヒット曲よりも、はるか昔に作曲されたクラシックの曲に対して、そのような懐かしさを感じることはない。ベートーヴェンのソナタを「ああ、子どもの頃流行ったのよねぇ・・・」という感覚で聴くことはない。クラシック音楽なのだろう。凡作、駄作という作品は消滅する運命にあるのだろう。現在でも名曲として残っていて、しかも、かなり有名ではあるのに、何故か演奏されなくなった曲というものも存在する。サロン的な会場から大規模なホールへ→ザハリヒな傾向から大曲が好まれるように→CDの普及により長時間再生が可能に→演奏会場でも全曲志向へ。ショパンのエチュード、かつてのサロン風な演奏会では抜粋で演奏したのだろうが、現在では全曲演奏されても、あまり違和感を感じなくなっている。そのような流れの中、名曲であるのに、かなりの認知度さえあるのに、往年のピアニストは好んで演奏したのに、現在ではピアニストがリサイタルで演奏することがなくなった曲というものは存在する。ウェーバーの「舞踏への勧誘」とか・・・たしかにリサイタルでは、プログラミングというか、組み合わせに難航(?)するかもしれない。「舞踏への勧誘」の直後にベートーヴェンの後期のソナタというのも違和感を感じるかもしれない。「えっ?現代でも街のピアノ教室の発表会などで演奏されているんじゃないの?」たしかに「ピアノ名曲集」のようなCDには収録されていたりはするが、この曲、かなり技巧的に難しい。ランゲの「花の歌」とかネッケの「クシコスポスト」のような曲とは異なる。いわゆる「上級者向け」になるのではないか?「舞踏への勧誘」が弾けるのだったら、ショパンも弾ける・・・この曲、昔の大家(?)は結構演奏(録音)している。コルトー、シュナーベル、最近(?)ではデ・ラローチャ、現代のピアニストではスティーヴン・ハフとか。かなりの技巧を駆使した曲を、そよ風のように・・・現代のピアニストはこれが苦手なのではないだろうか?「舞踏への勧誘」は「ワッ、よく弾けるわねぇ・・・」ではなく、「なんて素敵なの?」と感じさせなければならない。難所を克服している・・・ではなく、難所もそよ風のように・・・ここが難しいのではないだろうか?その種の「素敵的難曲」(?)をそよ風のような魅力で演奏しているのがイグナツ・フリードマン。彼は素敵難曲の大家であるように感じる。この種の魅力を現代のスーパーピアニストから聴くことは難しい。人間の鼓動のような横の流れだ。機械のようではなく、人間が感情によって鼓動の震えを変えるように。それぞれの場面で鼓動が変化するように音楽が流れていく。イグナツ・フリードマンは名教師であったレシェティツキという人にピアノを習っている。パデレフスキと同門ということになる。あるピアニストの系譜を辿っていくと、必ずどこかでレシェティツキ、またはリストに辿り着くとさえ言われている。フリードマンの場合、レシェティツキだけではなくフーゴー・リーマンにも師事している。フーゴー・リーマンってピアノ教師というよりは、音楽学者だよね?「音楽美学」のような本を残すような?アゴーギク、つまりテンポ揺らぎのような概念、言葉はフーゴー・リーマンによって確立されたらしい。フリードマンの絶妙なるテンポの揺らぎ、それは人間の感情発露による鼓動の変化のように繊細だと感じる。無関係でもないだろう。この時代のピアニストには珍しくはない事として、音楽以外の学問も収めている。クラクフ大学で哲学を学んでいる。このような演奏を聴くと、表面的にミスなく破綻なくとか、弾きこなすとか、それだけではないものを求めてもいいのではないかと思う。人間だから、人前で演奏する時には、そのようなことを考えるけれど、もしかしたらそれしか考えられないのかもしれないけれど、追い求めたい、美というものを追い求めてみたいと思う。生まれてきて、せっかく音楽というものに魅せられて、憧れて自分の鼓動が高まるのさえ感じるのだから、同じように美を追い求めたい。「最も好きなピアニストは誰ですか?」この質問ほど難しいものはないだろう。「曲によって異なるし・・・」「その日の気分によって異なるし・・・」というのが、むしろ普通で、好きなピアニストは誰と断言することは非常に難しい。不可能???その返答不可能な質問に、あえて答えるとすると、僕の場合はイグナツ・フリードマンということになると思う。どの曲も・・・ということは、もちろんなくて、この曲は誰それの方が、ということは当然あるにせよ、やはり僕はどこかフリードマンを神格化しているところがあるだろう。理屈でなく素敵なんだもの・・・またフリードマンの演奏は、現代の主流の模範的な演奏と比較すると、おそらく一部の教養ある人たちからは「時代遅れの演奏」のように聴こえるのかもしれない。アゴーギクが非常に大胆というのだろうか?今の基準からすると伸びたり縮んだりが激しい。個人的には、フリードマン基準を「素敵♡」と感じるけれど、人によっては椅子からずり落ちてしまうぐらいビックリしてしまうのかもしれない。「そんな風に弾いてはいけませ~ん」と言われてしまうかもしれない危険(?)な魅力が備わった演奏???一般的に往年の巨匠の演奏を好んで聴く人って、あまりいないように感じている。それはサークルの打ち上げでの会話とか、あるいは人様のブログなどに登場する「好きなピアニスト」などを拝見してそう感じる。チェルカスキーは認知度まあまあなのかもしれないが、その師であるヨゼフ・ホフマンとなると「誰それ?」的扱い(?)になる。認知度が低くなるように感じるフリードマン、おそらく彼は多くの演奏家と異なり、北米ではなくオーストラリアに移住したということもあるのかもしれない。