ソルフェージュって、この感じを音楽で表現するために必要なものなのかもしれない。0△top愛の挨拶2011年頃だっただろうか、アルド・チッコリーニのリサイタルを聴いた。その頃は自分の身体を演奏会場に運ぶ・・・ということそのものが難儀だった頃で、チッコリーニのリサイタルも行こうかどうか迷った記憶はある。当時、チッコリーニは高齢で、彼の演奏を生で聴く最後のチャンスかもしれないという気持ちが身体の不調よりも大きかった。自分自身も外出できるのはいつまでだろう・・・なんて思いもあったと思う。チッコリーニはアンコールでエルガーの「愛の挨拶」を演奏した。惹きこまれるような、どこか神のような演奏だったけれど、テンポが異様に遅かった。楽譜にはアンダンティーノとの指定があり、彼の「愛の挨拶」はとてもアンダンティーノというテンポには思えなかった。「何か意味があるのだろうか?」そう思った。テンポ設定だけが自分の中で「何か意味があるのだろうが、よく分からない」というものとして残った。エドワードはピアニストを目指していたが、ロンドンで多くのピアニストの演奏を聴いて、自分はとてもピアニストにはなれない・・・と悟った。作曲もしていたが無名であるエドワードの曲など誰も見向きもしなかった。彼はピアノ教師として生計を立てるようになった。エドワードの生徒にアリスという女性がいた。いつの頃からか、エドワードはアリスを生徒としてだけではなく、一人の女性として魅力を感じるようになっていった。エドワードの恋心は愛に昇華していった。「ああ、アリスと共に人生を歩んでいけたら・・・これほど幸せなことは自分にとってないだろう・・・」エドワードの熱い心はアリスにも伝わっていた。アリスもエドワードをピアノ教師としてだけではなく、芸術家として尊敬していたし、いつのまにか人間として惹かれていった。「エドワード、君はまさかアリスと結婚したいと思っているわけじゃないんだろう?結婚は無理だろう?君はカトリックじゃないか?アリスはプロテスタントだろう?それじゃあいくら君がアリスを愛していても無理だろう。これは言いたくはなかったが、アリスは君よりも8歳も年上じゃないか、そりゃあアリスは魅力的な女性さ。遊びじゃないんだろう?だったらアリスのことは忘れることだ」アリスの両親はエドワードとアリスの結婚に断固反対と姿勢を崩さなかった。頑なに二人を引き裂こうとした。得体の知れない無名の作曲家志望の男などに大事な娘を託すことなど絶対にできない・・・しかしアリスの決意は固かった。「私・・・勘当されたの。「アリス・・・いいのかい?僕は君に平凡な幸せなど約束できないかもしれない。貧しい生活が待っているかもしれない。「エドワード・・・あなたはきっと作曲家として成功する。私、そう感じるし、あなたを信じられる」エドワードとアリスはすべての困難を乗り越え結婚した。エドワードはアリスに「愛の挨拶」という小曲を捧げた。アリスは生涯、夫であるエドワードを影で支え続けた。表に出ることはなかった。エドワードの作曲家としての名声はイギリスだけに留まらず、世界的なものとなっていった。二人は共にパートナーとして人生を歩んだ。「エドワード・・・ごめんなさい、私はもう長くはないかもしれない。癌という病気らしいわ。「アリス、僕を置いていかないで・・・君のいない人生なんて考えられない・・・・」エドワードも、そしてアリスもすべてを受け入れた。「幸せな人生だった」と。二度目の「愛の挨拶」は、かつてのような熱い愛を語るものではなかった。すべてを乗り越えるような熱い愛ではなかった。そこには別の愛の表現があった。以前にも僕の周囲にはクラシック嫌いの友人ばかりと書いたが、彼らのアンダーソン&ロエに対する感想はとてもいい。「へぇぇぇぇぇぇぇぇ・・・クラシックなのこれ?」「斬新でクールだね」「昔、この曲、音楽の授業で聴かされた記憶がある。退屈だったけど、これはいいね?同じ曲?」等々・・・このことは玄人筋(?)からは厳しい評価を受ける可能性を感じさせる。「音楽は音だけで表現するものだ。映像など邪道だ」みたいな?自分がどう感じたか・・・この部分も大切なのだと仮定すると、僕はこのようなパフォーマンスは大好きだ。