その本質にせまる経験的作業を絵画制作そのものとして位置づけ、師と仰ぐ坂本善三のほかにセザンヌやクレー、小林秀雄などによるいくつかの言説を紹介しながら分かりやすく説明された。堀研の「絵画におけるリアリズムとは、作者自身の深層の真実を求めるその感性から生まれるものであり、それを掘り当てた芸術家の哲学であろう」との言葉を引用しながらこれに尽きるとも...。香川氏のトークは、この文脈におけるオリジナリティへの希求とも換言できる。無意識(深層)へ作用する力について言及しているのだった。以前、このコラムでジュゼッペ・ペノーネ(イタリアの現代アーティスト)の作品世界について、意識と無意識に伝わる情報の質の違いについて記述した。インターネットで手にする情報や知識を馬鹿にするつもりはないけれど、無意識を揺さぶるような情報(芸術)への関心のあり方が問われている。近年、岩国を中心とした山口県東部のアートの動向が注目されている。街はさびれ美術館もなく財政の悪化に苦しんでいるこの岩国で、大きなアートの“うねり”がはじまろうとしている。旧市町村で廃校となった小学校を拠点とするアートプロジェクト構想や将来のダム湖周辺整備をアートの手法で彫刻公園として整備するとともに、芸術文化の振興発展のみならず多方面での交流と地域活性化事業を進める構想など、新しい文化の動向が注目されている。このようなアートの挑戦は、従来の慣習にならって市教育委員会などという行政窓口の枠内だけで簡単に対応できるものではなく、総合的な政策プランとして考えられるべきであり総合政策部の問題ではないかと思っている。私たちがプロジェクトの主旨、あるいは目的として位置づける「心による地域(都市)づくり」とは、単なることば遊びとして無自覚のまま言っているのではなく、このような視点をもつ切なる思いで発信しているのである。「越後妻有アートトリエンナーレ」「取手アートプロジェクト」「犬島プロジェクト」「広島旧中工場プロジェクト」など、地域とアートエネルギーの爆発に期待しアートの手法で地域づくりを考える視点が強調されている事実を知ってほしいとも思う。文化庁が文化による地域(都市)づくりという視点で各種事業を立ち上げているのも肯けようというものだ。今秋、私たちは「マドモアゼルシネマ“旅するダンス-不思議な場所-”」と「アートムーブ2007〈岩国〉具象の未来へ」(写真)という二つのアートプロジェクトを開催する。前者はダンスカンパニー:マドモアゼルシネマと映像作家:梶村昌世(ベルリン生まれの日本人アーティスト)のパフォーマンス。個々のダンサーの身体に宿る不思議な場所「家」をテーマに繰り広げられる斬新な企画で映像とダンスのコラボレーションとなるはずだ。後者は“表現の具象性”に注目し、具象絵画・ファイバーアートの最前線で活躍する6名のアーティストの作品世界を現代アートの一断面として紹介する。そのことを契機として今日的な諸問題と私たちの現在を見つめる、という極めて魅力的な企画となっている。私たちはこの活動に賛同し一緒に汗を流したい方々の参加を呼びかけている。事務局(0827-24-1560画廊a)までにご連絡いただければ、必然的に私たちとともに「無形のアート」への挑戦者ということになる。これは面白いぞ!乞うご期待だ。前回のコラムで『「もの派」の視点からさらに遡ったところで、洋の東西を問わずアートの起原を追い求めて世界をみつめようとする新しい波が起き上がろうとしていた。ら名古屋のグループだった。彼らは常にしっかりとした視点で真面目な作品を発表していた。戸谷成雄の「露呈する彫刻」、遠藤克利の「水」、木戸修充の「1センチ幅のライン」などの作品だった。URAWA」や所沢の航空記念公園でやったグループ展も勢いがあって面白かった。実は、戸谷成雄はその頃から“花さか爺さん”よろしく灰(石灰)を撒いていた。その後、日本橋にある“ときわ画廊”で発表した木と石膏を素材とした作品で大ブレークしたのだった。岩国でも錦帯橋プロジェクトに参加し、壮大なスケールの「灰餅の木」を高校生や地域の人たちと一緒になって制作したので知る人も多い。ほか国内外の美術館に作品が収蔵されている。彫刻をめぐる戸谷の探求は、「森の哲学」とでもいうべき独自の世界観にまで到達したかにみえる。その回顧展のインタビューでも答えていたが、森の大地に生える木立の領域(森の襞)を地球と宇宙の境界に位置する表皮と捉え、彫刻における表面の考え方に引き寄せながら独自の思想(世界)性を展開している。自在に交流し意識化する設定となり、よりいっそう豊穣なコスモロジーを展開しているとして世界的にも極めて高い評価を受けている。私は「戸谷さんの作品、中上健次の路地を思わせるところがあるね...」と言ったことがある。46歳で死をむかえた中上は彼らの仲間うちでもかなり話題になっていたという。遠藤克利も「オレはいつか中上健次を超えてやる」などと言っていたというから面白い。戸谷成雄が岩国で制作したのは「灰餅の木」だった。彼はこの作品を半年かけて考え、明解なコンセプトをまとめた。それは戸谷の里、諏訪の御柱祭りの儀にそったものだった。錦帯橋とその周辺の地形からインパクトを得たに違いない。その作品のプランは「灰」「祭り」「昔話」という3つの軸で成り立つものだった。移動・贈与と返礼・昔話・さらに社会の権力構造までイメージを膨らませ高校生たちに問いかけた。素材となる木を山の頂(男性シンボル)から移動して、谷や川(女性シンボル)に架かる橋を渡る時点で両者は結合し、木は神に生まれ変わると説明した。そのことが贈与と返礼を意味するものであるとして、その行為の是非を問いかけるのだった。=岩国」の有り様を示すアートの花まで咲かすというオマケつきで、岩国に大きなインパクトを与えてくれた。彼は昔話に出てくる“花さか爺さん”だったのだ。今年の11月、シンフォニア岩国において「アートムーブ2007〈岩国〉“具象の未来へ”」という大掛かりな展覧会がある。2003年の“表現の成り立ち”につづく企画だが、今回は“具象の未来へ”とその内容をがらりと変えている。