Hall)は1930年生まれのジャズ・ギター奏者で、2013年に83歳で没している。1950年代から活動し、とりわけ1960年代には数多くの盤にサイドマンとしても参加。ビル・エヴァンスと共演の『アンダーカレント』(1962年)や彼自身の名義の『アランフエス協奏曲』(1975年)などが有名盤として知られる。4)』は、デンマークのジャズパー賞受賞に際してジム・ホールが1998年にコペンハーゲンで行ったライヴ演奏を収めたものである。基本となるメンバー(カルテット編成)は、ジム・ホールのギターに加えて、地元デンマークのベース奏者トーマス・オーヴェセン、フィフス・ディメンションのドラムも務めたカナダ出身のテリー・クラーク、さらには、1971年シカゴ出身のクリス・ポッターが加わっているが、この人はパット・メセニーのユニティ・グループにも参加したテナー奏者である。アルバム表題の“ジャズパー・カルテット”とは、この4人組のことを表している。冒頭のギターの単独演奏から始まる1.「星影のステラ」に代表されるように、ジム・ホールの相変わらぬ職人芸ともいうべきギター演奏が、何といっても本盤の聴きどころである。それと同時に、2.「チェルシー・ブリッジ」に見られるように、クリス・ポッターのテナーがなかなかいい味を発揮している。アルバム後半に当たる4.~7.には、“ザポルスキー弦楽四重奏”なるクレジットがあり、表題の“+4”というのは、この弦楽四重奏を指している。実際、4.「ゼシス」ではバンドメンバーがいったん退き、雰囲気がぐっと変化する。現代クラシック的な完成度の高い演奏だが、楽曲自体はクラシックの曲ではなく、ジム・ホール自身のペンによるものである。ストリングスを交えたまま6.「パープル・ヘイズ」が披露される。言わずもがな、ジミ・ヘンドリクスの有名曲。それをプロフェッショナル中のプロフェッショナルであるギター奏者のジム・ホールが演奏するわけだから、ロック・ファンからもジャズ・ファンからも注目の演奏になっていて、本盤の目玉になっていると言えるだろう(余談ながら、ここでもまたクリス・ポッターのサックスが効果的な演奏をしている)。この録音時、ジム・ホールは既に60歳代後半だったわけだけれど、職人ぶりは健在で、ジミヘン曲を演奏するという冒険心も旺盛であった。ジャズ奏者の中には、歳を重ねていって“昔の名前で”的な演奏をする人もいるけれども、本盤はそれとは一味も二味も違う、耳を傾ける価値が十分にある盤だと言えるように思う。2.)1998年4月3日・5日録音。以下のブログランキングに参加しています。クリックで応援よろしくお願いします。Hall)は、1959年テキサス州ダラス出身のピアノ奏者。幼い頃からピアノに熱中し、ジャズに傾倒していったという。Wishes)』である。その当時からレア盤扱いされていたようで、筆者の手元にあるCDもどこで見かけたのかひょっこり中古盤で入手したように記憶している(現在は2006年のリイシュー版も出回っている模様)。テキサス出身というイメージにはあまり合致しないかもしれないが、この人のピアノは、繊細なタッチが何よりも印象的である。そのせいでよくビル・エヴァンスが引き合いに出されるのだけれど、時にエヴァンスのピアノが語りかけてくるようであるのに対し、ダグラス・ホールの演奏は、包み込んでくるような安定感のある優雅さが特徴であるように感じる。概ねどの曲も4~5分程度のコンパクトな演奏時間だが、通して聴いていると流れるように各曲が進んで行く。全体を通して聴くのがよいとは思うものの、いくつか気に入った曲を挙げるなら、1.「スウィート・セヴン」、2.「ザ・リスナー」、4.「オディッセイ」、6.「リメンバー」、10.「スリー・ウィッシズ」といったところだろうか。ダグ・ホールは2008年の復活祭の日曜日(3月23日)に48歳で亡くなっている。脳腫瘍による闘病の末だったとのことだが、若くしての死去が惜しまれる。Stationにて録音)。以下のブログランキングに参加しています。クリックで応援よろしくお願いします。“バップの高僧”(僧=モンク)などと近寄りがたい雰囲気の異名をとりますが、自由奔放にかつ気合いっぱいにピアノを奏でる彼のイメージは、個人的には高尚というよりはもっと親しみやすいものではないかと思っています。Monk)」をまずはピアノのソロでどうぞ。続いては、1954年、北欧でのライヴ・テイクから、カルテットでの演奏もよろしければお聴きください。Monk(1952年録音)。ブログランキングに参加しています。応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。1944年イギリス生まれのシンガーで、1970年代から音楽シーンで活躍していましたが、1980年代に入り、パワー・ステーション(デュラン・デュランのメンバーによるサイド・プロジェクト)のヴォーカルとして脚光を浴びました。その時期にソロとして発表したアルバムからのセカンド・シングルが大ヒットし、グラミー賞(最優秀男性ロック・ボーカル)も受賞しました。無表情な女性たちがバックバンド役を務めているこのビデオ・クリップが当時、印象的だったという方も多いのではないでしょうか。余談ながら、この曲、元々はチャカ・カーンとのデュエットという企画で予定されていたのだとか。続いては、それから10年ほど後、1995年のライヴ・パフォーマンスの様子です。ダンディな声、ロックなのにスーツ姿というのは、まさしく往時を知る人にとって、この人のイメージといったところではないでしょうか。そんな彼は、残念なことに、2003年に心臓発作によって亡くなっています。そのまま年齢を重ね、還暦を過ぎた彼の歌唱も聴いてみたかったと思う次第です。ブログランキングに参加しています。応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。Relaxation)』である。いう言い方をすると、最初から印象が悪いかもしれないけれど、特にジャズのアルバム(無論ジャズには限らないけれど)は、勝手な印象でもって、購入者が勝手に思い浮かべた内容を期待するというケースが多いような印象を受ける。いわゆる“ジャケ買い”と呼ばれるのが、その典型例であるが、本盤は、ソファに横たわる全裸女性という、中途半端にエロチックなジャケット写真である。Paich)を筆頭に、本盤のジャケットには3人の名がプリントされている。筆者はピアノ・トリオ盤だと思って最初に手にしてしまった。ところが、聴き進めると、突如としてヴィブラフォンが響き始める(そのうちにギターも入ってくる)。リラックスしてマーティ・ペイチの本領発揮のピアノ盤かと思いきや、どうやらまったく異なる意図の盤らしいと気づくのにさほど時間はかからなかった。結論から言えば、意図的に作られた“BGM盤”と言えるように思う。その内容は、西海岸風テイストを存分に活かし、さらりと聴かせるアルバム。収録時間もやたら短く、アルバム全体で20数分という収録時間で、各曲の演奏時間も短いので、通して聴いても“あっという間の体験”となる。ジャケットには、3人(ピアノのマーティ・ペイチ、ヴィブラフォンのラリー・バンカー、ベースのジョン・モンドラゴン)の名があるが、上記の筆者の思い違いは、ラリー・バンカーをドラムスと思ってしまったことだと判明するには、演奏者のデータにたどり着いてからのことだった(苦笑)。以下のブログランキングに参加しています。クリックで応援よろしくお願いします。Warwick)のナンバーです。彼女は1970年代に登場し、その後、1980年代にかけて活躍しました。前回のブルース・スプリングスティーン(参考過去記事)と同様に、「ウィー・アー・ザ・ワールド」への参加が記憶にあるという人も多いかもしれません。チャリティー・シングルとして英米で発売され、全米1位のヒットとなり、チャリティーの収益は300万ドル以上あったといいます。1本、往時のライヴ歌唱の様子をご覧いただきたいと思います。正確にいつのものかは不明ですが、“ディオンヌ&フレンズ”の“フレンズ”のメンバーが少し入れ替わっています。スティーヴィー・ワンダーは同じですが、ルーサー・ヴァンドロスとホイットニー・ヒューストン(参考過去記事、ちなみにディオンヌとホイットニーは従姉妹の関係でした)が加わっています。ところで、この曲はバート・バカラックとキャロル・ベイヤー・セイガーのペンによるものですが、実はディオンヌの数年前に先に別の有名アーティストが歌ったものでした。Stewart)による「愛のハーモニー」をどうぞ。ブログランキングに参加しています。応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。80年代半ば過ぎの曲が続きます。Crawford)は、ジョージア州出身でR&B、ジャズの女性シンガー。彼女の代表曲の一つと言えば、日本ではドラマ(『もう誰も愛さない』)の挿入曲としても知られる、「スウィート・ラヴ(Almaz)」です。この美声にして、美人でお高くとまっている才女的なイメージとは正反対のイメージというのが、筆者のランディ・クロフォード像です。愛嬌のある雰囲気が常に付きまとう、とでも言えばいいでしょうか。年月は過ぎ、1950年代生まれの彼女は、現在では既に60歳代になっていることになります。以下の映像は、正確にいつのかはわかりませんが、おそらくここ10年以内(6~7年前?)ぐらいのものと思われます。ジョー・サンプルとの共演で、どこかのジャズフェスらしき場で歌っていると思しき映像です。年齢を重ねても、美声は相変わらず健在で、この愛嬌のある笑顔や親しみやすい雰囲気を醸し出しているのは、彼女の性格や人柄がきっと反映されているんでしょうね。永遠に聴き継がれたて欲しい名曲の一つだと思います。]下記のブログランキングに参加しています。1ヒットとなったこの曲です。Flack)は、1939年生まれ(2017年現在も78歳で存命中)の米国人女性シンガー。この曲を含め複数の全米1位のヒット曲を持ち、1973年と1974年に2年連続でグラミー賞を獲得しています。ボーカルの三部門受賞)となった曲です。Song)」を当時のライヴのテイクでどうぞ。元のスタジオ・ヴァージョンも捨てがたいのですが、せっかく動画でということを考えると、上のこの動画になりました。飾らず変に彩らないストレートで美しい熱唱。この動画を初めて見た時、筆者のハートはググッと掴まれてしまった感覚に襲われました。