1954年、マグリット56歳頃の作品です。結局はやはりマグリットといえば、この作品に落ち着くということをこの美術館で多くのマグリット作品を見てきた結果、体感しました。saraiや配偶者が魅惑されてきたマグリットの魅力はこの1枚にすべてが凝縮されているようです。マグリットも晩年にはいります。その名は世界中に広まり、毎年、マグリット展が催されるようになります。その頃の代表的な作品です。《アルンハイムの領地》です。1962年、マグリット64歳頃の作品です。絵のタイトルはマグリットが熟読したエドガー・アラン・ポーの作品名から採られています。最晩年の作品を見ましょう。明るい青空を最後まで描き続けたんですね。《空白のページ》です。1967年、マグリット68歳の作品です。《囚われの美女》です。1967年、マグリット68歳の作品です。この1967年、マグリットはブリュッセルの自宅で68歳で人生を終えます。アトリエとして使っていた台所には、描きかけの作品が残されていたそうです。透明感に満ちた作品だったようです。これで、マグリット美術館の鑑賞を終えます。お気づきだったでしょうか。saraiは彼の作品に対して、感じた印象をほとんど書きませんでした。マグリット美術館にはマグリットの代表作はありますが、なんだか今一つ彼の魅力が伝わってこず不満足だったんです。1950年以降の4作品は見ごたえがありましたが、大きな期待は空振りに終わった感じです。いうことで、気持ちが治まりません。このベルギー王立美術館でデルヴォーやクノップフが見れなかったのも大きく影響しているのは間違いありません。ところで、受付のお兄さんが、ちょっとは展示してあると言ってたけど、1枚も見てないよね・・・ということに2人の意見が一致。館内案内のパンフレットをじっくり検討すると、どうも王立美術館には3つのエリアがあるようなのですが、王立美術館の古典絵画部分とマグリット美術館の部分以外のエリアにどうも行けていません。それが、気になっている階段の下の部分です。一度、階段横の係りの人に2枚のチケットを見せて駄目なのかと訊くと、行っていいわよと通してくれました。ヤッタと階段を下りて、その奥の入場の機械にバーコードをかざしますが、ゲートが開きません。ゲートの上部にメッセージが出て、このチケットでは駄目とのこと。ここは別料金のようです。奥に見えているのは、印象派の絵です。この奥に見たいものはあるようです。チケット売り場に取って返し、2枚のチケットを見せ、残りのエリアに行くにはどうすればよいのか訊くと、3ユーロの別チケットを買い足してねとのことでした。はいはい、買いますよ。これが購入したコンビチケットです。謎が解けた気分で、新たなチケットを持って、第3のエリアに向かいます。Museumの素晴らしい展示が待っていました。:ハーゲン・カルテットの4人はやはり進化していますね。昔はテクニックでバリバリ弾いていた印象がありましたが、かなり抑え気味の演奏で熟成した深みが感じられます。最初のバッハは精妙な表現で納得の演奏です。フーガの楽しさをとことん味わわせてくれます。ここまではコンサート全体の前奏曲のようなもので軽い感じ。次のショスタコーヴィチはうーんと唸ります。ハーゲン・カルテットが演奏するとショスタコーヴィチはこうなるのねって思います。そもそもバッハのフーガの技法が終わった後、短い休止だけで続けて演奏します。その心はバッハとショスタコーヴィチは同じトーン、同じテーストだっていうことです。バッハからは200年も離れていますが、音楽の精神は変わらないっていうことを言いたいんでしょう。確かにまったく違和感なしに連続して聴くことができます。ショスタコーヴィチの音楽が進行するにつれて、その本質が露わになってきます。ハーゲン・カルテットの抑え気味の演奏がそれをさらに強調します。第2楽章こそ、激しく燃え上がりますが、トータルには悲痛なトーンが貫かれます。次第に心に浮かんでくるイメージはレクイエムです。これは弦楽四重奏による鎮魂の歌です。ハーゲン・カルテットの熟成した響きがショスタコーヴィチの音楽を見事に表現しました。