)では、音楽や文化について情報発信するために必要なスキルや考え方を学びます。資料調査や取材のやり方、記事の書き方などを練習した上で、チームに分かれてフリーペーパーやウェブサイトの制作に取り組みました。この実習では2014年10月15日にミュージシャンのtofubeatsさんをゲスト講師に迎え、インタビュー形式でお話を伺いました。2時間以上に及んだインタビュー録音を素材として、学生一人ひとりが各自の関心にもとづいて発言を編集し、画像やリンクも含むブログ記事を作成しました。提出された記事から、テーマの異なる4本を選んで掲載します。話し言葉をウェブの読み物へと作り変える工夫にも注目して読み比べてみてください。〜tofubeatsのJ-POPへの挑戦〜2013年春に大学を卒業したばかりの若き音楽プロデューサー、tofubeatsさん。歌手やDJなど若くして幅広く活躍されている彼にインタビューをしました。その魅力に迫ります!「ディスコの神様」はJ-POPのソングライティングを勉強して実践するのが1つのテーマだった――個々の曲についてお伺いします。メジャーでやるにあったっては、CDが売れなければ結構マジな話クビになってしまいます。自分がJ-POPも実際に好きだけど、作れなかったんですよね。メジャーデビューが勉強するいいキッカケになりました。今回「ディスコの神様」は出音とか、ミックスダウンとかも込みですごいJ-POPをつくろうと思いました。「ディスコの神様」は本当にJ-POPのソングライティングを勉強して実践するっていうのが一つのテーマでした。ミックスのバランスとかもこの曲だけ過剰にJ-POPなんですよね。この「ディスコの神様」という曲に関してはそういうところとかはすごい意識しましたね。――それまでに人気のあった歌ものの曲「水星」と比べても、根本から明らかに作りが違いますよね。「ディスコの神様」にはプログレッションがあります。転調もあってコード進行がちゃんとしてるんですよね。Music」を作って、ちゃんとプログレッションするものを作ろう、進行があるものを作ろうっていうのが、セカンドシングル(「ディスコの神様」)を作る時にもありました。藤井隆さんとやろうと初めに思った時は、本当はしみったれた曲をやろうと思ったんですよ。藤井さんがそういうのが好きで。吉本興業に菓子折りもって挨拶行って藤井さんとお会いして、一緒に曲やらしてくださいって言った時に、あまりの天真爛漫、って言ったら失礼かな、こう明るい感じに、この人に明るい曲を渡さなきゃ駄目だと思いました。そこからJ-POPにしようって決めて、プログレッションとかもしっかりある曲を作っていったって感じですね。この曲に関してはオケが結構最初にできて、歌詞を作るのに1ヶ月ぐらいかかりました。いう曲もあるだろうなと。Honey!」)とかもそうだし、J-POPの仕事はJ-POPの仕事で受けれるようにっていう感じですね。Recordsの頃はサンプリングでしか曲を作れなかったけど、デビューする直前ぐらいからリミックスの仕事でサンプリングしないでも曲が作れるようになりました、デビューして今度はJ-POPが書けるようになりました、みたいな感じで自分の成長譚みたいなところも普通にあって。そこら辺は(履修している学生の)皆さんと一緒で、パラパラとかも勉強してできるようになりました。そこは全然普通の人と変わらなくて、練習して上手くなるみたいな感じですね。いや、それと結構一緒だと思いますね。J-POPに関しては参照するものが多いので勉強しやすいですよね。チュートリアルを見る、本を買ってみるとかですね。プログレッションに関しては普通に本を買いましたね。――じゃあ、教科書に書いてあるようなコード進行を実際に鳴らしてみたり。鳴らしてみたり、自分の曲のハーモナイズをしてみたりとか、結構ベタなことです。ビートの勉強はマネしてみるか、楽譜に書くのが一番いいですけど。パターンを捉えてからグルーヴを後で。ピアノロールとかに、まずピッタリのグリッドで打ち込んでみると、同じにならない。なんで同じにならないのかを後から調べていくっていうことですね。どこがどうズレているのかとか。リズムに関しては多分人よりもやっている自信があって、特にハイハットとかはすごい研究しているので、そこら辺とかはしっかりやっていますね。――感覚的に、例えばパッドを叩いて鳴らすような人もいると思うのですが、それよりは割と構造から入るということなのですね。パッドを適当に鳴らしてみた後に、そこをどう直していくかということが一番大事なんですよね。最初はもちろん感覚的に作るんですけど。たとえるなら曲作りをするというのは、積み木ではなく、木から仏像みたいなのを切り出していく、熊を掘るみたいな方に近いですね。全体像をざっくり作ってから、ディテールを詰めていくっていう方が近いと思ってて。Aメロ→Bメロ→サビという流れとかをざっくり作った後に、例えば細かいフィルだったりとか、コード進行のちょっとした変更だったりとか、最後の転調足してみるとか、リズムパターンを変えてみる、ドラムを差し替える、ベースを生にしてみる、ハードのシンセにしてみるとか。いうところが結構大事なんじゃないかなって僕は思ってますね。――もともとリミックスワークでかなり活躍されていたのがJ-POPに向かう最初の展開でしたが、その頃はまず素材があるわけですよね。それ自体がすでに完成品としてあるような。いう頃の感覚とはまた違うのですか。そこから制作の手法を学んでいったっていうのも多いかもしれないですね。完成されたJ-POPのデータがパラで届いて、そこから声だけ抜き出して、いかに自分の曲っぽくするかっていう。原曲を尊重しつつ、どういう風にするかみたいなところがあったので。リミックスとかは結構そういうのがありますよね。――その辺りは根本的に同じ風に捉えられているのかもしれないですけれども、実際メジャーデビュー前はリミックスワークが非常にたくさんあって。大学時代はリミックスで飯を食べていたと言っても過言ではないくらい。J-POPの曲を作るのはクラブミュージックの10倍しんどい!――リミックスだけのアルバムももう作られているくらいですからね。今ではもう明らかに、「曲を書ける人」として今後評価されてくるだろうなと思います。すると曲を提供するとかいうような話もあり得ると思うのですが、そういうことへの関心はどれくらいあるのですか。