展示室1A[東京都]昆虫がこれほど美しいとは思わなかった。そんな私でさえ魅了されてしまうのが、松本泉の写真である。松本は資生堂のインハウスデザイナーとして長らく商品パッケージデザインに携わってきた人物だ。誰もが知るパッケージデザインのひとつに日焼け止め商品「アネッサ」がある。あの太陽のロゴマークを描いたのが松本だ。資生堂を退職後、始めたのが昆虫写真だった。聞けば、松本は子どもの頃から「昆虫博士」と呼ばれるほどの昆虫好きで、当時もフィルム一眼レフでの撮影や、細密画を描くことに夢中になっていたという。資生堂入社後はその昆虫好きをいったん封印し、退社後に再び、昆虫への情熱を開花させた。化粧品と昆虫、一見、何のつながりもないように思える。松本の解釈では、どちらもパッケージデザインなのだ。化粧品は当然のことながら、昆虫も「生命のパッケージデザイン」であると松本は言う。昆虫は身体の外側を硬い殻で覆われた外骨格の生物であるからだ。生きるために進化したその造形や色彩の多様さに、パッケージデザイナーとして強く惹かれるのだと言う。これまで松本は数々の個展を開き、昆虫の美しさを発表してきた。それはカナブンやタマムシ、カミキリムシなどを主に黒背景の中で印象的に映した写真で、体表が緑や赤紫、茶、玉虫色などにギラリと光る様子に、思わず息をハッと飲んでしまうものばかりだった。それは単に昆虫に興味のない者が知らなかっただけで、昆虫をよく観察すれば、この色彩は見えたはずなのだ。やって撮影しているのかを松本に尋ねると、自ら庭や公園などで昆虫を生きたまま捕まえてきて、自室のスタジオに放ち、昆虫が大人しくなるのを待つのだと言う。昆虫がじっと止まった瞬間にシャッターをたくさん切り、なるべく人間の目に近いピントとなるよう、何枚もの写真を重ねて1枚をつくり上げる。そこに何か特別なライティングや色彩調整をしているわけではないと言う。松本は昆虫が本来持つ色彩を伝えているだけなのだった。本展では趣向ががらりと変わり、松本がテーマに選んだのは昆虫の抜け殻だった。はかない半透明の色彩に抑えられた分、今度は昆虫の造形が際立って見える写真であった。さっきまで生きていた生命の形跡がある。脱皮の瞬間にもだえた形跡が見える。ここでもまた別の側面から昆虫の美しさを見せてくれた。ギャラリー3[東京都]三宅一生の仕事が近年ますます注目されている。三宅がつくるものはファッションではなくプロダクトだと、多くの人々が口をそろえて言う。ゆえにファッション業界以外のデザイナーやクリエイターからも熱い視線が注がれるのだ。Lab.(リアリティ・ラボ)」は、新たな素材の研究と開発で、未来の社会に一石を投ずる活動で知られている。本展で紹介された「OBI」と「KONBU」もリアリティ・ラボが開発した新作バッグだった。ギャラリーで紹介されるのだから、ただの新作発表というわけではない。ネーミングのもととなった帯と利尻昆布が展示され、コンセプトが打ち出される。「OBI」は平面に畳まれたときの形状がまさに帯のように細長く、広げるとトートバッグやバックパックとなる製品だ。熱を加えると硬化する特殊な糸で編んだ布を使うことで、リアリティ・ラボがこれまで築き上げてきた平面から立体への展開を可能にし、またハリや光沢の強弱を生かすことで独特の佇まいをつくり出した。本展がユニークなのは、「デザインの解剖展」を彷彿とさせる手法で、「OBI」の全パーツが標本のようにパネル展示されていたことである。これを見ると、いかにシンプルな構造でありながら、しかし魅力的な造形となるようデザインされているのかがわかる。あわせて、その構造を伝えるイメージ映像や布そのものの展示もあった。ギャラリー3[撮影:吉村昌也]一方、「KONBU」は特殊な複数の細い糸で袋状に編み上げてから、4分の1サイズにまで圧縮し、染色するという独特の製法でつくられたバッグだ。圧縮することで立体的な形状となり、自立するほどの適度な硬さを持ちつつ、滑らかで肌触りが良いのが特徴で、ショルダーバッグやハンドバッグにもなり、二つ折りにすればクラッチにもなる。これの製造工程映像も興味深かったが、何より編み上げたばかりの状態と、4分の1サイズにまで圧縮した状態、染色した状態の実物が並べて展示されていたので、その製造工程がリアルに伝わった。簡略的ではあるが、デザインとは何かということをトップデザイナーが改めて示してくれた機会であった。会期:2019/01/23~2019/02/17松屋銀座7階デザインギャラリー1953[東京都]アーティストの鈴木康広は周囲の人々にとても愛されている人ではないかと思う。私も鈴木に何度か会ったり取材をしたりしたことがあるが、彼はいつも目をキラキラと輝かせて熱く語ることが多く、子どものように純粋な人という印象を受けた。鈴木は作品を構想するときに、いつもノートにペンでスケッチを描き溜める。そのスケッチが何とも素朴でありながら、しかしそこに「鈴木ワールド」とでも言うべく別次元の宇宙が果てしなく広がっている。そのスケッチ群を壁面いっぱいに展開した本展は、まさに「鈴木ワールド」を堪能できる内容であった。鈴木は日常の風景や現象を独自の視点で観察し、それを「見立て」によってとらえ直し、作品へ昇華させることで知られている。代表作のひとつ《ファスナーの船》は船をファスナーに見立てた作品だ。「海を進む船と航跡がファスナーのように見えた」という、子どものように純粋な視点が作品を生むきっかけとなった。すごいのは、そんな気づきだけに終わらせず、本気で船をつくってしまったことである。人が乗れる船を海に走らせた。