重いテーマではありますが、ハーゲン・カルテットは意外にさらっとそれを聴かせてくれました。休憩後、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲第13番です。いつものように終楽章(第6楽章)は大フーガが演奏されます。これも無闇に弾き過ぎないで、抑えた演奏が続きます。第5楽章のカヴァティーナをしっとりと歌い上げて、一挙に大フーガで演奏は燃え上がります。この大フーガへの布石として、それまでの抑えた演奏が活きてきます。大フーガはパーフェクトな素晴らしい演奏で何も言うべき言葉を持ちません。以前聴いたベートーヴェン・ツィクルスでの名演が思い出されます。ハーゲン・カルテットの大フーガは最高です。今日のプログラムは以下のとおりでした。Op.133今度は是非、バルトークの弦楽四重奏曲を聴かせてもらいたいものです。:今回はインバルの80歳記念&都響デビュー25年記念のアニバーサリーコンサートの2回目です。東京芸術劇場で素晴らしいシューベルトを聴きました。この東京文化会館ではバルトークが聴けるので期待して出かけました。グリンカの歌劇『ルスランとリュドミラ』序曲です。これって、ムラヴィンスキー&レニングラード・フィルのお得意の曲ですね。予習で聴きましたが、引き締まって、猛スピードの演奏に大変な感銘を受けました。世の中にパーフェクトというものがあるとしたら、こういう演奏のことだと確信させられました。いう最高レベルの音楽を聴いた上で今日の演奏を聴きました。これって、ムラヴィンスキー&レニングラード・フィルと甲乙つけがたい演奏じゃないですか。猛スピードでの突進、そして、素晴らしいアンサンブル。引き締まった上に弦の美しさも聴かせてくれます。インバルがこういう指揮をするとはびっくりですが、もちろん、ムラヴィンスキーのことは意識してやっているんでしょう。その指揮に応えた都響のアンサンブル力のレベルの高さには唖然としました。相当にリハーサルを重ねたと見えます。2週間で全く演目の違う3回ものコンサートをこなすのに、よく、こんな高いレベルまで持っていけたものだと舌を巻きます。どんな練習を重ねたのか知りたいものです。10分ほどの短い音楽ですが、凄い演奏に絶句しました。音楽もさることながら、パンフレットで見るピアニストのアンナ・ヴィニツカヤの凄い美貌に魅了され、本当にそんな美人が登場して、難曲のプロコフィエフを演奏できるのかと興味津々です。写真通りの美人、それもグラマーな女優のようなピアニストが登場。冒頭のピアノ演奏はなんだかぶっきらぼうな感じ、よく言えば無機的な演奏です。それは最初だけの印象でした。第1楽章の実に長大なカデンツァ(カデンツァというよりもピアノ独奏曲?)に入り、そのダイナミックな超絶技巧の大迫力に圧倒されてしまいます。予習したのは超絶技巧では誰にも負けないキーシンの演奏でしたが、実演の迫力あるピアノを聴くとまったく別物に感じられます。オーケストラとも丁々発止で、ピアノとオーケストラが合っているかどうかも俄かに判断できません。それほど両者は思い切った演奏をしています。スリリングを通り越して、未知の領地にはいっているみたい。第2番がこんなに凄い曲だとはいうことは初めて知った思いです。有名な第3番よりも凄いかも知れませんが、演奏が超難しそうです。度肝を抜かれて聴いていましたが、第4楽章の抒情を湛えた美しいピアノには、それまでとの落差が大きくて、一気に天上に上り詰める思いを抱かされます。この一筋縄ではいかないような抒情的なメロディーが難しい技巧で繰り返されるたびに音楽の深淵を感じさせられます、やがて、感動的なフィナーレ、いやあ、凄い演奏を聴いてしまったなあ。美貌は期待していましたが、こんな超ど級の音楽を聴くことになるとは想像していませんでした。恐るべし、アンナ・ヴィニツカヤ。翌日の横浜みなとみらいホールでのリサイタルにもかけつけようと決心しましたが、既に遅し。後方席しか残っていなかったので、それは断念しました、また、いつか機会があれば、聴かせてもらいましょう。