語る恋愛のすばらしさ2020年に注目したい若手俳優×業界の先輩が熱き映画対談する新春企画。第二弾は、2本目の映画『his』(2020年1月24日公開)で早くも初主演を務めた宮沢氷魚。周囲にゲイであることを隠して生きてきた青年の心の変化を丁寧に演じている。意欲的な作品の監督は今泉力哉。数々の恋愛映画を手掛けてきた監督も同性愛を主題に描くことは初。二人が迷いながら作った映画への思いを語る。『his』を拝見して、宮沢さんはきっと主人公の迅のような人に違いないと思ったのですが、ご自身ではどう感じていますか。育ってきた環境を思い返すと、いろいろ似ているところがあったように思います。僕はクオーターで、見た目もこうだったので、幼少期はなんだかんだからかわれたこともありました。インターナショナルスクールに通っていたので、そこでは全然、問題ないんですが、下校している時など、近所の小学生にいろいろ言われた経験があります。“お前は日本人だ”って言われるんです。それは間違いじゃないんですけど、気持ち的に日本にいた時に白人扱いされていたから、向こうに行ったら、僕を認めてくれるんだろうなって思っていたら、向こうは僕を白人だと思わないで、Japaneseとして見てる。“日本がホームでしょ。お前の場所は日本でしょ”と言われても、自分は日本がホームって感じた瞬間ってなかった。小さい頃はそうだったので、どこに行っても自分の居場所がない感覚。いうところはすごく迅と共感できました。それでいて結局、僕は甘えがあって、自分でそういう風にしちゃってる部分がある。何かあった時に、“どうせ、ここにいたって......”というメンタルになってしまう自分の弱さ。いうところが何か迅とリンクしている気がしました。いまの話、そのまま迅ですね。宮沢氷魚演じる迅は周囲にゲイだと知られることを恐れ、都会を離れてひっそりと一人で田舎暮らしを送っていた。そこに、昔の恋人が現れて......。監督がキャスティングされた時、そういった話はしていたんですか。子供時代の話は今日、初めて聞きました。以前、「学校にはゲイの人もいて、彼らに理解がある人が多かったから、学校を卒業してみて、“まだこの社会はこんなに理解がないんだ”とすごくショックを受けた。この作品に興味があるし、やってみたい」という話をしてくれたので、同性愛者と周りの人の反応、まるで理解されていない日本の現状のことも知っている人だからこそ、彼がいいと思いました。弱音の吐かなさとか、迅はどちらかというと受身側だと思うんですけど、そういう雰囲気は本人からも感じていました。あと今日、一緒に取材を受けていて思ったのは、「迅は寡黙で受け身だから、話している時とか、自分が感情を出した時に目線がまっすぐ相手を見ているような時間が印象的だった」と言う人が多かったんですけど、確かにそういうのは演出じゃなくて、結構、本人の申し出だったりしたので、迅のそういう「どういう人が迅なのか」っていう迅像みたいなものは、ほぼほぼ作ってくれてたと思います。細かい演出は付けていませんから。Aizawa自分の芝居ひとつで作品がどんどん変わっていくことをこの現場で初めて実感したんです。宮沢さんは今泉監督のそういった演出方法に関して、演じやすい、にくい、どう感じましたか。これまでの作品は大半がそうですけれども、監督をやられてる方々というのは自分のやりたいことが明確にはっきりしているので、クランクインして何日か経って、下手したら、台本読みをした段階で、“こういう芝居をすれば、いいのかな”というのがわかることもあります。それがいい時もあります。連ドラなどは本当に時間がないので、監督やプロデューサー、脚本家が求めているものがわかったうえで、そういう芝居をしてOKをもらう。それはそれで全然、いいと思うし、そういう形態でいいと思う。今回はちょっと違いました。逆に、今泉さんはあんまり細かい演出を僕たちに言わないので、僕たちは本当に考えるんです。いう環境、機会を常に与えてくれた。役者としてはやっぱり嬉しいですし、“ものを作っているんだ”という感覚が本当に今回は強かったです。今回はアサダアツシさんの脚本ですが、監督は自分で書いた時はもっと細かく演出したりするんですか。いえ、だんだん気づいてきたことなんですけど、人の台本だからということではなく、自分の台本の時も任せるようになってきています。細かい指示は基本的に現場で最初にはせずに「じゃあ、1回、やってください」って、やってもらってみる。