ピアニストから政治家、それも一国の首相にまでなった人物などいただろうか?パデレフスキとショパン、おそらく「二ェ・ダムチェ」という精神を持ち続けた人たちであったのだろう。後世、ワルシャワの街で、クラクフの街で、空襲の中、爆撃の中、蓄音機でショパンを聴きながら「二ェ・ダムチェ」と心で叫んでいた無数のポーランド人たちもいたのだろう。ピアチェーレの演奏会では、僕なりの「二ェ・ダムチェ」を表出できたらいいなと思う。ポーランド・・・「平原の国」という意味なのだそうだ。0△topいつでも、どこでも、何があっても・・・まずは楽譜を読め、すべて楽譜に書いてある。忠実に弾けば、忠実に楽譜を読めば、それは音楽になる。理屈とすればそうなのだろうが、では人によって演奏が異なるというのは何故だろう?譜読みの浅さ、深さの違い・・・ということもあるのだろうが、ではコルトーとミケランジェリでは同じ曲でも演奏は異なるのはどうしてだろう?ミルシテインとシェリングでも演奏は異なる。その人ならではの魅力というものはある。皆同じにはならないのだろう?同じ楽譜なのに。同じ音符の連なりを再現しているはずなのに・・・1993年のプラハでのフィギュアスケート世界選手権、アメリカのナンシー・ケリガン選手、優勝候補と言われながらフリーで不安定な演技になってしまい、まさかの台落ち。そこで彼女のコーチ陣は考えた。来年はオリンピック、何かを変えなければ・・・と。徹底したのは「いつでも、どこでも、何があっても」の徹底。いつでも同じ演技ができるようにということなのだろう。同じようなことはスポーツの世界ではよくあるのかもしれない。昔の話だが、かつて(今も?)女子体操はルーマニアが非常に強かった。あのナディア・コマネチが活躍していた頃だろうか。何かで読んだのだが、やはり「いつでも、どこでも、何があっても」の徹底があったのだと記憶している。起き抜けに演技をしても成功できる・・・みたいなところまで徹底する。このスポーツのような感覚を音楽にもそのまま持ち込んでしまうのはどうなのだろう?そもそも我々が弾く作品の作者、つまり作曲者は不安定な人たちだったような気がするのだ。楽譜に忠実、自分の感情は排除、作曲者ほどではないにしろ、演奏する側も人間である以上、「いつでも、どこでも、何があっても」的にキッパリと楽譜、自分、感情というものを分けることも難しいのではないか?最大の人生の悩み、それはスーパーで鰺にするか、鮭にするか・・・このような人生だったとしたら、安定はしているだろうが、味気ないもののように思える。感情の使い場所がないもの。波乱万丈人生を自ら望むわけではないけれど、感情不使用の生活というものもどうなのだろう?そもそもそんな人生だったら、音楽なんて人生から必要なくなるような気もする。心の琴線に触れる、まさにこれは自分の中の感情に触れるということではないか、ため込んできた感情に音楽、演奏が触れてくる。その自分の感情というものを排除してしまっていいものだろうか?機械にでもなれと?クラシック音楽、聴き手側と供給側、供給側に教育というものも含めて考えてみると、供給側は、ザハリヒな方向性に頼りすぎているように個人的には感じる。聴き手は、もっと生々しいものを求めてきているのかもしれない。基本的には人様の練習を聴く機会というものはない。練習会などで、出来上がり状態を聴くことになる。「どうしてあのように歌えるのかしら?」と。「これって音楽性の違い?感性?才能ね。音楽的(ミスなどはあっても)な人の演奏ってイタリア人の会話みたい。フランス人の愛の囁き。自分のは、まるで電話の自動音声のような?音符は読めるのよ~、ドだってレだって理解できてる。音は並ぶのよ~、練習もしてるのよ~、なんでそうなるの?過去に戻ってみる。誰でも最初は導入期だったのだから。したら、音符を並べ、一応弾けたら合格、そして次の曲・・・という歴史(?)はないだろうか?その習慣、歴史が染みついてしまっていて、大人になってからも無意識に「並べ譜読み」をしてしまう。並べることができて、初めて表現を考えるのような?そのようなものが染みついてしまっている。「一応弾けた、さあ、表現の段階ね」ここで、ふと思う。「習ってない・・・」と。そのようなことは習ってこなかった。「もっと感情を込めて~」とは言われてきたけれど、具体的には何をしていいのか分からない。習ってないし・・・よく言われる。楽譜に忠実になのか、それとも自分の感情を優先するのか。そもそもこの発想そのものが、「一応弾けた」→「表現を考える」という図式からきているものなのかもしれない。譜読みをするということは、楽譜にある表現をも拾っていくこと・・・と。譜読みが終わった、実はその時には表現なるものもあるのが本来の姿なのでは?最初は音を読む。ドレとドラは違うでしょ?「はい、音が違います」そうではなく、エネルギーが違うのでは?