アンコールはチャイコフスキーでした。憧れに満ちた夢見るような演奏に心が和みました。休憩後、バルトークの管弦楽のための協奏曲です。これは腕に自信のないオーケストラには弾けない曲ですね。バルトークが白血病で病床にいながら、最後の気力を奮って、心血を注いだ最晩年の大傑作です。病床にあったとは思えないエネルギーに満ちた音楽・・・生きていく人たちに生きる力をバルトークはプレゼントしてくれました。インバル&都響は実に見事にこの難曲を演奏してくれました。低弦の分厚いハーモニー、そして、高弦の切れのある響きは特に格別でした。インバルが暗譜でオーケストラを自在にドライブしていたのも見事。saraiが青春時代、繰り返しレコードが擦り切れるほど聴いた大好きな曲ですが、心底、堪能しました。日本のオーケストラがここまで演奏してくれて、感無量です。完璧とまではいきませんでしたが、これは名演と言えるでしょう。インバル&都響に感謝したい思いです。今日のプログラムは以下のとおりでした。Sz.116今日も、インバルが振るときの都響は素晴らしく充実した演奏を聴かせてくれました。来週のショスタコーヴィチの名曲(交響曲第8番)も楽しみです。デュメイのモーツァルトも期待できそうです。Museumの展示スペースに入場することができました。これが世紀末部門の案内パンフレットです。地下3階から地下4階までを抜けて、地下5階から地下8階までがそのエリアになっています。世紀末部門の珠玉の作品群を見ていきましょう。ニカイス・デ・カイザーの《ルイス・ヴァン・カンペンボートの肖像》です。1847年頃、デ・カイザー34歳頃の作品です。このベルギーの画家は今は有名な画家ではありませんが、この作品はなにか気になる作品です。フィンセント・ファン・ゴッホの《農夫の肖像画》です。1885年頃、ゴッホ32歳頃の作品です。有名な《ジャガイモを食べる人達》の登場人物を描いたと言われています。いうゴッホも素晴らしいですね。ここからは近代ベルギーを代表する画家の一人であるジェームズ・アンソールの作品を見ていきましょう。この旅でも北海沿岸の町オステンドでアンソールの家(お土産物屋)を見たことを思い出します。ジェームズ・アンソールの《奇妙な仮面》です。1892年頃、アンソール32歳頃の作品です。アンソールは20代半ばから急に仮面の人物の作品を集中的に描き始めます。この作品はその中でも傑作だと言われています。仮面を描くことでその人間の内面を暴き出すという屈折した作品です。ジェームズ・アンソールの《陰鬱な婦人》です。1881年頃、アンソール21歳頃の作品です。仮面の人物を描き始める以前のアンソールの作品です。ジェームズ・アンソールの《エイ》です。1892年頃、アンソール32歳頃の作品です。魚とは思えないような不気味な印象の作品です。ジェームズ・アンソールの《カラリスト》です。1880年頃、アンソール20歳頃の作品です。これも仮面の人物を描き始める以前のアンソールの作品です。カラリストとは、色彩効果を重視する画家のことだそうです。色彩画家とも言うそうです。ジェームズ・アンソールの《団扇とシノワズリー》です。1880年頃、アンソール20歳頃の作品です。これも仮面の人物を描き始める以前のアンソールの作品です。ジャポニスムにはまっていたんですね。中国と混同していたのはご愛敬かな。ジェームズ・アンソールの《ロシアの音楽》です。1881年頃、アンソール21歳頃の作品です。これも仮面の人物を描き始める以前のアンソールの作品です。アンソールに続いて、フランスの画家たちです。ジョルジュ・スーラの《グランド・ジャット島のセーヌ川》です。1888年頃、スーラ29歳頃の作品です。精密な点描法の作品です。この超人的ともいえる作品作りが画家の命を縮めたと言われていますが、それも納得できそうな凄さです。ポール・シニャックの《岩だらけの入り江》です。1906年頃、シニャック43歳頃の作品です。これまた、点描法の労作。本当に点描法は体に悪い!エドゥアール・ヴュイヤールの《二人の小学生》です。