viewsシェアする世界的に日々進化し続けるラージアンサンブル・シーン。Labもそれらに負けないほど独創的で印象的なバンドだ。人力ミニマル楽団・東京塩麹のメンバーを始め、ジャズやクラシック、ポピュラー音楽の分野で活躍する若手演奏者を集め、バスーン、マーチングバリトン、オペラ歌手など一般的なビッグバンドにはあまり見られない多彩な響きを貪欲に取り入れている。楽曲はジャズをベースに格調高いソナタ形式や変拍子、12音技法、図形楽譜などを取り入れつつも、サウンドは郷愁や悲哀、優しさにあふれ、ユーモラスなセンスも光る。いう言い方が正しいか分からないが、作曲者の人柄が偽りなく反映されているような気がした。今回は、そんなリバウォート・ラボのリーダー/作曲家で、8月31日に渋谷・公園通りクラシックスでのライヴを控える友金直人さんに話を聞いた。◆昔からジャズやクラシックの演奏をしたり、作品を聴いたりしていたんですか?ピアノは家にあったものをちょくちょく触ってましたが、特にレッスンをしたことはなかったです。練習を始めたのは大学のビッグバンドサークルに入ってからですね。音楽は父親の持っている歌謡曲やポップスが好きで聴いていました。サザンオールスターズや小田和正など。それが僕のメロディの源流になっているのは最近よく感じます。大学のサークルではミシェル・ペトルチアーニが好きになり、彼の曲をずっと演奏していました。シンプルだけど心に入ってくるメロディは、歌謡曲と同じく自分の根本にあります。スティーヴ・ガットとのトリオが好きで、『ライブ・アット・ブルーノート東京』がお気に入りのアルバム。クラシックは大学卒業後、作曲をするようになってからきちんと聴くようになりました。武満徹やストラヴィンスキー、ジャズ作曲家のギル・エヴァンスなどです。◆クラシックではどんな作品に影響されましたか?絶対に聴いてほしいのは武満徹ですね。これはもうほんとに影響された人なんで。有名な『ノヴェンバー・ステップス』よりは、『鳥は星型の庭に降りる』、『虹へ向かってパルマ』の2曲を聴いてほしいです。この作品ではマリア・シュナイダーの作品でも歌っているドーン・アップショウが参加してます。それとヴィトルト・ルトスワフスキの『管弦楽のための協奏曲』、『チェロ協奏曲』にも影響を受けています。あとはシェーンベルクだったりメシアンだったり。メシアンはキャッチーな『トゥーランガリーヤ』と最高傑作である『峡谷から星たちへ』が好きです。◆今まで師事した方からはどのようなことを学んだんですか。大学卒業後は愛知県に就職して、仕事のかたわらピアニストの水野修平さんのレッスンを受けました。彼には「ビバップを聴け」と何度も言われました。2011年に東京に出てからは国立音楽院に入学して、三木俊夫さんとトム・ピアソンに師事しました。三木さんにはバップの理論を教えてもらい、ここでバリー・ハリスのメソッドを勉強しました。トム・ピアソンには作曲を教えてもらい、最初の授業でいきなり12音技法で作曲しろなんて言われました。トムの授業では毎週楽曲を作るよう言われました。「今週はソナタ形式を作れ」「ビッグバンドの曲を作れ」「クラシックのオーケストラ曲を作れ」...と。グレードアップしていって。2年経って彼のレッスンを卒業する時に、「自分でビッグバンドを作って運営しろ」と言われて結成したのが今のビッグバンド、リバウォート・ラボです。◆卒業してバンドの活動を軌道に乗せるまではどんなことをやっていたんですか卒業後はピアニストとして都内で演奏活動しながら、作曲をしていました。現代ジャズのアンサンブルを意識し始めたのは、バンドメンバーにもOB・OGが多い慶應ライトから作曲を依頼されたことがきっかけ。それまでは現代音楽を取り入れつつもストレートアヘッドな曲も混じっていましたが、この時を境に現代的なジャズアンサンブルを書き始めました。Ahead』(1957年)あたりのギル・エヴァンスを意識しています。バスーンが入っているのは、ストラヴィンスキーの『春の祭典』の影響ですね。Metaphors』(Bandcamp)◆それから作曲とライブを重ねていって、2018年に1stをリリースしたわけですね。収録曲について解説してもらっていいですか。“軍島C”はテーマのモチーフ(主題)をひたすら繰り返す作品です。複雑に聞こえるかもしれませんがテーマや低音の対旋律を繰り返しているだけの意外とシンプルな曲です。この曲はメロディや転調、盛り上げ方の点でヒンデミットの『四つの気質』に影響を受けています。