パフォーマンス」という公演がある。現代的なダンスと音楽の共演となるのだが、齋藤徹は2003年に「アートムーブ“表現の成り立ち”」、1999年にミッシェル・ドネダとチョン・チュルギとのトリオライブ、1998年に齋藤徹ソロコンサートなど、岩国でも馴染みのあるコントラバスの世界的なミュージシャンである。ジャン・サスポータスは、いうまでもなく世界のダンス、演劇をリードしてきたピナ・バウシュ(ダンサー、振り付け家)率いる舞踊団の中心メンバーの一人で、今回は齋藤徹とのライブを熱望してフランスから来日し岩国でははじめての出会いとなる。これまで「アートムーブ2003〈岩国〉表現の成り立ち」「アートドキュメント2004錦帯橋プロジェクト」「キッズパワープロジェクト2005大人の子ども、子どもの大人」といった一連のアートプロジェクトを開催してきた。これらの取り組みは単なる消費エンジョイ型のイベント的なお祭りとは違い、アートと地域を結びつけ私たちの意識変革と活性化をうながす知的で生産的な活動だ。それ自体を喜びとする文化的な市民運動といえる。そこには「心による地域(都市)づくり」の可能性を考えるという壮大なロマンがあるという。今回の企画は非常に芸術性の高いものであることが期待される。それゆえに、馴染みがないし理解しづらいかもしれないが、このような芸術にふれることで私たちは日頃の価値観を相対化し精神をリフレッシュすることができる。湧き出たブンカの違和感(2006.10.5)今年のゲイジュツの秋は何となくヘン、奇妙な雰囲気だ。それというのも、昨年あたりから各地で行われている国民文化祭(国文祭)のプレ企画などといったイベントだけでなく、文化祭りブーム一色となっているからなのだ。やりすぎじゃないのか?どこからともなく急にわいて出てきたようなブンカには違和感があってどうもついていけない。そもそも祭りが非日常的な祝祭性を伴うことを考えれば、それだけで日常は文化になじんでいないということにならないか。祭りという非日常的なものでしか文化に親しむことができない現実が、そこにあるのではないかと疑いたくなる。それにしても国を挙げての文化祭とはどういうことなのだろう。いつもと違う何かに踊らされているようで、なんとなく妙な気がしてならない。ガイドブックを手にしてみる。心ときめく文化維新」だということらしい。21世紀の新たな文化の創造にチャレンジし、山口県の文化が飛躍的に発展できるようにとある。それも、みんなでつくる国民文化祭として、子どもから大人までの参加を狙った大型の企画がひしめいているのだ。このような文化事業には当然のことながら多大な資金が必要となるのだが、国の事業ともなれば住民のモチベーションなどとは関係なく、何かをやらなければいけないのだ。文化力が問われている今日、文化の質を維持しそれをささえるのは住民の意識(意志)にほかならない。仮に、このような資金まで自前で用意するとなるとどんなことになるのだろう。腰が引けてくるのは火を見るよりも明らかなのだ。私たちにとって、文化がお祭りとしてではなく日常的に必要不可欠なものとして理解され自覚されているかというと、私たちの意識はそれほど成熟しているとは思えない。国文祭はこの国の文化の現在をあらわにするという意味において、まさしく現代の文化(アートパフォーマンス)であるといえるかもしれない。現代アートの作家・柳幸典の講演(アーティストトーク)があった。彼が取り組んでいる「犬島プロジェクト」のプレゼンテーションともいえる内容でたいへん興味深いものだった。:襖田誠一郎)に参加したアーティストの一人で、その時は大地を型枠にして大きなコンクリートの“たい焼き”の作品を発表した。そのプロジェクトは、アートディレクターに今は亡き殿敷侃を迎え、大掛かりな野外展として市民の手で実現されたものだった。その頃では非常に先駆的な取り組みとして注目され、全国的にも大きな話題となった。少なくとも、これに関わった当時の若い人たちには、それまでの価値観を一変させるほどの強いインパクトがあったのは間違いない。私は柳との面識はなかったが襖田誠一郎とともにその講演に出かけたのだった。