1894年頃、ヴュイヤール26歳頃の作品です。ヴュイヤールはナビ派の一人。このくっきりとした色彩の明確さはいかにもナビ派らしい作品です。アルフレッド・シスレーの《ルーヴシエンヌの道》です。1873年~1874年頃、シスレー34歳~35歳頃の作品です。印象派で独自の道を歩んだシスレーの作品を見ると、心が和みます。このふわっとした空気感はいいですね。アルフレッド・シスレーの《村のはずれ、春》です。1885年頃、シスレー46歳頃の作品です。シスレーは強い主張がありません。自己の内面に従って、素直な画面を作るだけ。それがシスレーのいいところです。次はいよいよ、この美術館の白眉とも言えるクノップフの作品群を見ていきます。:8月末でウィーン・フィルを退団のライナー・キュッヒルが早速、日本で演奏するというので聴くことにしました。演目はゴルトマルクのヴァイオリン協奏曲第1番。ゴルトマルクの曲なんて聴いたことがありませんから、予習は欠かせません。この曲にはミルシテインが1957年にハリー・ブレック指揮、フィルハーモニア管と録音した素晴らしいCDがあります。ミルシテインの演奏の中でも傑出したもので、そのヴィルトゥオーソ的な演奏にはまったく魅了されるばかりです。ミルシテインの素晴らしさを再認識し、ゴルトマルクのヴァイオリン協奏曲第1番の聴きばえのする音楽にも魅惑されます。今日のキュッヒルの演奏ですが、出だしが固い演奏になったことを除いて、正確無比な音程と艶やかな響きは見事なものでした。ミルシテインのようなヴィルトゥオーソではありませんが、ウィーン風といった感じの魅力に満ちており、ゴルトマルクのヴァイオリン協奏曲第1番の美しさを十分に味わうことができました。第2楽章の魅惑的な美しさ、第3楽章の切れの良く、迫力に満ちた表現はさすがの演奏に思えました。ウィーン・フィル退団後のライナー・キュッヒルのソロや室内楽での一層の活躍は大いに期待できそうです。後半のプログラム、マーラーの交響曲第5番ですが、第3楽章までは聴かなかったことにしましょう。何か書くと愚痴になってしまいます。出だしのトランペットのソロからつまづいたのですから仕様がありませんね。第4楽章は有名なアダージェット。神奈川フィルの弦楽パート、特にヴァイオリンのセクションの透明な響きが魅力です。テンポがスロー過ぎたので間延びしたのは指揮者のゲッツェルに帰するものがあります。ノーマルなテンポならば、もっと美しい演奏になったのが悔やまれるところではあります。第5楽章も弦楽セクションの健闘が目立ち、不調の管楽セクションをカバーしていました。指揮のゲッツェルがもう少しきめ細かい表現をしてくれたらと思うところもありましたが、第4楽章、第5楽章はそれなりに心地よく聴けました。全体的にはもう一つの演奏で残念でした。以前聴いたマーラーの交響曲第6番(金聖響指揮、2014.3.20)では素晴らしい演奏を聴かせてくれた神奈川フィルの今後の健闘を祈りたいと思います。今日のプログラムは以下です。Museumの珠玉の作品群を見ています。次はいよいよ楽しみにしていたベルギーの象徴主義の旗手フェルナン・クノップフの作品群を見ていきます。フェルナン・クノップフの《シューマンを聴きながら》です。1883年頃、クノップフ25歳頃の作品です。クノップフ初期の代表作です。母親をモデルにして、クノップフが熱狂的に傾倒していたロベルト・シューマンの音楽に耳を傾けている様子を描いたものです。この作品は前回紹介したジェームズ・アンソールの《ロシアの音楽》との類似性が論議の的になり、アンソール自身が非難の先頭に立ったそうで、以後、クノップフとアンソールの間の亀裂は埋まることがなかったそうです。saraiの意見では両作は同様のテーマであるものの、クノップフの作品はこめかみを押さえる画面中央の女性の内面に踏み込んだ表現になっており、シューマンのロマンあふれるピアノ音楽が底流に流れている見事な作品に仕上がっており、アンソールの作品とは本質的に異なる作品であると言えます。それにしても、ピアノで弾いているシューマンの作品は何でしょう。