ヒンデミットのメロディは途中でガラッと転調するように聴こえるものが多く、それが好きで僕の他の曲でも使っています。主題を繰り返すシンプルなコンセプトも『四つの気質』と一緒です。Changeable』(2014年)のタイトル曲から着想を得ました。この曲のリズムが1.5拍取りで、それがやりたかったんですよね。この曲は「月からの手紙」という僕が考えたオリジナルの物語のテーマ曲です。この物語のために書いた曲が場面ごとにいくつかあって、セカンドアルバムはそれらを全てやるのが目標です。Babylon』のような物語を映像込みで表現する映画音楽のようなものを目指しています。“12Tone”はシェーンベルクの12音技法を元にしています。彼が無調音楽をやり始めたばかりの『月に憑かれたピエロ』の時期に。12音技法的なアプローチだけだと音楽的に聴こえないことが多いので、要所要所にジャズの半音階的なコード進行、親しみやすいメロディやテーマを取り入れています。「12音技法」という名前がつけられて体系化する以前の、割と直感的な形で無調音楽を作っていた時期ですよね。この時期のものは後々よりも聴きやすいのは確かだと思います。技法的には『月に憑かれたピエロ』も確かに12音技法の香りがしますし、十分精密に作られていると思いますよ。12音技法はオクターブ内の12個の音を1個づつ使った音列を作り、それを用いて一般的な調性感から外れた曲を作るために考えられたものです。シェーンベルクの戦前の曲は、その音列同士の「つなげ方」が感覚的か、システマチックかどうかという意味では、直感的と言えるかも。『月に憑かれたピエロ』でも技法的には使ってはいけないにも関わらず同じ音の繰り返しが出てきて、後々の作曲家が見たら調性音楽に聴こえるくだりもあるので。あとシェーンベルクの話で思い出したんですが、バリー・ハリスが「自分の音楽の根底にあるのはシェーンベルクだ」と言っていました。彼は伝統的なバップの指導者というイメージですが、実際のハリスの音楽は独特で非常に難しいんです。ワークショップでもシェーンベルクの話をしているんですよ*1。Weeps”は普通のバラードです。Blue”みたいにもうちょっと演奏者に弱音を意識させたほうがよかったかな。「マリアに似ている」と言われたくないですが(笑)。全曲そうですが、盛り上がりで金管の音を強調しない、ビッグバンドの定石に反したアレンジをしました。高音域はトランペットに担当させず、木管の高音楽器(フルート、ソプラノサックス、クラリネット)に担当させました。低音域はチューバ、バスーン、テナーサックス、トロンボーンにやってもらい、金管的な響きを避けています。した透明感があってなめらかな響きは弦楽、ストリングスを意識してます。これは結成当初から考えていたことで。トランペットを強調したアレンジはモダン時代のビッグバンドだけでなく、マリア以降の現代ビッグバンドでも割とありますが、自分はそれとは違ったサウンドを目指しているつもりです。Dahlia』(2001年)。結成時好きだった弦入り作品はこの2つですね。弦入り以外では間違いなくエリントンの『女王組曲』(1976年)。その中でも1曲目がめちゃめちゃ好きです。mv.1”は4楽章からなる古典的な交響曲の1楽章目で、ソナタ形式で書かれています。他の3曲はまだ書いてませんが。◆いきなり素人っぽい質問で恐縮ですけど、クラシックを長く聴いている人はソナタ形式*2のどのような部分に注目して聴いているんですか?ソナタ形式を聴く時のルールやお約束ってあるんでしょうか。ソナタ形式で書く理由は、リスナーに主題を覚えてもらうためです。作曲家が「自分の考えた素晴らしい主題をリスナーの心に訴えるためには、どうやって書いたら良いのか?」といって考え出されたのがソナタ形式。聴く人によってはこれが主題で、ここが展開部だなってすぐに分かると思います。バッハやモーツァルトなど昔のものは特に。分からない人はサウンドを聴いてもらって、分かる人は聴き終わった後に「この主題良かったね」ってなってもらえれば、作曲者的には大満足なんじゃないでしょうか。Metaphors”は、今まで学んできた作曲の展開のやり方を1回まとめ直そうと思った作品です。メロディの展開の仕方、楽曲の展開の仕方を。その展開の仕方を、楽章が進むにつれてどんどん複雑になるように書きました。このアルバムに収録されている第1楽章が一番簡単で、第2楽章はちょっとむずかしくて、第3楽章はめちゃめちゃ難しくて、第4楽章はだれが聴いてもわからないようにしようと思ってます。