一つは後世のカバー、それもヒップホップのグループが1990年代になってカバーしたものです。フージーズ(Fugees)は、いろんな音源を取り上げてサンプリングしたり、意外な曲をカバーしましたが、それによっていろんな問題(元のアーティストから訴えられたりクレームがついたりする)も起こりました。この曲のリミックス・バージョンも用意されたそうですが、ロバータ・フラック本人からの抗議を受けてお蔵入りになったそうです。フージーズはこの曲でグラミーのベストR&Bグループ賞に輝き、同時にアルバムもベストアルバム賞を獲っています。Flack(1981年)など各種ベスト盤類にも収録。下記ランキングに参加しています。これをお読みの方にとって“10年”とはどんな時間でしょうか。10代や20代の若者にとって、10年というのは想像しにくく、相応に長い時間だろうと思います。長く生きてきた人にとっては、ある種イメージしやすいまとまった時間単位と言えるかもしれません。要は、10歳の時に20歳の自分、20歳の時に30歳の自分は容易に想像しがたいですが、40歳や50歳にとって10年後の自分ははるかに想像しやすいものでしょう。最初にこの曲を聴いたときは、筆者も10年なんて単位でまだ物事が考えられなかったのですが、気がつくと10年前が“ついこの間”とすら思えることも増えてきました。先日ふと耳にしてこの曲の存在を思い出し、落ち着いて聴いてみたので、本ブログでも取り上げようと思った次第です。years」は大江千里の作曲です。メロディも素晴らしいですが、注目したいのは作詞です。渡辺美里は早い段階から作詞を結構手掛けており、この曲の頃はほぼすべての発表曲を作詞していたようです。冒頭に書いた筆者の凡人的感性とは違い、発表当時21歳だった渡辺美里は、この頃から10年単位でものが見えていたということになるでしょうか。思うと、物事を広く見通し、そしてそれを詞にすることができる感受性の高い21歳だったということになります。往時のライヴの様子から。1989年、東京ドームでのライヴでの歌唱です。歌のうまさで聴かせるタイプというよりは、勢いで迫るタイプという印象を持っています(17歳でコンテスト受賞時にセックス・ピストルズが好きと言っていたそうですが、何となくわかる気がします)。渡辺美里と言えば西武球場(後に西武ドーム)で20年連続ライヴをやったことでも知られています。そんなわけで、2000年の西武ドームでの一コマをどうぞ。最後は、比較的最近の映像も見ておきたいと思います。2年前(2017年)のものをご覧ください。]​↓昨年(2018年)、30周年記念エディション(リマスター、ボーナストラック入り)が出ているようです。下記ランキングに参加しています。ロック好きなら周知のことでしょうが、クリーム(Cream)は、ジャック・ブルース、エリック・クラプトン、ジンジャー・ベイカーの3人から成るイギリスのバンドです。1960年代後半に活躍し、ヒット曲も多く残しましたが、ブルース・ロックの進化、後世のハード・ロックへの影響などロック音楽史的にも重要な足跡を残したバンドでした。このスリーピースのメンバーのうち、ジャック・ブルースは2014年10月25日に71歳で亡くなっていますが、先日、ジンジャー・ベイカーが今月初旬(2019年10月6日)に80歳で死去と報じられました。今回はこの訃報を受け、ジンジャー・ベイカー追悼の意味を込めてクリームのナンバーです。『クリームの素晴らしき世界』(1968年)に収められたスタジオ録音のヴァージョンをどうぞ。続いては往時のライヴ演奏の模様です。1968年の解散に際してのラスト公演となったロイヤル・アルバート・ホールでの演奏です。ジンジャー・ベイカー死去により、このスーパーグループの生き残りはエリック・クラプトン一人だけとなってしまいました。なんだか時代の流れを感じてしまいますが、なによりもジンジャー・ベイカーのご冥福をお祈りします。以下のブログランキングに参加しています。クリックで応援よろしくお願いします。55811INDEXを更新しましたINDEXページ(ジャンル別、アーティストのアルファベット順)を更新しました。ここしばらくの最新記事へのリンクを追加しています。INDEXページへは、下のリンク、もしくは本ブログのトップページ右欄(フリーページ欄)からお入りください。下記ランキングに参加しています。Christlieb)は、1945年ロサンゼルス生まれのサックス奏者。ウッディ・ハーマンやカウント・ベイシーとの共演歴で知られる一方、セッション・ミュージシャンとしてトム・ウェイツ(こちらの盤やこちらの盤)やスティーリー・ダン(こちらの盤)への参加でも知られる。Marsh)は1927年同じくロス生まれで、レニー・トリスターノの教えを受け継ぐサックス奏者(参考過去記事)。この二人の組み合わせによる本盤の実現は、上述のスティーリー・ダンのアルバムの成功によると思われる。1977年に録音・リリースされたスティーリー・ダンの『彩~エイジャ』はヒット・チャートを駆け上り、グラミー賞も受賞するに至った。同盤からシングルカットされた「ディーコン・ブルース」で印象に残るソロを吹いたクリストリーブは、スティーリー・ダンのウォルター・ベッカーとドナルド・フェイゲンのプロデュースにより、本盤を吹き込むことになったというわけだ。同郷の先輩テナー奏者ウォーン・マーシュ、さらには既にベテラン奏者であったルー・レヴィー(ピアノ)といった面々からすると、演奏メンバーの人選はピート・クリストリーブによるものではないかと想像する。内容としては、サックス2人によるいわゆる“テナー・バトル”であるが、“バトル(戦い)”という言葉から想像するであろう雰囲気とは大きく異なる。先輩たちを前にクリストリーブには緊張もあったのかもしれないが、演奏スタイルそのものは実に生き生きと、そして和気あいあいとしたものになっている。2人のテナーがぶつかり合うというよりは、ユニゾンを、ハーモニーを奏で、力強いクリストリーブのテナーとクールなマーシュのテナーという対比が違った個性となって耳に入ってくるのがいい。注目曲は、4.「テナーズ・オブ・ザ・タイム」とチャーリー・パーカーの有名曲の5.「ドナ・リー」。前者は早いテンポでテナー共演が楽しめるのに対し、後者は心地よいスウィング感の中で両サックス奏者の対比を聴くことができる。あと聴いていて面白いのは、3.「ラプンツェル」。プロデュースを担当したスティーリー・ダンの2人によるナンバーで、当時のベッカー&フェイゲンがもろにジャズの枠組のなかで曲を手掛けたらこういうのがやりたかったのか、なんて考えながら聴くとそれはそれでなかなか興味深い。1.-4.)1978年5月17~21日、同6月3日。以下のブログランキングに参加しています。“ぽち”応援よろしくお願いします。以前、この曲を取り上げた際の映像が消えていたのでふと思い出しました。1987年のヒット曲、「アローン(Alone)」(過去記事)です。Wilson)の魅力を確認してみたいと思います。先の記事で取り上げた映像(リンク先が切れてしまっていました)の再掲です。2002年、つまりはアン・ウィルソンが50歳を超えたあたりの時点でのライヴの様子です。この歌唱、何度見ても“一発でノックアウト”という感想に落ち着くという、お気に入りのパフォーマンスです。この迫力はさらに歳月が過ぎて、アン・ウィルソンが60歳を超えても全く衰えていません。60歳代というのは迫力が失せていくヴォーカリストも多いと思うのですが、彼女の場合はどうもその傾向は当てはまらないという気がします。一昨年、2017年のライヴの様子をご覧ください。くどいようですが、それにしても60歳代後半でこのパワフルな歌唱、ロック界広しといえども、なかなかお目にかかることができません。ブログランキングに参加しています。応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。Red)というグループは、スティーリー・ダンと似た関係にある。やってる音楽に共通性が多いとか、そういう意味ではない。形式的なことを言えば、個別のミュージシャンが指揮をとり、バンドとしては必ずしも固定された平等な関係ではなく、“指揮者”がバンドという形態を動かしている部分、とでも言えばよいだろうか。いう形式のグループというのなら他にいくらでもあるではないかと反論される向きもあるだろう。筆者にとっての共通点はそれだけではない。感覚的な言い方しかできないのだけれど、聴いた時の印象というか感覚というか、それが共通しているのである。筆者にとって、両者の作り出す音楽は、思わず体が動くとか、カッコよすぎて無条件にしびれるとか言うのではない(そうだというファンの方々はお許しを)。聴きながら、あるいは聴いた後に、とにかく感銘を受け、感心し、凡庸でないことにひたすら驚嘆するというパターンなのだ。1991年発表の本作『スターズ(Stars)』は、上記のような感想を持っている筆者にとって、シンプリー・レッドの典型作であり、実際、このグループがもっとも売り上げた作品でもある。前作(『ア・ニュー・フレイム』)に引き続き2作続けて全英1位を獲得した。1の座をキープするアルバムとなった。同様に、リリース年から翌年にかけて5曲もの収録曲がシングルとしてチャートインした。以前にもちょっと書いたように(過去記事『ピクチャー・ブック』を参照)、シンプリー・レッドの中心であるミック・ハックネルの言動を見ていると、この人は自分のことを本当に天才だと思っているかのようだ(そしてまた、本当に彼は天才なのだけれど)。これに反して、と言えばいいのだろうか、ハックネルが創り出す音楽には嫌味な部分がない。どの曲も、特にこのアルバムでは、洗練された都会的響きがする。いう部分が、筆者の中では、上で述べたスティーリー・ダンと重なり合っているのだ。収録曲はどれもレベルが高くよくできているのだが、とくに印象が強いのは表題曲の2.「スターズ」。きれいなまとまりの中にもサッチャー(かつての英首相)に批判的な運動をしていたハックネルが反サッチャリズムの意味を込めて作ったとされるもの。他には1.「サムシング・ゴット・ミー・スターテッド」、4.「ユア・ミラー」、8.「ハウ・クッド・アイ・フォール」、10.「ワンダーランド」といったあたりが特に高い洗練度で好み。Wonderland1991年リリース。下記のランキングサイトに参加しています。Waves)』である。