映画や本について、徒然なるままに書いているブログです。ハイテンション!藤原竜也さん主演の「カイジ」シリーズの9年ぶりの新作です。全2作についても楽しく鑑賞できたので、とても楽しみにしていました。監督も主演もそのままですので、作品のテイストも変わることがないのが嬉しいところです。主演の藤原竜也さんです。舞台出身ということもあり、演技はナチュラルというよりもオーバーなのが彼の特徴です。いうハイテンションな作品に藤原竜也さんは非常によく合いますね。顔を真っ赤にしてセリフを全力で吐き出すように話すところなどは彼らしさがすごく出ていました。彼のようなタイプの俳優さんは多くはないので、非常に貴重な方だと思います。カイジは彼のフィルモグラフィの中でもはまり役の一つだと思います。カイジの相手役となるのは、吉田鋼太郎さん。今までも香川照彦さん、伊勢谷友介さんが敵役となっていましたが、吉田鋼太郎さんがまた憎らしくて良いです。藤原竜也さんがハイテンションなので、敵役もやはりそれを受け止められるパワーが絶対に必要です。吉田鋼太郎さんはシェイクスピアの舞台などをやられていた空ですので、大仰な芝居(良い意味で)は得意とするところ。最終作での藤原竜也さんとの相手役としては申し分ありません。ラスボス的な役割として出てくるのは福士蒼汰さん。今まではあまりこのような悪役は演じられていなかったと思いますが、藤原さんに影響されてからなかなかなハイテンションであったと思います。描かれるのが非現実的な世界であるので、俳優陣のテンションが作品の全体に大きな影響を与えていると思います。このシリーズはそれがうまくできている。ストーリーとしては、前2作に比べると舞台装置としては大きかったものの、緊張感は少なかったようにも思います。人間秤のパートが長かったからでしょうか、カイジの仕掛けなどの種明かしが後半に集中したので、途中の緊張感がやや今までの作品に比べると薄いようにも感じました。胃が痛くなるような緊張感があった印象なのですよね。前作よりはドラマ部分が強化されているような感じがしました。それはそれで楽しめたので、映画としては全然成立していると思います。今までの作品のテンションを期待するとちょっと物足りなく感じるかもしれません。今年の最初の記事はこちら、「カツベン!」です。タイトルの「カツベン」とは「活弁」、すなわち「活動弁士」のこと。日本で映画が「活動写真」と呼ばれサイレントであった頃、それに活弁と呼ばれる弁士が状況やセリフを喋り、説明をしていました。映画そのものよりも、弁士その人のうまさや人気の方が劇場にとっては重要であったということです。欧米では活弁という職業はなく、無声映画にはバックにオーケストラがかかっていました。状況やセリフをいう活弁という日本独自の職業は、浄瑠璃などからくるナレーション文化の流れを汲むものと言われています。映画がトーキーになってしまえば、その役割は必要なくなってしまいます。活弁が活躍する時期は40年間程度でしょうか。私が本作で印象的であったのは永瀬正敏さんが演じる山岡秋声というキャラクターでした。山岡は主人公染谷俊太郎が憧れていた活弁でしたが、染谷が出会ったときは舞台に上がってもあまり喋らない弁士となっていました。彼は映画はそれ自体が語りたいことがあるから、活弁が好き放題に面白おかしく説明するのは良くないと考えるようになっていたのです。すると、彼は映画が自分自身を語り始める(すなわちトーキーになる)ことを予見していたのかもしれません。いえ、無声映画をイキイキとさせ、より人々を楽しめることができた活弁の役割を否定するものでもないと思います。映画のラストで、事件により多くのフィルムを消失させてしまった染谷たちは、残ったフィルムを繋げ合わせ劇場にかけます。残ったフィルムを繋げただけなので、そこにはストーリーなどはありません。辻褄の合わないフィルムを染谷は活写し、観客たちを魅了します。彼の喋りがただの寄せ集めのフィルムに生命を与えたかがごときでした。活弁とはいずれ消えていく仕事であったのかもしれません。映画自体が言いたいこととは異なることを話していたのかもしれません。映画が人々の楽しみとして普及していく過程において重要な役割を担ったということは確かであったのだろうと感じました。現在にも何人か活弁を生業としている方はいらっしゃるようですね。いつか、彼らの仕事を観てみたいとも思いました。通常の映画体験とは異なる体験ができそうです。