リスト編のソロバージョンよりも演奏効果が高いのではないだろうか?彼らの連打も凄いと思う。ピアノ演奏=パフォーマンス=表現行為・・・と考えると、これはありだと僕は思う。賛否両論かもしれない。0△top新しいリベルタンゴまだまだアンダーソン&ロエという素晴らしいピアノデュオを知らない人は多く、少し残念な感じなので、新しくカテゴリーを作り、彼らの演奏を紹介していこうと思う。彼らの特徴としては、ユーチューブ(映像)を巧みに、そして効果的に使用していることだろうと思う。このあたりはネットの普及という時代性を感じるところだ。連弾・・・どこか「発表会」とか「仲良く連弾」みたいな、ソロと比較すると、どうしても影というか、軽く扱われるというか、どこかそんな雰囲気を僕は感じたりする。連弾はソロの代用でもなく、発表会の時間稼ぎでもなく、それだけでパフォーマンスとして通用するものだ。この概念を植えつけたのが、かつてのラベック姉妹だったような気がする。彼女たちの演奏、というか登場は衝撃的ですらあった。アンダーソン&ロエは、オリジナル連弾曲、2台ピアノ作品に限定せず、自分たちで作曲(編曲)し、パフォーマンスを繰り広げる。ソロ作品と比較すると、レパートリーとしては、どうしても限定されてしまう領域なので、彼らは大変に賢く、野心的であると言えるだろう。ラベック姉妹に対しては、厳格なクラシック通や評論家たちは割と厳しい眼差しだったような気もするが、このデュオも、もう少し有名になれば、「クラシック的ではない」などと評価されるのかもしれない。既成概念に捉われない闊達さが好きだ。ピアソラをクラシックのピアニストが演奏した映像などを聴くと(見ると)、華麗さをペダル効果に依存している演奏が多い気がする。すると、どうしても「切れ」のようなものが不足してしまうような気がする。ピアノでピアソラを弾く難しさだろうと思う。アンダーソン&ロエは、このあたりを克服しているように思う。ここまで切れのいいピアノ版「リベルタンゴ」は珍しい。離鍵、打鍵の反応がとてもいいような気がする。日本にも来日しているし、彼らのレパートリーの一部は日本でも輸入楽譜専門店で手に入れることが可能だ。これまでの連弾の概念を吹き飛ばして欲しい。0△top演奏は演奏、ソルフェージュはソルフェージュ???「私、別にジャズとか興味ないしクラシックのピアノ曲が弾ければいいわ。学校の先生とか保育士になるわけでもないし、移調とか伴奏付けとか、別にできなくても困らないし・・・」これはよく分かる。僕も声楽の曲やギターの曲をピアノで弾ければ、「便利だな」とは思うが、基本的にはクラシックのピアノ曲を素敵に弾ければ満足なところがある。多くの人がそんな感じなのではないだろうか?3段譜をピアノで弾く、この場合、手は3本ではないわけだから、瞬時(でなくてもいいとは思うが)に端折れる音と入れるべき音を耳で判断していかなくては3段譜は弾けないし、1段譜の場合は、伴奏の構成音を感じなければ弾けないだろうとも思う。「でも、それは私がやりたいことじゃない。ショパンのソナタが弾けることが夢なの。即興したいわけじゃないの。指の訓練と練習を重ねればいいんじゃない?」ここで考えてみる。ショパンのソナタが弾ければ・・・という場合、音符を鍵盤に移せるということができれば満足なのだろうか?最初はそれでも感激だろうとは思う。「わっ、憧れのサウンドを自分で鳴らしているんだわ」みたいな喜びはあろう。音にできた段階で、「じゃあ、次はバラードに挑戦だわ」というのも、ちょっと寂しい気はする。「やっと音にできた」ではなく「素敵に弾けた」ということが喜びなのでは?別に即興名人でなくてもいい。移調名人にならなくてもいい。クラシックの曲を弾きたいからピアノを弾いているのだから。「どう弾くか?」ということを大事に思うべきなのではないだろうか?視覚的な情報だけで譜読みをし、細部のパッセージ練習を反復し、つまり練習を重ね、音は弾けるようになっていく。この場合、留意すべきことは「細部だけを重視しない」ということだ。なんというか、練習熱心な人ほど、「全体ではなく細部だけにこだわる」という感じがしないでもない。