旅するダンス“不思議な場所”」というダンスと映像(梶村昌世:ベルリン生まれ)のコラボレーションとなる岩国公演も開催する。​これらは「アートドキュメント2004錦帯橋プロジェクト」「キッズパワープロジェクト2005“大人の子ども、子どもの大人”」「フォーラム2006〈岩国〉ジャン・サスポータス&斉藤徹デュオパフォーマンス」と続けてきたM21プロジェクト構想の一環なのだ。旅するダンス“不思議な場所”」については改めて詳しく紹介するとして、ここでは“具象の未来へ”の参加アーティスト6名を紹介することにしよう。小林孝亘(抑制のきいたスタティックな静けさの中に真実にせまる力強い作風として世界的に高く評価されている)は、タイと日本を拠点に創作活動を続ける注目株のアーティストの一人。今年の東京アートフェアーで1,200万円の値がついたというから驚きだ。小林裕児(写真)は、東京芸大出身で安井賞作家としても注目され目覚しい活躍をしている話題のアーティスト。他のジャンルとの共同作業も絶好調で、最近はライブペインティングと称するダンスや音楽とのコラボレーションなどで新境地を開いている。昨年のジャン・サスポータス&斎藤徹デュオにも関わって大活躍したので、すでに私たちとは仲間のような感じなのだ。精力的に創作活動を続け、最近は「皮膚」をテーマとしたファイバーアートの作品を発表し一躍注目される)は、岩国市の出身で今後の活躍が期待される新進気鋭のアーティストの一人。長谷川繁(日常への眼差しと技巧にとらわれない独自の作風で知られ、痛快ともいえる独特な表現世界を確立しつつある)は、いま最もビビッドなアーティストの一人といえる。昨年は日本代表として国際美術展インドトリエンナーレに出品し、世界を舞台に活躍が期待されている。しても学生たちの制作指導に精力的に関わっている実力派だ。吉村芳生(色鉛筆で描かれた草花の世界が放つ異様なパラドックスと醒めた視覚が定評)は、複製のメカニズムを意識した初期の作品はその方式だけでなく、現在をみつめる研ぎ澄まされた感性によって先駆的なドローイングの作品として注目されている。今回は“具象の未来へ”として、具象絵画・ファイバーアートの最前線で活躍する6名のアーティストの世界に注目し、これらの作品群から示される真実の世界(リアリティー)を現代アートの一断面として紹介する画期的な内容となっている。関連企画として、各アーティストによるギャラリートークやシンポジウム「くらしの中の芸術文化を考える」、また世界を舞台に活躍するコントラバス奏者・斎藤徹をゲストにむかえ小林裕児のライブペイントが行なわれる。(1976年、ベルリン生まれの日本人アーティスト)の共同パフォーマンスをシンフォニア岩国で開催する。11月の「アートムーブ2007〈岩国〉“具象の未来へ”」とともに同実行委員会が主催するもう一つのビッグプロジェクトなのだ。ここでは「マドモアゼル・シネマ2007旅するダンス“不思議な場所”」について詳しく紹介しよう。岩国“ジャン・サスポータス(ピナ・バウシュ舞踊団の中心メンバー、ダンサーで俳優)&斎藤徹デュオパフォーマンス”」をプロデュースした伊藤孝からもちかけられたもので願ってもない有難い企画なのだ。私たちのこれまでの取り組みを評価していただき岩国で是非とも実現したいということだった。総勢20人近くのスタッフ・ダンサーが岩国に結集することになる。場所』の国内(東京、松本、岩国)公演で、来年度のドイツ公演を視野に入れたものというからスケールが大きい。作品は女性の視点で捉えた価値観を提示するとともに、グローバルな今を生きる現代の女性たちのアイデンティティーを問う内容となっている。総合芸術となるこの作品の振付担当は伊藤直子(マドモアゼル・シネマ主宰)、映像担当は梶村昌世を中心とするのもで、共同作業を積み重ね舞台芸術の可能性を追求している。『不思議な場所』は普遍的なテーマ「家」「家族」を題材にしており、家を舞台に記憶の断片の数々がさまざまな出来事となって現在に蘇ってくるダンス物語。記録された映像、リアルタイムの映像、そしてダンスが混在する中で家や家族をテーマにしたファンタジーが生まれる。ベルリンの壁が崩壊した1989年。世界も家族のあり方も変化し、幸福な時代感覚を共有することが難しくなっている現在、ベルリンの映像、東京の映像、ベルリンに住む人、東京に住む人、それぞれの過去や記憶とともに現在を重ねながらストーリーが展開される。世代も生まれた所も住む国も日本とドイツと異なるダンサーたちが、ダンス・シアターの手法で幻想の舞台を構築するというわけだ。『物語性と運動性の融合で創る幻想のダンス』を追求する伊藤直子の作品世界と新進気鋭のアーティスト梶村昌世の共同作業による本企画「マドモアゼル・シネマ2007旅するダンス“不思議な場所”」は、極めて刺激的で魅力的な総合舞台芸術作品といえる。ジャンルを超えた表現世界を楽しむことができるはずだ。地域の人とともにワークショップや出演の可能性も検討中だ。教授で現代アートの作家・椿昇と入試広報課の吉田、林の3人がアトリエに来てくれた。椿教授が指導する空間演出デザイン学科プロダクトデザインコースに当教室の研究生M君が合格したこともあって、美大・芸大を志望する高校生たちへのアドバイスをしてくれた。いうわけかここ数年、私の美術教室からこの大学に進学する受験生が続いている。今では学部・コースは違っていても大学院生を含めてOB・OGの研究生が学年ごとにいて岩国グループができているというから面白い。それはともかく、政治的なメッセージを込めて国際舞台で活躍するアーティスト・椿昇の話は刺激的で説得力がある。アートの可能性、地域や社会への積極的なアプローチなど、たいへん興味深い話を聞くことができた。京都造形芸大では産学共同プロジェクトや地域共同プロジェクトなどを中心に積極的に学生が企業や社会との交わりの中で学ぶことで大きな成果をあげているという。国際舞台で日本人アーティストが問題とされるのは、他国(特にアメリカ)に対するアイデンティティーの曖昧さがあるともいう。