ディランは1973~74年にかけて、一時的にコロムビア(CBSレコード、現ソニー・ミュージック・エンタテイメント)からアサイラムへの移籍を断行した。コロムビア側が報復として過去の音源リリースを始めたため、ディランは75年には同レーベルに復帰している。Flood)』だった。ちなみに、両作品とも現在はふつうに再発されているが、移籍のごたごたを経た当時は、しばらく廃盤状態になって幻のアルバムとなっていた後に、ようやく数年後(1977年)、コロムビアから再発売に至ったという経緯がある。上記2作のうち、『偉大なる復活』は過去の曲を中心にしたライヴ盤であるのに対し、本盤『プラネット・ウェイヴス』はスタジオ録音の新作であった。全米(ビルボード)では1位、全英チャートでも7位を記録した。ビルボードのアルバムチャートでの1位獲得はディランとしてはアルバム14枚目にして初のことで、要するにヒットしたアルバムだったことがわかる。セールスが発表時の一般聴衆の反応を示すことはあっても、ディランのファンや後で遡って聴いた人がどう評価するかは別問題である。この『プラネット・ウェイヴズ』は評価が大きく分かれる1枚なのではないだろうか。何よりもディランが“弛んで”いる。全編にわたって、とは言わないが、概ねリラックスしているのである。スタジオ作としては次作に当たる『欲望』などと比べるとその違いは明白だ。それは別にやる気がないからなどという理由じゃなく、その大きな要因の一つはやはりザ・バンドとの共演という点にある。結局のところ、ボブ・ディランとザ・バンドの相性はすこぶる良かったとしか言いようがない。バックの演奏の音は隅々に至るまで、ザ・バンドの音に他ならない(ディランのアコースティック・ソロの11.を除く)。相性がよく安心してやれた結果が、このリラックス度につながっているのだと思う。個人的な思い入れも込めて言えば、曲・演奏ともにハイレベルなものが多く、繰り返し聴いているせいか自然と身に染み込んでしまっているナンバーが多い。おすすめを挙げると多くなりそうだけれども、なるべく絞っていくつか挙げておこう。1.「こんな夜に(オン・ア・ナイト・ライク・ディス)」は、生き生きとした躍動感がいい。2.「ゴーイング、ゴーイング、ゴーン」は、R・ロバートソンのギターを中心にザ・バンドのねっちりした演奏が聴きどころ。4.「ヘイゼル」はディランの歴代バラードの中でも1、2を争う最高の出来の一つである。6.および7.の「いつまでも若く(フォーエヴァー・ヤング)」は、同じ曲の別バージョンが2つ続いていて奇異に思われるかもしれないが、これはLP時代の名残。6.はA面最後の曲で、ゆったり系のバージョンでA面をいったん締めくくり、次に同じ曲のアップテンポのバージョンである7.でもってB面がスタートするという形をとっていた。8.「悲しみの歌(ダージ)」は“葬送歌”を意味する原題に相応しく、緊張感を伴う心に沁みてくるナンバー。他の曲にリラックス感が大きいだけに、この曲の重みが際立つ結果になっている。結局のところ、本盤の評価は、『偉大なる復活』のところで書いた、ディラン側の聴き手の立場とザ・バンド側の聴き手の立場の問題に還元されてしまうのかもしれない。ディランがメインの聴き手の間では、前後の諸作との比較の上で好き嫌いが出てしまう。筆者はディランも好きだけれど、どっちかと言えばザ・バンド側の聴き手なので、このアルバムを積極的に評価したくなるし、頭で考えて評価うんぬん以前に、何よりも演奏が自然と全身に伝わり、体内に染み入ってくる。ディラン専門のファンで本盤をあまり高く評価しない人たちにもわかってほしい部分なのだけれど...。Song1974年リリース。下記ランキング(3サイト)に参加しています。Timmons)は、ソウル・ジャズの典型みたいに言われたりもし、きっと毎日のように聴くと元気をもらうのを通り越して聴き手側が疲れてしまうんじゃないかと思ったりもします。その一方で、筆者にとっては“突然、無性に聴きたくなる”タイプのピアニストです。今回は「モーニン(Moanin’)」を取り上げますが、他にもキャノンボール・アダレイのクインテットによる「ジス・ヒア(ディス・ヒア)」(収録盤過去記事)や「ダット・デア」(収録盤過去記事)の作者としても有名です。1960年録音の、ティモンズ自身のトリオでの演奏をどうぞ。言うまでもなく、この曲はアート・ブレイキーによって広く知られています。Messengers)の『モーニン』所収の「モーニン」もお聴きください(ピアノを演奏しているのは、作曲者のボビー・ティモンズです)。今回はもう一つ、ライヴ演奏の様子も追加したいと思います。1985年、ニューヨーク市のタウン・ホールでの晩年のアート・ブレイキーの姿です(ブレイキーは1990年に71歳で亡くなっています)。ボビー・ティモンズは1974年に38歳の若さで亡くなっていますから、この映像でのピアノ演奏は別人で、ウォルター・デイヴィス・Jr.(参考過去記事、この人もブレイキーと同じ年に鬼籍に入りました)がピアノを弾いています。下記ランキングに参加しています。ここらでエアロスミス(Aerosmith)のヒット曲といってみたいと思います。ハードなロック系アーティストがバラード系シングルに手を出すというのは80年代の特に半ば以降によく見られたパターンですが、エアロスミスの場合は以前からもそうした曲がありました。今回は彼らの9thアルバム、『パーマネント・ヴァケイション』に収録され、全米3位を記録した「エンジェル(Angel)」です。ちなみに、全米3位というと、他にも彼らのヒット曲はいっぱいあったような印象を受けるのですが、意外なことにこれを超えるシングルヒットは「ミス・ア・シング」(1998年)だけだったりします。変わったものをということで、スティーヴン・タイラーによるアコースティック・ヴァージョン(ピアノ伴奏)も載せておきたいと思います。決定版というよりはデモ・ヴァージョン的な感じではありますが、レア音源な感じですね。昨年は解散ツアーをするのしないのという報道がありました。結局は“ヨーロッパ・フェアウェル・ツアー”をするようですが、いったいヨーロッパ公演が今年で終わりという意味なのか、それともずっとフェアウェル・ツアーをやり続けるという話なのか、何だかよくわかりません。この年齢までというかこれだけの年数続いたのだから、最後までこのまま続けてもらいたい気が個人的にはするのですが、果たしてどうなるのでしょう。最後に、比較的最近のライヴということで、2011年ブラジルでのこの曲の演奏の様子をどうぞ。下記のブログランキングに参加しています。1980年代のロックナンバーに戻りたいと思います。Henley)の名曲です。“ホテル・カリフォルニアの声”である彼のヴォーカルは、ずば抜けて“うまい”とは思いませんが、このかすれたハスキーなヴォイスで、どこか情緒的な曲を演られた日には、筆者のような好みのリスナーは、それだけですぐさまノックアウト状態といったところです。Innocence)」をお聴きください。全米8位のヒットとなったナンバーですが、さらに付け加えるならば、ウェイン・ショーターがサックスで参加してることも注目点です。ドン・ヘンリーがソロとして成功したキャリアの中で、いちばんのナンバーはと問われると、迷わずこれではないかと思ったりしています。追記:2019年4月、動画リンクを変更しました(オリジナルが見当たらず、当時のライヴ演奏です)。次のブログのランキングサイトに参加しています。Band)は、オーストラリアのメルボルン発で、アメリカ市場において初めて本格的に売れた最初のバンドである。Exposure)』であることに変わりはないのだが、曲を1つだけ選ぶとなると、別の選択肢になる。筆者が1曲選ぶなら、断然、この1978年のヒット曲「リミニッシング(追憶の甘い日々)」である。リリースされた1978年のビルボードのチャートで3位を記録した。それだけならものすごいことではないかもしれないけれど、オーストラリアのバンドが全米に売り込んでいって、この曲を筆頭にトップ30入りを12曲も出しているというのは、当時としては異例のことである。彼らの活躍があったからこそ、後々の豪州のシンガーやバンドの世界進出が可能になったわけで、その先鞭をつけることになったグループだった。あるBMIから「米国ラジオ史上で最も繰り返しかけられた曲」の1つとして認定されており、400万回以上ラジオでオン・エアされたという。この曲は、爽やかさと哀愁が同居するメロディーが特徴的である。グレアム・ゴーブルの曲作りとコーラスを得意とするバンド特性がうまくマッチしたと言える。このメロディーのに乗せて、詞の中ではグレン・ミラー・バンドやコール・ポーターに言及しながら過去の思い出を綴るラヴ・ソングといった趣である。これがアメリカのリスナーの心に響いたのであろう。全米でヒットしただけでなく、上述のように繰り返しラジオでも流され、長く愛し続けられる曲になった。Catcher)』に収録されていた。このバンドのCDには、編集盤・ベスト盤類が特に多いので、この曲を含め有名曲狙いならその手のCDを容易に入手できる。筆者はオリジナル・ヴァージョンの「リミニッシング」と並んで、1988年のライヴ・ヴァージョンも結構好きで、たまに引っ張り出してきてはこれに浸っている。こちらのライヴのテイクは1988年4月にブリスベンの万博の時に収録されたものらしく、オリジナルよりもややアップテンポのライヴ・ヴァージョン。長いギターソロが軽快ないい味を出している。同年のアルバム『モンスーン(Monsoon)』の日本盤にボーナス・トラック(今は懐かしき、LP未収録/CDとカセット限定のボーナス曲)として収録されているので、オリジナルで興味を持った方は、ぜひこちらも試していただきたい。下記ランキング(3サイト)に参加しています。Timmons)』を取り上げている。Person)』というライヴ演奏盤を取り上げてみたい。上でソウル・ジャズと書いたけれども、ティモンズのピアノの特徴を抽象的な“ジャンル”ではなくて、もう少しわかりやすく言い表す方法はないものかと思ったりすることがある。少々大胆な意見かもしれないが、彼のピアノは“いかに鍵盤を感動的に叩くか”が主題ではないだろうか、などと思ったりすることがある。誤解のないように言うと、美しいフレーズが飛び出すことはもちろんあるし、でも、ただ粘っこいとかいうわけでもない。