ファッション・プレートに現れた衣装とまったく同じものがあるわけではありませんが、時代のスタイルを立体的に見ることができる展示構成になっています。壁のファッション・プレートと、中央の衣装との間を行ったり来たり。❖タイトルは「ファッション史の愉しみ」。石山彰コレクションが見せるのは「ファッションの歴史(変遷)」にとどまらず、「ファッション史研究の歴史」でもあります。「ファッション史研究」がなにを目的として成立してきたかを考えると、それは古今東西のファッションに学び新しいファッションを生み出すための素材であったわけで、「ファッション史」自体がファッションの歴史でもあるのです。マネキンを使った再現から分かるのは、ファッションはそれを着る人間がいて成立するものだということ(あたりまえですが)。語る歴史史料でもあります。ファッション・ブック、ファッション・プレートの同時代的な役割を考えれば、それは「ファッション・メディアの変遷」を見る展覧会でもあります。そこには印刷技法の歴史も含まれます。ファッション・メディアを誰が需要していたのかという歴史でもあります。それゆえに展覧会の構成は多層的。さまざまな関心、視点から見ることができます。一筋縄ではいきません。ファッションの歴史は人間の歴史でもあると聞きましたが、まさにその通りです。オートクチュール」展は、1868年に始まるパリのオートクチュールの歴史に焦点を当てた展覧会です。ギルドと言ってもよい規律を持つ組織と、そこに所属して世界のモードを牽引してきたファッション・デザイナーたちの作品が並んでいます。時代は19世紀末から20世紀。ファッション・プレートもありますが、展示物の点では、実物が主で、資料が従。「ファッション史の愉しみ」展は、16世紀末から始まり20世紀前半までのヨーロッパのファッションの文献と実物。揚州周延らによる明治期の錦絵に描かれた日本人の洋装も紹介されています。これらの錦絵も石山彰氏のコレクション。これもある種のファッション・プレートですね。鹿鳴館時代の洋装の実物展示もあります。展示物の点では、資料が主で、実物が従。オートクチュール」はファッションのつくり手の歴史、「ファッション史の愉しみ」は社会におけるファッションに目を向けた歴史展示ということもできます。前者ではデザイナーの名前が強調されますが、後者では必ずしもそうではありません。会場を出たところ、ロビーで上映されている映像は必見です。映画やテレビドラマの映像をまとめたもののように見えますが、こちらは神戸ファッション美術館が制作したこのオリジナル映像。18世紀後半から19世紀末までの衣装を役者に着せてヨーロッパで撮影したものだそうです。お金掛かってますねえ(笑)。素敵な表紙の展覧会図録(1,500円)には、展示作品すべてが掲載されているわけではないので、お気に入りの作品はしっかり目に焼き付けるか、タイトルを控えておいてネットで検索するとよいでしょう。ファッション・ブック、ファッション・プレートには著作権が切れていてネット上で公開されているものも多いようです。石山彰氏の未公刊テキストも収録された論考集(500円)もありました。個人的にとても気に入ったファッション・プレートはこちら。Rythmique(リズム体操)。白い衣装を着てダンスする子供たちがかわいい。d'aujourd'hui』というファッション誌の1枚。1巻ごと1名のイラストレーターに作品が依頼され、各巻300部のみが刊行された。(pochoir):ポショワールとは、亜鉛や銅版を切り抜いた型を用いて刷毛やスプレーで彩色する西洋版画の一種です。写真製版によって作家の原画から複製品を作る技術が無かった20世紀初頭に、このポショワール技法が多く用いられました。❖なお、石山彰ブック・コレクションが今後どこに引き取られることになるのかは決まっていないそうです。まとまった形で継承されるといいのですが。石洞美術館8世紀から約700年の間、南部を中心に、イスラーム勢力の統治下にあったスペインでは、他のヨーロッパの国々とは大きく異なる文化が育まれました。イスパノ・モレスク陶器は、イスラーム陶器の技法を継承し、スペインで焼造された錫釉陶器です。中でも、金属質の光彩を放つ絵付けを施したラスター彩陶器は、その華やかさで人々を魅了してきました。