柳幸典は、さわやかな修行僧のような雰囲気があって遥か先をみつめている眼をしていた。襖田によれば世界のトップアーティストの一人として成長しても、柳は今でも当時と全く変わらない人柄だという。「犬島プロジェクト」はかつてあった銅の精錬所の島をアートの切り口で再生させるのだという。そのコンセプトの中心に文豪・三島由紀夫を設定する計画で、そのHPと事務所を立ち上げたばかりということだった。三島の『太陽と鉄』に収められている「イカロス」を読み上げ、精錬場の煙突を螺旋状の階段でのぼるプラン1。別の煙突の下からサーチライトを天空に突き上げ、横たわる自らの影絵を上空の雲に写すプラン2等々、何と魅惑的な試みがいくつも紹介された。今は、地域住民と一緒に桜の木を植えてはお酒を飲んで、プロジェクトの夢を語っているとか。アートは決して難しいことではなく、この宴からはじまっているのかもしれない。若い頃、三島文学に大きな影響を受けた私にとって、このプロジェクトは非常に身近なものとして感じられ、必然的な出会いのように思えてならない。「船、山にのぼる」とは何とも人を食ったような話だが、これは「船をつくる話」からはじまる現代アートの作品のことなのである。広島県の県北に3町にまたがる灰塚ダムが建設された。ここではダム完成までの期限付きで「灰塚アースワーク」というプロジェクトがすすめられてきた。これに関連して、PHスタジオ(アート、建築、写真、インテリア家具の作家たちのユニット)が取り組んでいるプロジェクトが「船、山にのぼる」なのだ。テレビや新聞でも数多く報道されたのでご存知の人も多いと思うけれど、私は広島市現代美術館で行われたPHスタジオのプレゼンテーションで彼らにはじめて会うことができた。そこで美術ジャーナリストの村田真と出会い、翌年5月に開催予定となっていた「アートドキュメント2004錦帯橋プロジェクト」での記念講演を依頼したのだった。「船、山にのぼる」は、ダム完成時に水没する区域の木を伐採してそこに大きな(長さ:60メートル、幅:12メートル、高さ:3メートル)イカダ状の船をつくり、それを完成時の試験で最大限水を張ったときの浮力で現状では山になっている場所まで引っ張って行きそこに据え置くだけのユニークな計画である。当初はけげんな顔をしていた国土交通省もこのようなお遊びプロジェクトに理解を示しはじめ、引っ張っていくボートを提供してくれる見通しになったということだった。現状は地域の人たちが木の枝をはつり、丸太を組んでは船をつくっているのだという。この船を舞台として神楽やカラオケといった町のイベントが行われ、地域住民のみならず多方面での交流ができる広場となっているのだ。このようにアートを介して地域づくりを考え、地域の人たちと一緒に取り組むプロジェクトは他にもいろいろある。美術作品が展示される特定の空間として設定された美術館やギャラリーを飛び出して、アートが新しい可能性をもとめて都市空間や地域、また自然の中へと結びつこうとする新しい動向が注目されている。国民文化祭やまぐち2006で、宇部市がこれまでの常盤公園での野外彫刻展だけでなく、商店街の空き店舗を活用して取り組んでいる彫刻展もその一例といえるかもしれない。雪舟(2006.11.12)いま、山口県立美術館では国民文化祭やまぐち2006の特別企画「雪舟への旅」という大掛かりな展覧会が開かれている。雪舟研究家による最新のデータに基づく画期的な展覧会であり、そのタイトルからしても極めてユニークな構成となっている。この展覧会に関連して対談や講演、パネルディスカッションなど「雪舟を知る・山口を知る」とする連続講座、ワークショップといったさまざまな企画が用意されている。3日、私は宇部の彫刻展のオープニングをすませて午後、山口に移動した。午後3時半から山口県立図書館で予定されていた「対談―雪舟の魅力に迫る」という講座に行くためだった。)の対談形式の講座はたいへん軽妙で雪舟を見る面白さについて興味をかきたてられるものだった。聴いているうち、少しずつ雪舟という当時の前衛アーティストの生き方と表現への欲求の強さに引かれていった。