すると、自分の思ってたのと違う芝居をする可能性がある。自分が考えていた正解より、そっちの方が面白いかもしれない。それなら、それを先につぶしてしまうのではなく、「あ、そういうトーンなんだ」「えっ、そういう距離感なんだ」というものが出てくる環境を作りたい。最終的に出来上がったものが面白くなることが一番の目的なわけで、「俺の頭にあるものを作りたい」みたいなものはないんです。差別的な感じに受け取られるようにはしたくないし、それはアサダさんもそうだと思うし、その辺はすごく気を付けました。任せることはとても大切だと今は思っています。それは自分の演出方法の一つとしてすごく大切なことです。こちらが差別的に思っていないつもりでも、無意識にそうしているのではないかとか、迅と同僚のシーンなどを見てはっとしますが、作り手としては大変に心を砕かれたのではないですか。俺が一番、驚いたのは、氷魚と(迅の元恋人・渚役)藤原季節が対談していた記事のなかに、「僕たちも迷っていたけど、監督がめちゃくちゃ迷ってたよね」「これ以上、質問しても、監督が絶対に答えを出せないから、僕たちが自分で考えてやりました」と語っているものがあったんです。そんなに?」って(笑)。本当に間違えないように。泣いたり感情的になるシーンほど、「これで大丈夫なのかな」と。感情的なシーンって、ともするとお客さんがノレるか、引いちゃうかがとても繊細な芝居になるので、役者が気持ち良くなってないかとか気を付けて、やっぱりそういうシーンほど、役者に余裕がない方がいいから、そこは気にしていました。OKが出た後も、いろいろ言うんですよ。基本的に僕らは監督が「OK」って言ったら、“できたんだ”って思うじゃないですか。駄目だったのか?」ってなるじゃないですか。「OK」の後に撮り直すことはないんです。Aizawa「もっといける。いける」ってなった時にテイクを重ねることはあまりしないんです。一回、あれは本当に意地悪だったなと明確に覚えているのが、終盤の台本に台詞一つ、ちょっとだけ足した芝居で、テストも何もしないで、「こうして」ってやってもらって「OK」って言った後で、「でもあの最後のところって俺が思ってたのとは違ったけどね」とか言ってしまって......。帰りのロケバスの車中、みんな無言ですよ。泊まってた部屋に戻った瞬間、藤原君とビールを開けて、「なんだったんだ?」って(笑)。あれはよくなかったですね。結果的にはよかったんです。後乗せですけど(笑)。俺もそうだけど、みんなが「今日はできた!」とか「この決断は間違いなかった!」みたいな瞬間は必要ない作品だと思うんです。一つの判断がその翌日も尾を引いていく。ある種、冷たいかもしれないのは「もっといける。いける」ってなった時にテイクを重ねることはあまりしないんです。慣れってとても良くない。役者の新鮮なうちにやりたい。あと、「俺はこう思ったけどね」とは言っているけど、俺が正解だとも思っていないんです。一個の正解までいってほしいなという感覚で言っているから、「いや、もっとやれたかも」って悩んでいたのかもしれません。さっき言われて思い出したのは、何かすごくシリアスな場面が終わった後に俺が「笑ってください」って言ったんです。二人が“一切、笑えないよ”っていう空気になっていて、俺が「じゃあ、いいです。OKです」ってなったんですよね。あれは(ポスターになっている)おでこをくっつけたシーンの後だったか。指示も全部、聞こえていたんですけどね。できないよ」ってことだから、それはやらなくていいんです。あれは「やれないよね?」っていうのを確認しただけですから。一般的には、「ここはこういう感情だから、こういうことをして、こう見える芝居をする」ということが「芝居をするということ」になっているけど、それよりももうちょっと手前。本当に困ったり、本当にむかついたり。そっちの方が本当の感情、本当の芝居っぽくなってくる気がして、それを引き出す方法をいろいろ探りながらやっている。現場で台詞を足したり、片方にだけ指示することもあるんです。季節に一言だけ台詞を足して、氷魚のリアクションを素にするとか。いうことをやって、ちょっとでも想定通りになっていること以上の何かが取り込めないかというのはずっと意識していることかもしれません。すると作り物じゃなくなっていくし、脚本の意図を越えていくという意識はありますかね。