13世紀に、ラスター彩陶器の製作地である中近東にモンゴル人が侵入すると、陶工を含む多くのイスラーム教徒がスペインに移住し、マラガなど南部の地域でラスター彩陶器が盛んに焼造されるようになりました。15世紀末にイスラーム王朝が滅亡した後も、スペインに残った陶工たちを中心に東部の窯場が発展しました。マニセスでは、王家や貴族の紋章を描いた大皿など華やかなラスター彩陶器が製作され、パテルナやテルエルでは、緑、青、茶などの顔料で人物や魚などを自由闊達な筆遣いで描いた陶器が製作されました。本展は、ラスター彩陶器を中心に、当館の所蔵するスペインの錫釉陶器約60件を初めて一堂に展示致します。(展覧会サイトより)メモランダム館蔵コレクションによるスペイン陶器の展覧会。展示品には17世紀、18世紀、19世紀のものが多数。18世紀ヨーロッパの陶磁ならば、中国陶磁の写しがあっても良さそうなのですが、今回の出展品には染付風の青い絵付けの陶器はあれども、青い芙蓉手はひとつのみ。他はラスター彩が大部分で、でもイスラム風とは限りません。(1918~2008)の次の言葉。ヨーロッパの陶器など、殆ど歯牙にもかけなかった私が、どうしてスペインのやきものに、こんなに深入りしてしまったのか。その開眼はバレンシアの国立陶器美術館を訪れた時に始まる。(略)そこにずらりと勢ぞろいしたパテルナの古陶には、一見して度肝を抜かれてしまった。それは当時の私にとって全く未知のものだったし、見たこともない不思議な世界だった。それは東洋でもなければ、我々の知っている西欧でもない。斬新で鮮烈で、然も、やきものマニアをどこまでも引き込んでゆく、不思議な古格と魅力があった。佐藤千壽氏にとって、東洋風、芙蓉手の染付は興味の対象ではない。アジアでもなく、ヨーロッパでもない独特のデザインに惹かれてそれを集めた、ということなのか。ラスター彩でありながら芙蓉手風の図柄のものが1点ありました。これはとても興味深い。ラスター彩鳥文皿、スペイン・セビリア、16〜17世紀。技術はイスラム由来、様式は中国、図柄はスペイン。芙蓉手(ふようで):見込みに主文様を窓絵にして置き、周囲に蓮弁を配し、その中に宝尽しや花文を入れた意匠の磁器。石洞美術館から北千住まで徒歩20分、南千住まで徒歩15分ということをいまさら知った。次からは常磐線を使おう。それなら都区内パスだけで行ける。本展は暮らしを豊かにするために、日常生活のあらゆる場面に自らの美意識を反映させ、多岐にわたる創作活動を展開した清川の1980年代以降の作品を中心にご紹介します。絵画や立体作品17点に加え、清川がプロデュースしたオリジナルデザインによる各種グッズや、自ら絵付けをした陶磁器などもご紹介します。「デザイン」ということで見に行きました。茶器、スカーフ、ファブリック、アクセサリー等々。清川泰次のこれらの仕事を「デザイン」と呼ぶのかどうか、ちょっと判断しかねるところ。いうのは、これらがどの程度一般に売られていたのか、どこでつくられたのか、誰が買ったのか、いくらで売られたのか、分からないので。印象としては、これらはアーティストグッズなのではないかと思いますが、どうでしょう。詳細な解説が欲しかったですね。恥ずかしながら、清川泰次についてまったく知りませんでした。旧宅であるギャラリーでの展覧会を見て、経済的には豊かだったのだろうなと感じた次第。立体—』(銀座・和光ホール展覧会図録、1991年)から引用。慶應義塾に進むと、田園調布のアパートに二部屋を借り、一部屋をアトリエに......時代は戦争に向かっていたが、銀座のテーラー仕立ての背広を着、銀座のバーで飲み、定期券を買って横浜本牧へ踊りに行くというモダンな慶応ボーイぶり。「でももう一部屋には5000冊の蔵書があって、絵や生き方も含めて、けっこう勉強したんですよ。入学したのは昭和11年。「時代は戦争に向かっていた」わけで、そうした時代にありながら恵まれた生活を送っていた模様。抽象でもなく、純粋な色と形の美の追究。センター:生活工房24時間・365日の時計とカレンダーのなかで生きているように見える現代の私たち。この星が生み出す律動と、そこに生きる命が描き出すさまざまな律動をたどり、多様で有機的な時間の流れを想います。時という視点で、世界を見つめる展覧会です。「時間」の流れを定めるさまざまな要素。