このあたりのことは意外とソルフェージュ能力との関わりがあるのではないかという気もする。「理想の音を追う」という練習とでは違いはあるだろうと思う。僕が昔のピアニストを好むので、特にそう思うのかもしれないが、いい演奏というものは「フレッシュ」だと感じる。ショパンの曲を演奏しても、まさに今出来上がったばかり・・・のようなフレッシュな感覚がある。演奏そのものが生き生きとしている。ショパンを弾いているのだったら、即興しているわけではないから、楽譜を音にしているのは変わらないが、往年の巨匠の演奏は、どこかフレッシュだ。即興演奏をしているような自由自在さを感じる。現代のスターピアニストよりもそう感じるのか分からないが・・・フリードマンの演奏するショパンのエチュード。90年以上も昔の演奏だ。立体的でフレッシュで、今まさに弾いているみたい。音そのものが軽いよね。ピアノで遊んでいるみたい。重量級の感じで「汗エチュード」を弾く人はいくらでもいるが・・・フリードマン・・・ソルフェージュできたのではないだろうか?彼だけではなく、この時代のピアニストは自ら作曲をし、編曲をするのが普通で、今のような「作る人」「弾く人」という分業制ではなかったからというのもそう感じる理由だ。なによりも演奏からそう感じる。したら演奏というものとソルフェージュというものは分離しているものではないのかもしれない。0△top耳コピって訓練?能力?所属するサークルのメンバーにジャズの得意な人がいる。僕はジャズって「よく分からないんだよねぇ・・・」などと思う方なのだが、自分でアレンジしたりアドリブで華麗に弾いたりするのを聴くと、「いいなぁ・・・」などと思う。正式にジャズ理論などを勉強した人ではなくても、昔電子オルガンを習っていて、ヤマハの講師などもしていて、現在はクラシックを弾いている・・・などという人もポップス系の洋楽などを自己アレンジで弾いたりして、それがとても素敵だったりする。思うに、このようなことができる人と、できない人とに分かれるのでは?別に所属するサークル内に限らず、ピアノを弾く人の中で、できる人とそうではない人とに分かれるような?ピアチェーレの演奏会でプーランクの「愛の小径」を弾く。したらソロ用の楽譜も存在しているのかもしれないが、僕はオリジナルの声楽用の楽譜で練習した。3段譜なわけだが、それを知って驚く人がいる。素人さんではなく、クラシックの難曲を弾く人がだ。ピアチェーレの演奏会で弾く「11月のある日」はギター曲、「アルフォンシーナと海」はフォルクローレなので、歌の曲だ。この2曲は、完璧に耳コピで弾く。「えっ・・・なんでそんなことができるの?」とこれも驚く人がいたりして、こちらが驚く。子どもの頃は即興演奏で遊んでいた。別に「これは何調です。この調の調号は・・・」などという知識もなく、色々な調で弾くことが楽しかった。転調すると色が変わるのが楽しかった。子どもの頃のピアノレッスンでは、いわゆる「ソルフェージュ」なるものをやった記憶はない。それどころか、僕は楽譜が読めなかった。レッスンの曲は練習しようがなく、それで子どもの頃のレッスンは撃沈したのだ。大人になってピアノを再開してからも、別に「移調の練習をしましょう」みたいなレッスンではなく、普通にピアノの曲を弾くだけだ。僕はソルフェージュなるものの訓練を受けたことはないのだ。施設で音楽療法なるものがある。セラピストが来てセッションをする。日程が合えば僕もお手伝いをすることがある。その場合、叙情歌とか童謡が中心になる。基本的に楽譜の調は高齢者には高すぎるので、移調して弾くことになる。正規に移調奏の訓練は受けてはいないが、「リンゴのうた」を歌いましょう・・・という場合、楽譜がCだったらAに移調して弾くことは普通にできる。なんとなく、このようなことができる人にとっては当たり前のことが、できない人にとっては摩訶不思議な能力に思えるのだろうか?ここで思う。音大を卒業した人でも歌謡曲を耳コピで弾いたり、「リンゴのうた」をいきなり移調して弾いたり、または歌だけの1段譜を見ながら、適当な伴奏をつけたりすることのできない人がいるらしいということ。