そこには愛を囁く人たちがいた。恋を高らかに賛美する世界があった。現実が厳しいからこそ、人々は夢の世界に没頭した。そこには殺人も飢えも、憎しみもない。そこは幻想の愛の世界だったから・・・ハンガリーからウィーンにやってきたエメリッヒ・カールマンのオペレッタに人々は夢中になった。レハールのそれよりも、ハンガリー色を感じさせるオペレッタだった。どんなにウィーンで人気を博し、名声を博しても、カールマンはユダヤ人だった。彼は第二の故郷、ウィーンを離れなければならなかった。当時の芸術家の多くがそうしたように、彼もまたアメリカ合衆国に渡った。カールマン・オペレッタは新天地アメリカに影響を与えた。その影響はミュージカルという新しい芸術となって華開いていった。カールマンはヨーロッパ人だった。アメリカ人として帰化したが、晩年はパリで暮らした。第二の故郷ウィーンではなかったのか?彼はウィーンには戻らないと決めていたのだろうか?戦争は多くのものを奪ってしまったが、カールマン・オペレッタは光り輝き、この世に残った。現実を忘れ、空想の愛の世界への逃避、それがカールマンの音楽。すべての苦悩を、つかの間忘れさせてくれる。現代でも愛を求めている人がいる。カールマンの音楽は忘れ去られることはない。これからも・・・カールマンはウィーンの中央墓地で眠っているのだそうだ。0△topピアノを弾くのは上手くなりたいから?もしかしたら「上手くなりたい」という気持ちだけでピアノを弾いている人もいるのかもしれない。したら、街のピアノ教室、音大、趣味のピアノ弾きの部屋で、あらゆる場所で上手くなりたいという願望が渦巻いているのかもしれない。上手く弾きたい?上手く弾く・・・上達するということ?そのためには苦しい練習も必要。別にプロになるわけではないのだから、楽しいピアノだってあり?楽しい趣味のピアノ。上手くならなくていいピアノ?上手くなりたい・・・というよりは、美しさの根源のようなものに触れたい・・・のでは?本来はそうだったはずなのでは?そもそも美とか、感動って何?よく分からない。分からないというよりは、言語化が困難。ピアノを弾くのでは?「言葉で表現できない感情までも音楽は表現してくれる」(レナード・バーンスタイン)だから弾くのでは?上手くなりたい・・・それもあろうが、それだけではないし、それがピアノを弾く理由だとすると、それは大雑把すぎる。上手くなりたい・・・それは目的ではなく手段なのだとしたら?ちょっと極端なのかもしれない。「すべての生徒を音楽好きに。すべての生徒にキラキラレッスン」これってあり得るのだろうか?ピアノや音楽が世界を支配しているわけではないのだ。ピアノ以外の何かを見つける生徒だっているだろう。辞めるということは敗北ではない。ピアノというものに美を求める生徒には「専門だから」とか「趣味だったらここまででいい」なんてことなしに教師は先輩音楽家として、すべてを教えるべきだろうとも思う。建前かもしれないが、ここが公立学校の教員との違いなのではないか?すべての子ども、すべての生徒ということはあり得ない。求めた子ども、生徒にはすべてを・・・なのでは?上手く弾きたい・・・というのと少し違う。その曲の何かに惹かれたから。それは言葉で説明できないものだから弾くのだ。その時に専門どうたらとか、趣味こうたらとか、さらには指導の内容まで変わってしまうというのは変な話だと思う。習う側も、そろそろ謙遜美学に甘える時代ではないのかもしれない。「私なんて・・・」という方向で甘えていたら、本当の自分の願望を見つめる勇気が持てない。ある演奏、ある曲に感動した、だったらそのように自分も弾きたいと思うのは自然なことなのだ。多くのアマチュアにとって、演奏そのものよりもハードルが高いというか、壁として立っているものがある。それはステージマナーみたいなもの。袖からピアノに向かう・・・ここで視線をどこへ向けたらいいのか?客席に向かってお辞儀、では視線はどこに?大きなホールの場合、客席は暗いことが多いが、サロンのような会場では前列に座っている人と視線が合ってしまいそう。登場の仕方が上手いなぁ・・・と個人的に感じる人が中村紘子。微笑みを浮かべつつ、余裕の感じで、さらに「どうも~」みたいな感じで優雅に登場。お辞儀も優雅なものだ。これはハードルが高い。演奏がしっかりしていればいいのでは?クラシックなんだから・・・そうかもしれないが、クラシックの演奏会に疎い人が、まれにクラシックの演奏会などに出掛けて、まず奇異だと感じるのが、サササ・・・と笑顔もなく出てきてお辞儀をし、楽しくもなさそうに難しそうな何やらを弾く。