山形ビエンナーレ2018」|美術手帖Sorry...本サイトではJavaScriptを使用しています。ご使用のブラウザの環境設定においてJavaScriptをオン(有効)にされていない場合には、本サイトを閲覧いただけません。ブラウザを変えて再度訪れていただくか、ブラウザの環境設定にてJavaScriptを有効にして読み込みをお願いいたします。この芸術祭では、東北の暮らしと地域文化への深い洞察をベースに、現在の山形のあり様を表した作品を展示するとともに、山形の過去と未来に光を当てる創造的なアイデアや協働を「山のように」生み出す芸術祭を目指してきた。小金沢智がレビューする。山形ビエンナーレ」(以下、山形ビエンナーレ)が、今年で第3回を迎えた。芸術監督を第1回から一貫して担っているのは、山形県出身の絵本作家/アーティストの荒井良二。絵本の制作をキャリアの出発点としながら、ライブペインティングやバンドなど多岐にわたる活動を展開する荒井が、毎回自ら作品を出品しつつ、小説家のいしいしんじとの絵と小説のコラボレーションなども行っているという点に、この芸術祭の特質が象徴的に表れているとひとまず言っていい。山形ビエンナーレは、(絵本が必ずしも子供だけを対象にしたものではないことを承知のうえで、なお言うならば、絵本がそうであるように)対象は子供から大人まで、そして(荒井がそうであるように)芸術の諸ジャンルの混淆した芸術祭が目指されている、と。)が、「(山形ビエンナーレは)みんなで芸術のお祭をつくってみる壮大なワークショップのようなもの」(*1)という荒井の言葉を挙げている点に、この芸術祭のもうひとつの特質が表れている。いう美術大学が主催で行う芸術祭をどのようにつくることができるのか、ということに、宮本がいかに心を砕いているかをうかがわせるものだ。「壮大なワークショップ」である山形ビエンナーレは、開催の都度異なるディレクターを据え、現在の美術の文脈に基づいたテーマを設定する、ビエンナーレやトリエンナーレらしい手法をとらない。先に述べた通り芸術監督は荒井良二が第1回から第3回まで連続して務め、テーマは、第1回「山をひらく」(2014)、第2回「山は語る」(2016)、そして第3回「山のヨーナ」(2018)と、山形という地勢を考えれば看過できない「山」という存在を起点にしてゆるやかに連続し、展開している。して、山だけではなく、山形という土地全体やそこに住む人々、生まれる文化(美術・芸術だけに限らない)——を積極的に拓いていこうとしている。イラストレーター、グラフィックデザイナー、ミュージシャン、ダンサー、ファッションブランドなどじつに幅広く、その多くがこの場所だからこその作品を制作・展示する。projectなど、1度だけではなく複数回参加している作家が多いことも特徴か。山姥市での市プロジェクト「山の手仕事」(「山形ビエンナーレ2016」)でのイベント風景そしてその作品が展示される会場は、第1回から、山形文翔館という山形市街地の歴史的建造物を中心にしながらも、近隣の写真館や和食店なども使用され、第2回では「市プロジェクト」なる市街地における「市場」(マーケット)も企画され、閉じられた空間ではなく、市街地に拓いていくことが積極的に行われている。日時限定的な催しであったものの、市プロジェクトで有志市民や若い作家たちが作品を展示・販売し、またこれを機にコレクティブが生まれ(「山形芸術界隈」)、屋外でトークイベントが行われるなどするさまは、地域社会と積極的に関係を結ぼうと試みる芸術祭として新しいアイデアを伴うものである。した山形ビエンナーレの地域社会への拓かれ方は、主催する東北芸術工科大学が掲げる「東北ルネサンス」という、「地域社会と共生しながら、地域の歴史や文化に育まれた精神と叡知を理解し、新しい世界観の創生へと結集させて次世代に手渡す、その決意」を意図するスローガン、そして、「人類の良心による芸術と工学の運用によって、社会に貢献する人材を輩出する」という教育目的のひとつの実践であると考えるべきだろう(*2)。撮影=志鎌康平2011年の東日本大震災から3年を経て開催された山形ビエンナーレは、「美術大学が、アートやデザインが、この社会に役立てることはなにか?」(*3)という問いとともに、アート・デザイン、そしてそれらを表現手段とするアーティストや同大の学生たちと「地域」「社会」との回路をつなげるかのようにして、その回数を重ねてきたのである。目指されているのはさながら、アート・デザインによる共生への誘いであると言ってもいいかもしれない。このような共生への志向を思わせる芸術祭のありようは、山形ビエンナーレにかぎらず、アート・デザインによるその是非についての問いもまた生み出すものだ。極論するならば大戦時の諸芸術がジャンルを問わずその危険をはらんでいたことに顕著に現れているように、アート・デザインは、享受する人々を良きにつけ悪きにつけ、造形やメッセージ、または「美」によって扇動する大きな力を持つ。その危うさに対して、山形ビエンナーレの内部から議論が引き出されるかのようにして、いままでにない見え方が生まれたのが、今回の第3回展と言えるのではないか。第1回、第2回でも会場となりながら、展示のボリュームとしてはあくまで市街地のサテライト的な位置づけのように感じられた東北芸術工科大学の校舎の展示がそれである。「ラボラトリー」「インキュベーション」「コンテンポラリー」「コラボレーション」「アーツ&クラフツ」の5つのゾーンに分けられた大学敷地内に100の作品が展示された。いや、元々敷地内に住む猫や、茂る竹林が100のうちに数えられているなど、作品というよりやはりそこにある「物語」が100あると言ったほうが適切かもしれない。コースの教授を務める三瀬夏之介と、同大出身の宮本晶朗。その三瀬自身の作家活動における関心が美術史及び文化財マネージメントを専門とする宮本とタッグを組むことによって、キュレーションというかたちで発露した稀有な機会だった。「修復は可能か?−地域・地方・日本−」というサブタイトルが付けられた「現代山形考」は、市街地の展示全体で浮かび上がる「わたし(たち)」とこの土地の「なにか」とのつながりというよりも、「わたし(たち)」とこの土地の「なにか」の切断を見せつけることから始まる。「共生」できていない(ように見える)ものが、そこにある。センターに所属する井戸博章が、まさしくその場でなにかを修復しようとしているさまである。そこには、素人目には「作品」とも「文化財」とも判断が難しい「もの」がある。して判断するための材料がない。