前後して展覧会場に行くことになったのだが、あまりにも多くの鑑賞者で身動きが取れないくらいだった。混雑した会場で大作4点を見ただけで、その生き方と、併せて表現の大胆さと繊細さをもつダイナミックな描出空間に驚いた。セザンヌをして近代絵画の父という見方もあるけれど、雪舟も負けてはいないぞと思えてくるから不思議だ。抽象的と思われるほど大胆な筆さばきと余白の解釈は雪舟特有の絵画を実現している。天橋立図では空想の視点を設定し徹底した説明で再構築する新しい絵画を試みている。書のように呼吸で描いているようにも感じられた。対談でも言われていたように雪舟の書(文字)はとても上手とは言えそうにないところが面白い。ミュージアムショップで手にした「日本美術応援団(ちくま文庫)」の赤瀬川原平と山下裕二の対談が面白い。雪舟は凄いんだが、どこかヘン。ヘンなんだけど、やっぱり凄い。そんな境地に対抗できるのは、野球界のスーパースター長嶋茂雄しかいないとか・・・。この展覧会で雪舟を旅していると、私たち自身の旅にもつながっているようで不思議な気がしてくる。展覧会を見るのは面白い。雪舟を旅することは1500年代にタイムスリップして、そこから現在を見つめているような気がしてくる。この後、雲谷庵と常栄寺の庭にも行ってみたくなった。​クリスト(2006.12.8)クリストというアメリカ(ブルガリア生まれ)のアーティストがいる。世界のトップアーティストの一人だ。象徴的な大きな建物を梱包したり、大陸の広大な自然の中で布のフェンスを張った「ランニングフェンス」、またフロリダ半島のマイアミ沖に浮かぶ島々をピンクの布で囲った「囲まれた島々」、オーストラリアの海岸を布で覆った巨大プロジェクト、あるいはアメリカと日本を同時に関係づける「アンブレラ」プロジェクトなどなど。スケールがでかい!これまでの美術では考えられないほどの作品の規模、制作にかかわる人数だけでも衝撃的であり、異質と言わざるをえないだろう。ここまでくると作品制作も大きな事業であり、彼のプロジェクトは否応なく地域や社会を巻き込み突き動かす現象を絶えずともなうことになるのだ。従って作品はますます巨大化してしまう。資金づくりにしても容易なことではない。「こんなことして何になるのか、どういう意味があるのか分からん」「まったく理解できない」と不思議に思う人は多いはずだ。クリストの作品が多くのボランティアによってささえられ、人々を巻き込みながら社会的な出来事として私たちの前に現れたとき、私たちの価値観は転倒し作品の巨大さとともに、もの事の見方は否応なく変えられてしまうだろう。それがアートのパワーであると同時に、面白さであり醍醐味でもある。アートはこのように私たちの価値観を相対化し、ものの見方や考え方を変えさせ、私たちの感覚や精神をリフレッシュする。このことは、アートが地域や社会を再構築するうえで大きな力になりうることを証明している。私たちは戦後60年、ひたすら経済復興を唱えながら高度経済成長をなしとげた。何か大切なものを失ってきたような気がしてならない。消費を美徳とし物欲主義的な価値観が肥大化する中で、生産することの喜びや物質性とは異なる、いわば精神性を失ってしまったように思えるのは私だけではないだろう。数年前から始まり、私も参加している地域住民を中心とした実行委員会で取り組んでいる「アートムーブ」や「錦帯橋プロジェクト」をはじめとするアートプロジェクトが、ユニークな市民運動としての様相を示してきていて面白い。アートの手法で精神性の回復や意識の変革ができないか。くらし」を考えてみることはできないか。プロジェクトがその契機になればと考えている。アートエネルギーは教育文化だけの問題ではなく、社会や地域づくりを考える総合的なプランとして機能することに注目したい。壽雪への旅(2006.12.17)国民文化祭が台風のように過ぎ去り、世間は何もなかったように台風一過の静けさを取り戻してきた。あいにくの曇り空に雨といった天候だったが、十数年振りの萩は山口から車で約1時間くらいの道のりで思ったよりも近く感じた。