ショパンやリストは弾ける。歌謡曲を耳コピで弾いたり、1段譜や3段譜を適当にピアノで再現することはできない。音大という専門機関で2年なり、4年なり、みっちりと専門的にソルフェージュなる授業で訓練されたのでは?「音大のソルフェってそういうことをするわけじゃないの」・・・なのかもしれない。アカデミックな場なのだろうから、そのようなことなのかもしれないが、耳コピができなかったり、移調ができなかったりしたら、実践的ではないよね・・・とは思う。このような能力(と言えるのかは分からないが)があるのと、ないのとでは、いわゆる普通のクラシックのピアノ曲を弾く場合でも、何かしら関係してくるのではないだろうか?楽譜を視覚的に把握し、それを鍵盤に移す・・・ことはできる。それが複雑な情報でもできる。難曲も弾けるのだろう。頭の中で自分なりの理想の音は鳴っているのだろうか?耳コピで弾く場合、弾いている箇所よりも先の音が鳴っていないと演奏として成立しない。楽譜がないわけだから。クラシックのピアノ曲を再現する場合でも、このような感覚は必要なのでは?このあたり、音大卒の方の意見を聞いてみたいなどと思う。別にパリに憧れているわけでもない。パリに知人が住んでいるいるわけでもない。この気持ちの落ちようは何なのだろう?むろん、ピアノの練習はしている。本番を控えているから。無料とか有料とか、そこは関係ない。会場まで足を運んでくれる方がいるということが凄いことなのだ。来月のサークルのピアノパーティ・・・みたいな催しとなるとどうなのだろう?粛々と進行するいつもの練習会とは異なり、飲食しながらの会だ。今月の末に演奏会、ピアノパーティは来月の中頃。弾く曲もないよね・・・でも、気持ちを落とさないという意志表示もありなのかもしれない。日常そのままに過ごすことで、屈していないという気持ちをキープすることによる意志表示。この人たちは、いつものことながら、超絶曲を実に楽しそうに弾く。超絶曲を必死に弾く人は多いけれど。演奏も素敵だが、映像も素敵だ。日常の幸福感を感じる。この「青きドナウ」は「ラ・ヴァルス」・・・入ってるよね?なんともお洒落な感じだ。音楽に浸って、ピアノを楽しく弾くという意志表示もありかな・・・なんとなく、この人たちの演奏を聴いていてそう感じた。0△top祈りは平等やはりパリは国際都市なのであろう。テロの標的になったのかもしれないが、パリ在住の友人、知人は皆無でも、滞在していたかも・・・と思うとやはり心配になる。ヨーロッパ在住の友人、知人は全員無事が確認できたので、まずは一安心だが、パリは芸術の街、やはり心が痛む。僕はパリ好きでもフランス好きでもなく、むしろイタリアやスペインを訪れたいと思う方だが、やはり心が痛むのだ。文化や芸術に対してまでの攻撃・・・という気持ちがあるのかな?自由の国だしね。一つ心配なことがある。僕にはムスリムの知人がいる。現在はサンフランシスコに在住している。学生時代は、同じマイノリティ人種として親しくしていたものだ。ムスリムへの差別の方が東洋人へのそれよりは格段に強かったと想像する。「僕の身に何も起こってはいないから安心して!友人、知人たちは偏見のない人たちだし、僕のことを心配してくれてはいる。気軽に街は歩かないようにしている。沢山の言葉の暴力はあったらしい。その傷は癒えないけれど、偏見を持たない友人たちの言葉、行動を宝物にして生きているのだそうだ。「人間はみな同じ・・・そう思う人も多いんだ。マイノリティということで差別されることだってある。僕は人の痛みが理解できるようになったんだ」フランスにもムスリムの人々が多く住んでいる。0△topパリの空の下あるセルビア人は語っていた。「同じ民族同士で殺し合いをした」と。「死んでいった相手の顔を忘れることはできない。一生そのことを背負って生きていくのだ」と。それでも人生を生きる意味はある・・・9月11日、ビルが崩壊する寸前、中にいた人たちは自分は助からないと悟った。人々は死ぬ前に携帯電話でメッセージを残した。ほとんどの人の最後のメッセージは同じだった。「愛している・・・」それでも人生を生きる意味はある・・・そう思えなくなる時もある。