新しい時代のスタートいつしか「平成仮面ライダー」と呼ばれるようになったシリーズを20年分総括した「仮面ライダージオウ」。元号が平成から令和となった今後は「令和仮面ライダー」と呼ばれることとなるであろうシリーズのトップバッターである「仮面ライダーゼロワン」は新たな時代を背負うことになる役割を担わなければなりません。これからも「仮面ライダー」というブランド、シリーズを続けていくためには失敗を許されないわけです。「ジオウ」はタイムトラベルという題材、また過去のライダーに様々な点で依拠するため、非常に複雑な設定・ストーリーだったためコアなファンにはディープに楽しめる点が多くありましたが、それによってそうではない人にとっては敷居が高いところがあったとも言えます。それに対して「ゼロワン」は「仮面ライダー」をまったく知らなくても入っていける分かりやすさ(設定面とエモーショナルな点)があると思います。劇中で豪華絢爛な風貌のグランドジオウとシンプルでソリッドなデザインのゼロワンが並び立つシーンがありましたが、これはまさにこの2作の作風の違いを表しているようにも思いました。「ジオウ」はタイムトラベルという設定により比較的なんでもありの展開が可能ですが、「ゼロワン」は基本的にAIテクノロジーが発達した現代というリアリスティックな世界観を持っているため「ジオウ」ほどの自由さは持っていないと思います。いう意味ではこの二つの作品は非常に食い合わせが悪いように思います。「ジオウ」に下手な絡ませ方をしてしまうと「ゼロワン」の世界観が途端にリアルさを失ってしまうような気がします。10年前の「ディケイド」と「W」に関しても同じような関係だと思いますが、あの時の冬映画は「ディケイド」編と「W」編が同時並行で進み、最後にストーリーが合流するという形式で食い合わせの悪さを巧みに回避していたと思います。ザ・ファースト・ジェネレーション」とあるようにストーリーとして「ゼロワン」が主体として展開していきます。新時代を築いていこうとするライダーを主役として据えるという意思を感じます。ジオウはタイムトラベルやアナザーライダーという設定を上手に使うために出ているサブの役割であると思いました。「ゼロワン」は新しい時代の始まりとなるための責任があると書きましたが、テレビシリーズを見る限り見応えのあるドラマを作っていると思います。「ディケイド」や「ジオウ」は作品自体がギミックのようなものでしたが、「ゼロワン」は基本はドラマを見せる作りになっています。AIという新しいテクノロジーに対して、様々な考え方をする人物が登場します。主人公である飛電或人はAIを全面的に肯定し人間のパートナーとして認めています。AIMSの不破はAIを人類の敵として認知し、また刃は人間の道具として捉えています。AIを自分のために利用しようとする人物も登場しました。彼らの価値観のぶつかりが一つのドラマとなります。AIを搭載した人型アドロイドであるヒューマギアはシンギュラリティをむかえ自我を得ることもあります。彼らは新しい生き物なのか、それとも敵なのか。彼ら自身がどう答えを出すかもドラマとなります。これはこの劇場版でも触れられていますよね。これら人間とヒューマギアが互いに相手を受け入れるのか、敵対するかというのは全編を通した大きなテーマです。思うとこのテーマは平成仮面ライダーの一つである「仮面ライダー555」における人間とオルフェノクの関係性にも似ていると思いました。人間ではあるが、人間とは異なる者としてなってしまったオルフェノク。見た目は人間のようですが、人間ではないヒューマギアと似ています。本作のラスト近辺で気になる台詞がありました。刃唯阿が不破に「私がヒューマギアになったらどうする?」と聞くのです。「ヒューマギアになる」というのが不思議な感じがしましたが、もしかすると人間のように生きていながら自分でも人間ではないヒューマギアというのも存在するかもしれないとも思ったのです。「555」では中盤で主人公が敵と同じオルフェノクであるという驚きの展開をしましたが、もしかすると主要登場人物の誰かがヒューマギアであったといううようなこともあるかもしれません。「ゼロワン」が色々と想像をさせてしまうストーリーの力を持っているというのは間違い無いかと思います。これからもテレビシリーズの方を期待してみていきたいと思います。人生も半ば過ぎまで生きてきて、それが子供の頃想像していた将来の姿と同じかと言われると全然違うものですよね。