私たちは来年開催予定となっている「アートムーブ2007〈岩国〉具象の未来へ」に参加決定しているアーティスト、吉村芳生のアトリエに立ち寄ってから萩へと向かったのだった。訪ねたのは今回がはじめてということだった。「三輪壽雪の世界」展はこの日が最終日、入館して先ず驚いたのはこの陶芸家の圧倒する創作意欲と生きる力とでもいうべき存在感だった。三輪壽雪は今年96歳になる現役の作家であり、1983年に人間国宝に認定され名実ともに日本を代表する陶芸家である。私は焼き物について全くの素人で、何の知識も情報も持ちあわせてはいない。いう素人の直感で見ただけの印象でしかないけれど、200点近い作品群の中でも近作の鬼萩といわれる割高台の茶碗(写真)はとにかく凄い、豪快そのものでありしかも気品がある。これらの作品はこの年齢にしてはじめて到達できる世界なのかもしれないと思ったほどだ。その作風には品位と同時に豪快さ、また力強い存在感と生命力が伝わってくるものがあった。それは萩の歴史と文化を背景に、この町の自然と風土と伝統にささえられるように三輪さんの手によって生み出されたといえるのではないか。いつまで見ていても飽きることのない不思議な力を感じさせる器である。焼き物は書と同様、用のものであるかないかで絶えず論議を巻き起こしてきた。三輪壽雪の世界はそのようなものとは一切無縁で、独特の気品と美しさ、他を圧倒する存在感と生命力を備えた器オブジェとして結実し、燦然と輝いているように感じられる。私は萩の町を歩いてみたくなった。これらの作品を生み出した風土にふれてみたいと思った。周辺を歩いてみただけで伝わってくるものがある。静かなたたずまいとゆったりとした敷地に囲まれたいくつかの屋敷には、確かにこの町の歴史と文化を感じさせるものがある。会場のモニターに映された日本海の荒波を眺める時間はなかったが、萩の歴史に象徴されるように時代の荒波もまた鬼萩の作品に込められているように思えるから不思議だ。私たちは国道262号線を通って峠を越え、国道9号線にでた。道中、著しく美観を損ねるような派手な看板はなく比較的美しい山並みが続いていたように思う。いつか、高津川沿いを走って感動したセキシュウ瓦の美しい集落を思い出した。久しぶりの萩の旅はとても気持ちのいいものだった。今度はゆっくりとした時間で訪ねてみたいと思う。ロシアにイリヤカバコフというアーティストがいる。彼をはじめて知ったのは5、6年前に水戸の芸術館で開かれた奇妙な仕掛けの展覧会だった。その展覧会には「シャルル・ローゼンタールの人生と創造」というタイトルがつけられていた。架空の作家を設定し、その人の人生と創造の過程を私小説的につくりあげるという面白い構成だった。歴史的な背景をもとにシャルル・ローゼンタールという作家の一生の創作活動をつくりあげ、自身の作品を発表しているのである。昨今、話題となった「ゲド戦記」もアーキペラゴ、ゴント島等々、作家・ルグインが設定した架空の世界が用意され物語が展開される。全てが絶妙につくりあげられた創造の世界となっているのだ。日本人には到底考えられないような構築性と壮大なスケールである。新潟越後妻有の雪国農耕文化村センター(通称、まつだい農舞台)の一点から見えるように棚田に設置したイリヤカバコフのカラフルな彫刻作品がある。農作業のようすを示したこの作品は、ほのぼのとした暖かさと大自然への賛歌、また雪国農耕文化の素晴らしさとその意味を語りかける。この越後妻有で国際的な展覧会「越後妻有アートトリエンナーレ」をプロデュースしているのが北川フラムという人だ。類まれな豪雪地帯にあって離村・過疎化がすすみ、荒れ果てていく北の大地をアートでよみがえらせるという壮大なロマンが背景にある。このように地域とアートエネルギーが爆発する時に新しい価値観と将来への展望が見えてくるというわけだ。北川フラム氏の講演を聞いた後でコーヒーを飲みながら話したことがある。ドイツのミュンスター国際彫刻プロジェクトが大きな刺激となったということだった。展覧会は大変だが、これくらいの事業になると行政の理解がなければ継続的な展開は難しいとその実情を話してくれた。