おけるコミュニケーション/デザインを見直そう!」参加しました。おけるコミュニケーション/デザインを見直そう!」参加しました。講師:奥野将徳さん(precog)というワークショップ参加して参りました。参加者は20名くらいで、舞台芸術関連で働く人が多くを占める中ただ観客として参加させて頂きました。ここでの講義で書き留めたことを以下に書きたいと思います。<講師の自己紹介>大阪生まれで、大学の時に東京へ。そこで建築について学ぶ。授業を受けていく中で、その体育会系的な授業が嫌になってあまり授業に出なくなり、そこでたまたま見たダンスの公演がきっかけで舞台芸術の制作に関わるようになる。昼は広告代理店、夜は大学で勉強するようになる。入り制作に携わっている。回答として「コミュニケーションをデザインしている」とい言葉が一番合うのではないかと考えた。コミュニケーションと言っても、通常の会話ではなくチラシを配るとか、企画書で伝えるとか、助成金の審査員に伝えるなどあらゆるものを伝えることが全てコミュニケーションと言えるのではないか。デザインとは、見た目をととのえること。制作の本質ではないかと思う。制作の仕事は、一つ一つの雑務にとらわれて総体的なものがわかりにくくなっている。2002年ごろのイギリスで広告界に新人がいっぱいでてきたサッチャーがデザインを通じて国を変えようとしたため。アンファンテリブルと言われた新人が広告業界を席巻した。今や広告業界では,当たり前の言葉になった。多方向でコミュニケーションは発生する。伝わる深度の深さが深くなったり、より遠距離まで伝わるのではないか?(2)現場におけるコミュニケーション・ロスアーティストは作品を真剣に真摯につくる。伝わるかどうか?またアーティストはそれを伝えることに、あまり熱心でない。それをサポートできるのが、制作の仕事。アーティストもそこの部分をくみ取って行動した方が良い。(3)「情報化社会」から「情報過多社会」へ情報化を超えて、情報過多の状態になっている。その情報過多をうまくデザインをして、相手に届くように、伝わるように。↑もうこれではお客さんは来ない。新しい社会状況下になり、コミュニケーション/デザインは必要になる。(4)「伝える」から「関係性構築(engagement)」へ一方的に伝えるだけでは、伝わらない。向こうからもアクションをつかみ、何かを得るなどしてお互いに関係性の構築を作り上げる。相手側が、ウォッチしたりリアクションする。相手の好きなように受け取れという時代はもう終わった。ここまでを共通認識として、知って貰いたかった。「コミュニケーション/デザイン」は、時代の要請でもあると思う。これを欠いてしまうと、もう時代おくれと言われてしまう。作品のクオリティが上がる。しないと次以降、自分で考えて行動できなくなる。理解することで、細部から徐々にクオリティアップしてくる。二次的効果として、作家の中でも作品の考えが整理されていく。雑誌のインタビューなどで、作者が答えていくうちにクリアになっていく。自分の中でウジウジ溜め込むよりも、コミュニケーションを取ったことでクリアに見えてくることもある。作品を鑑賞してもらえる機会が増える。単純に見て終わりになってしまい勿体ない。得意で、そのため断続的にお客さんがつきやすい状態にある。言葉にするのが演劇よりも下手な場合が多い。そのためお客さんに断続的につくことが少なくなりがち。強い個性などをもったダンスカンパニーはその個性が伝わることにより、断続的にお客さんがつく。一つの作品から作品群としてみることになる。その作品群を見ることにより、一貫している何らかのコンセプトを持っているという風に面として見えてくる。ある美術作家が、別ジャンルの作品を作ったとして、この作品群にコンセプトが生まれたり見つかったりして、繋がりが見えてくる。<地方圏と都市圏でのコミュニケーションについて>自分の本拠地以外の公演でダンス(演劇)などを知らない人や、そもそも見ない人など見て貰うためにはどうすればいいのか?田舎ではデザインの良くないチラシでもお客さんが集まったりする。結局チラシは見ていないのではないか?→いわゆる「フックがない」状態。フックがかからないとコミュニケーションも受け取りもしない。結局、どれだけ丁寧に紹介をしたとしても、それを理解する土壌や、コンフリクト(文脈)がないため伝わらない。最先端かどうかもわからない。