ひとつ《りんごのけん玉》は、けん玉の赤い玉をりんごに見立てた作品だ。けん玉は地球の引力を利用した遊びである。これを「ニュートンが木からりんごが落ちるのを見て万有引力の法則を発見した」というエピソードに見立てたのだ。鈴木は中学生の頃に担任教師の勧めで始めて以来、けん玉に対しては並々ならぬ思い入れがあるようだ。した鈴木の過去20年分のさまざまな作品が実物とスケッチと映像で紹介されていた。鈴木の発想の原点であるスケッチを観ていると、思わずクスッと笑ってしまうものが多い。鈴木の見立ては、まったく別物の何かと何かとに共通性を見出す心である。それは既成概念にとらわれない、子どものように純粋無垢な心でなければ得られない。深いなと思ったのが、「現在/過去」という判子である。天面に「現在」と書かれた判子を捺すと、紙に写るのは「過去」という文字である。現在であったはずの時間は、判子を捺した瞬間に、すでに過去となっている。そんな当たり前の時間の概念についても、まるで子どもに率直な質問を投げかけられたときのように、ハッと考えさせられるのである。会期:2019/01/12~2019/03/24パナソニック汐留ミュージアム[東京都]歩き始めた赤ん坊が初めて履く靴を「ファーストシューズ」と呼ぶが、これに倣うなら、子どもが初めて通う保育園や幼稚園、小学校は「ファーストパブリックスペース」と言うべきか。本展はそんな子どもの「ファーストパブリックスペース」を明治時代から現代にわたって紹介する内容だった。日本での初等教育機関は江戸時代の寺子屋が始まりとされるが、すべての子どもが小学校に通うことが法で定められ、近代的な一斉教育が始まるのは明治時代からである。それと同時に幼児教育も始まった。本展ではまずその象徴である「旧開智学校」が紹介される。これは日本建築に西洋建築の要素を取り入れた擬洋風建築で、重要文化財にも指定されている。かの有名なフランク・ロイド・ライトと遠藤新設計の「自由学園」はそうしたなかで生まれた学校だ。昭和初期になると重工業化が進み、西欧の影響を受けたモダンデザインが流行する。戦後の復興期には科学的な見地を取り入れた、鉄筋コンクリート造の標準設計校舎が普及する。いわゆる一律的な校舎が圧倒的に増えていくのは、この頃からの流れである。その一方で、校舎の真ん中に光庭を取り入れた建築、円形建築、クラスター型建築など、さまざまな新しい試みも生まれていった。(1921)フランク・ロイド・ライト+遠藤新[写真提供:自由学園明日館]※画像写真の無断転載を禁じます。このように時代背景に合わせて校舎も柔軟に変化していった様子が展示写真を通してよくわかり、初等教育機関が近代建築を俯瞰するうえで切り口のひとつになることに興味を持った。遊具といった子どもの周辺環境にまで及んでいる。紹介されているのは当時の先駆的かつ独創的な建築ばかりなので、こうした保育園や幼稚園、小学校に通えた人は日本中にごくひと握りしかいない。私も縁がなかった大多数派なわけで、展示写真を眺めながらつくづく羨ましい思いに駆られた。子どもの頃に過ごした場所や見たものは、自身を振り返ってもうそうだが、原風景として長く記憶に留まる。なかには、その人の人生に大きく影響を与える場合もある。私がここに通っていたら......とありもしない想像をつい膨らませてしまうが、いやいや、それでも結局は今のような平凡な人生を送っていたんだろうなと思い直す。いう抽象画家を知らなかった。長谷川は戦前から日本の前衛美術のリーダー格だったというが、晩年は米国に拠点を移したこともあり、死後はあまり語られることがなかったという。イサム・ノグチに多大な影響を与えた人物として、近年、改めて脚光を浴びることとなった。本展はその2人の交友に焦点を当てたユニークな企画展だ。2人の出会いは1950年、ノグチが久しぶりに来日した際である。日本の文化遺産に触れ、芸術家としてのターニングポイントをそれぞれ築くことになった。この旅によって、ノグチは日本の伝統美や東洋思想に関する思考を深め、長谷川は抽象美術と日本の伝統美との関係に対する迷いを払拭したという。同じものを見て、対話し、刺激し合い、それをそれぞれに咀嚼した末に芸術表現をした。長谷川は抽象絵画に、ノグチは抽象彫刻に。本展の第3章では2人の作品が同空間に展示されていて、見応えがあった。2人の作品を見比べると、やはり世界観がどことなく似ている。東洋と西洋、伝統とモダンの融合という言葉で語るのはもちろん簡単だ。それだけではない、この似ている感じは何だろう......。長谷川はもともと、油彩画を描いていたが、ノグチとの旅以降は、水墨画や拓本、木版へと転向する。その墨1色の世界が、抽象表現の純化をより極めたようだ。ノグチの彫刻も石や陶、金属などを素直に生かした、力強くも、親しみのある作品が多い。その純粋さというか、健やかさのようなものが2人には共通してあるように感じた。(展示期間:1月12日~2月13日)ちなみに長谷川は日本の文化遺産に触れ、もともと、日本には優れた抽象文化があると理解していたという。そのひとつ、俳句も抽象表現であると。短い言葉で季節を表し、そのときどきの情景や心情を詠む。凝縮された言葉だからこそ、受け手によって解釈はさまざまで、その想像を何倍にも広げられるからか。そんな俳句をはじめ、日本人は知らず知らずのうちに抽象表現に慣れ親しんできたのかもしれない。私は2人の作品を素直に心地良く受け止めることができたのだ。杉江あこエディター、ライター。Ltd.掲載画像・その他の無断転載・転用を禁じます。