要は、ゴスペルやブルース、はたまたソウルといったルーツに根ざした独特の間合いと感覚があって、結果的にピアノを“弾く”というよりは、鍵盤をどう“叩く”かが、ネックになっているのだろうという気がするからである。聴きどころと言えそうな曲をいくつか挙げておきたい。Leaves)」は超有名曲だけれども、淡々とした演奏の中にボビー・ティモンズ節が満載で、本盤中でベスト曲だと個人的には思う。4.と10.はともに「ダット・ゼア」なのだけれど、1分弱のテーマのみの演奏。CDでは追加曲として、フル・レングス・ヴァージョンも収められている(これがなければ、この有名曲に期待する人には少々ストレスになりそう)。変わったところでは、9.「ソフトリー・アズ・イン・ア・モーニング・サンライズ(朝日のようにさわやかに)」。ロン・カーターのベースが大活躍の一方で、ボビー・ティモンズの控えめなピアノがうまく調和している。聴き手というものは先入観に振り回され、ボビー・ティモンズと言えば、ソウルとかファンクとかのイメージで聴きどころを求めてしまいがちだけれど、本盤については、上記の1.や9.に注目するというのもいいのかもしれないと思ったりする。drums1961年10月1日録音(ヴィレッジ・ヴァンガードでの実況録音)。]​下記のブログランキングに参加しています。Parlan)は幼くして右手の自由を失い、そのリハビリのために始めたというピアノが高じてジャズ・ピアニストへの道を歩んだ。右手の指2本が使えない状態で、左手を主にして演奏するところから独自の奏法がその魅力だとされる。そんなパーランの代表作がこの『アス・スリー』である。数字(アルバム・タイトルの“私たち3人”の“3”をヒントにデザインされたという)をあしらった印象的なジャケット、ブルーノート4000番台といった諸条件から名盤としてよく名が挙げられる1枚でもある。名盤と言われるのでとりあえず聴いてみたという方も多いかもしれない。黒っぽい雰囲気が漂っていて、上記の独特のピアノ演奏が聴けるというのは分かるのだが、この演奏の本質がどこにあるのかということを考え始めると、どうも掴みどころのないアルバムに思えた。少なくとも初めて聴いた時はそんな感想を持った。気がついたのだが、ホレス・パーランだけを聴こうとしていたからこそ、そういう掴みどころのわからない状態に陥っていたのだと気づいた。“ピアノ・トリオ”という固定観念から離れられずに、なおかつ“特異なピアニスト”としてパーランを見なしている間は、本盤のカギがどこにあるのかよくわからなかったというわけだ。ある時、本盤を聴いていてふと思ったのは、これは“腰が動く”音楽だということであった。感覚(あるいは“お尻を振りたくなる”、“腰が浮きあがる”感覚などとも表現できるだろうか)は、単にピアノ演奏だけに由来するものではないらしいということだった。パーランのピアノが反復が多いというスタイルであることはよく指摘される。加えて、一つ一つの音がしばしば“打楽器的”に響くのである。考えていくと、やがて“打楽器的”というキーワードでふと気がついた。ジョージ・タッカーの演奏も“打楽器的”にベース音を刻む場面が多い。ベースもピアノも音程をもった楽器なのだけれど、打楽器的な“間”が目立つ。そこにドラムがいるわけだから、“打楽器的アンサンブル”になっているわけで、したがって、腰が動くという作用が起こるというわけである。ビル・エバンスのインタープレイによって、ピアノ中心にピアノ・トリオを聴くのではなく、他メンバーとの対話を聴くという発想が聴き手の間にも定着した。本盤は対話しているわけでもなさそうな気がする。いや、実際の演奏者たちは対話しているのかもしれないが、結果として聴き手に届くのは、巧妙に組み合わさった音の塊とでもいう方がしっくりくるように思う。そんなわけで、ピアノ・トリオの名盤というありきたりのセリフはどうも合わず、ピアノ・トリオの異色の名盤という方がしっくりくる1枚である。スタンダードにありきたりな名盤ではなく、かなり濃い個性を持った特殊な名盤と言えるように思う。(ds)1960年4月20日録音。下記ランキング(3サイト)に参加しています。Malmsteen)のソロ第1作の冒頭のナンバーがこの「ブラック・スター」。イングヴェイは、スウェーデンのストックホルムの貴族家系の出身で、わがまま放題な少年時代を過ごした後、渡米。スティーラーズ、アルカトラスというバンドに在籍して名を上げた後、1984年のソロ・デビューとなった(イングヴェイの“俺様ぶり”については、こちらの過去記事を参照)。イングヴェイという革新的で野心的なギター・プレーヤーのソロ・デビュー作の1曲目に相応しく、静かにそして抒情的に曲は始まる。曲が少し進むと次第にギターの音の厚みが増していき、抒情性をたたえたままのメロディと印象的なギター・ハーモニーが続く。加えて、得意の高速フレーズが随所に挟み込まれる。HR/HM系のギター・インスト曲でゆったりしたテンポの曲を間延びさせずにこれだけ聴かせるギタリストはそう多くない。この曲は、イングヴェイという人の才能とセンスが抜きんでていることの証明であったとすら言っていいのかもしれない。そのセンスと見事なまでのギター演奏力はどこで培われたのか。上で触れたわがままな少年時代、イングヴェイは不登校気味になり、家にこもってひたすらギターを弾いていたという。しまいには学校での問題行動も起こすようになり、15歳で退学、その後はギター修理の仕事をしていたと言われるが、どうやらこの頃も自宅の地下室でひたすらギターの練習に明け暮れていたらしい。自宅にこもってもくもくとギターに励む少年。すると、イングヴェイは友達もあまりおらず、あえて言えばギターが友達というような暗い少年だったのかもしれない。そのマニアックな鍛錬は類まれな才能に磨きをかけ、ロック・ギターの世界に新風をもたらす源泉となったのだろう。アルカトラスでその名が知られるようになっていたとはいえ、ソロ作第1弾の1曲目でこれだけのパフォーマンスを見せたことは、その当時リアルタイムではもちろん、いまから過去を振り返ってみても、聴き手に衝撃を与えるものだったと思う。下記3つのランキングサイトに参加しています。前回に続いてもう1曲、王道の典型的アメリカン・ロックのナンバーです。アメリカン・ロック界の“ボス”ことブルース・スプリングスティーンの大ヒット作『ボーン・イン・ザ・U.S.A.』からのシングル曲です。Days)」というナンバーです。表題(“栄光の日々”)の通り、野球で鳴らした若い頃を振り返るという内容のナンバーで、ミュージック・ビデオもその内容を意識しつつ、ライヴ演奏風な映像内容となっています。ヒット当時のそのビデオ映像をどうぞ。この曲のシングル・リリース時点では実はリトル・スティーヴン(スティーヴ・ヴァン・ザント)は、E・ストリート・バンドを既に脱退していましたが(そんな事情もあって後任のニルス・ロフグレンも映像には登場しています)、スプリングスティーンとリトル・スティーヴンとの掛け合いが印象的な曲でもあります。今回は、もう1本、比較的近年のライヴ演奏の様子もご覧いただきたいと思います。2013年のライヴの映像とのことです。リトル・スティーヴンはバンドの再結成時に再合流していますので、現在に至るまでライヴでのブルースとスティーヴの掛け合いはおなじみの見せ場となっています。以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、“ぽち”応援よろしくお願いします。Pretenders)である。音楽ライターからバンドリーダーへの転身というわけだが、当の本人であるクリッシーにしてみれば、記者としてアーティストたちやその作品を目にする中で“これなら自分にもできる”という自信を抱いての転身だったのだろう。時代を振り返れば、その当時、ロックは迷走していた。ロンドンではパンク・ロックのムーヴメント(1977年のいわゆる“ロンドン・パンク”)が起こり、しかもそれは短期間で終息する。そんな中からポスト・パンク、ニュー・ウェーヴといった新たな流れが生まれてくるわけだが、これら一連の流れは、いわば“既存ロックの否定”という側面を持っていた。プリテンダーズは、いわば混迷の時代の寵児の一人とも言っていいのかもしれない。クリッシー率いるプリテンダーズは、1979年にデビュー・シングル、1980年に初アルバムをリリースした。デビュー・シングル「ストップ・ユア・ソビン」はキンクスのカバーで、この曲に代表されるように、心地よいストレートなロックをプリテンダーズは展開していった。MTV時代が到来し、80年代特有の華やかなサウンドが世間を席捲しても、プリテンダーズのスタンスは変わらず、基本的にシンプル&ストレートな良質なロックを提供し続けた。Wrong)」である。Singles)』)にも収録された。米ビルボードのシングル・チャートで10位、同様に英国でも10位のシングル・ヒットとなった。感情をストレートに出せない女性の心境を描写した内容の歌だが、サウンド面では、リラックスして肩の力を抜きながらも、心地よくストレートにロックしている。ビデオクリップがいかにも80年代なのはご愛嬌として、日本では自動車のCMやら朝の情報番組のテーマ曲に採用されたのも、テンポの良さを考えればそれも頷ける。以下、興味のある方は、下手なドラマ仕立てが微笑ましい(それも80年代的というべきか?)、公式のPV映像をどうぞ。下記3つのランキングサイトに参加しています。Estefan)をフロント・シンガーとしたグループ、と言えば、心当たりのある方も多いかもしれません。今回はそんなグロリアがメジャー・シーンに登場した80年代から始めて、90年代までの足跡を有名曲・個人的お気に入り曲を取り混ぜながら、10回ほどのシリーズで動画とともに追ってみたいと思います。元々は1975年にエミリオ・エステファン(その3年後にグロリアと結婚)が結成した“マイアミ・ラテン・ボーイズ”が、やがて“マイアミ・サウンド・マシーン”に改名し、80年代になってからブレークしたという経緯でした。アメリカではダンス・チャート15位という結果しか残していないそうですが、英チャートでは6位まで上昇し、国際的に名を知られるきっかけの曲となりました。この曲のビデオには後から(90年代に?)作られたヴァージョンも存在するようです。そちらもご覧ください。]下記のブログランキングに参加しています。前回の河合奈保子(『スカーレット』)に続き、今回もアイドルとして活動しながらもアーテイスト路線へと方向転換を図った歌い手のアルバムで気に入っている盤を取り上げたい。