金沢の焼き物と言えば、山水や花鳥などを大胆に色彩豊かに表現した重厚で絢爛な「九谷焼」が知られています。「九谷五彩(くたにごさい)」と言われる5色の絵の具を厚く盛り上げて塗る「上絵付け」が特徴的で、有田焼と並ぶ日本を代表する色絵陶磁器です。石川県能美市にある「九谷青窯(くたにせいよう)」。従来の九谷焼に馴染みのなかった層まで広まり、多くの人を惹きつけています。九谷青窯の魅力の秘密を知りたいと、工房にお邪魔してきました。九谷青窯のこと1.九谷青窯の陶工さんのこと九谷青窯を訪れてまず驚くのは、陶工さんの年齢層。十数名いる陶工さんは20代~30代が中心という若さ。入社後すぐでも自分でデザイン・成形・絵付けまで一貫して行うこともあるのだとか。次に驚くのが、色絵を本格的にはじめたのは九谷青窯に来てからという人が多いこと。自分の器を一からつくれるという九谷青窯の独自のスタイル。そんな若き陶工さんたちが、九谷青窯で何を学び、どのように自分の作風や個性を模索しながら、作陶しているのか。土を練って、ろくろを回して、絵付けをして、という具体的に手を動かすところだけでなく、その前の段階で、どのようなひらめきを得て、迷って、考えて器をうみだしているのか。cotogotoでおなじみの6人の陶工さんにお話を伺いました。入荷するとすぐに売切れてしまう人気の器「色絵花繋ぎ」のつくり手・徳永遊心さん。花や果物など、可愛らしい模様と瑞々しい色使いには、全国に多くのファンがいます。徳永さんの器が多くの人々に愛される、その秘密はなんなのでしょうか。上から、5寸、6寸、7寸、8寸。九谷青窯に入るまでは、呉須(ごす)という藍青色の顔料のみで描く「染付」ばかりだったと言う徳永さん。現在、徳永さんの代表作となった「色絵花繋ぎ」でした。この器に盛るとなんだか素敵に見える魔法のような器。常に多くの人が再入荷を待ちわびるほど。成型して素焼きした後、下絵用の顔料で模様を描きます。花模様と言っても、どことなく落ち着いた雰囲気。微笑んでいるような、大らかさを感じます。「東欧の民族衣装のブラウスやスカートの裾の刺繍の柄からイメージしたんです。素朴で、共通のあったかみみたいなものがあるような気がして惹かれます」。特別に、徳永さんのデザインノートを見せてもらいました。徳永さんのデザインノート。いろいろなスケッチが描き込まれていました。植物柄や幾何学模様など、実際に器になったら......?と、ひとつひとつ想像したくなるような素敵な図案がいっぱい。実際に山に行ってスケッチすることも多く、何冊もスケッチ帳ができるほど。家紋帳を見ながらモチーフの文様化の仕方を研究することもあるそうです。け継がれてきたものを参考にすることは、勉強になります。時間の中で洗練され残ってきたものに興味があるんです」。徳永さんの器たちが、多くの人に熱狂的に愛されるのかもしれません。下絵を付ける徳永さん。試作としてつくったものなど、机周りにはレアな柄もたくさん並んでいました。「夢は、何百年も後に、“その当時の暮らしの器”として自分の器が発掘されること」と笑う徳永さん。九谷青窯に入って、だんだんと目指す方向性が変わっていきました。『どんなものがつくりたいのか、どんなところで売りたいのか』ということを聞かれて驚いたんです」。入社すると今度は、好きにつくっていいと言われ、3ヵ月かけて1000個近くのサンプルを制作。商品として買い取ってもらえたのは、わずかに1〜2個。独特な方法で、どこに向かって器をつくればいいのか、つくり手としての考え方を叩き込まれたのです。焼くと縮むことを想定してかたちをつくっていきます。▶「色絵花繋ぎ」と並んで人気の「色絵みかん」シリーズの7寸鉢。素焼きしたところに下絵を描いた状態。「九谷青窯は、九谷焼きの中では超異端児なんだと思います。