終わるとお辞儀をしてサササ・・・と一目散に袖に引っ込むという現象。これは他の音楽ジャンルのコンサートではまずみられない現象だ。客席との対話というか親和のようなものが皆無のような?演奏者は(特にアマチュアや学生の場合)演奏するので精一杯なのかもしれないが、あまりにそうだと、「高尚なクラシックをお聴き!!!」みたいな高慢、尊大な印象さえ与えてしまうのでは?なので「クラシック?ちょっと堅苦しくて・・・」となってしまうこともあるのでは?ピアノの場合、特に難しいのでは?ピアノ以外は客席に向かって演奏する楽器がほとんど。意外と大変そうだが、でも客席との対話とか、その場の空気を作るとか、そのようなことはピアノよりもやりやすいのでは?特に声楽の場合、アマチュアでも固まった表情のままで歌っている人は非常に少ない。ピアノは基本的に横顔だけの勝負になるので、「いつも怒っている」みたいな表情になりやすい。このことは客席からは「鍵盤と闘っている?」みたいな印象を与えやすいのでは?このことと「演奏以外のことを考えるなんて邪道、芸術作品への冒涜」みたいな風習(?)みたいなものもどこか残っていて、それがミックスされてしまうのかもしれない。いって、無理に表情を作ったりしても、それはそれで客席からは滑稽な演技としか見えないこともある。して演奏そのものよりもステージでの演奏者の視覚的なものって難しいものなのかもしれない。視覚的なことだけじゃないね。僕の場合、曲が終わって、次の曲に移るタイミングが早い。曲が終わり、そこで会場の空気を感じる。「もしかして聴き手は集中している?空気を共有している?」みたいな。なってしまい、余韻ゼロで次の曲をアタフタと弾いてしまう。非常にせっかちで慌ただしい印象を与えてしまうのではないかと反省中だ。この人のステージマナーを演奏会直前に参考にしている。デニス・グレイヴスという歌手。この人は大変に有名な人でいつもはオペラハウスで歌っている人だ。このようなサロン風の場所で歌うなんて非常に珍しいのではないだろうか?どこかのホテルの一角、しかもピアノはグランドピアノではあるけれど、ベイビーみないなピアノだ。至近距離に聴き手がいて、しかも床は絨毯。歌手にとっては最悪の環境なのではないだろうかと思う。手抜きをせず(当たり前のことかもしれないが)歌っている。サロンならではのマナーというものを彼女は意識しているようにも感じる。聴き手も「クラシックオタク」とか「オペラ狂」という人たちでもないようで、そのあたりも彼女は配慮しているように思う。0△topサムライ・ベルゴンツィ本番が近づくと僕だって神経質になる。普通は「ワクワク!」なんて状態で本番を迎えるなんて人はいないのでは?なのでこれは当たり前の心理状態なのだと思う。会場が小規模ということも緊張している原因なのだろうと思う。キャパ60の会場で、現在は58枚チケットが出ている。申し込んで当日来ない人もいるだろうし、前半だけ聴く、あるいは後半だけ聴くという人もいるだろうから、多少は空いた椅子もあるだろうと思うが、会場密度というのだろうか、そのあたりはプレッシャーだ。聴き手と演奏者との距離がとても近いというのも緊張する原因だろう。舞台というものはない。最前列の人にペットボトルを持っていてもらい、曲間で水分補給・・・なんていうのも可能だ。「心配を打ち消すような練習はしないように・・・」これは先生がよく言う言葉だ。あと数日、毎日10時間とか練習しても意味はないだろうと思う。ガンバリズムって日本では美点とされているけれど「きちんと弾かなくてはという心理状態は表現意欲を殺してしまう」ということになりがちだとも思う。これも僕の先生の言葉だ。表現って絵の具で色を塗り足していくような感覚に思いがちだけれど、塗り足すとか、感情を込めるという感覚よりは「発酵」という感じに近いのではなかろうか?パンがフワフワに膨らむのは発酵があるから。空気の穴ができるからだね。それに近いような気がする。「いい演奏は発酵された状態なんじゃないかな?」そう言ったのは友人のルカ。彼の実家はパン屋なので、そのような表現になったのだろうか?発酵・・・つまり生きているということかな?「発酵には天然酵母が重要なんだ。演奏と同じだね」などともルカは言う。意外かもしれないが、僕もパンは作る。粉とイースト、水を放り込んで、あとは機械任せなので、そんなことはとてもルカには言えない感じだ。「kazは内面は奥ゆかしい日本人ではなく僕と同じイタリア人だ。演奏会だって大丈夫さ。君はサムライ・ベルゴンツィだからね・・・」サムライ・ベルゴンツィ・・・ねぇ???なんとなくベルゴンツィって表現が「濃い」という気がする。