「完成品を見て、本当にあり物のボディで。『わ、この感じ、むっちゃいい』って。それまでで言うと、僕たちは本来、例えばどんな色のどんなジャージ作ろうとかそういうことばっかり考えていたんです。「日本のデザイナーって、皆、良い服をつくる職人になってしまって、『ブランドにする』っていうところが弱い。「先ほど、『若手のデザイナーがどうやって伸びていくのか』という話が出ましたが、ブランドが世界観もそうですがシステムのようなものを作っていくのが大事なのかなって思います。売買のスタイルもデザインした方が良いのではないか、と。ショーでプロダクトを発表して、っていうことではなく、別の形で。ある部屋に入るとそこには双眼鏡があって、『向こうのビルを見て下さい』という表示がある。「結構そうなってきている。テイスト以前の、コンセプトやストーリーを重視しているわけですよね。「だから『自分で全部やっちゃいたい』とか『やれちゃう感じ』というのが、今っぽい。僕もどちらかというとそっち世代だと思うし。Garçonsにずっといて、やり方としてはデザイナーですよね。デザイナーは『デザインをする』っていうのが一番にある。クリエイティブ・ディレクターみたいな人がいたりとか、僕みたいな人間が投げかけるアイディアが重要だったりだとか。「そういう意味では、阿部さんは本当に『洋服をデザインする』っていうことが全ての仕事で。基本はプロダクトのデザインをして、会社をすすめていくっていうのがsacaiの在り方で。「それをしっかりと役割分担している。システムがきっちりと分けられていて。どちらかというと旧式の会社だと思います。「チームをどれだけ作っていくのかっていうのがすごい重要ですね。やってチームを編成していくかっていうのは変わらない気がします。一歩外に出たら意外と簡単に反応が返ってくるというのがあります。プロジェクトをはじめる時に実際に私も体験したことですが、自分が好きなフォトグラファーがいて、その人は日本人とかじゃない。思い切ってメッセージを送ってみたら、簡単に返事が返ってきた。いう、『一歩出たら仲間が見つかる』というのは体験しました。これからはインターネトが仲間集めの主要なツールになってくる。「中里さんが作っているのって、『商品』じゃなくて『作品』っていう感じがするからねクリエイティブな要素がすごく高い。Garçonsオーナーデザイナー)が仰っている『ファッションはビジネスだ』っていうのは僕たちも常に持っていますね。「中里さんは、『売り買い』というコミュニケーションまでも作品としてのものにする。音楽におけるパラダイムシフト(劇的に社会の規範や価値観が変わること)はレコードの誕生だった。テクノロジーの進化にクリエーションを残していくことも重要であるが、次のパラダイムで生まれる新たなクリエーションを期待することも真ではないだろうか。パラダイムシフトには二種類の進化が生まれる(求められる)。一つは、レコードに対するジャケットのようなアートワークという新たなクリエーション。一つは生き残り方としてのクリエーション。それは、印象派の画家たちのような進化の形か、キュレーターたちによる既存のモノへの新たな価値付けか。アナログレコードにファンタジーを感じるように、テクノロジーに淘汰される対象には新しい意味付けが必要となる。これから先の未来は、その意味付けが価値を創造すると言っても過言ではない。それがストーリー───プロダクトと消費者を繋ぐオリジナルな物語。藤原氏の魅力は、人間の可能性を信じて疑わない強さにある。彼は、当時の画家が写真に怯えると同時にそこで切磋琢磨した熱量に注目した。常人が新たなテクノロジーに対して素直に歓迎できないところ(それが画家の立場ならば尚更のこと)を、さらにその先を見据え、「恐怖」が生み出す底力に可能性を感じているところだ。想定外に「変化すること」を迫られた時に突如として溢れる力。机上の計算では決して到達できない、環境に適応するための偉大な能力。〝生き残る種とは、最も強いものではない。それは、変化に最もよく適応したものである〟これは進化論を提唱したダーウィンの言葉である。