ピアノを弾いているのだったらショパン・・・などと言うべきなのかもしれないが、ショパンよりはヴェルディが好きだ。自分としてはロマンティック、かつ陶酔系(?)の音楽が好きだとは思うが、プッチーニよりはヴェルディが好きだ。不思議だなぁ・・・とどこかでは思っている。ヴェルディに限らず、オペラというものはそういうものなのかもしれないが、多くの場合、ヒーロー役はテノールが歌う、演じることが圧倒的に多いように思う。敵役はバリトン、そしてヒーローを支える長老(?)みたいな役回りがバス?ヴェルディのオペラでは光り輝くテノールのアリアよりは、バリトンのアリアに惹かれる。思うと、これはバスティアニーニの影響がかなり強いとは思う。あとは、テノールという声域において、僕の嗜好としてどこか「柔らかさ」のような声質のテノールを好む傾向がある。レッジェーロのテノールですね。叙情性の際立つ声がテノールという声域では好きなのだろうと思う。ゲッダとかタリアヴィーニのような歌手。苦手ではないけれど、そのような意味でドミンゴのようなテノールはあまり聴かない。ドミンゴが・・・というよりは、テノールという声域そのものに、僕がヒーロー的な力強さではないところに魅力を感じてしまうので、あまり聴かないのだと思う。ドミンゴは発声の瞬間のテンションが非常に高いような気がする。声を出しているのかもしれないが、いちいちテンションが高い。そこがヒーロー的なテノールとしてのドミンゴ人気が高かった理由なのだろうとも思う。歌っているのかもしれないが、ゲッダのマンリーコとか、あまり想像できない。反対にパヴァロッティのフランス歌曲、ドビュッシーとかサティとか、あまり想像できない。前置きが非常に長いが、ラテンのピアノ曲でテンションの高い曲、たとえば今回演奏する曲の中では、ミニョーネとかポンセの曲の場合、発声はゲッダとかタリアヴィーニではなく、ドミンゴの発声のように弾いてみる・・・ヴェルディ・テナーのようなテンションを意識してみる・・・まぁ、タッチのイメージや質感を変えてみるということなんだが、正規の訓練(というものがあればだが)というものを受けてきていない僕としては、声楽イメージの方が把握しやすかったりするのだ。力強く弾く・・・でもなく、盛りあげて弾く・・・でもなく、ドミンゴのテンションを盛り込んでみる・・・このほうが掴み易い。0△top音大では何を教えているのか?昔から日本人ピアニスト(コンテスタント)たちの演奏は、とても達者で安定しているけれど、どこか表現意欲に欠けるというか、タイプライターを叩いているみたいというか、そのように言われ続けていたし、今もそう言われている。その理由としては西洋文化と接している歴史の浅さとか、日本人特有の恥じらいとか、はては哲学や宗教がどうのこうのとか・・・そのようなことに起因されているのではなどと言われてきた。このことも、今でも言われ続けている感がある。僕自身が日本人なので、「日本人は表現力に欠ける」という意見には素直には納得できないところがある。表現力として結びつかないのかもしれないけれど、日本人にも熱き表現意欲はあるのではないかと感じている。表現意欲を表現力に直結できる何かが欠けている?海外でピアノを教えているという日本人からコメントやメールを頂くことがある。このような人たちは、現地でのピアノ教育と日本のそれとを比較できる能力があるように思う。どちらがいいとか悪いとか、そのようなことではないとは思うが、そのような人達が共通して指摘するのは「日本の音大の先生は何も教えられないのではないか?」ということだ。何も教えられないということは、まさかないだろうとも思うが、僕としてもこの点については少し感じることはある。素人さん(前記事参照)が「作業としてこなしているような演奏」と評した日本人ピアニストのピアソラ演奏・・・この演奏に限らず、素人さんたちは日本人ピアニスト、優秀な音大生、コンクールで賞を獲得するような人たちの演奏に対して、かなり辛辣のように思う。「何も感じない」「事務処理みたいに弾く」「凄く上手なんだろうけれど」みたいな感想。日本人にも表現意欲はある。