個人的にはそれはそれで悪くない人生であったと思ってるわけですが、こんなはずじゃなかったと思う人もいますよね。それでは、人生を改めてやり直すことができるのかというと、既にいろんなしがらみがあって、そのようなことは無理なわけです。本作は政治コメディの体裁ですが、政治の風刺というよりは、人生をやり直すことができたらということをテーマにしたファンタジーと言えるかもしれません。本当にファンタジーでない限りは失われた時を取り戻すわけにはいかないので、人生をやり直すというよりは、生き方をリセットするということを描いていると言えるでしょう。過ぎ去った時間は取り戻すことはできなくても、生き方を変えれば、その後の人生は別のものに変えることができるかもしれません。生き方を変えるというのもなかなかの至難の業。それまで生きてきて積み重ねてきたものが自分の中にも、自分の周囲の人々のなかにもあり、それが自分というものを作り上げているからです。自分の中はあるきっかけがあれば変えることができたとしても、しがらみがそうさせてくれない。本作の主人公である黒田は政権の支持率がかつてないほど低い、多くの国民に嫌われている内閣総理大臣です。国会や記者会見では暴言を吐く、強引な政権運営をする、汚職まがいなことを裏ではしている、そして不倫なども・・・。好きになるのが土台無理そうな悪徳政治家です。どこかの国にもいるような感じが致しますが。その首相が演説の最中に頭にくらってしまった石礫のおかげで、記憶喪失になってしまいます。子供の頃は別にして、政治家になった頃からの記憶がまったくない。それに伴ってか、何故か人格までがとってもいい人になってしまうのです。そんな彼が自分が嫌われ者であったときのことを知るにつけ、このままで政治を放っておいていけない、しがらみがなくなってしまったからこそ自分には失うものがないと様々な改革を実行していきます。<ここからネタバレがあります>よくよく考えると記憶喪失になることにより、悪人から善人に性格までが変わってしまうのはそもそもおかしい。ポイントは失った記憶が政治家になってから以降であったということです。いうことは、黒田はそもそもはいい人であったということなのですよね。いい人であったはずですが、政治の世界で生きていくため、性格が変わってしまったのか、それともそのような政治家を演じてきたのかはわかりませんが、石飛礫によって性格がもとのいい人に戻ったということなのですよね。実は彼は途中から記憶が戻っていましたが、記憶喪失のままでいようとそれを演じてきていたのです。このあたりは百戦錬磨の政治家らしい。夢を持って政治を志していたのにもかかわらず、いつしか生き抜くことが目的となり初志を忘れてしまっていたということに彼は気づいたのでしょう。記憶喪失になったことによって、皮肉にも忘れていた志を思い出したとも言えます。記憶喪失という苦難を自分が変わり、そして周囲もそれに納得してもらえる一世一代のチャンスにかけたのでしょう。この辺りも勝負師らしいです。本当の人生、そんなに生き方を変えられれるかという話にはなるとは思いますが、それはこの物語はやはりファンタジーなのだと思います。ハッピーな気分になれる。自分で自分の生き方を変えることは難しい。ほんとのほんとにやる気になれば、できるかもしれない。そんな希望を持たせてくれる映画のような気がしました。さらなる高みへチャレンジ!「キュウレンジャー」、「ルパンレンジャーVSパトレンジャー」とスーパー戦隊の定石を覆す作品が続いた後なので、「騎士竜戦隊リュウソウジャー」についてはスーパー戦隊シリーズの王道に回帰しているため、個人的には正直食い足りない感があります。いえそれは大人目線なので、子供目線からすると王道の「リュウソウジャー」は魅力的に見えるのかな?ですので劇場版については大きな期待はしていませんでした。劇場版といってもスーパー戦隊は正味30分程度なので、ストーリーもなかなか掘り下げるのは難しいですからね。見てみると、感心するところがいくつもありました。王道路線とは言いつつも、「リュウソウジャー」は新しい試みにチャレンジしています。その中でも最も大きなトライはいわゆる「巨大戦(もしくはロボ戦)」の変革でしょう。スーパー戦隊におけるロボ戦は、怪人態での戦いの後の2回戦というパターンが圧倒的に多いのはご存知の通り。本作における巨大戦は、怪人態がエネルギーを吸収して巨大化するという設定となっています。怪人態をやっつける決め技はないのです。