藤原氏の強さは、彼自身が未踏の環境に適応し続け、さらには新たなムーブメントを生み出してきたところにあるのだろう。「基本的にはみんなで一緒にアトリエ借りたりとかっていう経済的な理由から組むことはありますが。「僕のイメージではアーティストもそうだし、デザイナーもきっとそうだし、ミュージシャンもそうなんだけど。仲間というよりか、ソロが大切で。ソロでしっかりスキルを身につけて、はじめて仲間ができるというか。「作品が複雑になってきて、一人でやりきれるプロジェクトと、そうじゃないプロジェクトが出てきているんじゃないですか。それで、一人でやりきれないプロジェクトは、何人かでする。「なるほど、仲間という定義が中里さんと僕では違うんだ。僕は『仲間』っていうとファミリーみたいなもので、常に一緒に何かをやらなければいけない感じがある。「私は今回の卒展用の撮影をしたのですが、モデルの人をインスタで探して、メッセージでやりとりをして、ギャラとかも交渉して、『いいですよ』みたいな軽い感じで。「はじめは『違和感あるのかな?』って思っていたんですけど、意外になくて。インスタにその人の生活が出ているじゃないですか。その人の生活を共有して、事前に理解していて。「昔は楽器屋にバンド募集の張り紙がありましたよね。「あれは文字と雰囲気しか情報量がない。「見えていて、あとはInstagramのボタンの押しやすさみたいな。iPhoneのアプリをタップする時みたいな。「確かにInstagramは分かり易くデザインされていますものね。「そうですね、僕はFacebookで友達になったことは今のところないです。友人がSNS上で知り合って一緒にデートに行ったりだとかっていう話は身近でよく聞きますね」VERBAL「僕が気になるのは、さっきのバンドメンバー募集の貼紙じゃないですけど、そういうところで出会う人って、一回会った後、取り返しのつかない感じになっちゃったらどうしようという不安はありますね。募集して集まったはいいけど、『ギタリストの人、ちょっと違うんだよなぁ』っていうことがあっても『君違うんだよね』って言いづらいなぁ。「でも目的が最初からしっかりしているから。「ある程度の情報も分かっているんだよね。「しかも、モデルだけだったら『見た目が良ければ良い』でもないけど、求めるものが90%そこにあるから楽かも。「プライベートの線引きが変わったんだろうなっていう気はしますね。プライベートの在り方というか。前に、ブランドのショーをする時に、モデルのキャスティングを手伝っていて。インスタでモデルを探すってなった時に、例えば本業で事務所に入ってモデルをやっている子たちがわりとインスタでプライベートを出していて。それが良い場合もあるんですけど、逆に出過ぎているから価値がないというか。みんなネット上で見慣れてしまっている、みたいなことがあったりして。「タレント的なモデルさんっていうのはプライベートのストーリーをアップしていきがちで。その方が固定のファンを獲得できる。ルックスだけのイメージの、言わば旧来の意味合いとしての純粋なモデルさんはそこにイメージが入らない方がいいから、プライベートを隠すみたいなことだけど。「そうだと思うんですけど、でもモデルだけじゃないですけど、例えばインスタの中で『面白そうなアーティストを探す』ってなった時に、フォロワーとかでその人の認知度っていうのは丸わかりじゃないですか。逆に全然フォロワーがいないんだけど、おもしろい人とか、全然私生活を出していない変わったモデルはいないかとか。いう風に大量の情報の中から、宝を探すような感覚で、私はわりとインスタを使っている部分があって。「京都大学に暗黒バエっていうのがいて。1950年代からハエを真っ暗な中で育てているんですよ。やって育てられたハエの子孫は真っ暗な中でも他の器官が発達していく。そこでの変貌っていうのは、普通の時間の流れにしたら1万5千年くらいの進化らしいんですね。調べると、『視覚じゃないところで何かを見ている』っていうのが生まれてきているんですって。「それはスピード感があって。今ってスピード感が早いから。