私は一昨年の「キッズパワープロジェクト2005」に参加した田島征三の農舞台での作品(木の実アート)展を拝見する目的もあって、地震の爪あとが生々しく残っていて5mくらいの雪が積もっている十日町市を訪ねた。多くの作品は雪に埋もれていたけれど、越後妻有の壮大なロマンを感じることができた。疲れ果てた後、帰りがけに立ち寄ったギャラリーに親切な人がいて、ジェームス・タレルの「光の館」に連れて行ってくれた。この建物は素晴らしいもので驚くほどの感動があった。それは建築に魂を込めて更に磨きあげたような彫刻作品にも感じられる不思議なものだった。私は親切なギャラリーの人のおかげで、ジェームス・タレルの「光の館」に出会い、精神が洗われたようなフレッシュな気分で越後妻有をあとにしたのだった。60年代の後半、日本の現代美術の動向として「もの派」といわれるアーティストたちが登場した。いった多摩美大を中心としたメンバーに李禹煥。高松次郎や榎倉康二、高山登といった芸大系を含む一群の作家たちだった。70年代の後半、私は東京にいてこの新しい波の余波をまともに受けた。日本のシュールリアリズムの拠点とされる美術文化協会に所属することから美術家としてスタートした私は、ダダの精神の欠片もなくなった幻想絵画に嫌気がさしていた。アイデンティティー(自己同一性)とか必然性、新しい価値観や概念を求めて表現の世界をうろついていた。いつの間にか概念の袋小路に入ってしまい身動きできなくなったのを覚えている。今になってもなかなか思い切った色彩を使うことができないという後遺症が残った。いう時代背景の中で私は「もの派」と出会ったのだった。遡って、吉原冶良や白髪一雄らの具体美術の存在を知ることになり、具体美術宣言によって往復パンチを受け瀕死の状態になっていた。この作品(写真)は、「もの派」の代表的なアーティスト・関根伸夫の作品だ。関根の作品にはややトリッキーな要素がある。他にも鏡面仕上げのステンレスの支柱に大きな石をのせた「空相」という作品にもそういった要素がある。彼はそれらの作品を発表する前に東京の村松画廊のグループ展でもトリッキーな作品を発表し、「大地をひっくり返す」と言っていたという。「もの派」は李禹煥という優れたイデオローグによって、それまでの西洋美術の優位性に対して東洋美術の視点を主張する立場にあった。その「もの派」のシンボリックな作品が、この関根伸夫の「位相・大地」と言っていい。ところが、80年代になった途端にそれまでの動きは棚上げされ、ニューペインティングやバッドペインティング、あるいはトランスアバンギャルドといった新しい波が台頭してきた。あっという間の出来事だった。それまで悩みぬいてきた問題が何一つ解決されないまま一方的に片付けられ、いつの間にかニューペインティングの時代となったことを受け入れることができなかったのは私だけではなかった。私たちは大いにショックを受けひどく落ち込んだ。最近になって世界各地で「もの派」の作品が見なおされているという。養老孟司ふうに言えば、脳化が進み自らの身体感覚が危うくなってきた時代だからこそ「もの派」の眼差しが新鮮に感じられ、その価値が認められつつあるということなのか。今ではアートの世界も多種多様、巨大な情報化の波とともに虚実は入り混じり、現実も非現実(仮想現実)も錯綜する極めて不確かな時代となってきた。ボーダレスやアートレスという状況を迎え、オタク文化やアニメキャラクターがアートの世界を疾走する。ときどき、李禹煥の当時の言葉を思いだす。「略...誰もが慣れ親しむことができる万民向きの風俗と美術は違うものだ。この間、このコラムで「もの派」について書いたことがある。「もの派」は、日本の現代アートの動向を示す重要な1シーンであることは間違いない。その中でも一貫して「もの派」の精神をささえ、最もクリヤーに展開しつづけている作家が菅木志雄といっていい。若い頃、私はこの作家に刺激され大いに影響を受けた。彼の発表はいつも気になりその都度よく観ていたけれど、期待を裏切られたことは一度もなかった。最近では広島市現代美術館や山口県立美術館でも大掛かりな回顧展が企画され注目されたばかりである。物質と場所への対し方、世界をみつめる眼差しは極めて自然であり特有の素朴さがある。