2013.4.8http://www.haramuseum.or.jp/generalTop.html杉本博とベンツのコラボレーションアートフェア3月末、東京国際フォーラムでのアートフェアに行った。たくさんのギャラリーがそれぞれイチオシの美術品を出品。現代アートあり、古伊万里などの骨董品もあり、書もあれば、ビデオアートもある。多いのは油絵などの絵画。それにしても、決して安くはない入場料を払ったのだが、なんだか蚤の市に来た気分なのだった。写真について言えば、「IMA」を発行するアマナグループが大きく一角を占め、迷路のような不思議な展示構成が行われていた。キツキツに詰め込まれた写真たちは、写真のアートとしての価値と、層の厚さを伝えたが、キツキツすぎて、やはり蚤の市な気分を味わったのだった。別の一角には写真専門のギャラリーが共同で大きなブースを形成していて、写真に対する注目度の高さを感じさせた。蚤の市のような会場を歩きながら、芸術とは何のためにあるのかを考えた。そこに並べられているものは、どれも値段を見ると、驚かされるものばかりだった。目の肥えていない者から見ると、がらくたと紙一重といってもおかしくないのだ。生活上の何か便利に役立つわけでもなく、技術の発展に寄与するわけでもなく。生活に潤いを与えるものだと言えばそうなのかもしれないが、それにしては値段は半端なく、驚かされるものばかりなのだ。購入するのはコレクターと呼ばれる人たちなのだ。芸術とは、コレクターの所有欲を満たすためのものなのか?結局、芸術は富裕な人々の戯れと富の誇示のためにあるのか?芸術家は何のために自己表現を目指すのか?芸術はどんな分野であれ、芸術家はおおげさでなく自分の身や魂を削って作品を作り出す。それに値段をつけるということは、ある意味ではとても嫌なことなのではないだろうか。蚤の市的に並べられているのは、果たしてうれしいことなのか、悲しいことなのか。コレクターに所蔵された作品は多くの人に見てもらう機会を失う。芸術は誰のためにあるのか?一方で、コレクターが芸術家を育てるのも事実である。芸術はいつも矛盾をはらむ。作品を愛してくれるコレクターに所蔵されるならまだましで、投機目的で購入される芸術品は芸術家が込めた魂など理解されないだろうし、マネーロンダリングのために購入されていく芸術作品だってある。蚤の市的なアートフェアをうろつきつつ、微妙に醒めた気分を味わってしまった。美術館や芸術祭でアートを楽しむというのとは全く違うのだ。それは、単に私が作品を購入するだけの経済力を持っていないからなのか、まがりなりにも写真作品を作る側の人間だからなのか。自分の作品がアートフェアで飾られて値段をつけられて販売されるとしたら、それはうれしいのか、うれしくないのか。うれしいことなのだろうが。「写真を売るということがどういうことなのか、どんな作品が売れるのか、まず買ってみればわかる」とよく言われる。矛盾は私自身の中にもありそうである。アートフェアの入り口には世界的アーティスト杉本博の写真作品をプリントしたスポーツカーが展示されていた。芸術的実用品であるスポーツカーと現代アートの融合である。杉本博の世界的作品が、金持ちの道楽のためのものに堕してしまった感があった。写真はオリジナルプリントがアートとして販売されることもあるが、写真集という形で表現されることもある。これも販売されるものであり、出版社とかいろいろ関係する人が増える分、より商業的になる。写真集という形式はより作家の伝えたいことを表現できるものだ。そこには作家の人生とか価値観とか魂とかといったものが表れる。それは、魂を売ってることなのか?いや、そうではない。写真集になって、それを見て感動してくれる人がいて、共感してくれる人がいて、のちのちの世代まで受け継がれていくことが出来れば、それは本望なのだ。オリジナルプリントの素晴らしさも価値もよくわかるのだが、その価値は市場によって弄ばれるリスクもある。芸術って何だ?何のためにあるんだ?アートフェアでロバート・メープルソープの写真のポストカードを購入した。それらは、今キッチンの壁に飾られている。こんな風にポストカードとして作品が見ず知らずの日本の小さな家で飾られてることをメープルソープはきっと喜ぶだろう。