昔だったら革ジャンとか毛皮というブームの後、次にダウンが来るっていう時には強い拒否反応があったと思うんです。『ダウンなんてファッションじゃなくてライフウェア』だって思われていたのが、今はダウンがどちらかというとファッションの方に入るようになった。これは時間の流れが速くなったっていうことですよね。今は、白いシャツやなんなりが『ファッションと思われないよな』って思っているけども、同時に時間が経てばそれもファッションの一つのカテゴリーに入れられるんじゃないかなって。権威の衰退───メディアのフラット化。「鈴木さん、ブログメディアでまだ写真が載っていない頃にhoneyee.comが出てきました。その後、Instagramが登場したと思うのですが。「テレビや雑誌でもそうだけど、メディアっていうのがある種の権威だったわけじゃないですか。僕がhoneyee.comをやった時に権威とかは自分たちの中で当然なかったのですが自然と生まれてくる。編集機能じゃないけど、どういう情報がウケるのかっていうのを考えてチョイスするわけだから当然ですよね。それが一つの権威としてでき上がっちゃうんですよね。ある時期からあらゆる権威というものがどんどんフラットになっていった。さっき源馬さんの話にも出てきた『今時パリコレってどうなの』っていう感覚。パリコレはパリコレで立派なんだけど、ただ10年前20年前の存在感とはちょっと変わってきている。パリコレはもはや圧倒的な権威じゃない。すごく大事なものだけど『選択肢の一つ』という感じになってきている。雑誌の読者モデルはこれまで編集部の人がピックアップしていた。今は自分でインスタグラマーになれるわけじゃないですか。勝手にファンというか、いわゆるフォロワーを作れる。それで数字が上がってきているのも確かで。いう人たちの方がリアルだって言われたら、確かにリアルなわけですよ。エディターが自分のフィルターを通してチョイスしてきたものっていうのは『いいものだ』という自信は確かにある。どこか押し付けになってしまう。それよりは自分でいい情報を持っていたり『面白いと思う人をフォローします』みたいなそういうフラットなコミュニケーションっていうのがネットの中のメインになった時に、honeyee.comに限らずだけど、ウェブマガジンのような、『編集部っていうところに情報を集めて、それをリメイクして外側にアウトプットしていく』みたいなのが、ちょっと追いつかなくなっちゃった。「そこがすごく大きかったと思います。勝手に誰の許可もなく、誰にチョイスされるわけでもなくて自分で発信していく。それが面白いってなると読者は集まる。「新聞をメインに授業をしているんですけど、今日の日本経済新聞にユニリーバがSNSの広告をやめるっていう記事が出ていて。ファッションとはあまり関係ないんだけど。当初、スポンサーが『いいメディアだ』って気付いたものが今やFacebookやInstagramっていうのは不謹慎なものがいっぱい出ている。「みなさんもSNSやられてますよね?昔は広告とかって別の人が担当していましたよね。今は自分でやるようになりました。どんな感じでSNSなんかを扱われていますか?」VERBAL「僕は音楽もやっていますし、AMBUSH®というブランドもやっているのですが、遊びと仕事の境目がないのでたまに悩みますね。すげぇくだらなくて、爆笑なんだけど、でもこれアップしたら皆に『どうしたの?』って思われるかもって思って留まったり。情報量が常に多くて、みんなに伝えたいんですよ。昨日MVをリリースしたばっかりなんですけど、それとか今日のイベントのこととか、全部ハッピーな出来事なんですけど同時に出したら仰々しくて宣伝っぽいかなとか思って、やっぱやめようってなったら情報を出せないみたいな。「VERBALは自分でSNSをコントロールしているよね。『これは出さない方が良いんじゃないか』と思ってうまくセーブしたり。それって実は当たり前で、一般の人が『私、全然そんなんじゃなくて、食べ物だけ撮ってるだけです』って言うのも、その地点でセレクトじゃないですか。全てのInstagramはセルフプロデュースされているんじゃないかな。「本当に正しいんですよ。