伝統的なデザインではないですし。伝統を守るという視点よりも、使う人の暮らしが変わっていく中で、その人がほしいと思うものはなんだろうという考え方から器をつくっているんです。数はどれくらい必要かということを考えてつくるようになりました。食と器を大切にするという伝統を守っていくことになると思っています」。各陶工自身がどこでどのように売りたいかを考え、売り手とも直接やりとりをします。その中で、人々に求められるデザインやいくつつくれば採算が取れるかなどの感覚も磨かれていくのです。「九谷青窯は、ここを出た後もずっと陶芸の道でやっていける人間を育てている“学校のような工房”という感じがします」と徳永さん。伝統工芸に関わろうと陶芸をはじめたときの、「手仕事のものを残していきたい」という想い。普段の暮らしの中で使える器をつくることを通して実現しようとしています。)大学から陶芸の道に入り、陶芸の職業訓練校、京都の窯元を経て九谷青窯に入社した高原真由美さん。作陶歴は長かったものの、絵付けをはじめたのは九谷青窯に来てから。自分らしさに納得するまで、いろいろな葛藤もあったようです。色絵でも色数を抑えたものが多いのが特徴的。「洋」の雰囲気も持つ九谷青窯の他の器に比べて、どことなく「和」を連想させる佇まい。九谷青窯に来て『古いものをちゃんと見てみたら?』と言われて。自分が好きだと思うもののルーツを探っていったらわかったことがありました。藍青色に発色する呉須で絵付けをした器に魅力を感じるんです。和洋問わず、古くからある組み合わせで、その色使いが、時代を経ても残っているのはどうしてなんだろう、ということを探っています」。「可愛らしい」と称されることが多い九谷青窯の他の器たちとは違った方向を模索する高原さん。実は九谷青窯に来るまでは、職業訓練校でも、その後入社した京都の窯元でもろくろによる成形を専門としていました。「最初は絵付けですごく苦労しました。九谷青窯らしい可愛らしさというのが出せなくて......。そんなときに、主宰の秦さんから『あんたの雰囲気でやればいいんだよ』と言われて。藍青色の顔料「呉須」の濃淡のみで表現。呉須を中心に、緑と黄色を差し色に。かたちが際立つ白磁の器。これだったら使えると思ってもらえばいいんだと思うようになったんです。九谷青窯では、ひとりひとりが自分らしさを探しながら、さまざまな作品を制作。九谷青窯では横に並んでいて、ちゃんとひとりひとりが作品についてきっちり考えている。時代の流れや、その中で変化する暮らしに合わせた器のアイデアが新鮮だったり、それぞれ持ち味が違うのを見ているとわくわくします」。入社年度に関わらず、皆が作家でありライバルという環境が、より自分らしさを見つけやすくしているのかもしれません。「売ることを考えてデザインしたり、自分の個性は何かを考えたり。いうことを早い段階で身につけられるのはすごく大切。そこがやっぱり九谷青窯の懐の深さというか、一番刺激を受けている部分です」。他の窯元も経験してきているからこそ、九谷青窯の魅力をより感じている高原さん。九谷青窯で作陶してきた8年の間に見つけた「シック」という自分らしさを、どんどん深めていこうとしています。)草花などをモチーフにした、可憐で軽やかな印象の器をつくる高祥吾さん。大学で建築を学んでから陶芸の道に入ったという、ちょっと異色の経歴を持っています。九谷青窯のユニークなやり方の中から自分なりのスタイルを探しています。左から「大」と「小」。大学で建築を学んだ後、陶芸の世界へ足を踏み入れた高祥吾さん。高さんのつくる器の佇まいが、なんだか折り目正しいからでしょうか。緻密な計算が必要な建築の世界を知るからこそ?と勝手な深読みをしてしまいたくなるのです。使っている色は控えめ。