2013.4.7アラム・ディキチヤン写真展「OUTLANDS」http://www.chanel-ginza.com/nexushall/2013/aram/シャネルのネクサスホールで開催されている写真展を見に行った。フィルムによる美しいモノクロ。ディキチヤンの作品は「砂のような質感とミニマルな印象、さらりとしたシンプルさ、鬱々とした方向に行かないメランコリック」と評されているそうだ。「まぶしい」というのが第一印象。余白の多い画面構成だからというわけではない。写真家自身が「まぶしい」と感じたものを撮ったのかな、という印象である。「まぶしい」にもいろいろある。草花も陽の光も「まぶしい」。きれいな女の人も「まぶしい」。古い表現になるが、いい感じの女性をのことを「まぶい」と言う表現もあった。この「まぶい」感じがどの写真からも感じられる。草花も桜も、スタジオで撮られたヌードも、まぶい。日本女性を外人のフォトグラファーが撮ると、たいがいみんな似た感じで、アジア女性に対するステレオタイプな見方を感じてしまうが、ディキチヤンの写真の日本女性は普通に美しい。女性たちはまぶしい光を放っている。こんな風に撮ってくれる外人さんもいるんだなあ。日本人として少しうれしい。私もこんな風にまぶしい写真が撮りたい!と思い、ディキチヤンの桜の写真を真似て桜を撮ってみたのだった。メランコリックには撮れたけど、まぶしい桜にはなってないかな。森美術館の展示はいつも刺激的で、面白い。今回の会田誠展は、日本のそのまんまを表している。流行とかオタク文化とかエログロとか、盛りだくさんの混沌を楽しんでる感じかと思えば、「灰色の山」のような深読みすればいくらでも深読み出来てしまう哲学的香りの作品もある。ホームレスの人たちがいる新宿に設置したところ、すぐに撤去されたという段ボールでつくられた姫路城ばりの「新宿城」とか、児童ポルノ、児童虐待と騒がれた作品群の18禁の展示室があったり。どれも基本はユーモアと皮肉と逆接。遠目には日本の伝統的水墨画の山水のように見える「灰色の山」は、近寄ってみると丁寧に描かれたサラリーマンの死体の山だ。そのテクニックに圧倒させられながら、ゾッ。芸術家というのは、最も浮世離れしているようでいて、最も時代の空気を体現してしまう。霊媒師とか、そんな感じのものだと思う。「考えない人」というおにぎり頭のフィギュアは、会田誠自身を表してるそうだが、弥勒菩薩像のポーズで半目をして、無我の境地。作品を産み出すことで無我の境地になるのか、無我の境地になるから時代を映す作品ができるのか、作品を作ってるときが一番の無我の境地なのか。それにしても、何となくモヤモヤした気分を抱いた。小中学生のころに誰もが描かされた記憶のある「みんな仲良く」とか「平和」とかのポスター。会田はその「描かされた」ことが気持ち悪かったそうで、それを皮肉った作品群。稚拙に見せて描かれた絵にわざとらしい標語のような言葉がのせられた作品群。面白かったが、少しモヤモヤ。そのモヤモヤが何かと言えば、それらの作品は現代アートとして六本木森ビルのトップにある森美術館が大々的に取り上げて展示しているからこそ、見に来た人たちは現代アートとして認知するのではないか、ということだ。会田誠は日展の権威とか、美術とはこうあるべきという価値観を否定して作品を作っているわけだが、一方で、美術館で展示することを好む。現代アートの聖地としての森美術館が会田誠の作品に権威を与えているわけだ。会田誠の作品はアートとしてコレクターが高額で購入する。ポスター群の作品をアキバの商業ビルのフロアで展示していたら、いったいそれを現代アートとして認知するひとがどれだけいるのだろうか。いう展示の方が、権威を否定していて、アートな展示なんじゃないかとさえ思えるが。権威や価値観を否定する会田誠の作品群を、これこそが日本の現代アートだと権威を与える美術館が展示することの矛盾。感の正体は現代アートの中に自己矛盾は常にあるということなのかもしれない。ソーシャルパワーがテレビを変える~(1)「参加する」コミュニケーションSNSの広まりによって、テレビをつけていても、手元のスマホでツイッターやフェイスブック、2ちゃんねるをチェックしている若者が増えている。このSNSによって、テレビはどう変わるのか。