「描く行為」と「身体」について現在大黒屋サロンで開催されています「タナカヤスオ展」に際して作家タナカヤスオさんのインタビューを3回のシリーズで掲載いたします。タナカヤスオさんは2014年大黒屋現代アート公募展で大賞を受賞されました。大黒屋で個展を開かれるのも詳しくお話を聞かせていただくのも初めてであり、貴重なお話を伺うことができました。―作品についてお聞かせくださいアトリエで出来上がった状態の「No.85分岐時間」2015「何を描いてるの?」「これなんなの?山なの?」ということをよく聞かれるんですが、「何か」を描いているわけではないんです。ピアノを描くだとか、ものを描くとか。自分の感情であったりイメージとかそういうことでもありません。絵の具を、もっと物質的に捕らえています。絵の具もただの物質だろうと。イメージを絵にするための材料として絵の具を使って「描く」=物質で何かをコピーして3次元に出現させるのではありません。「絵画」自体を絵の具という物質を使って「作っている」という言い方がしっくりくると思っています。―描く「行為」自体はどのように考えますか?タナカさんは、平らな空間に、絵の具やペイントの断片のようなものを置いている。置いているといったが、それは表向きあまり計算している感じがしない。それはおそらく、空間に置かれたものが物体的なものでなく、概跡的なものだからです。そのものは、特に意味のありそうなカタチでも構造でもない。空間上に浮かんでいるような色体が、関係も脈絡もなく点在しているかのようです。−菅木志雄「浮かんであるもの」タナカヤスオ展リーフレットより平面ではありますが、平面に「描く」というよりも「作って」いるという感覚も少なくないんです。今回の受賞展に関して菅さんにいただいた文章にも「絵の具を置いている」、という文がありましたが。「置く」という言葉がしっくりきます。塗っているとか描いているというよりは、必要な場所に置いていって画面を「作る」という。絵に黒いちょんちょんという小さい点がありますが、あれは置いている感覚ですね。小さいころ父親と囲碁をうっていたんです。囲碁のルールって面白いですよね、どこにうってもいい。どこにうってもいいけれど、ちゃんとその中には道筋というか自分の陣地をとるために意味があって。本当にどこにでも自由においていくと勝負に負けてしまう。不思議と白いキャンバスの前で、黒い絵の具を「ここだ!」と描いていると思い出します。正しい場所に置かないとだめなんですね、本当に。イメージを消すために削ったりもしますが、ちょん、とその後で置いていく。何か足らないんでしょうね、画面に。少なくとも描くとき自分はイメージを消していこうとしています。頭を空っぽにしたほうがうまくいきます。人間ですから考えちゃいます。へんなことを思い出してしまったりとか。いらいらしていたりとか、色々あります。例えると100メートル全力疾走している人は走っている間ほか余計なことをきっと何も考えていないんですよね、そういう状況に毎回なれるわけではないですけれども、そのくらいそこにばーっと集中したほうがうまくいきます。「体で描く」という感覚があるんでしょう。描いた後にこれは何をやっていたんだろうと考えますしタイトルとか考えます。頭で考えるときは考えますけれども、描くときはやっぱり体じゃないでしょうか。考えるのは頭、描くのは体。-「体」で描くといいますが、何か訓練されているんですか?絵の具という「物質」を使って「体」で描く体をつくる、というか、そういうわざとらしいことはすきではないです。日常の中で体を使っている感じです。描くと、その前とは違った表情が見えてきますね、それに反射しないといけない。あ、こういう表情が出たからどうしようかな、と考えているともう間に合わないから。それに反射して筆をのっけていないといけない。実際にそういう動きがバーっとつづくとかそういうことではないですけれども、描いているとき反射していくということだと思います。武道でもスポーツでも、対人競技をやっているときに自分の自由にやりたいことなんかやっていたら負けますよね。それによけいな動作をやっているとその隙にやられてしまう。先生や先輩の動きを真似て不必要なものをどんどん削っていきます。動作全てに意味というか、機能があって、一流までいくとその機能的な動きが美しくもあって。自分もそういったことは、小学校から大学まで経験がありますので、ある意味自分の体のルーツのようなものがそこにあるんだと思います。時間ができたらまたはじめたいと思っています。体の基礎にあると思うので。