ここは二拍伸ばすんです。それだけではなく、二拍と一拍ではエネルギーは異なるのでは?長さによるエネルギーの違いを感じることが、表現というものになっていくのでは?そのようなものを拾うことが譜読みなのでは?一つ一つの音や休符、集まるとシェイプが形作られる。モチーフと呼ばれたりする。そのモチーフが集まると、一つの流れの単位ができる。フレーズとか呼ばれる。そのようなものを意識した譜読みが必要なのでは?最初にロボット音声のような、電話の自動音声のような譜読みをしてしまうと、最後までそのまま・・・ということはないだろうか?どこかに表現のための秘策のようなものを期待する。アッハ~ン、ウッフ~ンのつけかた・・・のような?そのような秘策はなく、譜読みの段階でそれは決まってしまうとしたら?ショパンやリスト、ラフマニノフやプロコフィエフ、一応弾ける。音だけを並べているだけのような?そのような人がギロックやバイエルを弾いたとしたら、いきなりミューズの女神が舞い降りたような演奏をするだろうか?やはり「弾けてはいるけれど・・・」のような演奏になるのではないだろうか?違うかな?ピアノって両手だし、つまり2段譜だし、音も休符も、とにかく多いし。単位を小さくして拾っていってみたらどうだろう?片手最小単位、美しく弾けているだろうか?前の動画のロイ先生が、実に素晴らしい動画を作成している。生徒への指導、当日は会の責任者ということで、自分の演奏どころではなかった。頑張ってクラシックのソロを弾いたけれど、ハッキリ言って失敗だ。非常に苦しかった、ふと思った。「私ったらこんなに苦しんで・・・こんな私が生徒にピアノの楽しさを伝えられるだろうか?」考えた末、講師演奏はしないことにした。違うなとも思うし、かなり寂しいなとも思う。発表会の他にも、自分の演奏の場がある人は、何も忙しい発表会で弾く必要もないかもしれない。自分の演奏に集中するのは、別の機会の自分のリサイタルでもいいと思う。発表会は、生徒や会の進行などに集中する。発表会以外に自分の演奏を披露する機会のないピアノ教師も、意外と多いのかもしれない。日頃弾いていないピアノ教師という人が、もしいるのならば、講師演奏は相当心理的重圧があるだろうと予想する。「じゃあ、お友達と連弾、ディズニーメドレーにしよう。今年の講師演奏はこれで決まり!」これもちょっと寂しいような?先生はソロ弾かないの?暗譜しないの?・・・と生徒は感じるかもしれない。「ピアノの先生ってピアノが上手くて当然と思われている。?むろん、客席が不安、不穏になるような演奏では困るだろうが、例えば、講師演奏に内田光子とかトリフォノフのような演奏を期待するものだろうか?同じような演奏を期待しているわけでもないだろうと思う。講師演奏ならではという演奏、生徒にとって自分の先生ならではの演奏と言うのかな、そのようなものってあると思うし、それはトリフォノフにはできないようなことなのかも?ピアノの習いたての頃ってピアノは楽しい。「レッスン、楽しい!!!」でも徐々にそれだけではなくなる。仕事をしながら、ピアノを弾いている大人たち。ピアノさえ弾かなければ、毎日の生活も楽になるのに、そう思う。やめられない何かがある。それは楽しいということとも違うし、耐え忍ぶというものとも違う、不思議なもの。「なぜピアノを弾いているの?」という部分は、ピアノの先生が職業ピアニスト(?)よりも直に生徒に示すことのできるものであり、発表会の講師演奏というものは、そのような「なぜ弾くの?」ということを、教師自らが示すことのできる貴重な場なのではないかと・・・ピッツバーグ在住のヴァイオリン教師、ロイ先生。クリティカルに(意地悪く?)聴けば、例えばヴェンゲーロフのような闊達な演奏ではないのかもしれない。音楽をする喜びをロイ先生の講師演奏から感じる。僕がロイ先生の生徒で、伸び悩んでいて「ヴァイオリンなんかやめようかな?」と思っていたとしたら、このロイ先生の講師演奏を聴いたら、おそらく「もうちょっとヴァイオリン、続けてみようかな」と感じると思う。音楽をする喜びは演奏を通して伝わるものだとしたら?「キャッ、楽しい」というものでもないし、根性で耐え忍ぶものでもない。なんだろうね?講師演奏しかできないものってあるのかもしれない。演奏後のロイ先生の満面の笑顔がその答えかもしれない。0△topエフォルトレスミルシテインは、若い頃の映像でも身体をクネクネと動かさない弾き方だったようだ。それは82歳になっても変わらず。エフォルトレスという言葉が浮かんだ。エフォルトを感じさせない。力感というのかな、「さあ、頑張るのよ」みたいなものを感じさせない。練習は頑張っているのだろうが、舞台でオーディエンスに、それを感じさせない。これは黄金時代の流儀なのだろうか?