森川美穂といってもピンとこない人もいるかもしれないが、もともとVapからアイドルとして売り出され、やがて学園祭の女王として人気を定着させていったシンガーである。1990年代にいくつかのヒット曲を残し、その実力から、現在は大阪芸術大学のヴォーカル実技の専任講師を務めている。1983年にヤマハのオーディションに選ばれ、1985年にアイドル歌手としてデビュー。アイドルの一時代を築いた見事な顔ぶれが揃っていた。所属レーベルVapの強い押しでトップテンなどにも取り上げられたりするが、本人はアイドルとして売り出されていることに納得していないようだった。1987年、ASKA作の「おんなになあれ」(6枚目のシングル、アルバムとしては2枚目)の辺りから徐々に路線変更し始め、ヴォーカリストとしての立場を明確にしていく。そんな中、同年11月に発売されたのが、アルバムとしては3枚目にあたる本作『ヌード・ボイス』だった。森川美穂という人の性格・キャラはアイドルに向いていなかった。デビューからしばらくすると、ラジオ番組等でのトークが好評を博し、歯に衣着せぬ物言いがファン層の拡大につながった。振り返ってみると、1987年の本作『ヌード・ボイス』、翌1988年の『1/2Contrast(ハーフ・コントラスト)』の辺りの彼女は、開けっ広げで単刀直入でストレートな性格そのままの歌声を披露していたと思う。ヴォーカリストとしてのセールスの全盛は1990年代前半で、その頃にはヴォーカリストとしてのテクニックも増していったのだが、筆者としては、粗削りな部分も含めて、特にこの時期の生き生きした歌いっぷりが気に入っている。収録曲のうち、2.「Pride(プライド)」は先行シングルとして発売され、それ以前のシングル曲と同様にミノルタ(カメラ)のCM曲として使用された。Luck」なども似た傾向にある。アイドル時代を若干引きずっているような曲もあるけれど、全体としてとても気持ちよく歌っているという印象がある。Eyes」は唯一の落ち着いたバラード曲で、内容もこの1曲だけ普遍性のある内容である。この曲はとにかく名曲で、なおかつ後々開花していく歌唱力の片鱗が存分に伺える。NHKアニメ「ふしぎの海のナディア」の主題歌など後々のヒットしか知らない人はぜひさかのぼってこのアルバムも聴いてもらえるといいように思う。余談ながら、森川美穂のVap時代のCDは、1990年の東芝EMI移籍に伴ってすべて廃盤となり、一時は1万円などというプレミアが付いていた。1999年に一斉に再発されたが、現在では再び廃盤のため入手しにくいアルバムもある模様(本作『ヌード・ボイス』は中古であれば入手は特には難しくない)。Eyes1987年リリース。下記ランキング(3サイト)に参加しています。Work)がありました。Usual)』でデビュー。Now?)」という曲でした。1981年に発売されるとオーストラリアのチャートで2位を獲得、その人気はカナダ経由で米国にも及び、翌年には全米チャートで1位を獲得するに至りました。Ham,サックス、フルート)。飄々とした歌いっぷりのコリン・ヘイが強く印象に残っているというオールド・ファンも多くいらっしゃるかと思います。バンドはメンバーの入れ替わりを経て1986年に解散してしまいますが、10年後の1996年に再結成され、2000年にはシドニー・オリンピックでもそのパフォーマンスを披露しました。80年代当時のレコーディング・ヴァージョンだけ聴いていると少々イメージがわきにくいかもしれませんが、バンドとしてのパフォーマンス(演奏力)もなかなか高いバンドでした。公式のライヴ・ヴァージョンもどうぞ。この曲は冒頭のサックスが印象的ですが、サックスのほかフルートやキーボードを担当していたグレッグ・ハムは昨年(2012年)4月に自宅で亡くなっているのが発見されました。一人暮らしだったとのことですが、享年58歳。死因も発表されてないようですが、この曲に続くヒット曲「ダウン・アンダー」の盗作訴訟もあり(2010年に敗訴の判決)、晩年はいろいろと苦労も多かったようです。在りし日を思い出しつつ、ご冥福をお祈りします。ワーク・ソングス/メン・アット・ワーク[Blu-specCD2]【返品種別A】↓こちらはベスト盤です。下記ランキングに参加しています。Smith)は、1925年、米国ペンシルバニア出身のジャズ・オルガン奏者である。“Incredible”(信じられない、驚異の)というニックネームを持ち、ジャズ・オルガンの開拓者であり第一人者だったが、2005年に亡くなっている。当初はピアノ奏者をしていたそうだが、1953年にハモンド・オルガンに転向し、50年代後半にはブルーノートから、その後60年代に入ってからは活躍の場をヴァーヴに移し、リーダー作・ヒット作を次々と発表した。亡くなった年(2005年)には、米国で名誉あるジャズ・ミュージシャンに贈られるNEAジャズ・マスターをケニー・バレルらとともに受賞している。以前、『ミッドナイト・スペシャル』という盤を取り上げたが、こちらの方は抑制の利いた演奏という特徴のものであった。オルガン・ジャズとしては、必ずしも王道ではない盤だったわけである。Baby)』は、『ミッドナイト~』とほぼ同時期(録音日で言えば、『クレイジー・ベイビー』の方が4カ月ほど前なだけ)であるものの、その中身はずいぶんと異なる。ひとことで表現すれば、本盤の方は、いかにも“こってり系”な、これこそオルガン・ジャズと言っていい王道を行く盤である。ファンキーで、アーシーで、ねっとりしていて、こってりした演奏が楽しめる。これこそジャズ・オルガンとでも言うべき演奏を堪能できる盤に仕上がった最大の理由は、オルガン(ジミー・スミス)、ギター(クェンティン・ウォーレン)、ドラム(ドナルド・ベイリー)の3人だけというシンプルな構成にある。ギターについては、ケニー・バレルのようなギタリストではなく、当時19歳の新人だったクェンティン・ウォーレンを起用したのも正解だった。このトリオ構成のおかげで、主役としてのオルガンの立場がより明確化されている。“オルガンをしっかり聴かせる”ことにはっきりと主眼を置いたメンバー構成ということだ。ジミー・スミスの特徴の一つは、ジャズはジャズという高尚さを感じさせず、ポップスとジャズの垣根を取り払ったような部分にもあるのだと思う。本盤にはジャズ界の有名曲も多く収録されており、他のジャズ・ミュージシャンの演奏と聴き比べてみるのも興味深い。3.「チュニジアの夜」は、アート・ブレイキーのアルバム(『チュニジアの夜』、ちなみに同一名のアルバムが2種存在する)のタイトルにもなったディジー・ガレスピーの曲。5.「マック・ザ・ナイフ」は、ここでは題名違いで表記されているが、実際には、ソニー・ロリンズが『サキソフォン・コロッサス』で取り上げた「モリタート」と同一曲である(なお、ロリンズ絡みという点では、4.もソニー・ロリンズの曲だ)。6.「ホワッツ・ニュー」も、有名ジャズ奏者たちが繰り返し取り上げているナンバーで、最近紹介したアルバムの中ではジャッキー・マクリーンの『スイング・スワング・スインギング』でも演奏されている。付け加えれば、マクリーンのこのアルバムは、本作『クレイジー・ベイビー』と同じくブルーノート4000番台のもので、本盤からほんの2カ月余り前に録音されたものである。ブルーノートの創始者アルフレッド・ライオンという一人の人物のもとで、ほぼ同時期に、異なる個性を持った異なる楽器の奏者が同一曲を演奏して、いかに異なる曲に仕上がったのかを聴き比べてみるのもいいかもしれない。ジミー・スミスというアルバムをお探しの方には、最初に推薦したい1枚である。上で触れたように、ジャズ・ファンが聴いても、有名曲がオルガン・ジャズの演奏にどう化けるのかが楽しめるし、そうではなく黒人ソウル、ファンキーといったタームで非ジャズのジャンルからさかのぼって聴きたい向きにも推奨できる盤だと思う。ランキング(3サイト)に参加しています。400万アクセス達成記念として、その日の気分で“いま聴きたい曲”をセレクトしてお届けしています。Spanish)」です。映画と直接関係する曲というわけではないのですが、リリース当時から気に入っている1曲です。1988年のアルバム『REG-ストライクス・バック』に収録されたナンバーですが、ある映画の主人公がヒロインに対しての発した一言(それはスペイン語のことばだったので見ていた側にはわからない)が劇的シーンを作り出したという内容です。映画を見てふとしたことで感動シーンが現れる瞬間というのは、どこにでもある話でしょうが、そこに“言語の壁”を挟んでエキゾチックな感じを出してこういう歌にしてしまうというのは、なかなか洒落ているのではないかと思う次第です。それでもって、曲調も歌唱もエルトンらしさに満ちていて、スペインっぽさを醸し出すギターソロも効果的です。一本、この曲の映像をご覧ください。リリース当時のもので、1988年にフランスのTVに出演した時の模様です。次のブログのランキングサイトに参加しています。前作『トーキング・ブック』(こちらも名盤!)を発表した翌年(1973年)にリリースされたのが、本盤『インナーヴィジョンズ(Innervisions)』である。Wonder)の絶頂期である“クラシック・ピリオド”の中でも、特に頂点と称賛されるのが本アルバムである。幼くしてデビューしたスティーヴィーは、やがて自作自演のアーティストという方向性に目覚め、自ら曲を作り、アレンジし、歌い、様々な楽器を操ってアルバム制作を進めるようになっていた。Wonder”(作曲・プロデュース・編曲:スティーヴィー・ワンダー)と記されている。アルバム・タイトルの『インナーヴィジョンズ』という表現の中の“ヴィジョン”というのは、“視野”とか“視覚”といった意味である。したがって、目に見えるものとしての“光景”や見る方法としての“ものの見方”なども意味する。本盤のタイトルは、“内なる眼”といった意味合いであり、生後間もなく視覚を失ったスティーヴィー自身の“内なる眼”を意味しているものと思われる。ジャケットの絵も、目が見えないと思しき人物(スティーヴィー本人)が窓から外を見上げて何かを見通している構図となっている。アルバム自体は、全米チャート4位(R&Bチャートでは1位)を記録し、リリース翌年の74年のグラミー賞では、年間最優秀アルバムと最優秀録音の二部門を獲得した。