シューマンのピアノ曲を愛するsaraiはとても気になります。saraiなりに推理してみると、本当は声楽曲《女の愛と生涯》とか《ミルテの花》がふさわしいと思いますが、ピアノを弾いているのでやはり、素直にピアノ独奏曲だと考えるべきでしょう。するとやはり《幻想曲》以外にはありえないような気がしてきます。うん、きっとそうでしょう。《幻想曲》が聴いてみたくなります。定番のリヒテル・・・アラウかシフもいいな。ホロヴィッツというのもありますね。フェルナン・クノップフの《ヴァン・デル・ヘクト嬢の肖像》です。1883年頃、クノップフ25歳頃の作品です。クノップフは肖像画も多く描いています。その中の代表作の1枚です。フェルナン・クノップフの《聖アントワーヌの誘惑、ギュスターヴ・フロベールにもとづく(シバの女王)》です。1883年頃、クノップフ25歳頃の作品です。ギュスターヴ・フロベールは《ボヴァリー夫人》で有名なフランスの小説家ですが、彼が《聖アントワーヌの誘惑》という文学作品を1874年に出版しています(日本語訳も出ているようです)。ウィキペディアによると以下のような文学作品です・・・紀元3世紀の聖者アントワーヌ(アントニウス)が、テーベの山頂の庵で一夜にして古今東西の様々な宗教・神話の神々や魑魅魍魎の幻覚を経験した後、生命の始原を垣間見、やがて昇り始めた朝日のなかにキリストの顔を見出すまでを絵巻物のように綴っていく幻想的な作品で、対話劇のかたちをとった散文詩のような形式で書かれている。クノップフはギュスターヴ・フロベールの《聖アントワーヌの誘惑》から着想を得て、いかにも象徴派らしい幻想的な作品を描き出しています。描かれた場面は聖アントワーヌがシバの女王の幻覚と対峙しているところなのでしょう。フランス象徴派のギュスターヴ・モローの《出現》を思い出させる作品ですね。《出現》はほぼ8年ほど前に描かれていますから、きっとクノップフはそれに影響されたものと思われます。ちなみにフロベールの《聖アントワーヌの誘惑》はジェノヴァのバルビ宮殿でピーテル・ブリューゲルの描いた『聖アントニウスの誘惑』を見て着想を得て書かれたそうですから、芸術はインスピレーションの連鎖によるものも少なからずあるようです。フェルナン・クノップフの《マルグリット・クノップフの肖像》です。1887年頃、クノップフ29歳頃の作品です。クノップフの絵画と妹マルグリット・クノップフは切っても切り離されません。彼女を描いた作品がクノップフの最高の絵画だとsaraiは信じています。愛する恋人ではなく、愛する妹にそんなに執着したのかは分かりませんが、クノップフにとって妹マルグリットは最高のモデルでした。ロセッティにエリザベス・シダルとジェーン・バーデンが欠かせなかったのと同じです。この肖像画もただ、そのまま妹の姿を描いたようにも思えますが、やはり、作品からはただならぬオーラが漂ってきます。フェルナン・クノップフの《記憶》です。1889年頃、クノップフ31歳頃の作品です。ガラスの映り込みで右側がほとんど見えない状態であることをお詫びします。右側には2人の人物が描かれていますが見えませんね。左側の5人だけをご覧ください。いずれもモデルは妹のマルグリット・クノップフで同一人物が同じ画面上に7人も描かれているという珍しい構成の作品です。それほどにも妹マルグリットへの強くて異常な愛着があったということでしょう。作品の別名に「ローン・テニス」という名前のあるように画面上のマルグリットたちはラケットを手にしています。優雅にも幻想的にも見える不思議な作品です。フェルナン・クノップフの《若い英国女性の顔》です。1891年頃、クノップフ33歳頃の作品です。フェルナン・クノップフの《妖精の女王、ブリトマール》です。1892年頃、クノップフ34歳頃の作品です。フェルナン・クノップフの《妖精の女王、アクラシア》です。1892年頃、クノップフ34歳頃の作品です。これまた、とても美しい作品です。フェルナン・クノップフの《妖精の女王》です。上の2枚の絵が一対になった作品です。