私はアートが美術館やギャラリーで紹介されるだけでなく、自然や都市空間へと侵入し地域社会と深く関わることで芸術文化へのアプローチのみならず、地域づくりや文化による地域活性化の起爆剤になりうるというアートエネルギーの可能性に注目している。そのことの意義や素晴らしさを感動的に中・高校生に伝え、現代アートに関心をもって欲しいとも思っている。彼らがドサ(地方)まわりをしてまでアートやデザインという分野での仕事とその可能性や意義を伝えようとするのも単に大学受験者を求めるという営業目的だけではないような気がする。それというのも地域で活動しながら地域ぐるみのアートプロジェクトや美大・芸大への進学指導をしている私の立場からみても、子どもたちのアートに対する意識や感覚にかなりの格差を感じているからなのだ。状況は子どもたちだけの問題ではないけれども、私たちが精神風土をつくることを最強のアートと考え、地域ぐるみで取り組んでいる各種プロジェクトにはできるだけ関わって欲しいと思っている。今年11月に開催する「具象の未来へ」という展覧会も高校生までは無料で鑑賞できる。文化庁や県・市教育委員会の後押しも受けているので学校関係者にも大いに興味をもって欲しいとも思う。アートは本当にアグレッシブなものなのだ。確かに、手間隙かけた労作を多くの人に見ていただくことは大切だと思っている。地域ぐるみで「みる」「つくる」「ささえる」プロジェクト体験や運動(パフォーマンス)自体がアートだ、と本気で考えているからバカだと言われるけれどこのような無形のアートがあっていいはずだ。ヨゼフ・ボイスだって社会彫刻を振りかざしたではないか。バカは死ななきゃ治らない、みんなが利口になってどうするか。文化力が問われて久しいけれど、それをささえるのは実は馬鹿力(りょく)かもしれないのだ。四万十川の美化をささえている四万十バカもいれば錦川にもバカがいる。馬鹿力(りょく)をバカにしてはいけない。おーっと、椿昇らの話から馬鹿力(りょく)の発見とその可能性がみえてきた。これは凄いことかもしれないぞ。言えば馬鹿力(りょく)は新しい価値をつくりだす。振り返ってみれば昔はいろいろな奴がいた。クリエイティブな挑戦は必然的にクレイジーな要素をともなっている。考えてみれば他のどの分野にも天才的でとっておきの人がいたではないか。みんなでバカになれば怖くない。みんなでバカになって地域でアートを爆発させましょう。音の作品、サウンドインスタレーションといえば松本秋則の代名詞となった。私の若い頃からの友人である。不思議美術家ともいわれ音楽や舞踏・演劇など他のジャンルのアーティストたちとの共同作業も実に楽しそうにこなす軽いフットワークの持ち主だ。彼との出会いは毎日新聞主催の日本国際美術展(1978年)の受賞式だった。その頃、彼はビデオアートの作品を手がけていたのだが、当時から自由人みたいな振る舞いでいろいろな活動をしていて本当に得体の知れない不思議な美術家だったような気がする。一昨年の「キッズパワープロジェクト2005」では、知る人ぞ知る「文殊の知恵熱」というユニットで「ターンオーバー」というライブパフォーマンスをした。「文殊の知恵熱」は特殊音楽家と称するとうじ魔とうじ、元舞踏演芸家なる村田青朔と組む音楽・舞踏・美術の3人ユニットなのだ。彼らのコラボレーションはそれぞれの役割分担ではなく、3人が等しく演者であり演出家であり舞台美術担当者であるという。舞踏」などといっている。これは間違いなく最強のコラボレーション(共同作業)といえるのではないか。キッズパワープロジェクト2005でも現地の舞台監督から照明スタッフのほか舞台に立った若い人たちまで巻き込み集合的な舞台づくりとなった。彼らの舞台は実に楽しい。繰り広げられる音遊びの無言劇は不思議なことにイノセントな状況をつくりだし、子どもにも大人にも伝わってくる気持ちの良い楽しさ可笑しさ面白さとともに滑稽な印象さえ与える。小さな子どもが興じるのも無理はない。私たち人間の本質として子どもと大人に共通する感覚があるからこそ、小さな子どもが敏感に反応するのではないか、と思えたほどだ。文殊が奏でる音具(楽器)は極めて日常的なもの(ダンボール箱、ビニールホース、TVアンテナ管や灰皿など)でできているところがさらに面白さを誘う。それらは決して仰々しいものではない。何でもない日常的なものを扱いながら、日常を逸脱した感覚や価値観で向き合うところに文殊の発見があるのかもしれない。若い頃、東京で発表するとなると私はいつも松本の四畳半兼アトリエに転がり込んでいた。その時、彼があざだらけで朝帰りしたことがあった。喧嘩でもしたのかと聞くと、「違うよ」と笑いながら応えた。前の日の演劇で盛り上がって観客もろとも取っ組み合いになって騒いだということらしい。それにしてもどうしてそうなるのかと聞くと、「どうしてかなあ~、わかんないけど演劇観ていると自然とそうなっちゃうんだよね」という。「演劇やっている女の子にいきなりバックドロップくらって半年寝込んだことがあるよ」などといっているから更に不思議な奴だ。いつだったか、寺山修司の話を聞こうという会があって、松本は会場となる喫茶店のあちこちに音の出る仕掛けやサウンドオブジェを配置し寺山を食ってやろうと企てたというから面白い。観衆はほとんど気がつかなかったけれど、寺山自身が一番面白がっていたというのがオチなのだが、そういう子どもじみた眼差しと好奇心が彼の制作の原動力ともいえる、などと本当に思えてくるからますます不思議美術家なのだ。ある画廊aでは広島のアーティストたちの作品が発表されていておもしろい。このコラムでも紹介したことがある広島在住の画家で絵画の重鎮・香川龍介(元独立美術会員)氏の門下生たちの個展がこの秋まで続いているのだ。らの個展は、岩国では見かけることのない作品で爽やかな風を感じさせた。どちらかといえば抽象的な作品が多かったのだが、正面から絵画制作に取り組んでいる真摯な作風だけでなく話をしていて気持ちの良い人たちだった。