1曲目の「トゥ・ハイ」からして、本当に“ハイ”である。音楽全体が“跳ねて”いる。確かに、抑えるべきところは抑えている(例えば、2.や7.)のだけれど、基本、全体が“跳ねている”のだ。一般論として、ドラムやリズム・セクションの跳ね具合がノリやファンキーさを醸し出すという評価の仕方はあるけれども、この作品の場合は、音楽全体がそうだと言えるように思う。ヴォーカルもそれに該当し、スティーヴィーの歌自体の跳ね具合こそが、全体の強い躍動感を生み出す要因になっている。加えて、そのヴォーカルには新たことや実験的なことをやっているという雰囲気がなく、自信が満ち溢れ堂々としている印象が強い。した“跳ね”という観点から、特に素晴らしい出来の曲は、1.「トゥ・ハイ」のほか、3.「汚れた街」、4.「ゴールデン・レディ」、5.「ハイアー・グラウンド」(この曲はシングルとして全米4位にランクインした)、9.「いつわり」といったところである。逆に、リズムもヴォーカルも抑え気味になっている曲では、メロディの美しさとヴォーカルの伸びというもう一つの特徴も見られる。着目したいのは、かなりの楽器をスティーヴィー・ワンダー自身が演奏している点である。スティーヴィーと言えば、ムーグのシンセサイザーを駆使するイメージが強いという人も多いかもしれないが、実はドラムさえも見事にこなすマルチプレーヤーで、本作でもそうしたマルチぶりが発揮されている。収録曲の中で、3.「汚れた街」、5.「ハイアー・グラウンド」、6.「神の子供たち」は、完全にスティーヴィーの多重録音による独演である。同じ70年代前半には、トッド・ラングレン(例えば1972年の『サムシング/エニシング?(ハロー・イッツ・ミー)』)なども同様のマルチプレーヤーのスタイルを確立している。筆者の好みと感覚で言えば、トッド・ラングレンがどちらかと言えばマニアックな方を向いて一人で演奏・ヴォーカルの多重録音を試みたのに対し、スティーヴィー・ワンダーはより聴衆にオープンな方向性でそれを行なったように思える。上で述べた“跳ね具合”というのは、人によって好みが分かれるかもしれない。一度は聴いておいて損のない名盤であることは間違いない。黒人音楽という枠にとらわれず、ロック、ポップス、ジャズ等様々な音楽を取り込み、なおかつ消化しきっている演奏は、“ブラック・ミュージック”、“ソウル”、“ファンク”などのレッテルのついた音楽に違和感を感じるリスナー層にも、十分受け入れられる素地がある。この時期のスティーヴィーや、スティーヴィーの音楽そのものを避けて通っていた人にも、ぜひ一聴してほしい一枚である。Know-It-All1973年リリース。下記ランキング(3サイト)に参加しています。以前の記事で取り上げたアルバムからの表題曲のみをあらためて動画つきで取り上げてみたいと思います。Mellencamp)の「スケアクロウ(Scarecrow)」という曲です。この表題だけ耳にしたら、なんとなくカッコよさそうな曲に響くかもしれないですね(いやはや、とってもカッコいいロック・チューンなのは事実)。邦訳すれば要は「畑のカカシ」。サビの詞は“カカシに雨、鍬に血”...。次のビデオに出てくるように、題材はアメリカ人の中でも畑や農場で働く、ある意味ではニューヨークのビジネスマンとは対極にいるような人たちを主人公にした曲なわけです。朝鮮戦争・ヴェトナム戦争、もう少しのちには米ソ対立期の“強いアメリカ”、さらに最近では“テロと戦うアメリカ”。した国家の繁栄の元で大国アメリカを下支えした人たちは、なかなか取り上げられることがないけれど、それを真っ向から取り上げたのがこの曲だったと言ってもいいように思います。当初はやりたいとおりに音楽を出来なかったというジョン・クーガー(この芸名も本人はジョン・クーガー・メレンキャンプ、さらに後にはジョン・メレンキャンプへと変えていきました)。“アメリカの良心”と言われるゆえんがこの曲からはとってもよくわかる気がします。次のブログのランキングサイトに参加しています。続いては、日本のアーティストが英語にトライというケースも取り上げたいと思います。日本のアーティストが海外(といっても主にアメリカ)進出をし、英語のアルバムやシングルをリリースするというケースです。松田聖子(SEIKO)しかり、宇多田ヒカル(UTADA、彼女の場合は日本デビュー前にアメリカでバンド活動もしてたんでしたっけ...)しかり、ですが、今回は、天下の“永ちゃん”の米進出を取り上げたいと思います。キャロルでの活動を経て、1970年代半ばにソロとなり、既に名声を得ていた矢沢永吉が全米進出をを試みたのは1980年代初頭のことでした。1981年の海外版アルバム『YAZAWA』の売り上げはさっぱり...。Japan」(1987年)もまったく売れずという結果に終わりました。いえ、個人的にはお気に入り曲(どころか彼の楽曲の中で一番気に入っているナンバーと言ってもいいぐらいです)ということで、そのシングル曲を今回取り上げる次第です。それにしても、なぜ売れなかったのか...。プロモーションが不十分という問題も大きかったのかもしれません(21世紀の今ならもう少しうまくやれたかもしれません)。一部にはこの英語がどうもよく伝わらない...という指摘もあるようです。しても、個人的にはこの曲、カッコいいと思うのですが。最後に、当時の日本でのライヴの様子もどうぞ。JAPAN/矢沢永吉CDアルバム/邦楽下記のブログランキングに参加しています。Burrell)は、1950年代後半から60年代にかけて、ブルーノートやプレスティッジといったレーベルに主要盤を多く残した。Midnight)』は、言ってみれば、“既に名声の確立した名ギタリスト”が70年代初頭に吹き込んだものである。この盤は、愛着を感じて彼の最高作とすら考える人もいれば、駄盤扱いする人もいるという、複雑な1枚である。いや、個々の好みだからどうにもならないと言ってしまえばそれまでなのだが、悪評が生まれる原因も分からないではない。本盤には“がむしゃらさ”がないのである。ブルーノートの初期の盤などを聴けば、どこかしら一生懸命もしくは精一杯な感じが演奏からも感じ取ることができる。このアルバムにいたっては、良くも悪くも余裕が感じられる。“完璧すぎる”もしくは“出来上がり過ぎている”のである。それゆえ、“聴いてて眠くなる”みたいな評も聴こえてくることになるのだろう。その余裕が本盤を退屈にしているのだろうか。筆者はそうではないと思う。1.「欲望という名の電車」がその典型であると感じる。本当に睡魔に襲われてる時にこの曲を聴くと、確かに眠ってしまうかもしれない(そのことは特に否定しないし、それは、劇的なインパクトのある演奏というわけではないためとも言える)。なくて、ちゃんと耳が“起きている”状態の時に聴けば、なんと精緻でさらりと流れるようでありながら、ブルース・フィーリングの強い演奏だろうか。ある意味、ケニー・バレルの全キャリアの中で、その本領が見事に発揮された演奏の一つと言っていいと思う。他に本盤の聴きどころとしては、表題曲の3.「ラウンド・ミッドナイト」。マイルス・デイヴィスをはじめとしてこの曲を名演に仕上げたジャズ・ミュージシャンは多く存在するわけだけれど、ジャズ・ギタリストの演奏としてはこれがベストかと思うほどの名演。本盤の中ではこの曲のみピアノとドラムスが他の曲とは違うメンバーで演奏されている。一つ本盤の意外な(?)聴きどころになっているのは、アルバム最後を飾る7.「ブルース・イン・ザ・ナイト」。この曲はバックなしの、平たく言えば“ギター・ソロ演奏”である。売出し中の頃のケニー・バレルなら、この余裕と貫録はあり得なかったろうと思う。ギター1本でじっくりまったり演ることに、何の引け目も感じていない。そんな雰囲気がこの演奏には満ち溢れている。ここまで述べてきてお気付きのように、緊張感やスリリングな雰囲気で聴かせる盤ではない。落ち着き払った、もっと言ってしまえば余裕たっぷりのブルージーなケニー・バレルの演奏についていける場合には名盤となる、そんな1枚といった具合。逆に、組み合わせの妙や、スタジオで何が飛び出すかわからない部分に“ジャズらしさ”を求める人には、もっと初期のバレル盤の方がいいのかな、とも正直なところ思う。言っても、筆者が本盤を気に入っていることに変わりはないけれど(笑)。下記のランキングサイトに参加しています。今日6月9日は語呂合わせで“ロックの日”。そんなわけで、今日聴いたロックナンバーをいくつか取り上げてみようと思います。朝にカーステレオから最初に流れてきた曲。ザ・フーがカバーした「バットマンのテーマ(Batman)」です。1966年にEP盤(今でいうとミニアルバムのようなもの)に収録され、現在では『ア・クイック・ワン』のCDボーナストラックとして収録されています。歌詞は“Batman~”だけ。続いては、B・スプリングスティーンの初期の曲を聴きたくなり、何曲か聴きましたが、今日取り上げようということで落ち着いたのは、「サンダークラック(Thundercrack)」というナンバー。アメリカンロックの“ボス”と言えば、『明日なき暴走』以降のイメージでしょうが、デビューから同盤あたりのパフォーマンス(海賊盤などでもよく出回っていました)もロックを振り返るときに忘れることができません。Romance)』の表題曲です。ジョン・ライドン(元セックス・ピストルズのジョニー・ロットン)が結成したバンドで、“ロックは死んだ”と発言した彼がロックを解体していった末の一つの形がこれといったところでしょうか。普段意識しませんが、“ロックは打楽器だ”という側面が見事に炙り出されているように思います(名盤ですので、アルバム全部おすすめですが今回はひとまずこの曲のみです)。皆さんはこの“ロックの日”、意識していたか否かに関わらず、どんな曲を聴かれたのでしょうか。*「バットマン」収録は1995年以降のリイシュー(ボーナストラック付き)。*4枚組のうち1枚目に「サンダークラック」を収録。次のブログのランキングサイトに参加しています。Lake)が死去したとのニュースが流れました。癌との闘病生活の末に69歳で亡くなられたとのことです。今年3月にはキース・エマーソンが亡くなり(自殺と断定されました)、これでエマーソン、レイク&パーマーのメンバー3人のうち2人が鬼籍に入ってしまったことになります。グレッグ・レイクは、1960年代後半から活動を展開し、1969年のキング・クリムゾンのデビュー盤に参加しました。