《孤独》を加えた三幅対の作品がリエージュ美術館に展示されているようです。この作品はイギリスの詩人エドマンド・スペンサーが書いた寓意詩《妖精の女王》の登場人物、女騎士ブリトマートと裸体のアクラシアを描いた作品。いずれも6歳下の妹マグリットを思わせる顔が描かれています。この官能美はベルギー象徴派という枠を超えて、永遠の美を感じさせます。saraiはこの作品の前で立ちすくんでしまい、この作品から立ち去りがたく感じてしまいました。フェルナン・クノップフの《ジェルメーヌ・ヴィーナーの肖像》です。1893年頃、クノップフ35歳頃の作品です。クノップフが描いたとは信じられません。フェルナン・クノップフの《フォッセ、モミの木の林》です。1894年頃、クノップフ36歳頃の作品です。クノップフが描いた風景画は珍しいですね。クリムトに通じるところを感じます。そんなに強い印象は抱きませんでしたが、クノップフを代表する1枚だそうです。フェルナン・クノップフの《青い翼》です。1894年頃、クノップフ36歳頃の作品です。クノップフお気に入りの素材を集めるとこうなるのだそうです。マルグリット、ギリシャ彫刻の頭部、翼。フェルナン・クノップフの《青い翼》です。1894年頃、クノップフ36歳頃の作品です。油彩画の《青い翼》を写真に撮って、色付けをした彩色写真です。凝ったものを作りましたね。フェルナン・クノップフの《木の下》です。1894年頃、クノップフ36歳頃の作品です。詳細は分かりませんが、中世の騎士を描いたのでしょうか。精密に描いた作品です。フェルナン・クノップフの《スフィンクスの愛撫》です。1896年頃、クノップフ38歳頃の作品です。素晴らしいとしか言えません。想像上の生き物スフィンクスが両性具有的な人物を愛撫する様を描いたシュールな作品です。この時代にはまだシュールレアリスムなんてありませんけどね。スフィンクスの胴体は実はネコ科のチータなんだそうです。邪悪な蛇を模しているんだそうです。スフィンクスも人物もモデルは明らかに妹のマルグリットです。妹はとっくに結婚していますがクノップフは彼女から離れられませんね。クノップフ自身が結婚するのはまだ10年以上も先の50歳を過ぎたころです。未亡人と結婚しますが、結婚生活は3年ほどで終わります。なんだか分かるような気がします。顔の部分を拡大してみましょう。クノップフのモデルは妹マルグリット以外にはありえませんね。こんなに世紀末にふさわしい絵もありません。クノップフの最高傑作でしょう。フェルナン・クノップフの《クノップフの家とスタジオ》です。1902年頃、クノップフ44歳頃の建築デザインです。このクノップフの家は取り壊されたので、現在は存在していません。この家が保存されて、クノップフ美術館になっていればよかったと思うのはsaraiだけではないでしょう。今からでも遅くないので、復元したらどうなんでしょう。色んな角度から眺めてみましょう。フェルナン・クノップフの《メリザンド》です。1907年頃、クノップフ49歳頃の作品です。ベルギーの劇作家モーリス・メーテルリンクが書いた戯曲『ペレアスとメリザンド』の女主人公メリザンドを描いたものです。この頃、クノップフはブリュッセルのモネ劇場でオペラの衣装と舞台セットのデザインを手掛けていたので、これはドビュッシーのオペラ『ペレアスとメリザンド』に基づいたものなのでしょう。このオペラは1902年に初演されていますから、早々とブリュッセルでも上演されたようですね。フェルナン・クノップフの《R・シュトラウスの楽劇「エレクトラ」のクリテムネストラの衣装デザイン》です。1910年頃、クノップフ52歳頃のオペラの衣装デザインです。クリテムネストラは主人公エレクトラの妹ですね。クノップフのデザインした衣装と舞台セットの楽劇「エレクトラ」を見てみたいものです。フェルナン・クノップフの《呪文》です。1888年~1912年頃の作品です。フェルナン・クノップフの《ブラバント公、レオポルド王子の肖像》です。1912年頃、クノップフ54歳頃の作品です。このレオポルド王子が後のベルギー国王レオポルド3世のことだとすれば、11歳のときの肖像です。