地元の美術関係者の来場が少なかったのが残念だけれど、それでも表現に関心をもっている市内の人たちの美術サロンとして画廊には活気があった。人口10数万の地方都市でギャラリーを経営するのは大変なことだと思う。新しいアートの紹介にはいろいろな面で苦労することが多いはずだ。画廊主のKさんは本当に良く頑張っていると思う。私たちも陰ながら応援したくなってくるのだ。最近では特に若いアーティストや広島・柳井・山口など市外のアーティストからも注目され、気持ちの良い空間として人気を集めている。これまでにも田島征三の絵本の原画展や講演会、小規模のダンスやコンサートもあった。分かりやすく言えば、気持ちの良い空間で気持ちの良い人たちが集い、新しい作品をみることができる場所として人気が定着してきたということだろう。Kさんはアーティストとして「山口県美展」やシンフォニア岩国での「絵画のいろは展」などのグループ展のほか、呉市立美術館などでも現代絵画の発表を続けている。ここでは県美展の話題や新しいアートの動向、また広島・岩国のグループ交流から「広島・山口」アートフェスティバルの実現へと「大袈裟にぶち上げてやってみようか」などと話題に事欠くことがない。7月19日から24日まで武田裕子展が開かれた。大竹市在住のこの作家の和紙と水彩、ロウなどを使った作品はアクション的な要素と気持ちのいい色面構成を中心に展開され見ごたえのあるいい展覧会となった。飛び入りでピアニストによる即興演奏会もあったりして多くの人が集まったという。マドモアゼル・シネマ2007旅するダンス「不思議な場所」(10月31日、シンフォニア岩国)とアートムーブ2007〈岩国〉“具象の未来へ”(11月13日―21日、シンフォニア岩国)のプロジェクト実行委員会事務局として、チケット取り扱いなどフル回転で活動している。新しいアートの情報は岩国市山手町の画廊aでゲットできる。このギャラリーの活動は広島まで波紋を広げているというから出入りする人もかなり変化してきた。不思議なことに「発表するアーティストたちからも新鮮で気持ちが良い、楽しい」との反応が返ってくるとKさんは控えめにいう。岩国ではコンペ(市美展や県美展、団体展など)志向が強いためか、ギャラリーで発表する個展には無関心なところがあるのかもしれない。いろいろな考え方もあるけれど、コンペとは全くちがう制作への向き合い方が個展をみていると良くわかる。Kさんの挑戦は少しずつおもしろい兆しを見せてきたようだ。岩国市にこのギャラリーは絶対に必要だと思っているのは私だけではないだろう。このギャラリーで発表できる人が多くなって欲しいものだ。マスコミ各社にも地域文化をささえる大切な場所として大いに注目して欲しい。里というところに八島正明というアーティストがいる。奥深い山々に囲まれたその地域は、午後三時には日が落ちてしまい陰の世界になるのだという。私は日本のシュールリアリズムの拠点といわれた美術文化協会で彼と出会った。らを中心に当時の独立美術や二科の前衛アーティストを中心に結成した創紀美術のメンバーと、他の前衛アーティストが結集して創立した会で超現実的な表現集団として1938年に発足した。反戦思想犯として代表の瀧口や福沢らが投獄されたり、会員同士が京都駅で大喧嘩して三面記事を賑やかしたり、紆余曲折を経て戦後再結成され今日にいたる。私がこの会に所属したのは、1974年の第34回美術文化展からだった。それまで勤めていた大手企業をやめ絵画を志して上京した。小島喜八郎という優れたアーティストに出会った。実は、八島正明とは彼を介して出会ったのだった。二人は具象絵画の登竜門といわれた安井賞を争うライバルであり、互いに認め合う親しい友人でもあった。ともに美術文化協会の会員として中心的な活動をしていた。私は二人から多くのことを学び大変お世話にもなった。「原田くん、メチエを少し勉強するといいよ」といわれた。私は小島のメチエ論に圧倒されながら必死になって絵画を模索した。メチエとは絵画を成立させる全ての要素の必然性と思想性の総体ということができる。文学でいえば文体のようなものだ。メチエ不在の絵画は成立しえないことになる。そのようなことを議論しながら作品を発表し、大いに刺激を受けては酒を飲んでいた。刺激され続け、グループ「リアリズムの分岐」展で学んだことは私の貴重な財産でもある。八島正明は第18回安井賞を受賞したばかりでいろいろと注目されていたけれど、美術文化展やリアリズムの分岐展では仲間でありライバルであり先輩作家だった。何でも遠慮なく話ができた。上京したばかりの年だったか、池袋の西武美術館で八島の受賞作品「小使いさん」を見て驚いた。それは、彼の母親が内職仕事で使い古した木綿針を割り箸にくくって引っかいて描いたモノクロームの作品だった。それまでの安井賞の中でも異質の作品であり異質の作家ということだった。所属し中学校の教員をしながら実像のない影の世界を描く独自の画風で創作活動を続けていたのだった。「色を形で実体化する人物対象をモデルと呼ぶならば、その人の影の部分だけを必要とする私の場合何といっていいのか言葉がみあたらない。いう私の作品の影のモデルになった小使いさんは、現在勤めている田舎の中学校の59才になるいわゆる女性用務員で、若い頃病気の主人と死別し、一人息子と身障の娘さんをかかえて苦闘の歳月を生きぬいてみえた影と翳りを私自身の今の生活や苦悩と重ねあわせて、限られた平面の中に凝縮させてみたかった。誰にも解り得ない重い影をひきずって生きていく個々の人間の、どうにもやりきれない淋しさと宿命を私なりに語りたかった。」と受賞のことばを残している。「けれどもそんな私の気持ちと裏腹に、この展覧会の会期中に大阪のある教員の組織団体から新聞社を通じて『小使いさん』という題名が差別用語だから変更してほしい旨申し込みがあり、私は私の作品題名によって迷惑をうける人が一人でもみえるのならと、急きょ『放課後』という題名に変更はしたものの、前述の如く別に私は小使いさんを差別したりする気持ちは毛頭なく、むしろ定年を一年後に控えて尚も老後の不安を持ちつづけるこの人に限りない哀しさと、長年接してきた人間的な親しみをおぼえるからこそその題名を使った」と釈明し会期中での題名変更を詫びている。