Man)」(最近では邦訳タイトルが「21世紀のスキッツォイド・マン」に変えられているそうですが、とりあえずカタカナにしておけばいいってものでもないように思います)です。1970年の結成から1980年の解散(後に再結成あり)まで、特にその活動の前半はプログレッシヴ・ロック界を大きく牽引する役割を果たしました。そのELPの時代のナンバーも1曲取り上げたいと思います。1971年発表のセカンド作『タルカス』から、表題曲の「タルカス(Tarkus)」です。アナログ(LP)時代のA面全部を使った20分間の演奏ですので長いですが、どうぞ。1980年代半ば、キース・エマーソンとグレッグ・レイクは、コージー・パウエルを呼んでエマーソン、レイク&パウエルを結成し、アルバムを吹き込んでいます。パウエルは1998年に事故で他界していますので、オールド・ファンには何とも悲しい“天国での再結成”ということになってしまいます。この曲は、ホルスト(イギリスの作曲家)の組曲『惑星』に含まれるいわくつきのナンバーです。上記のキング・クリムゾンもこの曲を演っていますが、制約が厳しくてホルストのクレジットも本来の表題も使えませんでした。彼の没後50年を超えたこの時点では、原題と共にクレジットも可能になったとのことでした。グレッグ・レイクのご冥福をお祈りします。次のブログのランキングサイトに参加しています。ビートルズや元ビートルの楽曲はこのブログでは登場頻度が低いのですが、決して好きではないからというのが理由なわけではありません。いつかビートルズを全アルバム(あるいは全曲?)レビューするという野望を夢想しつつ、特にビートルズの楽曲についてはなかなか取り上げられないでいる次第です。Lennon)のナンバーを1つピックアップしたいと思います。“心の遊び(ゲーム)”とは、何ともわかりづらい感じで、これが収められたアルバム自体もジョンの作品の中では落ち着いた、やや地味な盤なのですが、この曲は、「イマジン」でも広く知られる愛と平和に対する姿勢を歌ったものです。後に本人が語っているところでは、元のタイトルは「メイク・ラヴ・ノット・ウォー」だったとのことで、結局それはボツにして詞を書き換えてこの曲になったんだそうです。最後に、この曲のカバーを1つ、ご覧いただきたいと思います。毎年開催されているジョン・レノンの記念ライヴのうち、2017年のものからの映像です。Smith)が歌う「マインド・ゲームス」をどうぞ。次のブログのランキングサイトに参加しています。Jackson)は、子役から始まり長いキャリアを誇りますが、ソロ・アーティストとしては、1982年に16歳でデビューしています。You)」はついに全米1位に輝きました。その当時の懐かしの映像をご覧ください。続いては現在に近い時期のライヴの様子です。ジャネットも今では50歳を超えているわけですが、まだまだ頑張っているようです(余談ながら、昨年、彼女のロックの殿堂入りも報じられました)。客席からのキャプチャーらしき映像ですが、相変わらずの雰囲気は伝わってくるように思います。2017年9月、アナハイムでのライヴと1コマとのことです。下記のブログランキングに参加しています。1980年、ブルース・スプリングスティーンが発表したアルバム『ザ・リバー』は、彼の最初の多作期を示す作品だった。スプリングスティーンは、1975年の『明日なき暴走』で有名アーティストとなっていたが、1980年のこのアルバムからは、彼にとって初の全米TOP10に入るシングルが生まれた。LP2枚組の『ザ・リバー』で、1枚目のB面の冒頭を飾る若々しくも郷愁溢れるナンバーがこの「ハングリー・ハート」であり、実は筆者が最初に聴いたスプリングスティーンの曲である。アルバム『ザ・リバー』に所収のオリジナル・ヴァージョンから。画像は動かないが、曲に合わせて詞が出るので、こちらをご堪能あれ。続いては発表当時(1980年)のライヴから。ボス本人はもちろん、既に鬼籍に入ったメンバー(ダニー・フェデリシ、クラレンス・クレモンズ)もみんな若々しい。時期的には、『明日なき暴走』で既に名声は確立しているけれど、『ボーン・イン・ザ・U.S.A.』での異常なブームはまだ起こっていない段階といったところで、何とも生き生きしている。最後は90年代に入って、シングルとして再発された時(1995年)のビデオクリップ。演奏はいつものE・ストリート・バンドではなく、ドイツのBAPなるバンド。飛び入りなどのハプニング的なものを除き、こうした無関係のバンドでのこの曲の演奏はレアだが、何でもこのバンドがスプリングスティーンのフォロアーだそうで、見事なまでに、オリジナルの雰囲気を再現した“完コピ”といった風情で、“ボス”も気持ちよさそうに熱唱している。下記のランキングサイトに参加しています。Osborne)は、1962年ケンタッキー州生まれの女性シンガーソングライター。ニューヨークに出て学費をや生活費を稼ぐために始めた音楽活動が高じて、1995年、本作『レリッシュ(Relish)』で、遅咲き(当時32歳)のメジャー・デビューを果たすこととなった。メジャー・デビュー後、早々にセールスに恵まれた。Us)」は、ビルボードの4位(さらにカナダやオーストラリアのチャートでは1位)の売り上げを記録した。アルバム自体も全米で9位、全英5位とヒットした。筆者もその当時、ラジオで繰り返し彼女の曲を耳にしたのを覚えている(本アルバムもすぐに買って繰り返し聴いた)。もって、その当時はあまり深く考えることもなかったのだけれど、あれから20年経ってみて今感じるのは、果たして“売れる音楽”だったのかということ。別に悪い意味で言っているわけではなく、上記「ワン・オブ・アス」の内容が刺激的で聴衆受けしやすいメロディでもあったことからヒットしたけれども、彼女の創り出す音楽は実はもっとシリアスで、そもそも一般大衆受けを狙ったものではなかったように思う。同曲が売れた要因としては、“もし神様に名前があったなら”、“もし神様が私たちのようだったなら”、“もし神様に顔があったなら”といった、クリスチャンの間では大きな議論になりそうな詞の刺激性があった。加えて、映画のサウンドトラックに使用されたり、グラミー賞にノミネートされて一層の注目を浴びた(さらに後に2000年代になってからはTVドラマのテーマとしても再録版が使用された)。その一方で、ジョン・オズボーン自身もそのギャップに苦しんだものと思われる。本盤の成功の後、新しいアルバム制作はなかなか進まず(途中、初期作を編んだCDは発売されたものの)、ヒットを欲しがるレコード会社との溝は埋まることなく、結局、マーキュリーからは契約解除されてしまう。インディーズ系のレーベルから新作が出るのには、本デビュー作から5年を待った2000年のことだった。他の注目曲としては、ボブ・ディランの2.「マン・イン・ザ・ロング・ブラック・コート(黒いコートの男)」、さらにはサニー・ボーイ・ウィリアムソンIIの10.「ヘルプ・ミー」も収められている。本作を“唯一のヒット作”と言うべきか、はたまた“コマーシャリズムに翻弄された1作品”と呼ぶべきか、正直答えはよくわからない。筆者個人としては、このヒットがなければ、ジョン・オズボーンの音楽を知るきっかけすらなかったかもしれないという意味では、よかったと言うことになるだろうか。Lumina1995年リリース。下記ランキングに参加しています。TOTOのセカンド作『ハイドラ』は1979年にリリースされました。Dragon)」という曲をお届けします。アルバムが発売されたのと同じ年にシングルとしても発売されたものの、特にチャート・アクションを見せませんでしたが、あまりシングル向けな曲ではなかったとういことでしょうか。TOTOはメンバーの入れ替わり、活動停止宣言などありましたが、何だかんだと現在まで活動が続いています。そんなわけで後年のライヴ映像もご覧ください。いう風にメンバーが変わったり時代が過ぎたりしても変わらず演り続けられるのは、やはり元の曲が名曲だからということになるのでしょうか。下記のランキングサイトに参加しています。この辺りで、シングルのヒット曲ではないものの、1970年代と言えば外せない(と個人的には思う)名曲の一つを取り上げてみたいと思います。Driftwood)」です。アケイディア(アカディア)というのは、カナダとアメリカの東部の国境地帯で、フランス系の人々が入植したけれども、英仏の戦いで住民が追われていったという複雑な歴史を持つ場所だそうです。それが詞の「流木」、「ジプシー(放浪者)」、さらには「カナダの寒冷前線」などの悲しげな表現になっているのでしょう。曲自体はロビー・ロバートソンのペンによるもので、3人(リチャード・マニュエル、リヴォン・ヘルム、リック・ダンコ)がヴォーカルで登場しますが、明るめの曲調でありながら悲しげなヴォーカルが印象的です。続いては、ザ・バンドの演奏の様子(映像は白黒だったりしますが)をご覧ください。1976年、サンフランシスコのウィンターランドでのライヴ演奏です。下記のランキングサイトに参加しています。Waits)の名バラード選、この7回目が最終回です。ここまで取り上げなかったナンバーにも美曲は数知れずありますが、ひとまずは最後を締めくくるにふさわしいと思って取ってあったのは、この曲です。時代をさかのぼり、1985年作の『レイン・ドッグ』所収の「タイム(Time)」というナンバーをどうぞ。この曲は、1988年のベスト・ライヴ盤『ビッグ・タイム』にも収録されています。同盤に所収のライヴ・ヴァージョンもお聴きください。この美曲のカバーといえば、トーリ・エイモスが2001年発表のアルバム『ストレンジ・リトル・ガールズ』の中で披露しています。ついでにこちら(同アルバム発表頃のライヴ映像)もよろしければご覧ください。アルバムも曲も魅力的なものがまだまだたくさんありますので、今後もトム・ウェイツのレヴュー記事をちゃんとサボらずに書いていきたいと思っています。Dog(1985年)←オリジナル・ヴァージョン収録。Time(1988年)←ライヴ・ヴァージョン収録。Girls(2001年)←トーリ・エイモスによるカバー。下記のランキングサイトに参加しています。サードシーズンの第二弾をいってみたいと思います。U2(ユー・ツー)ほどのビッグネームに改めての紹介など不要との声も飛んできそうですが、1980年にメジャーデビューしたアイルランド出身のロック・バンド。グラミー賞を22個も受賞しているのは、ロック界広しといえども彼らだけの記録です。