子供たち的には見所が減ってしまう気もしなくもないのですが、その代わりロボ戦をしっかりと盛り上げるというコンセプトなのでしょう。本作のロボはいつものような箱を組み合わせているような形ではなく、着ぐるみもかなりスマートです。そのため通常のロボよりもかなりアクションができて、見せどころを作っています。劇場版でもロボ戦なのに屋外で撮影したシーンもあり、スピード感を感じさせるアクションの演出がありました。これは今までとは異なる見応えを感じました。これが一つ感心した点です。一つは本作は屋外でのロケをしっかりとやっているため、スケール感がありました。本作は恐竜の時代にタイムスリップをするという設定なので、CGとの恐竜との共演となりますが、これがこじんまりとしたシーンだとかえって安っぽさが出てしまいます。本作ではロケシーンで恐竜をCGで合成していかにも恐竜が地上で暮らしているかのように感じさせています。それもカメラを動かしたり、ドローンを使ったりしているので難易度は高いのではないかと想像されます。ハリウッドの大作ではとうに当たり前ではあるのですが、劇場版とはいえテレビシリーズの延長であるスーパー戦隊の映画でこのようなことにトライすることは、チャレンジだと感じました。お話としては子供でも見やすいものになっているとは思います(とはいえタイムスリップを題材にしているので、意外としっかりと考えてある)。子供向けとは言いながらも映像的には今までのスーパー戦隊よりも上を目指そうという意思を感じた作品となっていました。平成仮面ライダー20作目である「仮面ライダージオウ」には2つの最終回がある。現在放映されているテレビシリーズは来月末に最終回を迎えるが、こちらは「ジオウ」という物語の最終回と考えられる。それに対して、劇場版は「平成仮面ライダーの最終回」とポスターに書かれているように、20作を数える平成仮面ライダーシリーズを総括する作品となっている。そのため本作の視点にはテレビシリーズよりも、よりメタな平成仮面ライダーを俯瞰する視点が意識されている。そもそもテレビの「ジオウ」の1クールはメタ視点が強かったが、後半はそれは薄れ「ジオウ」そのものの物語を追っていくようになってきている。意味ではシリーズ後半の方が話は追いやすい。メタ視点での平成仮面ライダー総括に関しては劇場版で行おうとする制作サイドの精緻な計画があったのだろう。本作には敵として3人の仮面ライダーが登場することがアナウンスされていた。仮面ライダーバールクス(BARLCKXS)、ゾンジス(ZONJIS)、ザモナス(ZAMONAS)である。実はこの3人の仮面ライダーの名称は、過去のライダーのアナグラムとなっているということだ。RX」、「ZONJIS」は「SIN、ZO、J」、「ZAMONAS」は「AMAZONS」であるのだ。ここまでは事前情報で雑誌などから得ていた。「なぜ」他のライダーではなく、これらのライダーが取り上げられたのかはわからなかった。今回の劇場版を見て、なぜ制作サイドがこのライダーを取り上げたのかが理解できた。それはそのまま本作のテーマであったのだ。本作を見る前に私は「ジオウ」は平成ライダー20作の総括する作品であると認識していた。「ジオウ」は平成ライダーを「総括しない」ということをテーマとしていたのだった。現在「平成仮面ライダー」シリーズとして一括りにされて認識されているが、そもそも最初からシリーズ化を図って作られたものではない。制作サイドがシリーズとしてやっていけるとはっきりと自信を持ったのは第4作である「555」くらいからではないだろうか。ここまでの作品は「仮面ライダー」という枠組み、そして前作までの枠組みを常に壊すことによって、まさに番組として「生き残ろう」という意志を感じる作品であったと言える。その後の「ブレイド」「響鬼」「カブト」はある程度定着しつつあったシリーズを枠組みとして固定化しようとしたり、逆に外れてしまおうとしたりといった試みがされており、迷いの時期であったように思う。その後の「電王」の大ヒットで、シリーズとしての存在感をある程度固めたと言える。制作サイドはそれでもそれが永続的に続くかどうかの不安を持っており、そのために10年目に「ディケイド」という異端児を放った。「ディケイド」これは世界観もバラバラであった「クウガ」以降のシリーズを「平成仮面ライダー」シリーズというブランドにまとめ上げるプロジェクトであったと考える。これによりある種、未来にも続く「平成仮面ライダー」というブランドが確立した。