以上がクノップフの素晴らしいコレクションです。肝心のポール・デルヴォーの作品は一部のスペースが改装中のため、見られませんでしたが、素晴らしいクノップフの作品を見られたことが今回の王立美術館訪問の最大の成果でした。この世紀末部門の展示作品が残っています。:今日でインバルの80歳記念&都響デビュー25年記念のアニバーサリーコンサートシリーズもシメです。東京芸術劇場を皮切りに東京文化会館、サントリーホールで3回続いたコンサートはいずれも圧巻の出来でしたが、今日はその中でも最高の出来栄え。共演者も変わり、演奏曲目も多彩な3回のコンサートでしたが、一体どれだけリハーサルを重ねたら、ここまでやれるのって感じで驚かされました。今日のメインの曲目、ショスタコーヴィチの交響曲第8番はその解釈が難しい音楽ですが、ある意味、今日の演奏はそういう懸念を嘲笑うかのような驚きの演奏。この音楽が持つ歴史的な意味合い、戦争や絶望といった劇的な解釈からは離れて、純粋に音楽芸術を追及した究極の演奏ではなかったかと思います。音楽そのものが持つ自立性、いわゆる絶対音楽そのものです。都響はこれまでも素晴らしい音楽を聴かせてくれましたが、今日はまさに鉄壁のアンサンブル。美しくて分厚い弦の響き、安定感のある管の響き、自在なテンポの揺れ。世界的にみても超一流のオーケストラのみが実現できる最高の音楽を展開してくれました。この音楽を引き出したのは指揮者のインバルでしょう。最弱音から最強音までアンサンブルが崩れることはまったくありませんでした。ショスタコーヴィチの音楽も見事に表現されていました。インバルは無理にショスタコーヴィチが音楽に内在させた意味合いを追及することなしに譜面に書かれた音楽の美しさを徹底的に表現しようとしたのではないでしょうか。その結果、これまで聴いたことのないような純粋な音楽美をこの曲から感じとることができました。ゲルギエフのような戦争シンフォニーとしてのアプローチもあるでしょうが、インバルのような純粋音楽のアプローチもまた素晴らしいものでした。これからインバルと都響のショスタコーヴィチの音楽への取り組みをそういう観点から聴いていきたいと思います。前半のモーツァルトのヴァイオリン協奏曲第3番もとても素晴らしい演奏でした。冒頭の都響の弦の響きだけでモーツァルトの音楽の愉悦が感じとられて、思わず、saraiはにんまりとしました。小編成のオーケストラの最高の響きです。以前、ハイティンク指揮のシカゴ交響楽団の演奏でモーツァルトの交響曲第41番を聴いたときの記憶が戻ってきました。あのとき、最高のモーツァルトの音楽の響きを聴きましたが、それに優るとも劣らないようなアンサンブルの素晴らしさです。ヴァイオリンのオーギュスタン・デュメイは最初は期待していたほどの響きが聴けませんでしたが、次第に調子を上げ、その艶やかな高音の響きが冴えわたるようになりました。第2楽章の天上のような音楽は期待以上のものでした。第3楽章も肩から力が抜けたような絶妙のヴァイオリンの響きで魅了してくれました。モーツァルトのヴァイオリン協奏曲で、ピアノ協奏曲にもひけをとらないような演奏が聴けるとは驚き以外の何ものでもありませんでした。3カ月ぶりのサントリーホールでしたが、とても素晴らしい音楽を聴けて、幸福でした。台風襲来を恐れずに出かけてきて、本当によかった!!今日のプログラムは以下のとおりでした。:秋の音楽シーズン真っ只中で連日のサントリーホール通いです。バッハの無伴奏チェロ組曲を全曲通しで聴くのも初めてだし、ヨーヨー・マを実演で聴くのも初めてです。して、高額チケットを買ってまで出かけることにしたのかというと、ヨーヨー・マのバッハの無伴奏チェロ組曲をCDで聴いて、その素晴らしい演奏に魅了されたからです。バッハの無伴奏チェロ組曲をCDでまとめ聴きした結果、古い録音のパブロ・カザルスは別格として、ヨーヨー・マの新盤(1982年録音の旧盤ではなく、1996年録音の新盤)とミッシャ・マイスキー新・旧盤(1984年録音:旧盤、1999年録音:新盤)が双璧の演奏に感じられました。