興味を持たせるとっかかりを作ることが大事。興味を持って貰えるまでの工夫が必要。その地域にあったコミュニケーションを使って行った方がいい。コア(マニア層)に受けるアーティストや団体は地方では、難しいと思う。面白いこととお客さんが来るということは別問題。いう団体は、コア(マニア層)を如何に巻き込むかが重要。一般層にわかりやすくする企画もいいが、その代わり企画がぼやけてしまうこういうものが失敗が目に見えている。爆発的・継続的にファンを作ることはない。熱意をもって、どう伝えるかが大事。いうものは縮小再生産しかない。困難なのは前者、困難だからやめてしまう。それをどう伝えるかが大事。過疎地域は、都市的なアプローチができない。都会と地域は一緒に語れない。文化ホールをどう使うかという考え方は捨てる。↓そのやり方を踏襲した時点で負け東京・大阪で成功しても地方は別。ゴール設定を違うものにするべきどこにニーズがあるのか?そのソリューションとしての演劇をつくる。<ブランド・デザインとは?>コンピューターは役に立たない。答えを出すことしかできないからだ。ピカソピカソも言っているが、「問題設定」こそが大事。お客さんの数というのは、見える形で出てきやすい。実際の舞台では、他の部分の問題も多いはず。出てくることは少なく、見えにくい。「問題設定」することにより、意識的に考え始めることが大事。それで解決できる問題はたくさんある。企業のブランドを如何に構築するかを考えていた。「コカコーラ」「ユニクロ」も当てはまる。「ユニクロ」と聞いて浮かぶイメージ像があると思う。「安い」「カジュアル」「赤いロゴ」とか様々出てくる。思い浮かぶものはたくさんあると思うが、それら全て僕たちみんなが分かる共有されたイメージだと思う。これは、意図的にすりこまれたもので、このことをブランドという。自分に落とし込んで、自分は他人と共有できる「ブランド名があるか?岡本太郎は、強烈な個性でブランディングをした人。強烈な個性をもっていたので作家として大きくなった。今はそこまで作家の個性を強めなくてもいいだろうと思うがブランドイメージを作ることは必要。将来を期待したらしさ(3)その”らしさ”(1)(2)によって、どういった利益を与えるか?現状のらしさとは、潜在的なものも含む。本質すぎて普段では言わないものも”らしさ”に含む。(1)は、これからも継続してもっていたい”らしさ”逆の意味で、捨ててしまいたい”らしさ”もあると思う。(2)は新しく自分が得たい”らしさ”どちらも、(自他共に)ワクワクするような”らしさ”じゃないと意味がない。ブランドの「ベネフィット」という言葉がある。「ブランド」としては両方あるべきである。ブランド・デザインは一回決めたらずっと守らないといけないものではない。常に意識しながら考えていけばいいと思う。考えていくことによって、この流れが面として見えてくる。これも継続的にコミュニケーションをとることで、信頼関係が築ける。ブランド・デザインは、かつて「批評家」が担っていた部分である。批評家はあるムーブメントに対してネーミングする役目もあった。それで批評家が時代を作っていた面があった。作家がブランドを作り込んでいかなければなくなった。Identity)のなどの策定ACのサウンドロゴも含まれる。「♪A~C~」がすり込まれる。ブランドをより思い出して貰いやすくするため。「劇場などに来る前にどこで知ったのか?」この情報を意識すること。チラシ・DM・Web・メーリングリスト、劇場スタッフの対応なども含まれる。(4)AIDMAから「AISAS」へ。Attention(意識する)→Intereset(興味)→Desire(欲求)→Memory(思い出す)→Action(行動)かつての流れがAIDMA。現在もペットボトルなどの飲食物や安価な物では、この消費者行動になる。次に僕らは、Serach(検索)を行うようになった。検索を行った結果、Action(行動)を起こし、その結果をtwitterに呟いたり、口コミサイトに書いたりして、Share(共有)する。舞台芸術などの敷居の高いものや、値段の高い物ではこれになる。公開させて頂きました。(5)300doors・上田ダイゴ「超カンタン!黒字公演の作り方に参加しました。おけるコミュニケーション/デザインを見直そう!」参加しました。自己紹介ヒロノリ文字起こしをしたり、自分の見聞したことを書いたりしている会社員です。