第2期と言われる「W」以降の「平成仮面ライダー」は実は第1期と比べると、ある程度骨格のフォーマットがしっかりしていると思う。見た目のビジュアルや、題材などはかなりユニークなものを持ってきているのではあるが、骨格はしっかりとしているのでどの作品も安定した品質を保ててきていた。それがこのままそのフォーマットが固定化していくことへの危機感もあるように思う。故に20年目にして「平成仮面ライダー」とはなんだったのかと制作サイドは自らに問いたのだと思う。その答えは、私もこのブログで何度も書いてきたことではあるのであるが、常に革新であること、変えることを厭わないこと、それを続けていくことこそが平成の仮面ライダーであったのだということなのだろう。本作で敵として登場するのはQuartzerと呼ばれる者たち。彼らは時間を管理し、美しく歴史を整えていくことを目的とする。いった彼らの物の考え方からすると、「平成仮面ライダー」はシリーズでありながら、一貫した設定もなく、脈絡もなく、奇妙でねじくれているように見える。「綺麗に舗装し直す」ために歴史に介入したのだ。RX」、「真、ZO、J」、「アマゾンズ」をモチーフとしている。これらの作品は「仮面ライダー」の中の歴史の中でも珍しくシリーズ的な展開(厳密には違うのもあるが)がなされている作品なのだ。Quartzerの視点からすると「美しい」作品なのだろう。ゴも言ったが「デコボコ」でもいいじゃないかということなのである。ある意味これは多様性であるとも言える。後半に突如、驚くべき人物が登場する。木梨憲武さん演じる木梨猛だ。「仮面ノリダー」と言った方がわかりやすいだろう。「とんねるずのみなさんのおかげです」の中のコーナーのひとつであった「仮面ライダー」のパロディに登場する人物である。映画としての話題盛り上げ用のギミックであると感じ、ちょっと嫌な気分にもなった。映画を見続けていると彼の登場には作品のテーマに関わる非常に大きな意味があることに気づいた。ラスボスとの最終決戦時、歴代の平成仮面ライダーが召喚され死力を尽くす。ここまでは想定通りではあった。それに加えて仮面ライダーブレン(「ドライブ」の敵キャラであったブレンが変身した仮面ライダー。Twitterのエイプリルフールネタから生まれた異色仮面ライダー)、仮面ライダー斬月カチドキアームズ(「凱武」のスピンオフの舞台に登場するフォーム)、仮面ライダーG(スマステの特番の中で稲垣吾郎が変身した仮面ライダー)、そして漫画版のクウガが登場する。なんでもありなのだが、これら異色ライダーが登場するのはまさに「仮面ライダー」という作品はどのような可能性もありで、こうであれねばならないという決め事はないもないということが言いたいのだろうと思う。前半の戦国時代で信長が我々が知っている信長とは全く異なる生き方をしていたということ、そしてソウゴが魔王ではなかったということ、すべてがこうであるという決めつけは正しいことではないということを示している。逆に言えば、決めつけることにより、可能性や未来はなくなっていくということなのだ。これは新しい令和の時代を迎えるにあたっての「仮面ライダー」制作サイドの宣言であると考えられる。令和になっても「仮面ライダー」はどのような可能性も否定しない、常に新しいことにチャレンジし続ける。それこそが「仮面ライダー」なのだと。「ディケイド」はそれまでの過去のライダーを集約し「平成仮面ライダー」というブランドを確立させた。その目線は過去である。「ジオウ」はこれから「仮面ライダー」が向かうべき道筋、未来を見ている。平成、令和という区切りも無意味なのかもしれない。「仮面ライダー」は未来に向かってただ走り続けるだけなのだから。地球の守護神ローランで・エメリッヒ版の「GODZILLA」を観た時に思ったのは「ああ、日本のゴジラの本質は欧米ではわかりにくいのかな」ということでした。日本のゴジラは人類の脅威であるという存在であると同時に、畏怖の対象でもあると思います。ゴジラはまさに「荒ぶる神」と言えます。荒ぶる神は日本の神話にも所々に見られるもので、そのイメージがあるからこそ日本人にとってゴジラが他の何者とも違う特別な存在であるのかもしれません。日本という小さな島国は、毎年台風の通り道となり、頻繁に地震も起こる土地柄であり、そこに暮らす者にとって自然は自分たちではコントロールできないものとして畏怖の対象となっていたのでしょう。自然は人々に恵みを与え、また敵から守る存在でもありました。