それがかえって植物の瑞々しさを引き立てています。繊細だけれど、のびやかな線。楽しんでつくっているのが伝わってくる高さんの器。「気持ちばかりが前のめりで力が入りすぎていた」のだとか。「頑張らなくていい」でした。「普通だったら、もっと頑張れと言われそうなのに......。学校とはぜんぜん違うんだと思いました」。はじめは力が入りすぎて1日50個が限度だったのが、今では1日100個ひけるとか。主宰の秦さんから、「~しなさい」ではなく、そっと方向性を示してくれる言葉かけがあったのだとか。根を詰めてしまう性格をすぐに見抜かれていたのです。ろくろによる成形が得意という高さん。手を添えるだけで、すうっとかたちができていきます。「九谷青窯でやっていくうちに、ろくろで丸皿をひくのが好きになりました」という返答。高さんがすっと手を添えるだけで、土が勝手にかたちを変えていくように見えるほど。その工程が好きと言うのもうなずける巧みさでした。高さんが目指すのは、ただキレイというだけではないそうです。「丁寧にキレイにと思いがちなので、もっと楽にできたらいいなと。キレイにしすぎないことが課題です」。端から見ると完成されているように見える美しいフォルムでも、彼の中ではゴールではない。今では周りの人がつくるものもよく見るようになり、そこから刺激を受けることも多いと言います。切磋琢磨する環境が、もっともっと、と自分らしさを深めていきたくさせるのです。「まだまだ方向性は定まっていないんですけど、いろいろやってみたいと思っています」。入社して5年目という三宅英雅さん。三宅さんも、九谷青窯ではじめて絵付けに出会ったひとり。どのように絵付けで新しいことに挑戦しているのでしょうか。点描による吾須の濃淡で花を表現した「点描丸花」。左が「4寸」、右が「6寸」。大学で陶芸を学んだと言っても、器ではなく、オブジェや彫刻を専攻していた三宅さん。九谷青窯に入ろうとした理由は、「新しいものに出会えそう」な予感から。三宅さんは常に、何か新しいことを生み出したいという気持ちが強いよう。呉須を使って点描(てんびょう)で図案を描いた「点描丸花」は、まさにそんな三宅さんならではの器。陶芸の伝統的な絵付けの技法というわけではないのです。「洋画の油絵の展覧会で点描画を見て、こういうやり方もあるんだなと思って」。太さの違う2種類の筆を使って、呉須の濃淡を生かした図案になっています。深さがあり、縁が広めのかたちは使いやすさ抜群。器のタイトルから興味を持ったのが、「カリフラワー」。「あまりカリフラワーのモチーフってないんじゃないかなと思って描いてみました。白くてふわふわした感じがかわいいかなって」と三宅さん。確かに珍しいモチーフ。意外としっくり器に合っていて、合わせる料理を選ばない抜群の使い勝手です。「使える器をつくり出す創造性」だったのだとか。それは皆が、常に売り手や使い手の目線から器をつくるようにしているから。「九谷青窯では、新作をつくるとき、どういう店に置きたいかというところから考えるんです。実際に店にも行きます」。使いやすく、すっと食卓にもなじむ器が出来上がるのです。「他の人がやったことがないこと」とは、オブジェや彫刻のような鑑賞するためのものをつくることではありません。日常使える、料理を盛る器をつくる。その中で、どれだけ挑戦できるのか。三宅さんの「新しいこと」探しは、まだまだ続いていきます。それが、三宅さんらしさをどんどん深めていくのです。型を使う「型打ち」という成形も、好きな工程のひとつ。米満麻子さんの描く絵付けは、ゆったりとして大らか。九谷青窯歴は、まだ3年と短めながら、すでに自分の個性をつかみつつある米満さん。そのスピードには、きちんと納得の理由がありました。一個の蕎麦猪口に、ぐるりと一回りで3種類の蝶が描かれています。