八島正明はそういう作家で今もそのナイーブな制作態度は変わらない。昨年、久し振りに電話で話をしてそう思った。山口市に在住する現代彫刻の重鎮・田中米吉の展覧会「ドッキングからの視線」が山口県立美術館で開催されている。今年、81歳を向かえながらも衰えを知ることのない創作意欲には感服するばかりである。この作家との出会いは私がちょうど29歳で岩国に帰郷して間もない頃、11月の「アートムーブ2007〈岩国〉具象の未来へ」に参加するアーティスト・吉村芳生と山口駅前の自宅の隣にあったアトリエを訪ねたときだったと思う。山口県立美術館では香月泰男の回顧展が開催されていた。当時の田中さんは“ドッキング”シリーズを展開されているころで、アトリエでは助手の横沼さんが模型を造っていた。宇部の現代日本彫刻展のみならず、埼玉県立美術館(設計・黒川紀章)の窓に大きな角柱が突き刺さっている作品にも取りかかっておられたのではないかと思う。その後、仁保のアトリエにも何回か訪ねたこともあり初期の「点字」の作品以外は、ほとんどの作品の制作過程とその意図についていろいろな話を聞かせていただいた。香月泰男とのいくつかのエピソードも何度か面白く聞かせていただいた。私の知るところでは田中彫刻の中心的なテーマは、現象として見え隠れする視覚的作用のあり方への強い関心にあったように思う。同心円状のレリーフの作品、ドッキング、巨大な鉄のかたまりがゆれる作品、床材と同質な材料を空間に異化するインスタレーション等々にみられる共通項がそのことを物語っている。最新作の「Universality(自己・非自己)」と名づけられた穴あきの鉄のキューブにも動線の変化(視点の移ろい)によって、物体を通過する視線の変化と彫刻としての物量感が相対的に消滅する場面を意図的に設定している気がする。鉄のかたまりが動く作品もあるけれど、アレクサンダー・カルダーやマーク・ディ・スヴェロでもなく、まして新宮晋やキネティックアートとも違っている。田中彫刻の関心は動くはずのない何トンもの鉄のかたまりが、錯覚のように僅かに動いていることへの視覚的な浮遊感・不安感にあるといえる。浮遊しているように錯覚する者の立脚点はどこか。それは根底から私たちの現実存在を確認することを求めているような装置と換言することもできる。アトリエでの話の途中、「田中さん、会社の経営のほうもタッチされているんですか」と私がいきなり聞くと、「おう、これでもまだ社長だよ」と笑いながら言われた。「もう、誰かに任されたらいいのに」というと、「うーん、それも考えてはいるんだがな...」などと言いながらとにかく元気だ。田中さんにはペダンチックな装いが全くない。本当にまじめなアーティストだとつくづく思う。アトリエを訪ねると私はいつも励まされ、田中さんは作品制作について熱く語られる。その眼差しと関心事は常に先にあることに驚く。今回の展覧会は各地に設置されたモニュメントを除いて、新作を含む田中彫刻のほぼ全貌ともいえる回顧展として美術館の全館を使って行なわれている。この彫刻家の眼差しと創作への意欲は最新作の「Universality(自己・非自己)」(写真)にはっきりと示されてきた。それは、現象として見え隠れする視覚的作用のあり方を示し、私たちの立脚点と現実存在、あるいは物事の本質について問いかける極めてシリアスな世界に他ならない。小学校の3、4年生のころだった。いうわけか印象派の作品集2冊を兄からもらった。その画集にはクールベや印象派の画家たちの作品がおさめられていた。セザンヌ、ルノアール、ピカソ、ブラック、モネ、マネ、ロートレック、マチス、ゴーギャン、ゴッホ、モディリアニ、ユトリロなど強烈な印象だった。スーラやシニャックもあったけれど、小学生の私は軽くて明るいタッチのデュフィの作品「日曜日の公園」(?)とルノアールの作品「帽子の貴婦人」(?)が好きだった。その少し前だったか、偶然にもテレビでモディリアニのモノクロームの映画をみた。テレビもそのころから普及しはじめた白黒だった。後で分かったことだが、その映画は「モンパルナスの灯」という作品だった。その後、何回となくその映画を観たけれどラストシーンにつづく印象が、小学生のときの記憶とは違っていた。私の記憶では酒とドラッグでよれよれになったモディ(モディリアニのこと)が雪の中で倒れたと思っていた。後で見直したら霧の中に消えた感じになっていた。分からないけれど、そのとき画家というのは格好いいものだなと強く印象に残った。中学校にあがると教室の壁に黒目のない長い首と顔の肖像画の写真がはってあった。モディリアニの作品だとすぐに分かった。首を少し左に傾けている感じだったと思う。実に印象的な作品だった。このときから私にとってモディリアニは特別な画家になった。いうふうに特別なのか分からないが、懐かしいような不思議な気持ちになるのだった。不確かな記憶をたどれば、モディリアニは裕福な家に生まれた格好いい青年で非常に個性的な人だった。美術学校でもモデルを忠実に描くのではなく自分の好きなように描いていた。教官に揶揄されながらも本人は得意になっていて、全く気にしていなかった。映画ではモデルを描かずにモデルを描いている若い女性を描いていた。その女性(画学生)と後に一緒に暮らすようになり、貧しいながらも幸せな日々を過すことになった。モディリアニは酒におぼれ麻薬に侵されながらもあの独特の作品を描きつづけた。画商(セザンヌの帽子をかぶった自画像に似た風貌)もモディの作品に注目しはじめていたが、モディリアニの身体は酒とドラッグに侵されていった。霧の中にさまよい倒れたあとで作品が評価されるが、モディリアニとともに幸せな日々を過した女性は身ごもったまま投身自殺をした。小学生だった私は何を思ったのだろう。いいようのない切なさと哀しさと同時に、絵を描くということが人の生涯をかけるに値するものだと感動したような気もする。