恵みと災害という相反するものを人々に与える自然が、荒ぶる神というイメージにつながっていたのです。いった自然に対するスタンスにあるからこそ、日本人にはゴジラは受け入れられるわけですが、そのような自然観がない人々にはゴジラはただの巨大生物に見えるのかもしれません。私はゴジラのような巨大生物を「モンスター」と呼ぶことに違和感を感じるのですよね。怪獣は怪物とは何か違う。これを欧米人に伝えるのはなんとも難しい。エメリッヒ版のようなものができてしまう。「パシフィック・リム」のギレルモ・デル・トロはそれがわかっているからこそ、あえて「KAIJYU」と日本語をそのまま使っているのだと思います。彼はかなり特別な人間かと思います。ゴジラ」はある程度日本の怪獣に理解があるような作りになっていたと思います。キング・オブ・モンスターズ」ですが、総じてみて非常に日本のゴジラについて理解を深くして作られていると感じました。過去の日本のゴジラ作品からの引用も数多くあり、何よりもゴジラ観が日本のオリジナルに非常に近いと感じました。本作にはゴジラ以外の怪獣も多く登場します。最大の敵であるのはもちろんキングギドラ。オリジナルと同様にギドラ(本作ではギドラと呼ばれる)は宇宙から来た存在であるという示唆があります。これは最近のアニメ版のギドラも異次元の存在として描かれていますが、基本的には同じスタンスとして扱われていると思います。すなわしギドラは地球の生命とは異質な存在であるということです。ギドラの存在により、ゴジラはすべての地球上の生命の守護者、もしくは生命体である地球そのものであるという位置付けが明確になるわけです。ゴジラは時として人類の脅威となりますが、それはまさに地球という生命を守るための守護神であるからこそ。異質な存在であるギドラに対しては守護者として戦い人類をそして地球を守ったのです。元寇の時に台風が敵をなぎ払った時、日本人はそれを「神風」と呼びました。毎年やってくる台風は人々にとって脅威でもあったのです。ゴジラはそのような存在なのです。本作はモスラは「母なる地球」の象徴です。癒し、再生を司る母神。これもまた日本神話に登場するモチーフです。荒ぶる神と母神は対の存在であり、本作でもゴジラとモスラが同じように対で描かれています。このように本作はこれまでのゴジラ作品、そしてその背景にある日本、東洋の考え方についての深い理解に基づいて作られていると感じました。監督のマイケル・ドハティの母親がベトナム人のハーフということを聞いて、東洋のものの考え方の理解があるのかなと考えたりもしました。本作はある意味、ハリウッドにおけるゴジラ映画の集大成ともいうべき作品に仕上がっていました。なると逆に次回作の「ゴジラVSキングコング」が気になってしまいます。「怪獣の王」として君臨することとなったゴジラ。それに対してキングコングという存在をどう位置づけるのか。ゴジラはあくまで地球の生命の守護者であり、人類の守護者ではない。人類が地球に対して害をなす存在となった時にゴジラは人類に牙をむく。対してキングコングは人類の守護者というスタンスになるような気がします。人類の存在を是とするか否とするか。次回作ではゴジラが敵役となるかもしれません。小説やコミックの映画化作品の記事の時に、私は原作未読です、と書いていることが多いのですが、「空母いぶき」については原作をしっかりと読んでいました。この作品が映画化されると聞き、ちょっと驚きました。理由の一つとしては、このコミックで描かれる敵国が中国であり、彼らの日本領土への侵入からこの物語が始まるからです。尖閣諸島の問題など現実的にはかなりセンシティブなものなので、果たして映画化できるのかということ。一つは現代のテクノロジーを駆使した戦闘を描いているので、今の方がの実力で描ききれるかということでした。一つ目の問題については設定を大きく変更し、敵国を中国ではなく、仮想の国である東亜連邦とすることにより対処していました。これにより本作は原作の持つ良さを大きく損なったと思います。確かに中国を敵国として描くのは厳しいでしょう。それであれば映画化しなければいいのです。映画化するということは原作が持つ魅力を映像として描くことが目的であると思うのですが、その根本を変えてしまっては意味がありません。原作の魅力の一つは、現代の国際環境として日本の政治、軍事をリアルに描くということです。現実に中国が日本の国土を侵略してきた時、日本の政治家、自衛隊はどう対処すべきか、ということを問うシミュレーションです。