―「完成」とするときと、制作にかかる時間はどのくらいですか?感覚的に、完成したときはわかります。大賞をとったときの作品はもう「これはいいものができた!」と迷わないですね。よくないな、と感じたものはすぐに消してしまいます。いちど寝かせてまた描くということは一切しません。全部が一度にできないとだめです。乾かないで塗るというのは後で塗るというのでは油絵の具の表情が違います。1日くらいは寝かしておいてもいいですが気持ちが変わっちゃうんですよね。1から別のものをやったほうがいい。一発勝負的なことがあります。今回展示している100号の作品は2日で描きました。8時間か9時間くらいかやって、それでほとんどできていたんですけれど、シルバーのちょんと描いてある右の点がなくって、この空間はどうしたらいいんだろうなと。何かいけるかな、いや違うかなと直してみたりして、ちょこちょこやっていて。体力の限界にきて、寝て。決まってこれで完成!と。本当は1日で決めたいんですけれども、80号からそれ以上になるとやっぱり2日はかかってしまいますね。大きいのに3日とかかったりすると、もう決まらないですね。何日かかっても、それはもうだめです。3、4日かかるとオイルも早く乾くタイプを使っているので、ぐっとやったときとか感触も変わってしまうんですね。手にかかってくるテンションがちがうので、乾いたものは拒まれているみたいな感じがします。「うまくいかないよ」と。短時間でできるものはあります。そんなときはできもよかったりすることもあります。具と透明水彩をつかっていました。そこからアクリル絵の具に変わり、大賞をとったころの作品はアクリルとアクリルガッシュなど、もっと流動性のある素材を使っていました。アクリルは描くのももっと早いです、数時間でぱっと乾いてしまう。同じ素材で同じ事をやっていても行き詰ってしまうので、まあちょっと画材でも変えてみようかと。思い切って独学で油絵の具に手を出しました。アクリルとは触った感じの絵の具のはねかえってくる硬さがぜんぜん違いますし、描くスピードも違うので、そのように体が動きます。絵の具の乾く時間とかその限界であるとか、物質性があるわけですね。それに対して考えるよりも体で反応していく。同じことをアクリルでしようと思ったらとっくに乾いてしまってできないとか、いろいろなことが起こりうるわけで。物質が自分の作品を勝手に変えていくようなそんな感じはあります。画材からの画面の作り方というのはやはり変わってきていますね。―制作する道具についてお聞かせください筆、ペインティングナイフ、あとスキージー(※)を使います。あと丈夫な定規を買ってきて。大きく削る時に使います。指を使う人もいますが、ぼくは使いません。それでうまくいければいいんですが、ぼくの場合はうまくいかないんです。パフォーマンスっぽくなっちゃいますしね。そのための道具があるんだから。指を使って本当にいい絵を描く人はいますよ。ぼくがそれをやったところでしょうがないでしょ、という感覚があります。色と物質はやはり違って、色よりもどちらかというと物質感というか絵の具の触った感じの感覚であるというか。物質は触ることができるんですからリアルですよね、でも色を触るということは言わない。いう感覚もあるのかもしれないですけれど。いう物質感、形態とか自分にとってのリアルなものを追求していくと、色が必要なくなってくるんです。必要ないものを入れることはないだろうと。必要なものだけで構成すればそれで十分だろうというミニマムな感じでいますので、こういった色を使わない形になっています。-タイトルについてはいかがでしょう「分岐時間」だとか「間合いの一例」だとかぱっとなんのことかな、と思われるかもしません。ぼくはタイトルですべて説明しきろうとは思っていなくて。説明しきれるものでもないと思うし、だいたいの方角でいいんじゃないだろうかと。タイトルもやっぱりぼくのキーワードである「距離」をとるということが入っています。「間合いの一例」というタイトルがありますが、間合いなどという距離や角度やそういったものがあるという「一例」。あるうちの1つですよ、それがすべてではないですよと。決定的に間合いやそういうものですと言い切るものではなくて、その中の1つにすぎないんですよ、という意味でつけています。あと「分岐時間」というタイトルですが、描いているときの時間の流れはいくつかの分岐している時間の、その中のひとつであるという感覚です。決定していると言い切るつもりはないということがタイトルにも少し反映されています。次回は明日、「ファインアートの作家になるまで」を掲載します。