人生は全て編集なんですよ。Instagramってみんな普通に出しているけど、それを絶対どこかで編集している。「昔はアーティストって死んでなんぼみたいなことがあって。商業と密接な関係性があって。「それって日本の全てじゃないですか?日本のカルチャーとして『耐え忍ぶものが美しい』という。そっちの方がフューチャーされるんで。普通に作家として食べている人は昔から結構いるんですけど。『耐え忍んでいる作家』っていう方が受け入れられやすい。村上隆さんが出てきてだいぶ変わったかなぁっていう、印象はありますが。あと奈良美智さん(日本の美術作家)とか。「僕にはあまり影響がないですが。「じゃあいいことだよね。その現象が起こるということはどちらかというと」VERBAL「自分の中で全部最初から全部までやりたいというのはあるんですよね。最初からはじめて最後まで見届けたいんですけど、色んなことをしていく中で、全部一人でやるのは難しくて。今後AIが発達して、冒頭のBRITAの話じゃないですけど『誰でもできる仕事をテクノロジーに任せて、人間はクリエイティブなことだけをする』というのが理想ですよね。選択権はいつだって人間側にある。「僕はいつになっても人はAIに勝てると思うんですけど。AIがどれだけプレゼンをしてきても、『それダサ』って言ったらそれで終わりじゃないですか。心の中ではそう思っていないにしろね。人間は、それが嘘であろうが何であろうが今まで作り上げたものを全て自分の中で虚構にすることができるんじゃないかって。そこがとても強い部分で。それがファッションとも言える。言えば、AIの精度が上がりどれだけ心地良い洋服を作って来ても、『そんなんじゃなくてこの襟元にチェーンつけたいんですけど』ってことの方がファッションって重要だったりするから。勝てるっていうのも変だけど、そこにAIとの差が出る。「テクノロジーが発達しても、基本は人間がチョイスしていればいいと思います。さっきのヒロシさんのチェーンの話もそうなんですが、それって実は今までもずっとそうだったんですよ。「カッコイイとか美しいという気持ちが人間の中にある限りはAIには負けないけれど、それがあまりにも便利や快適さっていうところに正しさが求められたら負けちゃう時がもしかしたら来るかもしれないとは思います。『ファッションなんて無駄なだけじゃん』って言われた時に、『そんなことはない、あれはカッコイイじゃん』っていうのが理屈じゃ負けちゃうわけじゃないですか。「割合じゃないかな?チェーンがカッコイイと思う人が全体の何%くらいいるのかという。ここにいる人たちはどちらかというとマイノリティな方で。そこにおける『居心地が良いファッション』だったりすると、企業だったりはそれを期待して売ろうとしますよね。そこを期待し過ぎない方がいいのになって僕は思います。雑誌の表紙で有名なタレントが出ていて、そういうのがあるからこそサブカルチャーやカウンターカルチャーが映える。なんか、クリエイティブなものに期待しすぎなんじゃないかなって思う。『大きくなる』というのは『つまらないもの』でもあるわけだから。ファッションのジレンマで、『お前らと違う格好をしているからカッコイイんだ』っていう人は実は『別の誰かと同じ格好をしていなきゃいけない』という。人と同じは嫌だって言いながら違うグループと同じ服を着たいわけだから。それってグループの大きさに過ぎない。「ジレンマであり、オモシロさでもあるという。そこが肯定的にみんな捉えられるようになればいいと思いますね。「ノームコアもそうだけど、もっと一般的なところで、ネットでのコミュニケーションですべて事足りるようになったら『家から出ないから、オシャレなんてしなくてもいいよ』っていう人も増えるでしょう。「ヒロシさんたちが『いいね』つき過ぎちゃうと逆にヤバイなってなるけど、『これカッコイイな』と思ってやっていても全く『いいね』がつかない場合もあるじゃないですか?僕としてはそっち側で、若いデザイナーもそうだけど、そういう人たちが幅広く世の中に受け入れてもらえたり、注目されたりなってくれないとファッション自体の影響力が低下してちゃうのかなって」Appleの魅力。