シミュレーションであるならば、それは仮想の国であっても構わないのではないかと思うかもしれませんが、原作はあくまで現実的にありえそうな状況を提示することによって、読者にも課題をより現実感を持って捉えて欲しいという意図を感じます。それをリアリティのない背景を持つ東亜連邦などという仮想国を登場させても原作の持つ緊迫感は出せません。この東亜連邦という国は相手側の描写が一切ありません。相手も意図がある人間であるということが描かれないため、よりファンタジー感があります。描写が描かれているため、彼らの読みの攻防による緊迫感もあるのです。それが本作では一切ないため、リアルな緊張感は感じませんでした。関連することですが、原作は日本・中国の間での互いの政治的・軍事的読み合いがあり、その上での戦略・戦術が展開されることを描写しています。本作では相手がたの新興国である東亜連邦は現実的ではないほどの軍事力を持っており、それをあまり考えずに逐次投入をしてきています。それに対し「いぶき」を中心とする自衛隊も応戦しているだけであって、戦略的・戦術的な緊迫感はありません。軍事もののように見える本作ですが、基本的にはファンタジーであると私は捉えました。それはもともとの原作のスタンスと立ち位置が違うと思います。日本と東亜連邦の戦闘も、ネットニュースのスクープによる市民の関心の高まり、そして国連の多国籍軍による介入により、収束します。これはどこかで見たことがある展開だと思いました。エンドクレジットで企画に福井晴敏さんの名前を見たことで納得しました。展開が「人類資金」に似ているのですよね。福井さんの作品は嫌いではないのですけれど、ちょっと苦手なところもあります。うまく言えないですが、リアルに描こうとするのですが、どこかファンタジーな要素があってそれがリアルさと相殺してしまう感じとでも言いましょうか。彼自身の初期の作品である「亡国のイージス」「終戦のローレライ」などもそうでした。最近では「機動戦士ガンダムNT」「宇宙戦艦ヤマト2202」なども同じ匂いがします。それぞれのオリジナルは世代なのですごく好きなのですけれど、どうもアレンジがファンタジー色が強くなっているので、そこにどうも波長が合わないのですよね。本作「空母いぶき」に感じた違和感と同じものだと思います。馴染みない中国史であったが、シンプルに描き出す「GANTZ」「アイアムアヒーロー」「いぬやしき」などコミックの実写版映画を多く手がける佐藤信介監督の最新作は、これまた大人気のコミック「キングダム」です。私は例によって原作は未読なのですが、秦の始皇帝の話だということは知っていました。私は本も映画も歴史ものが好きで、三国志などもよく読んでいたので中国史などには馴染みがあったのですが、普通の人はそういうものにあまり興味がないと思っていたので、始皇帝の話の漫画などあまりうけないと思っていたので、コミックの「キングダム」が人気であることを聞いた時、意外に思いました。昨年その「キングダム」が実写映画化するということを聞いた時も、ちょっと驚きました。壮大な中国という大陸国家が持つスケールを、ハリウッドならいざ知らず、邦画の規模で描ききれるかということ、また中国人を日本人のキャストで演じるということで不自然にならないかということが気になりました。今までも実写化が難しいと言われた原作ものを確実に描き切ってきた佐藤監督でしたので、期待もしていました。私は原作を全く読んでいないので、原作に対してどうだったかという評価はできないのですが、結果的には非常に上手にまとめ上げたという印象です。評価できるのはストーリーを極力シンプルにしたということでしょう。今回は原作の1〜5巻という最初期のパートを基にしているということなのでそのためかもしれませんが、基本的に国を簒奪された王が家来とともにそれを取り戻すという展開です。視点としては基本的には将来始皇帝の将軍となる信という青年のものが基本線として話が一本道で進むので、わかりやすい。多くの観客に馴染みのない古代中国の話なので(人物の名前が馴染めないということも含めて)あまり複雑なストーリーだとついていけなくなる懸念はあったと思います。三国志などはどうしても複数視点でないと描けないので、馴染みのない方にはついていきにくいですよね。主人公を後に始皇帝となる王政ではなく、戦争孤児である信であるということもわかりやすい一因かもしれないですね。信は将来実在の人物である李信という将軍になるというキャラクターですが、基本的には我々にとっては知らない人物なので、逆に歴史などに強くない人でも馴染みやすい。