僕はサムライ・ベルゴンツィなのだろうか?ベルゴンツィって最も「イタリア」というもの、そして「発酵」というものを感じさせる歌手だったのかな?なんとなくそんな気もする。イタリアは日本以上に家族の絆とか、そのようなことを重要視するらしい。南イタリアはそのような傾向が強いともいう。ルカの故郷はソレントだったから、彼は閉鎖的な土地から逃れたくて、さらに家族という絆から逃れたくてアメリカに渡ったのだという。「何?アメリカへ留学?デザインの勉強?お前はここソレントでパン屋を継ぐのだ。ニューヨーク?魔都らしいじゃないか?そんなところへ行ったら殺されてしまうぞ?」ある日、ニューヨークでルカはカルロ・ベルゴンツィを聴いた。彼はアンコールで「さらば、栄光の夢」という曲を歌った。不覚にも涙がとまらなかった。「ああ・・・俺はイタリア人だ。しようもなくイタリア人だ。パーパに逢いたい・・・ソレントの海に逢いたい」ルカは何年も逢っていなかった家族と再会した。ルカは現在ミラノ在住。昨年ベルゴンツィがミラノで亡くなった時、彼はかつてベルゴンツィが活躍したスカラ座の前で黙祷したのだそうだ。そのような人が何人もスカラ座の前でベルゴンツィのために祈っていたらしい。ベルゴンツィは最もイタリア・・・というものを感じさせる歌手だったのかもしれない。濃すぎる・・・とも感じられるようなベルゴンツィの濃厚さ、これは発酵なのでは?せっかく「サムライ・ベルゴンツィ」というニックネームをもらったのだから、あと数日は発酵を心がけようと思う。自分の演奏に抑揚がやや不足していることは感じる。抑揚や歌心のようなものを人の演奏から感じることもできる。人の演奏から感じることはできて、それに感動することもできるけれど、なぜか自分で演奏となると、異なる方向に行ってしまう・・・という場合、声楽を聴くといいのではなかろうかと個人的には思う。この場合、ただ漠然と聴くだけではなく、一緒に自分でも歌ってみるとか、歌手の歌声(CDとか動画とか)に合わせ伴奏部分を弾いてみるとか、ちょっと工夫してみるといいのではないだろうか?僕はよくこの練習(と言えればだが)をする。完全に楽しみとしてやっている。本来弾くべき、練習すべきピアノ曲を放置してまでやったりする。曲はなんでもいいと思うが、あまりにメカニカルな技巧的なアリアなどは避けたほうがいいかと思う。叙情的な歌曲などがいいように思う。個人的なお勧めはトスティの歌曲。歌手はルイジ・アルヴァがいいと思う。CDは手に入りにくい(入らない?)と思うが、僕は彼が好きなのだ。最高に甘美なトスティ。動画と一緒に歌ったりしてもいいよね。トスティ歌曲の楽譜は日本版でも手に入るし、言語はイタリア語の歌がほとんどなのでいいと思う。イタリア語はローマ字読みすれば、なんとなくそれらしく歌える。フランス語だと、なんでこのスペルでそう発音するの・・・みたいなところがあるし、ロシア語はそもそも読めないし。別に歌曲リサイタルをするわけでも、イタリア留学するわけでもないのだ。なんちゃってイタリア語で鼻唄のように歌えばいいのだ。ラララ・・・よりは歌詞を歌った方がいいような気がする。曲の雰囲気からすると、トスティはロマン派の人のように感じるが、実は超(?)近代の人だ。当時、ここまで時代に逆らうような曲を書き続けた人だ。あとトスティは多くの人が録音したり動画に演奏を投稿したりしている。自分とアルヴァとの比較のために自ら歌ったりするわけだが、二流(?)のプロとか音大生とか、アマチュアとか、さまざまな人のトスティとアルヴァの甘美トスティとの比較もできる。これもいい刺激というか勉強になるような気がする。グリンカの歌曲なども素敵だが、非凡な演奏と凡庸な演奏との比較・・・というところで限定されてしまう。トスティ・・・まずはアルヴァの歌を聴いてみる・・・あらぁ、甘いわねぇ、素敵だわ。次に一緒に歌ってみる・・・あらぁ、彼の「タメ」についていけないわ、私ってせっかち?アルヴァの歌に合わせて伴奏を弾いてみる・・・歌と合わないわ。合うようになるまでやってみるのだ。「自分らしからぬ抑揚で弾いている?まっ、私ったら恥ずかしい・・・」そう、自分で恥ずかしくなるくらいの抑揚や感情で歌ったり、弾いていることになっているはず。その「あらっ、私ったら」と恥ずかしくなるくらいの揺れ動きが本来はピアノソロでも必要だったのだ。勉強中のソロを弾いてみる。自分でも見違える(聴き違える?)ほどの違いがあるかもしれない。0△top脱・刻み演奏やはり楽譜が読めないと、つまり視覚的情報を取り込めないと、ピアノを弾いていくのは難しい。