アーティストとして手の込んだ技術を使うのではない。菅木志雄は決して物量を示す作家ではないが、いろいろな素材を扱いながら自らの世界を見事に開示する。このアーティストの面白いのは芸術作品(様式=物体)として残せるものに限らず、ある意味で「芸」としか言えないようなスタンスでさりげなくその仕草を示すところである。nothing」(1981年)で彼と出会った。「あなたの作品を以前から拝見していますが、菅さんはどこのご出身なんですか?」と聞いた。彼は「ボクは盛岡だよ」と教えてくれた。私はそのとき「なるほど、そうだったのか」と腑に落ちるように納得した。「菅さんの木のへこみに石膏を埋める作品。あれ、僕も小学生のころ、木の机にチョークを埋め込んでやっていました。面白くてみんなでやっていて先生に怒られていました。」などと他愛もない話をしたことがあった。「ボクの発想の原点はほとんど盛岡かもしれない」とも言われた。いうわけか、菅の仕草は私の郷愁を誘うところがあって気になってしまうのだ。モノと空間」「領域」といった数種類のテーマで作品を提示するといった具合だ。嫌味がなく、ほのぼのとした郷愁を誘うところが菅ならではの真骨頂なのだ。盛岡、宮沢賢治につながる原体験のようなものが伝わってくる。現代アートの論客としても定評があり、李禹煥とともに「もの派」をめぐる論戦に挑み、周りの批評家たちを震え上がらせていた。チハコヴァー・ヴラスタ(美術評論家)を相手に言った当時の李のことばを思い出す。「批評という美名の下に、作品の事実一つ確認できない無責任な連中が勝手に貼り付けた“もの派”というレッテルを何の釈明もなくそのまま持ち出すなんてどうかと思う」「“もの派”は物を示すのではなく“状況”“場所”“関係項”“リレーション”などタイトル一つとってみても、誰もが世界と向き合い新しい地平を開こうとしていた」等々。チハコヴァー氏もこれには驚き慌てふためいたのが可笑しかった。菅の論理も明解で当初から決してぶれることはなかったと記憶している。それから数年の後、70年代の後半あたりから菅木志雄らの「もの派」の視点からさらに遡ったところで、洋の東西を問わずアートの起原を追い求めて世界をみつめようとする新しい波が沸き起ころうとしていた。アートは特別に用意された美術館やギャラリーといった建物に陳列され、完全に見る者との距離をおいて設定されていた。彫刻作品もしっかりとした台座に据え置き、絵画も日常的な壁とは隔たったものとして額縁におさめられたものである。日本の建築様式で言えば、ちょうど「ひな壇」や「床の間」といった設定といえるかもしれない。バブルがはじける前の頃、竹下政権の時に“ふるさと創生資金”として全国に一億円がバラ撒かれたことがあった。時を同じくして各地で雨後の竹の芽のごとく、公立の美術館が乱立した。皮肉なことにバブルがはじけ構造改革と財政事情の変化によって、今ではその建物の維持管理が負担となってきた。指定管理者制度を導入して民間企業の活力に期待するというケースが後を絶たない。行政における計画性の問題は当然のことながら、この制度が単なるイベントホールならともかく、美術館という文化施設に適用可能かどうかは大いに議論される必要がありそうだ。いう社会的な制度や行財政の変化をよそに、爽やかに疾走するアーティストが現れた。彼に出会ったのは、ちょうど下関市立美術館が建設されている時だから24、25年前になる。山口市在住の彫刻家・田辺武の呼びかけで招集されたアーティストが数カ国から集まって、この美術館を核とした地域(都市)づくりや芸術村ができないか、として行われた下関プレ国際彫刻シンポジウムともいえる2週間のフォーラムだった。岩国ではアートドキュメント2004錦帯橋プロジェクトに参加し、強烈な印象を与えてくれたアーティストとして知る人も多い。気さくな人柄と広島生まれということもあって親しみを感じ、プロジェクトが終わった後でも島根の水の国ミュージアムまで彼の「水際」という展覧会と同館に制作中のモニュメントを見るため、バスを借り切ってみんなで出かけた。なるとアートが分かるかどうかということではなく、このような出会いと体験を通してアートを身近に感じてしまうのだ。