いや、問題なのは、情報に対する人々の意識変化なのだと思う。それを、テレビやインターネット業界の人はどうとらえているのか。興味があって参加した。シンポジウムのパネラーには、NHKの方と日本テレビの方とインターネットのニワンゴの方と、関西学院大学の先生。テレビ業界はインターネットが登場したことで、かなりの危機感を抱いている。その主要な要素はお金の問題。NHKは視聴料で、民放は広告収入。テレビはついていても、集中して見ているかというと、そうではない人が多く、若者にはテレビを持たない生活をしている人も増えている。そんな中で、どうやったら、テレビを見てくれるのか、いかにテレビへの導線を引くか、というのがテレビ局の人の視点。一方で、インターネットにあふれる情報はほぼ無料なのだけど、それらの情報をいかにお金にかえていくか、というのがインターネット業界の人の視点。重要なのはIT技術とインターネットが変えてしまった人々の意識や価値観を見極めることではないのか?今回のシンポジウムはツイッターで参加することが出来たので、何度となく、ツイッターでつぶやいた。この「つぶやける」「参加出来る」ということが、ソーシャルパワーとテレビの関係をそのまま表していると感じた。春の研究発表とシンポジウム」は3日間あって、全部で7つの研究発表やシンポジウムがあった。そのうちの3つに参加したが、ツイッターで参加出来たのはこのシンポジウムだけだった。どのシンポジウムも基本的に決められた時間内に収まるように、全て準備されていて、パネラーの方々の話も事前の打ち合わせがあった上で行われている。収録されたテレビを見ているような感覚さえ覚える。これが、テレビ局の情報に対する姿勢なのだな、と感じた。テレビ局にとって、情報は一方的に流すものなのだ。それは隙なく緻密にくみ上げられた芸術作品のように準備されている。それを「放送」と呼ぶ。マスメディアの全盛期の1980年代までの感覚をマスメディアはまだ脱していない。テレビが主流の時代、人々は情報に対し受動的で、マスメディアの情報が流行も文化もつくってた。テレビの人はインターネットの情報を「通信」と呼ぶ。放送と通信を別物ととらえている。どちらもコミュニケーションだ。放送も通信も情報のやり取りだ。ツイッターでつぶやきながらシンポジウムを受けたが、単に聴いているだけのシンポよりも、よっぽど面白く、興味深く聴くことが出来た。ときどき、ツイッターの内容が紹介されることもあって、それによって、パネラーの方たちが思考を深めてくれる感覚もあり、わずかにツイッターであっても、コミュニケーションが成立している、シンポジウムに参加しているという感覚があった。この「参加する」という感覚、「コミュニケーションしている」ということがSNSの重要な点だ。ドラマやスポーツをテレビで見ながら、ツイッターやLINEやフェイスブックで友達と感想をつぶやきあったりする。それによって、単についているだけのインテリアのようなテレビではなくなり、テレビからの情報に興味が引きつけられる。テレビ番組の中には、随時、ツイッターの内容を流しているものもある。それによって、テレビ番組は「参加する」ものになるのだ。2013.3.30つづく。ソーシャルパワーがテレビを変える~(2)テレビはラジオ化するシンポジウムを聞きながら、ツイッターで何度となくつぶやいた。「テレビはラジオ化すると思います。番組をプラットフォームにして、人々が集まる広場ができたり、そこにSNSが展開されると面白いです。加して育てたいという欲求を持っていると思います。「テレビはかつてのような圧倒的存在ではなく、もっと人々の意識に近くなる必要があると思います。テレビが登場した当時、まだまだテレビが未知の存在でラジオが主流だったのが、あっという間にテレビがマスメディアの主流になった。マクルーハンは、テレビを「クール」なメディアと読んだ。クールなメディアとは、解像度が低いもの。テレビが登場したころの画像は白黒だったり、カラーになっても画面はさほど鮮明ではなかったり。いった不完全な情報に対して、受け手は不完全な部分を自ら補完しようと、能動的に情報に接する。テレビは進化して、解像度の高い鮮明な画面になり、わかりやすさが最重要な番組づくりによって、「ホット」になった。