意欲を表現力として聴き手に伝える技術に欠ける?個人的な感想だが、日本人ピアニストの演奏の弱点としてタッチというか、発声というか、発音が「ベシャッ」というか「ベチャッ」というか、どこか曖昧さを感じる。輪郭がぼやけてしまう。これではいくら心を込めて演奏しても、形としては(音楽としては)伝わりきらないのではないか?発音時の瞬間による「何か」が皆無だと、どうしても音楽というものを「形式」というか、外側からなぞるような方向性で曲を仕上げていく印象を聴き手に与えてしまう。心が欠けているのではなく、ノウハウを知らない・・・もしそうなのだとしたら、ここの部分が「音大の先生は何をしているのか?」ということと結びつくのかもしれない。僕には何故かピアニストの友人がいる。アメリカ人なのだが、彼は日本人留学生、コンテスタントたちの演奏を聴いてこう感じるのだそうだ。「彼ら(日本人ピアニスト)は指ではなく腕で弾きすぎる。これだと音色としては単一というか、音の輪郭とか演奏の立体感が表出できない」と。「瞬間タッチとして際立った演奏を聴いて自分で研究するしかないよね」と彼が推薦してくれたピアニストの中の一人にアントニオ・ピリコーネというピアニストがいる。この人の演奏を聴いて「発音」について自分でも研究してみようかと思う。ピリコーネというピアニスト?知ってました?僕だけが知らない?たしかにピリコーネの発声、発音、この部分は日本人ピアニストからはなかなか聴けない部分だとは思う。0△top素人さん素人、僕も素人だが、クラシック音楽などは日頃ほとんど聴かないような人たち、クラシック嫌いの人たち、このような人たちを今は素人と呼ぶことにする。幸か不幸か、僕の周囲には素人さんがたくさんいる。日本国内のリアルな友人のほとんどが素人さんである。その中の一人に「楽器による発色の違い」「ピアノでラテンを演奏する場合の発色」などについて意見、感想を訊いてみたくなった。僕は素人さんの意見は非常に重要で貴重なものだと思っている。ピアノを習っている人は、どうしても表面的な達者さなどに幻惑されてしまうようなところがある。「凄く上手じゃない?」みたいに。素人さんは、自分がどう感じたかで判断する。演奏者の出来栄えなどは斬捨てて判断する厳しさがあるようにも思う。「えっ、これいいね」か「なんだか一生懸命に弾いているけど退屈だな」に分類する傾向がある。厳しい・・・とにかく素人さんに演奏を聴かせるまでが難儀ではある。クラシックなんて・・・」となる。そこを拝み倒して聴いて頂く(?)わけだ。聴いて頂いたのはピアソラの「リベルタンゴ」のピアノ独奏とアコーディオンの演奏。ピアノは結構有名というか、活躍している日本人演奏家。アコーディオンはリシャ-ル・ガリアーノの演奏。誰ではなく何・・・と質問するぐらいの素人さんの感想。「子どもと大人・・・って感じだな」「才能の違いって残酷だねぇ・・・」「ピアノの人はただ弾いているって感じだな」「同じ曲だよね?」むろん、彼(素人さんね)は「楽器の発音差」とか「ピアノとアコーディオンの響き、奏法の違い」には言及しなかった。「そういう難しいことは分からないね」と。彼が言及したことで考えさせられる言葉は多い。日本人ピアニストも無表情に弾いているわけではないと思うのだが、素人さんはそのピアニストの演奏を「決められたことをただ業務としてこなしているみたいな演奏」などと言う。「だからクラシックって退屈なんだよね」とも言った。彼らはどのような種類の音楽、演奏であれ分類してしまうのだ。「いい演奏」と「退屈な演奏」とに。その判断は非常に直感的とも言える。僕は素人さんの正直な反応に疑問を感じたことは今までない。きの楽器による違い、ピアノでそこを克服するには・・・なんて目的は達成できなかったけれど、貴重で正直な意見は頂けたとは思う。「ねえねえ、なんでピアノの人は、わざわざ面白くもなく弾くんだろうねぇ?」わざわざ・・・ではないと思うが・・・クラシックを日頃愛好して聴く人は人口の3パーセント。実は「本当の演奏がクラシック界の中で3パーセント・・・」なのかもしれないね。表情って「つけるもの」じゃあないんだね。