2003年、金津「創造の森」で“森の野獣”という彼の大回顧展が開催された。正確にいえば回顧とはいえないだろう。それというのも西の場合、ほとんどの作品が形をつくるというよりも自然の作用や歴史的事実の痕跡を私たちの目の前に差し出し、「自然との関わり」や「私たちの営み」についての問いを投げかけるというスタンスで、時間の移り変わりとともにその表情や意味を変える設定となっているからだ。彼の作品は絶えず変化し息づいているのだ。その後も彼の活躍は目覚しく日本を代表するアーティストの一人となり、岩国と現代アートをつなぐ話題を提供しつづけている。西雅秋は錦帯橋プロジェクトの前夜祭、みんなと一緒に川原で酒を飲みながら満月の下で「錦帯橋に乾杯!」といった。広島市の紙屋町から宇品港に向かう途中に千田町というところがある。広島大学の医学部があった辺りで、サロン・シネマという私の好きな映画館もある。ハリウッド映画とは違う作品を上映していてひと頃はよく通ったものだった。その地区に千田町診療所という病院がある。そこの院長が現代アートのコレクターであり、特にドイツやイギリスの現代アート、またアフリカのエスニックな感じの美術品を紹介していた。ギャラリー千田という小さな画廊で広島に行くと必ず立ち寄った。日本ではまだ馴染みのなかったジュゼッペ・ペノ-ネやイミ・クネーベル、フローレンス・ワイナー、ハミッシュ・フルトン、リチャード・ロング、河原温、ヨゼフ・ボイス、ドナルド・ジャッド、ダニエル・ビュラン、トニー・クラッグ、松沢宥など、いずれも世界のトップアーティストの面々である。その中でも驚いたのがジュゼッペ・ペノーネ(1947年生まれ、イタリア)の作品だった。製材にかけられた角材と角板から木の原型ともいえる形を丹念に表出する営為(写真)として提示しているものだった。これには本当に度肝を抜かれた。50センチ角で高さが5メートルくらいの角材の下50センチくらいが残されて、それから上は木の年輪に沿って削り取られ、その木の原型ともいえる丸太の形状(直径15センチくらい)を出現させた床置きの作品。壁に掛けられた幅40センチで厚さ8センチ、長さ2メートルくらいのレリーフ状のもので、やはり年輪にそって削りだされた原型の一部分を示す壁掛け作品の2点だった。さりげなく提示されているものの、加工された角材からその木の原型を探し求めていく途方もない作業と丹念な仕事ぶりには驚きと同時に大きな感動があった。1994年、私は山口県セミナーパークの作品制作で坪井常男という石割り職人と出会った。坪井さんは、素晴らしい知識と卓越した技術の持ち主で、私はその職人からいろいろなことを教えていただいた。彼の仕事を見ていると本当に石と対話が出来るという感じがした。セリ矢の打ち込み加減、煙草を吸って私たちと何でもない話をしている時間まで計算しながら石が割れていくプロセスが手にとるように分かっているようだった。このように、物と向き会いモノとの関係性において実感される不思議な世界がある。私たちの日常に氾濫している情報や知識とは違い、意識の底に伝わってきて言葉にならないところで実感される世界がある。ジュゼッペ・ペノーネのこのような作業における制作のダイナミズムは、おそらく作家でなければ理解されないものかもしれない。同じように無意識に働きかけ感動を呼びおこす実感のあり方は、私たちの日常生活のなかにこそある。一冊の本、芸術との出会い、百分の数秒を争う北島康介、あるいは私たちの想像を超えた大自然や人物に出会ったときの言いようのない深い感動などもその類と言っていい。インターネットで手にする情報や知識を馬鹿にするつもりはないけれど、このような実感と経験のあり方は今や圧倒的な量とスピードの情報をまえに影が薄くなってきているのかもしれない。50歳の節目にふり返ってみれば、満足できるものは何一つできていないことを思い知り、これまでとは違った可能性を探ってみたいと決心したことがある。アーティストとしては矛盾するかもしれないけれど、形をつくるのではなく運動(風土)のようなものをつくるアートがあっていいのではないかと思った。