カッコよさとテクノロジーの関係性。「Appleって、カルチャー的な会社と思われがちじゃないですか?でも、全然そうじゃない。ユニクロ以上に大きくて一般的。全員がiPhone持っているぐらいの勢いだから。みんなが知っているものなのに、でも『カッコイイ』っていうのが僕たちの潜在意識の中にあるというのはすごいブランディングだと思いますね。それは本当にすごいです。僕が考えるにそれを成し遂げているところってApple以外にないんですよ。ここまで一般的であり、尚且つ良いブランドというのは。それってさっき僕が言った、『お前らは大きい方ででやっとけよ、俺はこっちで小っちゃいことやるから』っていうカッコ良さとは全く違って。サブカルチャー的要素を残しながらメインにいるという。「iPhoneとかも実際全てが最先端のテクノロジーじゃないっていう話で。あまりにも最先端過ぎると使いにくかったりするじゃないですか。みんなが欲しがるちょうど良いものとしてデザインされている。「クリエイティブな仕事だったりとか、そういうのって一概にメジャーに認めてもらう必要って全くないと思う。Vuittonに比べたら微々たるもので。いう意味ではマイノリティだと言える。「売れる大きさにもよるけどね。「そうですね、今もう20年やってますから。「20代前半なんていうのはまだまだお試し期間ですよ」VERBAL「僕は高校時代から、後にm-floを結成する☆Takuとバンドを組んでいて。デモのカセットテープをフジテレビの音楽番組に投稿して出演したりして。15、6歳くらいですかね。それを含めると何気にキャリアは長いんですけど、大学に行って久しぶりに帰って来た時に、m-floを結成しました。当時ヒップホップしか聴いていなくて、僕の20代はそればっかり、どうやったらカッコいい事できるかみたいなことを突き詰めていて、30代になると少し視野を広げて仲間を増やしていって、『どうやったら自分の思いを伝えられるか』というのがテーマでした。今と昔は違うとは思うんですけど、20代の頃はがむしゃらに自分がカッコイイと思うものを付き詰めちゃう方が、ストーリーが伝わると思いますし、その人の味がすごく出てくる。「3月で30になるんですよ。私がファッションをはじめたのが23、4くらいの時で。常に締め切りに追われていて、毎回何かがむしゃらにやっていくということ継続してやっていくことになると思うんですけど。その時に一回若干引いてみるという目線が大事なんじゃないかなぁって気付きました。集中することはいくらでもできる。「売れるのはその後で良いよね。「音楽だっていくら良い曲を作って良い演奏をしていてもなかなかお金にならないっていうのが構造上そうなっていますよね。今なら、たいしたお金になってなくても、たくさんの人たちが『日本で一番良いバンドはアイツのとこだよ』って言ってもらえるような現象って起こることがあると思うんですよ。したら、その人にとってはお金よりモチベーションになるんじゃないかな」VERBAL「僕が90年代から00年代でやっていた時と違うのは、今だとすぐに海外のフェスなんかにブッキングして出演したりできるじゃないですか。『国内でウケないと』とか『どこかのプロダクションに入らないと』みたいなのがないというか。入りたくないというか、入る方が面倒くさい。関係が良かったりじゃないと入る意味がない。「そういうのって実際にあるんですか?コーチェラ・フェスティバル(カリフォルニア州インディオの砂漠地帯“コーチェラ・ヴァレー”にて開催される野外音楽フェスティバル)に自分たちで出たいって言って出れるものなんですか?」VERBAL「いきなり飛び込みは難しいかもしれないですけど、結構普通にブッキングされる過程とかが思っているよりもハードルが低いんだなっていうのが、特にここ数年の間で気付きました。リアルな話ですけど売上の数%をもっていかれるけど、その代わり公演場所を10箇所決めてくれるみたいな、そういったエージェントと契約するとか。「今の音楽の話を聴いていて、僕は画家ですが、自分が大学を卒業して青田刈りの時期に『画家は40歳から新人だ』と言われたんですね。