あの楽章は旋律が強いんですけど、もともとそこには歌詞もついていたんです。ボツったんですよね、それをそのまま置いといていたんですけど、このオーケストラの話をいただいた時に、パッと頭の中でその曲が流れて、そのアレンジも頭の中で流れたので、これで行こうと思って、そこから作っていきました。最初に京響のマネージャーさんから「メロディーのあるものを」と言われたときに、具体的にどういう音かと聞いたら、「何でもいいんですけど、例えば、スメタナの『モルダウ』だったり」って言われて、ああいうちょっと郷愁を感じるメロディーは好きなんで、その話を聞いたときに、第三楽章の主題が出てきたんです。音楽を聴いたり作ったりするときに、この交響曲とかくるりの普段の曲でも、内声の側にどんどん期待を込めてしまうんですよ。ここで言うと第二ヴァイオリンとヴィオラに気持ちが入ってしまう、それをやっていくとどうしても全部旋律で作られて、その中にある人たちが動いて一つの世界を作ってしまう。バッハとか、モーツァルトの曲、あるいはプリンスが凝った曲、そういうのって主旋律じゃないものがすべて歌っているから、内声の部分がすごく歌っていて、パズルのように構築をされているわけですよね。いうものが僕は好きなので、そう作ってしまいがちなんです。バッハやモーツァルトはしっかり対位法をもとに成り立っていますし、僕とかプリンスのものはもうちょっと違うものだと思うんですけど、そうなってくると、全部メロディーみたいなものなので、絵としてみると、「メロディーどこ?」ってなってしまう。僕はそれが好きなんですよ。それ以外で好きなのが郷愁を感じる民謡だったりとか、その土地独特の、ダサいけど好きみたいな、そういうメロディーがあるものが好きで、それが「モルダウ」ですよね。僕は民謡だったりとか、「蛍の光」だったり、日本独特の「和」っぽいメロディーだったりとか、地方っぽい独特の節回しだったりとか、そういうものを偏愛しているんですね。モーツァルトでもバルトークでも、さっき言ったような「スメタナ」でも、ドヴォルザークでもそうですけど、民謡を収集していたって言いますよね。僕はそれに近いなって思っていて。交響曲と同じ日に演奏したくるりの曲を編曲した「Quruliの主題による狂詩曲」も、実際、編曲を始める前にちょっと躊躇した部分が自分の中にあって、Jポップのオーケストラ・アレンジみたいのになっていたらどうしようって思ったんです。やってみたらもともとくるりでも、そういうやり方をずっとやっていたから、すっと初めてすっと終われたんですよね。曲をオーケストラ楽器に置き替えて書いていったら、そういうものになったんです。ギターやベースやドラムでやっていたから、試さへんかったアイデアを入れ込んで形を変えていったみたいな作り方をしてみたんですよ。今、民謡って仰ってましたけど、第三楽章に関しては日本っぽさも感じたんですよ。山田耕作だったり、宇野誠一郎だったり、日本の作曲家に関してはどうですか?日本の作曲家さんを聴き始めたのは、クラシックの人に関しては最近かもしれなくて。冨田勲さんとか、武満徹さんとか、クールな人は聴いていたんですけど、山田耕作とか、滝廉太郎とか、伊福部さんとか、宇野誠一郎とかは最近ですね。僕にとっては、すぎやまこういちさんの影響が絶大かもしれないですね。