精神風土をつくることを最強のアートと考え、地域の人たちと一緒になってプロジェクトを突き動かしていくことで、意識の高揚と変革、さらにそのことが地域づくりへと発展する可能性を考えてみたいと思った。それを「無形のアート」への挑戦と位置づけようとも思っていた。2002、2003年あたりから従来の地域や自治体という枠を超え、行政と市民が一体となって取り組むアートプロジェクトを10年計画で実施し、芸術文化の振興発展のみならず活力と潤いのある地域づくりを考える、としていくつかの取り組みをしてきた。選択せず、市民を中心とする任意団体(実行委員会)のモチベーションだけで維持するという極めてシンプルな組織で実践する形式をとってきた。従って、一回ごとの企画内容と集客、資金繰りが成功の“カギ”となり、途方もない緊張感とオリジナリティが求められる。やる気(モチベーション)がなくなれば当然のことながらそれでお仕舞いとなる。やる気がないのに継続しようとすると目的が曖昧になり活動は形骸化するだろう。これを戒めるためでもあった。このような緊張感にささえられた生産的な活動は、お手軽なイベント(消費をエンジョイする都市型のお祭り)とは違った趣があって面白い。それは知的活動であり、「つくる」という厳しさと同時に、汗を流す楽しさを覚醒させる。物欲的な価値観とは異なる精神的な充足感が心地いいのかもしれない。ここでは、「情報とオリジナリティ」ということについて考えてみたい。アートに限らず、地域づくりや人材を育成するという生産(つくる)的活動にとって不可欠なのはオリジナリティということではないか。私たちはIT化の流れとともに巨大な情報化時代をむかえ、さまざまな情報や知識を簡単に手にすることができるけれども、それは本質的で必然性をともなうオリジナルなものかといえば否である。地域に根をはるものとして定着するには、時間と労力をかけて土壌をつくる必要がある。情報の媒体がアナログからデジタルへと移行したことも私たちの思考や感覚の変化に大きな影響を与えたことも否定できないが、いま最も必要とされるのは意識化される前の無意識への作用によって培われるものではないかと気になっている。忘れかけてしまった無意識の存在に気づき、言葉になる前の身体的な実感が大切だと思っている。それとも、私たちは氾濫する情報の操作やその処理に夢中になっているうちに脳化が進行し身体感覚を退化させてしまったのだろうか。前宮城県知事の浅野史郎ではないけれど、地方が無自覚に都市化を求めていては決して格差はなくならない。今こそ地方はないものねだりするのではなく、あるもの探しをする必要がある。することがスプロール化へと向かう現象を断ち切り、オリジナリティのある地域づくりとともに精神的な誇りを手にすることになるだろう。私たちはこれまで市民と行政が一体となった活動を願い、行政の理解と協力を求めているけれど、残念ながら私たちが期待するほどの結果には至っていない。失礼な言い方かもしれないけれど、新しいことへの挑戦を拒否し思考することさえ放棄するなら、もはや可能性は期待できないだけでなく、そこにはかなりの無駄があるというほかない。最近、発表された財政健全化計画で300人近い職員を削減する、というのも遅すぎるくらいで極めて当然のことなのである。情報とオリジナリティ(下)(2007.6.9)新しい価値観で実践する市民活動(アートプロジェクト)をささえるには多くの資金が必要となる。行政に限らず、平等という美名のもとに活動内容を考えることさえ中止し、一律に平均化(割り算)することが平等と錯覚している悪しき支援制度やその感覚を反省し見直すことも必要だろう。むやみに危機意識を煽るつもりはないけれど、いつまでもイベントごっこや情報を消費している場合ではない。それは無自覚のまま続けている浪費以外の何ものでもない。5月10日から岩国市内の画廊aというところで香川龍介展という展覧会があった。香川氏は広島在住のアーティストで広島の画壇を代表する一人でもある。真摯な作風とともに気さくで大らかな人柄が人気を呼び、オープニングに合わせて行われたギャラリートークは大盛況となった。