『なんて時代錯誤なことを』と思っていたのですが、自分が40歳になってみて、腑に落ちる部分も確かにある。あと、自分が何を作りたいのかっていうのがどんどん見えてきたということもありますね。『続ける』ということが大事だから。貧乏してでも続けていくと見えてくるものはある。40になって作りたいものが見えてきて、ライフワークも見えてくる。した時に、あの時言われたことっていうのはそういうことなのかなぁって。「僕も『続ける』ということが大事だなぁと思いますね。良い時も悪い時もある。気分が乗る時も乗らない時もある。続けていってライフワークにできるかどうか。僕は20代の頃、ファッションが好きだった。何をして良いのか分からないから、普通に洋服屋さんでバイトをしていました。そこで色々な洋服の知識も得たし、好きだから続けられた。「例えば『こういうのを目指して』とか『こういうストーリーで自分を持って行こう』というロールモデルを意識しなくても良い時代が近づいていると思う。ファッションデザイナーでも、ミュージシャンでも、自分なりのやり方を貫くほうが、一気に注目を浴びやすいんじゃないかな。それで、一番良い時期にすぐにやめちゃうのがカッコイイとなるかもしれない。“時間と継続は馬鹿にならない。それは絶対に必要なものなんですよ。「今、僕はみんなの話を聴いていて『そりゃそうだな』って思うこともあって。それがメッセージになるかは分からないですが、時間と継続っていうのがとても重要なんですよ───。僕がかなり絵が上手だったとして、今から絵を描いて発表したところで『なんか元DJみたいな人が絵を描いているだけでしょ?』って言われるんですね。『デザイナーみたいな人が絵を描いている、そんなの巧いだけで味がない』とか絶対にそういう風に言われるはずです。それを20年続けたら認められます。そこって結構時間と継続っていうのはすごく必要で、アーティストは特にそうだし、デザイナーとかも多分そうですよね、ミュージシャンもそうだと思うんですけど。僕は実はそれが嫌いだったんですよ。若い頃から好きなものを、好きな時に、好きなだけしたかった。DJが好きだったらDJに没頭したし、同時にファッションも好きだし、洋服を作りたいとかあるけど、やっぱりどこに行っても自分の中で『認められていない感』、言い換えると『疎外感』があったんですね。オトナや先輩方からは『DJがTシャツだけ作ってそんなに売れてんの?ハハ』みたいな。僕がそういった悲観的な考えを持っていただけかもしれないですが、そういうのをすごく感じていたんですよ。アーティストとかいうか、芸術家ではないですけど、僕らでもずっと同じことを長い時間やっていたらそれがどんどん認められていくという。いうのがあったんだけど、その時間軸がとても短くなってきているっていうのは僕はとても良いことだと思っています。別に長くやらなくてもいい。寿司を握るのに30年をかけるなんて阿保らしいことだと思う訳ですよ。何歳だろうがデビューっていうのは美しいことで、別に30歳で売れても才能があれば当たり前だと思うんですね。時間と継続は必要なんだけど、そこに捉われないでやりたいことをやりたい時にやるのはすごい重要かなぁとは思います。その歳だからできるカッコいい事っていうのは絶対にあって、良いタイミングでそれができる人は一番良いし楽しいかなぁと思いますね。白熱したディスカッションはひと段落。許された時間内での質疑応答がはじまった。「我先に」と手を挙げる参加者、質問に答えるパネリストたち───。Q.日本と海外の差はありますか?ネット社会においてもまだ差があるもの、それは何でしょうか?VERBAL「日本にしかできないエディットはあります。そもそも海外から取り入れた要素を日本がうまくリミックスして世界にまた輩出しているというのは日本独特で、それは韓国も中国も、他のアジアの人たちができていないところなので、特にそこは日本にあって海外にないものじゃないかなと思いますね。今ビジネスは中国で、ということになっているのですが、中国はインフラがたくさんあるけど、コンテンツがそこまでない。