「現代美術のアーティストとしてのこれから」4回にわたって掲載してきました山本雄基さんのインタビューも今回で最終回となりました。山本さん、貴重なお話をありがとうございました。インタビュー各回へのリンクはこちらです。全編通してご覧くださいませ。–曖昧性と現代日本の画家として−」http://itamuro-daikokuya.blogspot.jp/2015/11/blog-post_28.html―山本さんは海外でのレジデンス(※1)の経験もあって、個展以外にもアートフェアに出展されたりするなど活動の幅を広げていらっしゃいますが、アーティストとして今後の戦略はあるのでしょうか2014年の個展にて。ギャラリーという構造には相互関係がありますよね。ビッグな場で展示したいのは当然の目標なので、そういう構造のいずれかに入るための狙いは立てたい。今お世話になっている大黒屋さんもドイツのギャラリストさんも、そういう事を念頭に置きながら広報などやって頂いているので、こちらはまずとにかく良い作品を用意することに必死です。良い作品を作るには、描くだけでなく良い刺激を受けることも大切ですよね。戦略というよりあたりまえの事でしょうけれども、「直感」で自分が面白いと思った仕事の話には食いついていきます。その一方でこれはやっちゃマズいので話に乗らないという線引きもします。いう判断のアンテナは自分の中でもっていないとすぐ妙な世界に飲まれてしまう危険があるので。おもしろい方たちと出会って仕事をしたいです。アトリエにこもってばかりではそんな出会いはなかなか訪れないので、おもしろそうな人が集まりそうな場に顔を出したり、コンペに出すのもそういうことですよね。絵画、というメディアは現代美術の中でも少し特殊な立ち位置で。古くから続いているし、独自の体系があり独自の守られ方をしている、というか。僕の作品は奇をてらうようなことはせず、1点1点をシンプルに展示するという極めてオーソドックスなやり方が合っていると思っています。それはどうしても、なかなか地味なアプローチなんですよね。2015年に制作したカタログそれに今年初めてのカタログを作ったのは戦略と言えるかもしれません。作るための段取りにもハードルがあるし、新しい出会いを誘発させるための武器だと思ってます。カタログに関わってもらえた方々も皆さんとてもおもしろい方々で。出会いの種を蒔いていたら、花が開いてカタログができた!という感じです。自分が他から見ておもしろい人になれているならば、必ず出会いのチャンスは現ると思っています。「死」という事が繰り返し言われるわけですが、それでも絵画には可能性があるということでしょうかドイツに滞在中、ヨーロッパ中を巡って美術館やアートフェアを見る絵画の「死」と言うのは、でっちあげだと思うんです。絵画の終わりと言われていた70年代にも良い絵描きはやっぱりおもしろい作品を描いていて。今現在もおもしろい絵画はどんどん作られている。絵画の歴史は何千年という話をしましたが、記録が残っていないものを入れるときっと人間が人間になった時から描いているものなんです。何かしらは描いていたはず。写真が発明されたらその影響はすぐに同時代の画家達によって絵画に取り入れられたし、映画の時もそうでした。フォトショップやイラストレーターといったアプリケーションなどで視覚表現が進めば、必然的に絵画も進む。絵画が終わったというのはナンセンスです。深く、すばらしい絵画は年代毎にこれからも残っていくでしょう。僕もそういう絵画を残したいと思っています。絵画は絵画で進化論のように体系的に残されています。日本の現代美術の中の絵画はそのような体系としての道筋がぼんやりしていると思うところがあります。どちらがいいかはわからない。宇佐美圭司さん(※2)や中村一美(※3)さん、中西夏之さん(※4)、岡崎乾二郎さん(※5)他にもたくさん挙げられますが、そういった方たちが日本でとても興味深い、歴史に残るような現代絵画作品を作られている。理想論でいうと、日本の現代美術史の中でも絵画の体系が語られることを望んでいます。僕の個人的な感覚で、日本での絵画史体系も意識し、その上で日本の中でも北海道という距離感にも自覚的でありたい。本州的な日本の体系に属せない、および体感できないズレみたいな感覚を活かせると思います。―山本さんが取り組んでいる「美術」の社会的な役割というのは何だと思いますかたまに、社会に美術なんていらないという方がいますが、それはナンセンスだと思います。いらないんじゃなくて、そもそもなくならない。人間が5000人とか10000人とか集まれば美術を始める人はかならず1人2人は出てきてしまう。いう風に、人の社会のシステムにあらかじめ組み込まれているんだと思います。仮に美術に役割があるという言い方をするならば、社会の調停役、バランスをとるものだと思います。進歩しながらも歪んでしまってストレスが出てくる。学校に言っていてもどうしてもクラスになじめない子はいるし、浮いた子もいる。いう子は、美術があることで救われるなんてことも多々あるはず。極端に言えば社会からは殺人者も独裁者もいなくなりません。美術家も、もしかしたら似たようなものかもしれない。美術には希望があります。最終的には、ヒューマニズムに関わってくると思います。個展会場にておもしろい作品を考え生み出すための最大限の時間と環境。これをできるだけ持続できる状態を目指したいと思います。何があろうと続けられる状態。未来に作品が残るかどうかは自分が生きている時にすらわからないので、とにかく生きてるうちは続けます。結果は行為の反映となって現れるはずなので。考えるのもいいですが、そんなのぶっとばすようなとんでもないものを作って自分の目で見てみたいです。マティス(※6)がこんなことを言っていて。偉大な芸術家というのは最も深くその刻印が印されている人たちである。暮らしていてもそういう刻印が刻まれるとは思えません。作品を作って考え続けたい。マティスの言葉はシンプルですが強くて重いですよね。そんな芸術家を目指します。(※1)アーティスト・イン・レジデンスアーティストを一定の期間招致し、その土地に滞在しながら制作する事業の総称。1940-2012独学で絵画を学び、国際的なビエンナーレなどで絵画を発表。制動(ブレーキ)・大洪水展」が最後の個展となった。東西の絵画空間表現を研究。絵画における空間、意味性についての研究と制作を精力的に行っている。国立新美術館で2014年に大規模な回顧展が行われた。1935-東京出身、1960年代の「反芸術」と呼ばれる美術の動向の中心的役割を果たしたハイ・レッド・センターのメンバーとして評価を受ける。絡み合うような作品を発表。1955-東京都に生まれ、作家活動とともに美学、美術史に関する批評でも活躍し、大きな影響力をもつ。レリーフ状の「あかさかみつけ」シリーズでデビューしたのちはアクリル絵の具を厚塗りにしながら歴史意識、批評性の高い作品を制作。1869-1954近代芸術の中でも最も重要とされる作家の1人。フォービズム(野獣派)のリーダー的存在として注目を集めたのちも、晩年まで色彩と線、絵画空間を追求。日本でも多くの展覧会で取り上げられている。