そんな彼らも当初から爆発的に売れたというわけではありませんでした。3枚目のアルバム『WAR(闘)』、続くアルバム『焔』がイギリスで1位となるものの、アメリカでは人気に火がつくのがもう少し遅く、1987年の『ヨシュア・ツリー』で初めてアルバム・チャート1位を獲得。シングル・チャートにおいても初の全米1位となったのは、同アルバムからの「ウィズ・オア・ウィズアウト・ユー」でした。「ウィズ・オア~」に続くこのシングル曲で、世界的な人気が確固たるものとなります。オリジナルの演奏をどうぞ。ボノの熱いヴォーカルに安定した演奏(特に粘りとうねりの効いたギターの絡み具合が好きです)は当時も今も健在です。比較的最近のライヴの様子ということで、大物同士の共演映像をご覧ください。ボノがブルース・スプリングスティーンと一緒に熱唱している「終わりなき旅」。後半の掛け合いはベテラン同士で、ファンにとってはなかなか感動かと思います。場所はニューヨークはマジソン・スクエア・ガーデンでのライヴ映像です。余談ながら、前回記事のペット・ショップ・ボーイズはU2の曲をダンス調にアレンジして、当時のU2と犬猿の仲となったというエピソードがあったりします(とはいえ、後にU2がシンセやハウスを取り入れたところで和解しています)。次のブログのランキングサイトに参加しています。Pepper)によるちょっと変わったナンバーです。1982年はセロニアス・モンク、ソニー・スティットに加え、アート・ペッパーと、大物ジャズ奏者が相次いで亡くなった年でした。)、麻薬中毒によるブランク、50歳代半ばでの死と波乱万丈の人生でした。彼が亡くなる前月(5月)と前々月(4月)にはジョージ・ケイブルスとの録音が行なわれていましたが、これらが遺作となってしまいました。お聴きいただいてすぐわかるように、いわゆる「家路」あるいは「遠き山に日は落ちて」、すなわちドヴォルザークの「新世界より」です。Home”としては1922年に発表されているそうです。今回は一気にジャンルを超えて、もう一つ、本田美奈子によるこの曲をご覧いただこうと思います。21世紀に入り、クラシックとのクロスオーバーに取り組んでいましたが、2005年、急性白血病により38歳の早すぎる生涯を閉じることになりました。彼女の生前最後のシングルとなった「新世界」をどうぞ。下記のランキングサイトに参加しています。ほんの数回でボブ・ディランの有名曲を網羅することもできませんし、個人的に好きな曲をもれなく取り上げることもできません。いって長々と続けるわけにもいかないので、ひとまずはこの5回目で、“ノーベル賞記念”のボブ・ディラン特集、一区切りにしたいと思います。A-Changin’)」です。1964年リリースですから、現在から見ると、既に半世紀以上が経過しています。半世紀の間に何がどう変わったのか。本当に“時代は移り変わった”わけで、“若者の代弁者”や“プロテスト・ソングの歌い手”であったディランが“文学”として表彰されるなど、50年前には誰も思いつかなかったことでしょう。次の映像も、時の移り変わりを感じさせるものではないかと思います。2010年、米ホワイトハウスでの演奏シーンです。今回は早い時期の曲や有名曲にわりと傾いてしまいました。そのうちにまた、他の曲を取り上げる機会も作りたいと思っています。下記のランキングサイトに参加しています。ジャンルを問わず、表題を見て“何だこれは?”的なアルバムに出会うことがある。本盤の表題の“37分48秒”っていうのも、下手すると何かのスポーツのタイムかと思わされてしまう。プロレスで“37分48秒、フォール勝ち”とか...(笑)。作った当時はレコードというフォーマットが将来変わるとは思わなかったろうからやむを得ないのだろうけれど、CD化されたら収録時間が微妙にずれてしまった(もはや苦笑するしかない)。結果、筆者の手持ちにあるCDの収録時間は39分2秒。安直な表題は止めておくべきだったというべきか...(笑)。それはともかく、このアルバムは、ソニー・スティットのキャリアの中で特によかったと評されることの多い1950年代後半のアルトのワンホーン盤の一つである。一言で印象を述べるならば、スティットは爽快に“歌っている”。自作曲の3.「ウィンディ・ライド」なんかはその典型例の一つだろう。表題の如く、風に乗って軽快に“歌”を奏でている。安定したトリオ(特にドロ・コッカーのこの軽快に流れるような感じを作り出せるところが筆者的は好み)をバックに実に気持ちよく吹いている。このような観点に立つともはや捨て曲なしの好演奏が並ぶ、これぞ“お手本”的なアルト演奏だと言っていいように思う。上の3.も含めて特定の曲がどうこうというのも何なのだけれど、やはりこれはという曲いくつかには一応触れておきたい。1.「ビコーズ・オブ・ユー」は冒頭にふさわしい、落ち着きを持ちつつも軽やかさが如実に出た演奏。4.「バット・ノット・フォー・ミー」の余裕いっぱいの軽快さも、7.「スウィート・ジョージア・ブラウン」のテンポにのったスピードある軽快さも、通底するのは上で述べたような歌心。最後を締めくくる曲がチャーリー・パーカーの9.「スクラップル・フロム・ジ・アップル」というのもなかなか気が利いている。(ds)1956年末(1957年1月?)録音。下記のランキングサイトに参加しています。正月三が日も終わり、今日から本格始動という方も多いのではないでしょうか。そこで、年頭の動きはじめに元気の出そうなナンバーをいくつか取り上げたいと思います。Pepper)初期の『サーフ・ライド』に収められた演奏が印象深い、「ティックル・トウ」です。Stitt)による有名曲「ウォーキン」です。この人はアルトとテナーの二刀流ですが、どちらを手にしてもこのスティット節というのがわかりやすく出る傾向にあります。この「ウォーキン」もまた、彼ならではの軽快な演奏が新年の始動にふさわしいかと思い取り上げる次第です。1970年代になって吹き込まれた『ザ・チャンプ』に収録されています。新年ジャズ・ナンバー、前半(今回)に続き後半までお届けしてから通常の更新に戻る予定です。下記ランキングに参加しています。Collins)はイギリス出身のアーティストで、ジェネシスの中心メンバーの一人。70年代プログレ・バンドとしての地位を確立したジェネシスは80年代にはよりポップになっていくが、ピーター・ガブリエル脱退後のジェネシスの方向性はヴォーカルも担当するようになったフィル・コリンズに負う部分が多い。ちなみに、その後は1996年にジェネシスを脱退、2006年にジェネシスを再結成するも、2008年に表舞台から引退を表明した。ジェネシスでの活動と平行して、フィル・コリンズは80年代にソロ活動も展開し、数々のヒット曲を残した。Paradise)」で、1989年末にリリースされ、翌90年にグラミー賞(最優秀レコード)を受賞した。元プログレ・バンドだったジェネシスがポップに走り、ピーター・ガブリエル脱退後の中心人物となったフィル・コリンズがソロとしてもポップ・アーティストとしての道を驀進していった時、古くからのファンの中にはがっかりした人もいただろう。彼がやりたかった音楽性がこの路線であるとすれば、ガブリエル脱退というジェネシスでの変化は、彼自身にとってはいい方向に働いたと言えるような気がする。おかげで、私たちは、ソロ・アーティストとしてのフィル・コリンズを"発見"し、その上、「アナザー・デイ・イン・パラダイス」という最高のバラードにもめぐり合えることになったのだから。落ち着いて聴いてみればわかるように、「アナザー・デイ・イン・パラダイス」という曲は、シンプルであるがゆえに美しいバラードとして成立しているように思う。それでいて、詞はストーリー・テリングの手法が見事に功を奏し、物語を紡ぐように淡々と歌われる。加えて、デビッド・クロスビーがバック・ヴォーカルとして参加している。私はなぜかこの曲を聴くと"慈悲"という単語が頭に浮かんでくる。詩の中で歌われている街角の光景、"彼女"の行き場のなさから連想させられるのかもしれない。80年代半ばからダンスでポップなソロのキャリアを積んできたフィル・コリンズがバラードでも素晴らしい歌い手であることを証明した1曲である。Petrucciani)は、フランス出身のジャズ・ピアニストで、先天性の生涯を克服して歴史に名を残す奏者となり、1999年に36歳で亡くなっています。1980年代初頭から活躍しその名を知られるようになりましたが、筆者が初めてペトルチアーニの作品を聴いたのは、それよりもずっと後でした。したタッチで始まり、鍵盤楽器らしいピアノを聴かせるかと思いきや、のってくると打楽器的な要素を含む激しいピアノタッチへと変わっていく...。この表現力は、一聴でノックアウトものです。もって、これがライヴ演奏だとどうなるのか。その質の高さは目をみはるばかりなのです。以下は、1992年のライヴ演奏の様子です。ベースがエレキなのが少々残念ではあるのですが、まさしく文句のつけようのない好演です。聴いた作品が『ミュージック』というのもよかったのでしょう(最初にどの盤を聴くかは偶発性もあるので、個人的には、ペトルチアーニ作品とのいい出会いを偶然体験できたというわけです)。冒頭がこの曲で、ペトルチアーニの天才度がよく示された、そして個人的に思い入れのあるナンバーであるといったところです。次のブログのランキングサイトに参加しています。1年ぶりの80年代の名曲シリーズです。なんだかんだいって、もう8回目なのですが、今とは違って私自身もヒットチャートに敏感だった時期ということもあり、ついつい思い入れのある曲も多く、懲りずに第8シーズンに突入です。Lennon)のアルバム『ダブル・ファンタジー』に収録されたナンバーです。同盤の発売後まもなくしてジョンは凶弾に倒れ、年が明けた1981年1月(つまりは死後)にシングル・カットされたのが、この「ウーマン(Woman)」でした。全英1位、全米2位を獲得しました。この曲のカバーで面白いものはないかなといろんな動画を検索していたら、こんなものを見つけ、興味をひかれました。ジョンの生誕75周年記念のライヴ(2015年)から、“ラテンの貴公子”ことコロンビア出身のシンガーであるフアネス(Juanes)によるカバーです。気まぐれ80sの第8シーズン、全10回の予定ですので、お付き合いいただけるとさいわいです。以下のブログランキングに参加しています。“ぽち”応援よろしくお願いします。