印象派を後で調べてみると、凄いアーティストばかりだとつくづく思う。セザンヌ、ゴッホ、マチス、ピカソ、スーラ、モネ、ゴーギャンどれをとっても巨人ばかりだ。モディリアニとともに私にとって印象派は懐かしい故郷のようでもあり、あるいは原体験のようなものかもしれない。そのモディリアニの展覧会が山口県立美術館にやってくるという。私は懐かしい人に出会えるような何ともいえない気持ちで今から楽しみにしている。モディリアニの印象はあの時とはちがっているのだろうか。わが国に日本路上観察学会というものがある。この学会も最近ではたいへん有名になってしまったので、ご存知の人も多いのではないかと思う。仰々しくて、たいそうな組織または公的機関のようだが、何のことはなく私たちの生活の営みとともに路上に残された無用の痕跡を見つけては芸術的な意味付けをして楽しむ会と考えていい。別名トマソン(元読売ジャイアンツの選手で、あまり活躍できなかった無用の選手というひどい話)芸術ともいわれているのだ。建築家・藤森照信などのほか超豪華メンバーで構成されている。今年のベネチア国際ビエンナーレ建築展でも大いに注目され、帰国第一回展として東京オペラシティホールで展覧会をしたのが確か7月だったか。私は今月13日からシンフォニア岩国ではじまった「アートムーブ2007〈岩国〉具象の未来へ」の打ち合わせで久し振りに上京して、この展覧会をみることができた。最近では、ル・コルビジェ、ミース・ファンデルローエ、フランク・ロイド・ライトという現代建築の三大巨匠に対して、彼らの概念思考や機能主義あるいは無機的なデザインセンスに異をとなえる人も多い。眼差しにも度肝を抜かれた。その展覧会の印象は日本の縄文文化にもつながる土俗的で物質的な感覚と自然観が際立っているものだったからだ。路上観察学会の仲間と縄文建築団なるものを組織して楽しそうにやってのける「超」シロート建築で大人気というからますます面白くなってくる。基本は笑いで、楽しめるのがさらにいい。これまでのモダニズム建築の一般的な価値観を逸脱して、「宇宙遺産をめざして」という視点がまさしく超建築家たる所以なのだ。錦帯橋世界遺産どころの話ではない。東京オペラシティホールでは「土塔」という作品が展示されていた。「土塔」は藤森照信(自薦)の宇宙遺産ノミネート作品で土を積み上げただけのしろものだ。扉を開けても土が詰まっているだけで機能性はゼロ。会場にはこの「土塔」がいくつも配置され、イタリアで大受けした竹・縄網のドーム型シアター(茶室にでも入るように中に入ると、路上観察の数々の名品がビデオで紹介されている)が縄文建築団によって再現されていた。他にもニラハウスやタンポポハウス、ねむの木学園の新こども美術館や秋野不矩美術館などの模型や設計プラン・コンセプトをまとめたパネル展示も紹介された。最近の街並みや建物をみているとつくづく嫌になってくるのは私だけではないだろう。あの無秩序な猥雑さと機能性や利便性だけを求めた表層的なデザイン建築は鼻持ちならない。安藤忠雄や伊東豊雄、また荒川修作(養老天命反転地)など魅力的な提言や自然観も面白いのだが、どこか無理があるような気がしてならない。藤森照信の建築には無理がない。見たこともないのにどこか懐かしさがある。これはきっと私たち農耕民族としてのこれまでの歴史とその身体に込められた縄文文化のDNAが作用しているのではないかと思えてくるから不思議だ。それこそがモダニズム建築を逸脱する超シロート建築のなせる業なのかも...。アバカノビッチ(ポーランドの女性作家)の大きな展覧会があった。そのとき、広島のアーティストで友人の黒田敬子から興奮気味の連絡が入った。「今世紀を代表するファイバーアートの巨人、マグダレーナ・アバカノビッチの展覧会がある。観て欲しい」ということだった。私は天井から吊るされた巨大な作品「アバカン」に圧倒された。会場にはアバカノビッチの家族だけでなくポーランドが経験した戦争の悲劇、アウシュビッツを連想させる人体を型抜きしたようなレリーフ状の作品などが配列されていた。圧倒する物量と物質感から伝わってくるとてつもないエネルギーと情感、この作家特有の作品が示す壮大なスケールに向きあうこと自体が私には大きな意味があった。それは、「戦争と平和」「愛と憎しみ」「人間と自然」あるいは「生命の尊厳」といった神秘と謎に包まれた普遍的なテーマを突きつけてくる衝撃的な展覧会だったと記憶している。ところが、当時の私は表現における叙情性を徹底して否定し忌み嫌っていた。エモーショナルな感情にささえられるのではなく、より直接的で具体的な表現として確認できる現象学的な世界に新しい意味を求めようとしていたからだ。これは多分、私がシュールリアリズムの拠点といわれた美術文化協会に所属し、多くの幻想的な絵画にうんざりしてきたことだけでなく、もの派や具体美術の余波をまともに受けた当時の私自身の抜き差しならない問題でもあったのだと思う。偶然にも同じ時期、広島市内のギャラリー千田でアラン・マッカラム(アメリカのアーティスト)の展覧会をみることができた。私にとってアラン・マッカラムはたいへん気になるアーティストだった。アラン・マッカラムの作品に叙情性はない。それは、複製メディアの圧倒する物量が情報の匿名性とともに意味の変容をきたすという今日的な情報社会の問題をテーマとしたものだった。言い換えれば、シミュレーションがシミュラークルとして機能するそのことを顕在化するものだったのだ。これらの作品は時代の潮流や状況を基軸にして成立する極めて優れた現代アートといえるものだった。そのとき芸術における普遍性の問題がアバカノビッチの作品によって突きつけられた。私は基軸となるのは時代を超える普遍的なものであることに気づかされた。そこには、人間の本質的でかつ普遍的な大きなテーマが豊かな叙情をともなって強固な表現として成立していたからだ。私にとって、偶然にも同じタイミングで両者の作品にふれたことに大きな意味があった。