ホットなメディアに対し、受け手は全く受動的になる。1980年代ころには、完全に人々はテレビになじみ、情報に対して受け身で、情報を肌で感じることに慣れてしまっていた。インターネットという新しいメディアが人々を変えた。ネット上の情報は玉石混淆で画像も鮮明でないものが多い。情報の真偽もあやしいものも多い。インターネットは「クール」なのだ。人々は情報に対し、懐疑的に接し、情報を取捨選別する。自分から情報を発信することも容易。情報に対し、すっかり能動的になった。テレビが「ホット」なままではつまらないのだ。東日本大震災の後、テレビの情報がいかに管理統制されているものなのか、人々はまざまざと見てしまった。いいかげんな情報はネットですぐに暴かれる。ごまかしは通用しないし、テレビが上から目線で作った仕掛けやシナリオや広告に人々は踊らない。人々の情報を発信したい、能動的に参加したい、という人々の意識に応えるには、テレビはラジオ化するのが1つの方法だ。ラジオ番組がリスナーのお便りで構成されていくように、双方向性を高めること。番組という場にたくさんの人が集い、コミュニティが出来上がるくらいに。たくさんの人から寄せられる声、情報をテレビが取捨選択し、紹介する。それによって、ネット上のSNSが盛り上がり、さらにテレビにはね返ってくる。やって、人々とテレビがコミュニケーションを楽しめるようになれば、そこにテレビ局の人にも予測不可知なものが生まれ、「クール」なメディアになる。これは、ニュースや情報番組やバラエティなどで既に試みられていて、とても興味深い。サブカルチャーから見た現代アートhttp://www.academyhills.com/note/report/2013/staff130327.html講師は宇野常寛という方で、日本のアニメとサブカルチャーについて熱く語っていた。ガンダムやエヴァンゲリオンに見る日本の文化の成熟度とか、ファンの動向とか。90年代前半までは、年に数回行われるコミケだけが彼らの交遊の場だった。その雰囲気や熱気は一種独特で、そこで交遊出来るひとたちも都市部のそれなりに資金力とコミュニケーション力の高いオタクに限定されていたそうだ。それはかなり閉じられたコミュニティだったと言える。2000年代以降、インターネットの登場によってそのコミュニティは開かれることになる。場所にも時間にも資金力にも限定されない。したものを発表したり、仲間の創作を見て盛り上がることが出来る。そのコミュニティの1つのあり方が「初音ミク」だ。音楽だったり、アニメだったり、コスプレだったり、ありとあらゆる創作が行われている。中にはすごいクリエイターが参加したりして高度な表現もあるが、基本的に誰でも参加出来、誰でも作れて、初音ミクに関してはみんなフラットなお友達感覚だ。ネットは軽々と国境を越えて、初音ミクは世界中をつなげている。宇野氏の話に登場するオタクの世界は、世界中と繋がっていても、閉鎖的な印象。対談で登場した津田大輔氏が、最近、アートとオタクとウラハラ(裏原宿)の文化が融合してきている点を指摘すると、宇野氏は少し殻に閉じこもるような態度。オタクの聖地アキバとストリート系ウラハラの文化は別物だという頑な感じ。オタク文化とアートの関係についても、宇野氏はどこか「オタクを理解していない、できるわけがない」的な独善性を見せる。オタクの世界は、広がったようでいて、精神的には狭いコミュニティなのかもしれない。熱気とか盛り上がるものがあるわけで、オタク文化はそれを汚されたくないのだろう。津田氏の指摘したアートとオタクとウラハラの文化は確かに融合しつつあり、それぞれのあり方を変えつつある。それらをつなぐ役割を果たしているのも、インターネット。IT革命とはよく言ったもので、あらゆる技術が変化しつつあるだけではなくて、人々の意識も革命的に変化しつつあるのだ。アートは特別な才能を持つ人が全人生を賭けて表現したものばかりではなくなりつつある。誰もがどこからでもいつでも表現することが出来、一人で作り上げるものばかりでなく、大勢の人によってつくりあげられるものもある。参加型アートの増加にそれを見ることが出来るし、関係性を作り上げること自体がアートとして認知されることもある。「初音ミク」の現象は既にアートと呼べるかもしれない。