楽譜が読めればいいのか、読譜ができればいいのかというと、それだけでは、また微妙なところだ。ピアノを習う目的としては読譜は目的ではなく手段だと思うから。読譜を行い練習をして、バイエル程度からソナチネ、そしてロマン派諸作品に到達する頃、つまり中級者レベルと世間で言われるようなレベルになった時、焦っても遅いのではと感じることがある。間違いやミスそのものは少なく弾けるけれど、抑揚のない演奏になってしまうということ。実は上級者とカテゴライズされるような人でも、ここで悩んでいる人は相当数存在しているようだ。そんな不思議なことになってしまうのだろう?「なんだか拍を刻んでいるような演奏になってしまう」「いかにもズンチャッチャッ・・・のようにしか弾けない」「自然な抑揚が皆無?」この場合、あまりにも視覚的情報に依存しすぎているのかもしれない。音符を鍵盤に移し音にしていく、一応曲らしきものになっていく・・・そのまま教材や曲の難易度が進んでしまった?演奏するという行為には、何らかの音楽的感動があって成り立つと考えるのが普通だろう。「弾きたい」と感じる動機として、そこに音楽的な感動が普通はある。無くても曲は弾けてしまう。レッスン」→「曲をこなしていく」→「ズンチャッチャッ」なにかがおかしなことになっている?生徒側に責があるとすれば、「私はどうせ○○さんのように音楽的感性なんかないし・・・」と自分で決めつけてしまっていることかもしれない。「上達すれば、そちら(音楽的表現)も自然と身についていくのね?私はまだ初心者だからぁ」みたいな考え。曲は難しくなっていくかもしれないが、それに比例して感性は伸びていくものでもない。ある程度の曲を弾くようになると愕然とするのだ。「私のショパン、ズンチャッチャッ???」のように。指導者側の責としては、音楽への憧れとか、感動とか、そのようなことで生徒を引っ張れないということだろうか?知識は教えられるのかもしれないが、「ほら、ココの部分がいいのよ~」のような瞬間を生徒に自ら示すことが苦手、つまり自分の演奏により音楽への憧れのようなもの生徒に植えつけるというか、導くことが苦手?あるいは、素晴らしい演奏として成り立っている諸要素のようなものを具体的に分析して伝授することが苦手・・・とか?ショパンのノクターンのような曲、左手が伴奏、右手が旋律のような、ある意味で典型的なピアノの曲の場合、感じることがある。してもズンチャッチャッ・・・のようになってしまう演奏は、左に右のメロディーを合わせて弾いている。逆でしょ?右手に左手を・・・のような感覚が本当なのでは?脳内意識としては右が中心になるべきでは?左手の方が右手よりも難しいのだ。「間違えないで弾かなくては」と思い過ぎてしまうと、どうしてもそうなるのかもしれない。この場合、左手の刻みが等分になるので、「刻んでいますっ!」のようなショパンになってしまうのでは?ピアノのレッスンを継続していく過程において、どうしても視覚的なものが優先され、さらに間違えないで正確に・・・みたいな方向性になってしまう何かが存在しているのだろうか?置き去りにされている感動???この方は47歳でピアノを独学で弾き始めたのだそうだ。個人的にはピアノをすべて独学で・・・というのは難しいものもあるのではないかと感じるが、この人は独学が故に、自分の憧れサウンド、理想サウンドを純粋に追っていけたのかもしれない。たしかに、弾き方は独学っぽいというか、そんな感じだし、耳から入っているところも多いのだろう、音の読み違えがあったりする。楽譜を読めばありえない間違え。この人の演奏で気づくことがある。「ズンチャッチャッ」になっていないということだ。分からない楽語などはネットでその都度検索、楽譜も完全に読めるわけではないみたいだ。この人は「自分はこう弾きたいの」という演奏をしている。弾き始める前に感動があったのだということが伝わる演奏でもある。ピアノを弾き始めて8ヶ月なのだそうだ。8ヶ月目のショパン・・・でも着目するところは期間ではない。2パリから遠く離れた極東の地であろうと、今回のことは日本人の胸を痛めた出来事だったと思う。暴力による攻撃や紛争は世界各地であったのだと。「暴力、テロには屈しない」そうだけど、「では同じことを相手にも・・・」だと、それも暴力なのではないかとも思う。我々に敵というものが存在するのであったなら、本当の意味での「屈しない」ということは、「我々の世界は何があっても愛に包まれている。我々に同じような憎しみの感情を持たせることは不可能だ。我々は愛というものを知っているから」というメッセージを敵に送ることではないか???でも歴史は繰り返される。