気に入ったら、それぞれのバンドのアルバムを買って聴いてみてください(オフィシャルじゃない映像も混じっていますので)。はなスタジオの機材使い放題とのことでしたが、この曲の歪みはアンプ+エフェクターですか?サビで1本増えているようですが、音質はオーバードライブ系、ディストーション系を使い分けているのでしょうか?鳴りがあまりに気持ち良いもので基本的にはアンプで歪んだ音を作ります。今回はB’zのギター・テックのチームが作ったブースターを借りられることができて、それを多用しました。音が潰れないのに太くなるという素晴らしい効果が得られたんです。「やっぱり松本さんスゲェ!!!(会ったことないですが)」と感心しながら録音をしていました。いえば、建さんは足元のエフェクターでも歪みを足していました。ペダルのメーカーや名前は失念しました。アンプは建さんは基本的にボグナーというメーカーのアンプを使っています。L.A.では4台、個性の違うヘッドアンプを借りて、曲ごとに変えて録音しました。CATというアンプをフー・ファイターズの倉庫から借りました。メインの歪みはこちらです。Future」のような曲では、同じく倉庫から借りたFENDERのツイン・リヴァーブを使っています。こちらの場合はアンプ直では歪まないので、ソバットという日本から持っていったペダルを踏んで録音しています。サビで増えるダブル分のバッキング・ギターでは、フー・ファイターズの倉庫から借りたマーシャルのアンプを使っているはずです。これは、もう一本のギターとキャラクターを差別化するためですね。建さんのレスポールとエフェクターボードを借りて、僕が弾いています。僕と世界の輪唱この曲はキャッチーな歌メロやシンプルな構成がサーフブンブクカマクラに近いなと感じました。アルバム全体としてみても、メロディはランドマークよりサーフ〜寄りかな思うのですが、ゴッチさん自身はどう感じていますか?メロディについては、『ランドマーク』っぽくしようとか『サーフブンガクカマクラ』っぽくしようだとか、そういうことを考えて作っていないですね。細かく分析していないんです。感覚に任せているというか。基本的に、メロディは毎度、事後的にしか分析できないような作り方なので。ギターを弾きながら鼻歌で作るわけですから。サウンド的には『サーフ〜』に近いところがあると思います。『サーフ〜』はアナログテープで一発録音をしたんですけれども、方向性や手法、発送はそれに近いんです。『サーフ〜』にある牧歌的なフィーリングは排したつもりですけれどもね。した印象の音像を目指していたというか。「ヴィンテージの機材を使って生々しいサウンドを目指そう」というところは同じです。『サーフ〜』のほうが圧倒的にカラフルだと思います。ちなみに『サーフブンガクカマクラ』の制作時はWeezerの1stアルバムを意識していました。その中の収録曲「サーフ・ワックス・アメリカ」をモジって『サーフブンガクカマクラ』ですから。『サーフブンガクカマクラ』は、この一曲が持っているようなイメージやフィーリングを分解して、アルバム一枚使って日本的に(鎌倉を舞台に)立ち上げ直すようなイメージでもありました。成功したのかどうかは分かりませんが...。僕にとっては、アジカンでも最も気に入ってるアルバムのひとつです。Future』と『サーフ〜』の共通点ですね。風景は全く違いますけれども。Takatchcaterpillarのお二人のギターのエフェクトはかけ取りですか、後がけですか?時と場合によりますが、基本的に歪みのエフェクトはかけて録ります。同時にライン(アンプに繋がない音)でも録音をしているので、その音をミックスエンジニアが加工して、原音に重ねているところもあります。何をしているかはエンジニアだけが知っています。この曲の空間系のエフェクトはミックス時にニックが追加しています。こばし芋虫は好きですか?嫌いです。本当に虫(昆虫も節足動物の類も)は怖いです。スケール感が人間と同等なら、絶対に俺らを捕食するはずなんですよ、ヤツら。Ku-taCaterpillarはサビの覚えやすいリズムと音階が心地良くて好きです。この曲の最後のギターから、次の永遠の陽光の歌が静かに始まる流れが、このアルバムで一番好きな部分の一つです。今回、曲と曲のつながりで何か意識されていることはありますか?単純に、デモ作りの段階でなぜかずっと「Caterpillar」から「永遠の陽光」という順番でプレイリストに入れてあったんです。結果、その順番で聴き慣れてしまい、かつ、それが妙に良かったんですね。妙に良いというか、絶妙だなと思いました。それをそのまま採用しただけです。曲間については、建さん&山さんの曲間職人たちが調整してくれました。きしみちお「Caterpillar」(あえて芋虫と書きませんが...笑)のような時代性の高い作品の方が、実は普遍性があるように感じることが多いのですがいかがでしょうか?(そこに少しでも未来が見えることが大切だとも思いますが)本当に僕も同じことをよく考えます。ある種の普遍性というのは、作品の寿命に関わる要素なので、まあ、あるに越したことはないと思うのです。いう普遍性を取り違えて、「クリシェ=常套句」みたいな言葉選びになってしまうことってあると思うんですよね。誰にでも言えそうな言い回しになってしまうというか。これは音像は手法についても比喩として適用可能だと思います。翻って、長い年月を超えて愛されている作品には、その時代の空気が色濃く詰められていますよね。100年後のことを意識して作られていないと思うんですが、100年後に立ち上げても瑞々しいフィーリングが宿っている、あるいは受け渡され続けてきた「大事な何か」が内包されている、そんな気がしますよね。したら、同質の「何か(としか書けない)」をそれぞれの時代ならではのフィルターや回路で表したものが、普遍的な作品なのかもしれません。小説家も画家も音楽家も舞踏家も、僕は同じ「箱」に手を突っ込んで、普遍的な何かにタッチしているんだと考えているんですけれども、どうでしょうかね。いずれにせよ、普遍性っていうのは、とっても難しい問題です。多くの偉大な先人たちがタッチし続けてきた「何か」にタッチするということが、僕にとっての作品作りの指針というか、目標です。アシカトタカフミ出だしを4人同時に演奏するところがかっこいいです。メンバーの仲が良いからこそできる一体感ですか?出だしが揃っているのは、演奏開始直前に潔がカウントを入れて、それを合図に演奏を始めているからです。仲が良い悪いに関わらずミュージシャンなら誰しも簡単にできることだと思います。最近は仲が良いですよ。プライベートで遊んだりはしませんが。わけで、第5回に続く。質問の募集はTwitterで行っています。