キャラクター造形としても現代的で若いやすいですからね。このキャラクターを演じるのは山崎賢人さんですが、鑑賞前は個人的な印象としてはあまり歴史ものには合わなさそうな感じがしていました。実際に見てみると、その現代的な感じが歴史もの特有のとっつきにくさ感を払っていたような気もします。他のキャラクターの配役などについてもそのような印象を受けました。心配していたスケール感についても、物語の設定上少数で城内に切り込み、その中での戦いがメインになるため、大軍団同士がぶつかり合うというようなシーンがなかったために大陸らしさが感じられないようなことはありませんでした。適所で中国でのロケのシーンも入っていたので、上手にスケール感を補得ていたかと思います。アクションシーンについては城内での戦いになるのでこじんまりするかと思いきや、個人対個人の戦いをアクロバチックに見えることで迫力は出ていたと思います。魅せるアクションについては「GANTZ」「図書館戦争」などでも確かな手腕を見せてくれた佐藤監督なので見せどころをいくつも用意していました。原作好きな人の評価は聞いていないのですが、邦画としてはかなり人が入っているということなので、ファンにも評判が良いということでしょうか。続編を、という話も聞こえてきますが、期待はできますね。本作で大沢たかおさんが演じていた王騎というキャラクターがクセがあって興味深かったので、もう少し彼と信が絡むと面白そうですね。次回あるならばどうしても軍団同士の戦いは見せないわけになりそうなので、その時のスケール感をどうするかは課題かとは思います。いえ佐藤監督ならしっかりまとめてくれることでしょう。Girl(恐れを知らない少女)」という少女像をご存知でしょうか。これはニューヨークのウォール・ストリートにある有名な雄牛の像(チャージング・ブル)の前に2017年に設置された少女の像です(現在は移設)。巨大な雄牛を恐れずに、腰に手をあて敢然と立ち向かうかのようなこの像は、国際女性デーの前日に設置されました。実はこれは女性の取締役を増やそうというキャンペーンを行なっている証券会社の依頼により設置されたものなのですが、最も男性的な社会と言われるウォール・ストリートにある、これまた男性の象徴である雄牛に立ち向かう、小さな少女の姿は、ダイバーシティを求める人々の間で大いに話題になりました。本作「キャプテン・マーベル」はマーベル・シネマティック・ユニバースにおいて初めての女性単独ヒーローが主人公となる作品です。予告でも出ていましたが、本編の中で最も印象的なシーンはキャプテン・マーベルことキャロル・ダンヴァースが記憶を取り戻し、過去の自分が様々な困難にも負けず立ち上がるシーンでした。子供の頃から男勝りで何にでも挑戦し、その度に「女には無理だ」と言われ、壁にぶつかりながらも、彼女は何度でも立ち上がりました。Girl」のことを思い浮かべたのです。本作の舞台となるのが90年代というのも意味があると思います。MCU的にはアベンジャーズ以前ということでこの時代に設定されたとも言えるでしょうが、女性の社会進出という視点でも意味があるでしょう。90年代はアメリカも日本も女性の社会進出という話は出ていましたが、実際には目に見えない壁、いわゆる「ガラスの天井」がありました。建前的には男女同権ですが、現実では女性はまだまだ差別がされていた時代でした。そのような環境でも負けずにキャロルは何度でも立ち上がってきました。MCUにおいて最強と言われるキャプテン・マーベルは異星人によりパワーを授かったわけですが、それゆえに最強なわけではなく、もともと持っている不屈のパーソナリティが彼女を最強にしているのだと感じました。現時点でMCUの世界はサノスの指パッチンのために最悪の状況となっています。「インフィニティ・ウォー」のラストで自らが消えゆく中、フューリーはキャプテン・マーベルのポケベルを鳴らします。最悪の状況を救えるのは彼女しかいないと彼は考えたのでしょう。それはどのヒーローにも負けないパワーを持っているからではありません。彼女がどんなに厳しい状況でも諦めない、負けない気持ちを持っているということをフューリーは知っていたからです。最悪の状況をひっくり返せるのは不屈の心だけ。男だから、女だからという状況ではないのです。恐れを知らない彼女にフューリーは世界を託したのです。2016.12.11「君の名は。2014.09.05「渇き。