2013.3.28砧公園近くの道は、桜のトンネルだった。桜はほぼ満開なのに、このところ寒い日が続く。おかげで桜は散らずに今週末まで持ちそうである。衣替えしちゃったのに、と思いつつ分厚めな上着を着て、エドワード・スタイケン展を見るため、砧公園の世田谷美術館に出掛けた。エドワード・スタイケンは偉大な写真家だ。man」展など、歴史に残る展覧会を企画した。一方で、ファッション写真家としても活躍し、今回の写真展はそれらのファッション写真が中心。どれも素敵な写真なのだけど、「なぜ今、スタイケンのファッション写真なんだろう」と疑問を抱きつつ観た。インターネットの普及により、紙媒体の雑誌業界は苦しいらしく、昨日のニュースでは講談社の女性雑誌2誌が休刊すると出ていた。そんな時代に、なぜ?展覧会の壁にはスタイケンの「いつだって一番いいものは商業媒体にあった」という意味の言葉が書かれていた。スタイケンは「ルーブルにあるから芸術なんだ。ヴォーグをルーブルにしよう」とヴォーグの編集長に語ったそうだ。広告文化へのエールとしてのものなのだろうか。広告は花形産業だった。今も花形産業ではあるが、広告費は節約傾向であり、かつてほどの勢いはないのかもしれない。広告や雑誌・出版は確かに文化を作り上げてきたのだった。スタイケンに続いて、アーヴィング・ペンやアヴェドンらの素晴らしい写真家が登場したのもファッション雑誌だった。今回のスタイケン展は少し懐古趣味的。今や、雑誌やテレビの広告で人々は踊らない。情報はマスメディアからもたらされるありがたいものではなく、誰でもどこでもいつでも発信できるものになった。流行はストリートで生まれ、ネットによって広まる。人気ブロガーの発信力は雑誌以上の影響力を持つ。スタイケンやペンやアヴェドンのような圧倒的存在として、文化を牽引したファッション写真家は登場しないのかもしれない。日本では長く写真の最終形態は印刷であり、写真をアートとして見る傾向は薄かった。このところ、日本では、有名広告写真家がアートとしての写真へとシフトしている。広告写真のアマナグループは『IMA』という雑誌を創刊し、アートとしての写真を後押ししている。大きな社会の変化が、写真をアートの主要なジャンルに変えつつある。2013.3.26六本木アートナイトもう桜も咲いているのに、寒い夜、六本木アートナイトを見に行った。3月23日(土)、夜が深まるにつれてどんどん人が多くなる。今回は日比野克彦がプロデュース。アートステイトメントには次のように書かれていた。想像の世界からの宝が船に乗っている自分の船を巡らせてアーチストたちの宝を積み込みに行こう。寒さに耐えきれず明日になるのを目撃せずに帰って来てしまったのは、我ながら残念なのだけど、その寒さが東北を思わせた。東日本大震災から2年、その衝撃がいかに大きく、時間が経って忘れさられるどころか、大きくアートを変化させてしまったことを実感した。展示されている作品の多くは船や海がモチーフであり、東北とのつながりを持っている。日比野克彦の作品も、東北の炭を燃料にした灯台だ。参加型アートが多かったのが印象的だった。集まった人たちが制作に参加することによって、作品が完成されて行く。段ボールでつくられた船にたくさんの人たちが真剣な表情でペタペタとシールを貼っていたり、「そらあみ」と名付けられた漁業網を教えてもらいながら編む人たちがいたり。自分もわずかながらアートの作成に参加しながら、ふと「千人針」を連想した。戦争中に出征する身内の無事を祈って、女性たちが見知らぬ人にも協力をしてもらって縫った千人針。東北が一日も早く復興しますように、東北の人々に幸せな日々が早く訪れますように。どのアートも稚拙とさえ思えるほどの手作り感にあふれながら、ほのぼの感よりも、「祈り」を感じた。多くの人の手によってつくられること自体がとても重要なのだ。おしゃれな格好をした若者たちが、ふざけるわけでもなく、それでいてアートを一緒につくることに喜んで参加していた。アートは近代以前は宗教的なものとは切り離せないものであったのは確かだが、現代の日本において、それも東京の最も洗練された場所の1つである六本木で、今回のアートナイトはポップに見せながらも、原始宗教的な祈りの空気を濃く放っていた。編集トップへ戻る閉じる。