地球と太陽と月の関係からはじまり、「時間」を畏れ制御しようとしてきた人間の歴史、さまざまな地域における1日の「時間」、そして1年という「時間」に生じる自然の出来事・生活の出来事をプロットした立体ダイアグラムまで、多様な側面から多様な「時間」を見る展覧会(会場内撮影可)。第1部:律動の星に生きる地球と太陽、月など天体の関係性から生まれる周期と律動について。人間たちが「時」を畏れ、克服しようとしてきた歴史。見どころは「時の精霊」と題する壁画。ラウル・デュフィ「電気の精」に倣って、古代から産業革命を経て現在まで、人間と時間との関わりの変化が描かれています。第3部:わたしたちの時さまざまな地域のさまざまな時間。みんぱくが制作した世界各地の暮らしにまつわるビデオの上映。トルコのラマダンや、ティティカカ湖のくらしなど。全部見ると1時間を超えますが、いずれもとても興味深いものばかりです。《時の大河》と名付けられたこの円は、時計回りに1年の時の流れを表現したもの。円や上から下がっている木の棒には、植物の芽吹きや生き物の活動など自然の出来事や、人間のくらしの営みがプロットされています。円の内側は私たちに身近な地域。外になるほど、遠くの地域の出来事。世田谷で南天が実を付けるころ、鹿児島ではナベヅルが飛来するとか。同じ時期に他の地域でどんな季節の変化が起きているかを視覚化しています。大変な労作!上から下がっている棒に書かれているのは、その季節における人間たちのくらしの営み。川を流れるうちに丸くなった石ころ。貝殻に刻まれた成長の跡。地中に埋もれた植物の化石である石炭。等々、時間の流れが刻み込まれたものと写真による展覧会。会場デザインは「セセンシトカ」。会場撮影可なので写真多めですが、それでもほんの一部です。全体を通して見ると、人間と時間との関わりについて書かれた一冊のエッセイ集を読んだような印象を受けることでしょう。様式主義のものがほとんどです。作った人、作られたものに焦点が当てられることがあっても、その使い手に目が向けられることはほとんどありません。デザイナーは偉大な画家、デザインは偉大なアートピースのように扱われることがしばしばです。ほんらいデザインは人々の生活のためにあるものです。暮らしを便利に、豊かにするためにあるものです。管見の限りですが、人間の生活をテーマとしてデザインを取り上げる展覧会を開いているのは、(他地域のことは知らず関東では)生活工房ぐらいではないでしょうか。21_21はかろうじてアノニマスなデザインを取り上げたりもしますが、それでもあそこはデザイナーの主張の場です。人々の現実の生活を掘り下げるよりも、人々をデザインによって教化しようという意志を強く感じます。それはそれで一つのあり方だとは思うのですが、個人的には生活工房のようなアプローチに共感します。美術館におけるデザイン展との違いを考えてみると、それはやや博物館寄り(民俗学寄り)ということなのかもしれません。6月5日(日)見て、感じて、考えたことを忘れないうちにメモランダム。以下、長くなるので要約。展覧会序文に「日本の高度経済成長期にあたる約半世紀前までは、『雑貨』とは、やかんやほうき、バケツといった『荒物』=生活に必須な道具を指していました」とあるが、それは誤り。明治大正期から「雑貨店」はすでに「ハイカラなよろづや」であった。雑貨には日本人が「外来の多様な生活文化や新しい習慣を柔軟に受け入れてきた歴史」があるという指摘には同意する。その時期には検討の余地がある。「雑貨=ライフスタイル」と考えるとこの展覧会の半分くらいは説明できそう。残り半分は分からない。別の視点から考えてみるつもりなので、次回更新を待て。素敵なモノ、面白いモノがたくさん集まっている展覧会でした。評判が良いのではないでしょうか。町田忍さんの「キッチュな生活雑貨パッケージ」。爪楊枝コレクションとか、アイスクリームのスプーンコレクションとか、牛乳瓶の蓋を開ける針のコレクションとか。清水久和さんの「愛のバッドデザイン」コレクション。発見した創意工夫に溢れる雑種(ハイブリッド)なモノの数々。魅力的な採集物の数々は、小さなコーナーで終わるのではなく、それだけで展覧会ができそうです。いや、して欲しいです。その他にも魅力的な「雑貨」の数々が並んでいて、様々な角度から楽しむことができる展覧会になっていると思います。