お爺ちゃんになってからのホロヴィッツの演奏、演奏姿も同じく「エフォルトレス」を感じる。言えば、ミルシテインとホロヴィッツ、たしか共演していたはずだ。0△top82歳の少年ナタン・ミルシテインというヴァイオリニスト、この人はショパンのノクターンの実に美しい編曲で知っていた。最近よく演奏されるようになった「パガニーニアーナ」の作曲者として。ヴァイオリニストとして、この人の演奏をじっくりと聴くということは、今まであまりなかったのだが、彼のラストコンサートのCDを聴いて、椅子から立ちあがれなくなるほど驚き、感動してしまった。ラストコンサート、つまり引退公演だったのだろう。ミルシテイン、82歳の時だ。82歳・・・そうだよね、もう引退だよね、お爺ちゃんだもの。ステレオから流れてくる演奏は、お爺ちゃんではなかった。なんと艶やかで若々しいのだろうと・・・モチベーションが維持できなくなったり、落ち込んだりした時に聴くと、何かを肯定できるような、光をもらえるような、そんな演奏だと思う。2おハイソと言われる区に居住しているのだが、世間でのイメージとは違い、僕の住む地域は割と庶民的なのではないかと思う。以前は、あの「センベロの街」のある区に居住していた。お酒は飲めないので、せっかくのセンベロの街との縁はなかったのだが、その区にあった天然温泉には住んでいた頃はよく通った。こちらの区にも似たような施設はあるとは思うのだが、やはりどうも「おハイソ」な感じ?その「センベロの湯」(もちろん仮名)では、まれに歌謡ショーをやっていた。売れない(?)歌手と言っては大変に失礼だが、名前も聞いたことがないような歌手たちのショー。緞帳が上がり始まってしまうので、最初は驚いたものだ。そこでの歌手たち、皆さん上手なのだ。プロの歌手なので上手なのは当たり前だが、紅白に出場する演歌系有名歌手と比べても遜色なしという感じ?女性歌手は、皆さん大振袖なので、草履を舞台で脱いで足袋だけになり、くつろいでいる(弛緩している?)畳の間に下りてきて、全員に握手をしたりする。「ここまでやるんだ?ここまでサービスするんだ?」と非常に驚いた、いや感激した。どんなに上手くても、やはり都はるみではないし、坂本冬美ではないのね。その人とすぐ認識できるような個性がない。演歌系の歌手なので、当たり前なのかもしれないが、皆さん、適度なビブラートを持っていた。幼児発声の人、つまりノンビブラートで声を張り上げる人は一人もいなかった。なんというか、Jポップ分野で、ここまでビブラートのない歌手が活躍、台頭しているとなると、日本人の喉に変化でもあったのだろうかと疑ってしまいそうだ。なく、受けての好みが変わったのだろう。ノンビブラートの発声が、歌手の発声ということになっても、なんの疑問、違和感を感じない人、主に若者が増えたということなのだろう。?20歳の人と、ちょっと実験してみた。彼女は今流行りのJポップをよく聴く。僕が苦手な大人数でダンスしながら・・・みたいな歌。あんなのとか、こんなのとか、名前と曲を熱っぽく語ってくれるのだが、オジサンには同じに聴こえてしまうのね。僕が「この人は歌唱力がある」と感じる歌手の名前を言っても、彼女はほとんど知らない。「そんな人知らな~い」この動画を聴かせてみた。日頃彼女が聴いている歌とはタイプが違うはずだ。バラードだし、ビブラート満載だし。現代の若者の好み、歌を上手いと感じる認識が昔と変化したのであれば、「ダサ~い」とでも言われてしまうのかもしれない。「えっ?こんなに上手い人聴いたことない。誰?」そういう反応だった。ビブラートと職業歌手との関係は健在なのだ。昔と変わったわけではないのだ。若者受け(?)する音楽を提供するのは、やはり大人なのだろう。制作会社とかテレビ局とかレコード会社とか、プロダクション等という、提供側の姿勢が関係しているのかもしれない。若者が変わった・・・のではなく、知らない、触れたことがないのだ。受け手は供給されたものを信じる傾向がある。歌ってこういうもの・・・と。これはクラシック界も同様だと思う。コンクールで賞を取った人がピアニスト、教育機関で目指されているような演奏、そのような演奏を皆が目指し、そして同じような演奏を供給する。「ああ、これがクラシックなのね」と。音楽雑誌に頻繁に登場する人がピアニスト、ツタヤのレンタルCDの棚で見つかるような演奏家がいい演奏家・・・それ以外のタイプの演奏に触れる機会がない。辻井君は知っていても、コルトーは知らない・・・フジコ・ヘミングは知っていてもヨゼフ・ホフマンを知らない。与えられたものを「こういうもの」と受け取ってしまうこともあるだろう。して、与えられたものに供給側の何らかの意図、操作があったら?供給する側は売れて欲しいわけだから。(06/16)「プロになるわけじゃないんだし」とはもう言わない。http://flaw.blog80.fc2.com。