それから遡ること数年、岩国の音楽喫茶“タキ”で杉本春生(詩人、批評家)の講演があった。そこでは表現の叙情性について激しい議論があったと記憶している。私はその場でも表現における叙情性を否定し、杉本氏にくってかかったのを思いだす。その後、氏の著作「叙情とその周辺」「森有正-その経験と思想」「初めての歌」や森有正の「バビロンの流れのほとりにて」を本気で読んだ。私はアバカノビッチとの出会いによって、杉本春生の叙情の論理が少しずつ肯定されていく自分自身の変化を確認した。彼らはより深いところで人間を見つめ、芸術表現の問題を捉えていたと感じられ自分の未熟さを思い知ったのだった。アバカノビッチの作品を前にして、私は感動をおさえることが出来なかった。あの触覚的で圧倒する物量感、独特の色彩感、スケール感。宙吊りにされた巨大な「アバカン」を配する空間から伝わってきたものは何か。それは、私たち人間の本質として豊かな感情をともなう普遍的なテーマであり、芸術表現の問題のみならず人間存在そのものを問いかける強いメッセージでもあった。アバカノビッチとアラン・マッカラム、両者の作品に同時に出会ったことは私にとって幸運だった。NHKのテレビ番組に「迷宮美術館」と「週刊ブックレビュー」というのがある。再放送があって、私は日曜日の23時頃からBS2で放送されるこの二つの番組を楽しみにしている。いつだったか、アンリ・ルソーのように専門的な美術の勉強はしていないけれど、絵を描くことが好きで第一線での仕事を退いてから無心に制作した作品が評価され、著名なアーティストとして活躍した素人画家の特集があった。ルソーはピカソにその才能を見出されたと番組で紹介された。ルソーの他に、イギリスやアメリカにも同じように素人画家がいて紹介された。実は私の美術教室にもTさんという80歳の生徒がいて、この人のことを思い浮かべた。アンリ・ルソーを知らない人はいないかもしれないけれど、確かに素人画家よろしく造形的には稚拙なところがある。天才的な才能があってあの特有の名画を数多く残した。なんの衒いもなく、素直な気持ちで描く素朴派と言っていい。番組で紹介されたアメリカの作家グランマ・モーゼスは夫を亡くした後、趣味にしていた刺繍に打ち込むことで悲しみを乗り越えようとして頑張っていたが、持病のリューマチが悪化してできなくなった。その時、娘から絵なら負担が軽くて良いのではないか、との進めによって描きはじめたという。風景画が得意で古き良き時代のアメリカの原風景とでもいうべき作品を数多く描いた。それも見て描くのではなく、記憶にある風景を刺繍するようにキャンバスを手に持って描いた。その作品を見かけたニューヨークの画商が「すべての作品を買い取りたい。何点あるか」と訪ねてきた。留守中のことだったので、応対した娘は10作あると返事をした。帰宅した本人にその話をいうと9作しかなかったので困った。この人はどうしたのでしょう?と司会者。答えは「一つの作品を二つに切って10作にした」というのが正解。番組に登場したゲストの中から正解の数によってベストキュレーターを決定し表彰するクイズ番組となっている。晩年にはトルーマン(?)大統領にも招待され、テレビや映画にも出演しインタビューにも応えるくらい有名になったという。「どのようにして絵を描いたら良いのか、どんなことが難しいか」という質問に応えて、「絵を描くことは難しいことではないわ、ただ始めれば良いのよ」といった。番組で紹介された素人画家に共通しているのは「ただ、一生懸命になって描く」ということではなかったかと思った。私が指導しているTさんも一生懸命に描いている。最近、私は同じようなことを言って指導しているような気がする。「上手に描けなくていい。一生懸命に描くことで必ずいい絵ができる」と。多くの人はどうしても上手に描こうとして悩む。おかしいところを探してそれを修正しようとする。してなのか本当に不思議に思う。これでは絵は面白くならないはずだ。Tさんは一生懸命に描いても絶対に下手である。専門的な技術を学んではいないが、どういうわけか人に負けたくないとでもいうような意地で描き続ける。これほどオリジナリティーのある絵を描く人を私は知らない。本人は、それほど自覚しているわけではなくて「ただ一生懸命、見たままを描くだけ」と言っている。見たままを描くと言いながら、絶対に正確な形にならないところが天才的である。私はTさんにこう言うようにすすめる。出来るだけ大げさに、恰好よく「心の眼で、見たままを描く」と言いなさいと。Tさんは嬉しそうに私のアドバイスを拒む。1970年、三島由紀夫が自決した。早熟であり余る才能に恵まれ数多くの作品を残して、自らその生涯を閉じた。当時、私は高校を卒業したばかりの19才だった。この事件をきっかけにして三島由紀夫のすべての作品を読破することを決意した。新潮社から出版されている文庫から読みはじめた。よろめき」「鏡子の家」「午後の曳航」「豊饒の海」等々。神田の古本屋で手に入れた「蘭陵王」と「太陽と鉄」の初版は私の宝物である。埼玉県の飯能を舞台にした「美しい星」も三島作品の代表作の一つと言っていい。世界」でもこの作家にふれたけれど、小島喜八郎は美術文化協会の元会員で、確かな技術と研ぎ澄まされた感性をもつアーティストだった。同協会に所属した私に絵画を教えてくれた最初の人でもある。小島さんは先輩作家として、また友人として、あるいはライバルとして接してくれた。私は彼から大きな励ましを受け、人間的にも多くのことを学び大変お世話にもなった。何でも遠慮なく話をすることができたし彼はそれに応えてくれた。体調を悪くして私が入院した時も、小島さんは娘の一予ちゃんと病室までお見舞いにきてくれた。当時、私は小島さんからメチエを勉強するように言われていた。小島さんのメチエ論に圧倒されながら私は必死で絵画を模索した。徹夜で描き続けた果てに、朝とも昼ともいえない食事をとる為に外に出たときのことだ。強い日差しを受けてアトリエのコンクリートの外壁が真っ白く空虚にみえた。