今でさえオーストラリアのシドニーを「音楽的な伝統ある都市」と連想する人は、かなり少数なのではないかと思う。ニューヨークとなるとグッと音楽最先端のようなイメージもあるのかもしれないが。「シドニー?オーストラリア?コアラ???」みたいな?ポーランド人でありユダヤ人であった。ヨーロッパに留まることが不可能だったのだろう。演奏旅行で滞在したシドニーにそのまま滞在した。「ここ、居心地いいねぇ?温暖だし・・・」というよりは、自分を苦しめたヨーロッパとは真逆のような環境に魅力を感じたのかもしれない。自分が最も好きなピアニストと断言できると思われるピアニスト、イグナツ・フリードマンをこれから紹介していくと思う。彼の演奏ではなく「歩くフリードマン」の映像。BGMとして動画では、何故か「マラゲーニャ」が流れる。これはもちろんフリードマンの演奏ではありません。動画としては10秒ほどで切れてしまう。「ただ男性がセントラルパークを歩いている」という映像ではあるわけだが、ファンにとっては「動くフリードマン」というだけでドキドキしてしまうのだ。フリードマン特集(?)が終わった後、こう感じる人が世界の中で一人でも増えると僕は非常に嬉しい。0△topルバートマルセル・モイーズに限らず、またピアニストに限らず、往年の巨匠たちの演奏を聴くと、50年ぶりに故郷に立った時のような、胸がどこか苦しくなるような、キュンとしてしまうような、そんな感じがする。全員ではないが、一部の現代の演奏は、事務処理とまではいかないけれど、どこかサクサクと音楽を処理しているように感じる。ルバートに関してマルセル・モイーズはこう言っている。「今の人たちはルバートのない不自然な表現に慣らされてしまっている。平気でルバートを好まないなどという人までいる始末だ。人が話をする時に初めから終わりまで同じ調子で話されたら聞いているものは皆、口を閉ざしてしまうだろう。それでは自分の伝えたいことを表現などできたものではないのだ」マルセル・モイーズ、指導者としても大変に厳しい人だったらしいが、この言葉もかなり厳しい。「ではそのように演奏してみて下さいよ!」と返したい感じだが、さすが巨匠、そのように演奏している。ルバート・・・ではないだろうか?先の動画でドップラーの「ハンガリー田園幻想曲」を貼りつけたけれど、ピアノを弾いていたのは息子のルイ・モイーズ。この人はフルーティストです。ピアニスト・・・ではないんだね?でもピアノ上手ですよね?ルイの奥さんはヴァイオリニストで、父親や妻と室内楽を楽しむうちに、ピアノを担当するようになっていったらしい。みたいなものを感じたりする。これは往年組から感じたりする共通要素でもある。ルイは、後年アドルフ・ブッシュやルドルフ・ゼルキンと共にマールボロ音楽祭を創設している。ピアノ教室の体験レッスンに幼い我が子を連れていくと仮定してみる。熟年ピアノを始める、再開するとして、初めてのレッスン。そこで教師からこう問われたら戸惑うのではないだろうか?「専門的に習いたいのですか?それとも趣味として楽しみたいのですか?」厳しくバリバリと?それとも楽しく?「そのどちらでもないんだけどなぁ?」というあたりが生徒側、その保護者の正直なところではないだろうか?ビシビシと〇歳までにショパンのエチュードを・・・というのも違うし、ではJポップとかアニメの曲を楽しく体験できればそれでよし・・・というのとも違う。大雑把ではあるが、「美を感じたい」、習う側の動機としてはそんな感じなのではないだろうか?途中で辞めるかどうかは別として、将来音楽の花園に自分で入っていける力を、本当の演奏の楽しさを身につけて欲しいとか、聴き手として感動した曖昧模糊なる魅力を僅かでもいいから自分でも触れてみたい・・・とか?そんな感じではなかろうか?極論を突き付けられても困るのだ。Aではないのね?じゃあZね?ZじゃないのならAということね・・・そう極端に分けられても困るのだ。「ルバートというものを排除するような昨今の演奏は嘆かわしい」なんとなく両極端なことを言っている人がいる。マルセル・モイーズという往年のフルーティスト。この人はフルート吹きの間では神様のような人らしい。この人の残した「ソノリテ」という教則本はフルートのバイブル的扱いのようだ。ピアノにおける「バイエル」みたいな位置づけなのかもしれない。フランスのフルート奏者で、1889年に生まれ、非常に長生きして、1984年に亡くなっている。教育者としても有名だったらしい。「メロディーには表情豊かな歌詞がつけられているんだよ」このマルセル・モイーズの言葉は「楽譜にはすべて盛り込まれているんだよ?そこを拾わないで、感じないでどう演奏するというのかね?」と言っているように聞こえる。音程の跳躍、長い音、短い音、連続する音型・・・楽譜、それを印刷された音符の連なりとして、ただ視覚的に音にしてしまうのではない、そこに書かれたものを読み取り、感じて演奏しているように思う。同時に「印刷された音符に忠実」と「心からの主観的なものだけに頼って歌う」という両極端のものの間にあるような演奏というようにも聴こえてくる。本質というものは、目に見えないどこかに、ぶら下がっているのかもしれない。往年のピアニストの演奏姿、それは写真で確認はできるけれど、実際に弾いている姿というのは、なかなか見ることができない。時代的なことを考えれば、もうそれは仕方ないことなのだろう。そのような意味で、このモイセイヴィチの演奏動画は貴重。現代ピアノ演奏との大きな違い、それは演奏スタイルとか、解釈とか、そのようなことよりも、弾いている姿が違う。難曲を弾いている場合、鍵盤上の手の動きは変わらないけれど、上肢が違う。