これも素人さんの意見だ。苦手なミニョーネの「街角のワルツ」・・・この曲はどうも入り込めない。なんとなく哀しげ、奇麗には弾けているのかもしれないが何かが違うような?先生のレッスンは、口頭でのダメ出しというよりは、弾いてくれる。「僕だったらこのように感じますが?」と。そのように弾くための具体的な方法に入っていく。この部分がすごく具体的。「僕の直観なのですが、この部分、kazさんはレガートすぎるのかも?僕だったらこのように弾くかもしれません。?」ミニョーネの曲、弾き方というよりは、僕の捉え方の方向が違っていたのかもしれない。先生のミニョーネは「発色がいい」という印象。音の立ちあがりというか、発音時にテンションがある・・・というか?僕の捉え方は、どこかチェロが哀しげに奏でているというか?実はチェロではなく、イメージとしてはバンドネオンなのでは?以前、ピアノ仲間と話したことがある。クラシックのピアニストの演奏するピアソラが物足りないと。僕もその意見には同意する。発音というか、どこかタッチがボヤンとしているのだ。ピアノは音が減退していくので、バンドネオンの音の発色と比較すると、テンションが足りなく感じる。ミニョーネの場合も同じなのかもしれない。アンニュイなシャンソンでもなく、ふくよかなチェロでもなく、バンドネオン・・・おそらく、この曲はヴィラ=ロボスの曲の中で、最も悲哀を感じさせるメロディーなのではあるまいか?実際にチェロやソプラノの「哀しい」演奏は多い。発音のテンションがラテンの誇りを表現できるのかもしれないね。別にクラシック音楽だけ限定して聴いているわけでもないけれど、やはりクラシック音楽は日頃鑑賞する音楽の中心とはなる。ピアノを習っていて、しかも人前で弾いたりもしていると、ついついクラシック音楽は身近なものと感じてしまう。日頃クラシック音楽に親しんでいる人の割合は全人口の3パーセントなのだそうだ。「クラシック・・・いいね!」という人は100人のうちで、たった3人ということになる。「えっ・・・クラシック?う~ん・・・勘弁してほしいな」「ちょっと堅苦しいよね」「僕、そういう高尚なものとは無縁なのでぇ・・・」この場合、曲が難しい、理解できないということなのだろうか?曲の責任?かなりの割合で演奏にも責任はないだろうか?プロの場合、「あと1週間でリサイタルです。弾けてないの~・・・あっ、チケットまだあります。3000円です」というのも、おかしなことになるので、プロの場合は演奏前の自分の心情のようなものは、あまり書かないのではないかと思う。リサイタル後も「崩壊してしまいました~」などと書くのは、どこか無責任のような気もするし。アマチュアの場合、練習会とか発表会とか、このあたりは書きたい放題なのではないだろうか?演奏後に反省ばかりしていても無責任ではないしね。ピアノブログを読んでいて感じることがある。多くの人は「自分の出来栄え」を中心に、「弾けた」とか「弾けなかった」とか、「あの部分がまだ弾けなくて」とか書いている。そこにないものは何だろう?「人はどのように感じてくれたのだろうか?」という視点(聴点?)がない。このあたりに97パーセントの人がクラシック音楽を敬遠する理由が潜んでいるのかもしれない。あまりにも「どう弾けるか、弾けたか、あるいは弾けなかったか」ということに演奏者が執着しすぎてしまう?ピアノを人前で暗譜で演奏するって、それはそれは大変なことなので、それを実行したということだけでも凄いことなのだと思うし、「弾ければいいの」という考え方もあるのだと思うけれど、もし自分の心の中に「なんでただ弾いているだけになってしまうのかしら?」とか「何故あの人は訴えるような豊かな演奏ができるのかしら?」のようなものがあるのだったら、聴き手のことを意識した練習などもしてみたらどうだろう?自分出来栄えだけではなく・・・あそこのパッセージ、あの跳躍、ああ、あそこの部分の暗譜が・・・のようなことばかり意識するのではなく、少しだけ聴き手のことを意識してみる。(06/16)「プロになるわけじゃないんだし」とはもう言わない。http://flaw.blog80.fc2.com。