私は空虚にみえた外壁を描いて、断片提示(批評家の針生一郎はモンタージュといった)の作品を完成させて驚いた。このときメチエの意味が理解できたような気がしたのだった。私は飯能の小島さんに「凄いことが分かった。俺の絵をみてくれ」といって私のアトリエ(清瀬)まで来てもらったことがある。小島さんは作品を前にして「原田、良くやったな!これが絵画だ」といって喜んでくれた。私はこの時の小島さんの言葉を忘れない。メチエとは、絵画を成立させるすべての要素に対する必然性と思想性の総体ということだった。文学でいえば文体のようなものだ。メチエのない絵画はありえない。「美しい星」の舞台となった飯能の展覧山に小島さんは私を案内してくれた。「ここで白木先生が緑のスケッチ大会をされた」といった。小島さんには同じ飯能に住んだ白木正一と早瀬龍江という二人の恩師がいた。白木・早瀬夫妻は、ともに美術文化協会の創立会員であり一時期は協会の代表もつとめられた。代表を退いてからは日本を離れ、ニューヨークに渡って晩年まで創作活動を続けられた。飯能に残されたご夫妻のアトリエを私は小島さんと二人で整理し屋根を修復したことがあった。その時、熊本出身の詩人・蔵原伸二郎(後に飯能に移り住んだ)が、白木さんの個展に寄せた詩をみつけた。「地球生成の影を追って、一人で歩いて行く人がある。永久に空っぽのルックを背負い、破れた認識のシャッポを被り、秋天に浮かみ出てはまた隠れたり、こんな侘びしい枯渇の尾根道を、そのひとは一人で歩いている」とあった。白木夫妻が帰国された際、小島さんとともに白木邸を訪ねこのチラシをみせて大笑いした。「蔵原のやつ、こんなこと書いていたのか」と苦笑された白木さんを囲んで、大いに飲みあかしたこともあった。2月13日、小島喜八郎が亡くなったと突然の訃報があった。2年前、彼から油彩を中心に、水彩、エッチングなど124点を収録した図録を頂いた。私はこの画家の凄さをあらためて知った。初期の作品から決してぶれることのない真摯な作風は、風を主題にした新作でさらに凄みを感じさせた。「若い頃、小島さんに出会ったことを誇りに思う」と伝えたのが最後となった。一仕事できると信じていただけに無念さと淋しさが残った。小島喜八郎にスポットがあたることはなかったかもしれないが、誰がみても第一級のアーティストであることは間違いない。飯能の展覧山を舞台にした「美しい星」を残し、自ら生涯を閉じた三島由紀夫とは対照的な最期だが、心から小島さんのご冥福を祈るばかりである。ヨーロッパ美術のコンプレックスから開放されたアメリカが独自の方向性を示すとともに世界美術の頂点に立ったのは、ジャクソン・ポロックやデ・クーニング、マーク・ロスコらのアクションペインティングや抽象表現主義といわれる一群の巨大な抽象画を通じてのことだった。ジャクソン・ポロックのドリッピングによる絵画はその中でも極めて象徴的なものと言っていい。アクションペインティングと呼ばれたこの一連の抽象絵画は1940年代後半に誕生し、1950年代を抽象表現主義とともに駆け抜けたアメリカ美術の重要なエポックであることを疑う人はいない。これらの抽象絵画は、アメリカの戦後におけるニューディール政策WPA(連邦美術計画)の一環として、アーティストがメキシコの壁画制作やポスター制作など公共事業の仕事を得たことに起因するともいわれている。この仕事にポロックやデ・クーニング、ロスコやガストンら多くの若いアーティストたちが参加したというから偶然とはいえない。ヨーロッパから亡命してきたキュビズムやシュールリアリズムのアーティストたちの影響も無視することはできないだろう。戦後、アメリカが世界の大国へと成長し発展していく中で、世界美術の主導権を手にする条件は状況的にもすべて整っていたといっていい。その頃、日本では関西の神戸を中心に誕生した吉原治良や白髪一雄らの「具体」、ヨーロッパでは「アンフォルメル」といった絵画運動が吹き荒れていた。ネオダダといわれたジャスパージョーンズやラウシェンバーグらの台頭からアメリカ美術の動向はポップアートへと展開され、リキテンシュタインやオルデンバーグ、アンディ・ウォーホールらの登場とともにアメリカ美術の地位を不動のものとしたのだった。フルクサスの運動やハプニングといった前衛的なパフォーマンスアートはスキャンダルな話題とともに社会を巻き込む新しいアートとして注目された。産業の発展とともに社会の変化は私たちの感覚や価値観に大きな影響を与えた。フランク・ステラやドナルド・ジャッドらに象徴されるミニマルアートやコンセプチュアルアートは、極めて必然性をともなう結果として誕生し注目された。ミニマルアートと同胞でありながらアメリカ美術の伝統的な写実主義が変化し、ハイパー(スーパー)リアリズムが登場したのも60年代後半から70年代にかけてのことだった。1974年、私は絵画を志して上京する前に京都市立美術館で開催されていた「東京ビエンナーレ74」で、これらのハイパー(スーパー)リアリズムに出会った。その後、日本ではフォトリアリズムと称して一般的に流布されるようになった。した動きは彫刻や他のジャンルの表現にも確実にひろがっていた。らの存在がそのルーツといえるかもしれない。これらのアートは、大量生産(オートメーション)の手段として発達した機械化やハイテク技術化、過剰なまでの量とスピードをともなう情報化へのベクトルに対して、ある意味で皮肉を込めた表現といえる。リチャード・エステス(写真)もその中の一人といえる。ハイパーリアリズムは表現における感情の働きに対して最大限の抑制をきかせ、感情のともなわない非情なまでの眼の働きを表象する絵画を成立させたのだった。エステスの絵画は一見同じように見えながらもハイパー(スーパー)リアリズムとは違っていて、実はそのイメージを表現したものだった。cm建築家・竹山聖のダイナミックな空間と外部の自然光の移ろい外部から入ってくる自然光の変化とともに館内のダイナミックな空間のようすが刻々と変化します。それにともなって展示された具体絵画の凹凸や研磨された物理的な要素もその表情を変えていきます。