そのヨーヨー・マのバッハの無伴奏チェロ組曲の全曲が一晩のリサイタルで聴けるというので大いに期待して出かけることにしたんです。サントリーホールの客席に座って、ステージを見るとぽつんと椅子が一脚置いてあるだけです。当たり前の光景ですが、それをみて、ふと考え込んでしまいます。バッハの無伴奏チェロ組曲を全曲通しで聴くというとほぼ2時間半ほどはかかります。一人のチェロをサントリーホールの大ホールの大勢の聴衆がじっと長時間聴き入るというのは大変なことです。演奏家の心の持ち方、聴衆の一人としてのsaraiの心の持ち方はどうあるべきなのでしょう。ピアノ独奏のリサイタルでは当たり前のことではありますが、ピアノという巨大なマシンを介しての演奏家と聴衆というのと違って、ちっぽけなチェロではほぼ無防備な状態での対峙になります。ことを考えているうちにヨーヨー・マが人懐こい微笑みを浮かべて、片手を挙げながら、ステージに現れます。なんだか、お互いに居心地が悪いですね。無伴奏チェロ組曲の第1番をすっと弾き始めます。自然体のようでありながら、結構、緊張しているようです。CDで聴いた印象とはかなり異なり、抑えた表現に思えます。無伴奏チェロ組曲の中でもポピュラーな第1番ですから、とても耳馴染みしている旋律が流れますが、朗々とした響きではなく、まるでオリジナル楽器のように地味な印象の演奏です。モダン楽器での演奏ですが、ここはひねりを入れて、耳慣れない演奏スタイルで弾いているんでしょうか。それでも達者な演奏ですから、楽しんで聴いていましたが、今一つ物足りない感じは残ります。ヨーヨー・マって、こんな感じなのって思いながらの鑑賞です。それでも集中力が切れずに聴き続けたのは何か、saraiを惹き付けるものがあるからでしょう。ニ短調の哀調に満ちた音楽が響いてきます。これはツボを押さえた演奏で心に響いてきます。第1番以上に集中力が高まって、聴き入ってしまいます。次の第3番に至って、ヨーヨー・マのチェロが響き渡ります。演奏に先立ちコップの水をぐいと一口飲み(ここで聴衆の笑いが起きる)、その勢いでプレリュードを朗々とした響きで突っ込んで歌い上げます。これこそ、モダン楽器で弾く無伴奏チェロ組曲の醍醐味っていう感じです。いう弾き方でも品格を損なわないのはさすがですね。圧倒的な迫力でジーグまで一気呵成に弾いてしまいました。第1番を抑え気味に弾いて、哀調あふれる第2番から、圧倒的な第3番という、考え抜かれた構成での演奏だったのでしょうか。いえば、それぞれの組曲もプレリュードと5曲の舞曲をテンポを明確に変えて、組曲全体の構成をよく考えた演奏でした。クーラントだけを取れば、速過ぎる感じもありましたが、全体の構成を考えると妥当なテンポに思えました。ヨーヨー・マは無伴奏チェロ組曲の全曲の演奏会を開くにあたって、よくよく構成を熟慮したものと思えます。少なくとも休憩前の前半の演奏を聴いた段階ではそのように感じて、ヨーヨー・マの音楽的な実力と頭のよさに舌を巻きました。休憩後、まずは第4番ですが、あれっと思います。先ほどの第3番同様の朗々たる響きで素晴らしい演奏です。いうことは前半の演奏は全体の構成を考えたというよりもエンジンがかかって、しり上がりに響きがよくなったということだったのでしょうか。地味な印象の拭えない第4番を素晴らしい演奏で弾き切ってしまいました。saraiの集中力も続いています。ハ短調の暗い響きでフランス風序曲の形式をとるプレリュードが弾かれます。後半のフーガ風の音楽が見事です。ところが次のアルマンドに入ったところでsaraiの集中力が遂に続かなくなります。見事な演奏が続きますが、短調の曲はどうしても暗めの響きになり、それはsaraiの集中力を高める支えにはなりません。気のせいか、ヨーヨー・マの音楽的な緊張感も下がり気味のような印象です。それも致し方ないでしょう。一人でこんなに長時間、緊張感のある曲を弾き続けるなんて超人的な努力を要しますね。第5番の終曲のジーグを弾き終った後、ヨーヨー・マは暗い顔をして、聴衆も拍手なし。