なんだかんだファッションのおもしろいものを探しに行こうという時は外国にいる僕の周りの友達は東京に行って色々探しに行きたいと。東京に詳しい人は地方の工場へ直接行ったり。『デニムの工場を紹介してよ、あ、岡山にあるんだ』みたいな話にもなったりする。それが日本にあって海外にないっていうことだけど。確実にあるのは、海外が良いものを最初に作るけど、その良さを海外の人は理解していない、ということ。ビンテージデニムもそうだし、ミリタリーにしてもそうだし、海外では普通に作って普通にあるものだけど、それをアンテナの敏感な日本人や日本のコレクターが見つけて、『ここのディティールがこんなに違うのは何年のこれしかない』みたいなそういうのを見つけ出すのが日本は得意ですよね。やってリミックスだったり編集だったりして、また海外に送り出すというシステムが多分80年代とかにあって、それが一番大きかったことじゃないかなぁと思う。極東ですからね、この島国は。僕が子どもの頃に思ったのが、世界地図の中心に日本が描いてあるのがちょっと間違っているというか。あれで勘違いしているんですが、日本は世界の端なんですよ。そこの特徴はあるような気がします。「人間自体が一万年前から変わらないですものね。考古学で発見された石板に『最近の若い奴は...』って書いてあったんですって。それはもう昔からそうなんですよ。人間の10年20年の経験というのは変わらない。これTEDで見たんですが、iPhoneって石斧と同じサイズなんですって。それが一万年の歳月も流行している。「自分の個人的なものじゃなくて世の中としてブレない、というか普遍的なものっていうのは、例えばスニーカーですね。これだけ流行ったけど、廃れるかと思えばちっとも廃れない。した波はあるにしろ、絶対に残るものだったりすると思うんですよね。その常識みたいなものって分かり易くいうとスニーカーとかはそうかもしれない」VERBAL「ニューヨーク現代美術館でファッション100年史みたいなテーマをやっていたんですけど、そこで100年間ブレなく残ったファッションみたいなものがあって、その中にスニーカーはありましたね。Tシャツとかジーンズって昔は作業員が着てきる服だったりしたのですが、今はファッションとして取り入れられて、一応まだ残っていて。「ブレないなぁと思うのはデパートの美術コーナーですね。デパートで美術品を扱っているところってありますよね。私が良いなって思うのは、自分の生きている時間軸じゃないような時間軸を感じられるもの。いうものに対して美とかエレガントとか感じるんですけど。陶器の人形だとかめちゃめちゃ価値があってそれってある意味開き直って存在していて。どんなに時代が経っても、そういった時間軸が加えられているものってブレないものだと思います。Garçonsもそういう感じじゃないですか?ブレなくないですか?僕自身でもそうですし、DJとかでもそうですけど10年後にあるのかなぁとか思っていても20年40年ずっとあったりするし、このままなくなっていかないのじゃないかなぁって思います。「いや、ないと思いますよ。それが多分僕と同じような感じで、僕も色んなことが好きで、その時に好きなことで嫌いには決してならない。熱が冷めることもあったけど、好きなものを好きな時にやれる人というか、そういう環境にあれば、特別これっていうものを選ぶ必要ってないんじゃないかなって思いますけどね。「そうですよね、それ無視してください。「『辞めたくなっているけどがんばるぞ』とかで続ける方がもったいないんじゃないかって思っちゃうんですよ。「そうそう、長くやってそれがずっと好きでやっている人はそれはそれで素晴らしいし、その人の知識っていうのは代え難い良いモノがある。いう人と話すのは僕もとても好きなんだけど。個人的にはその時好きなものに没頭していきたいので、キャパシティがなくなったら自然と多分、ふるいにかけて落ちるものもあるかもしれない」VERBAL「これがアドバイスになるかは分かりませんが、好きだったらとりあえず追求してやっていけばいいと思います。辞め時も見えてくると思いますし。良い例か分からないですが、自分も大学に行って卒業した後、ミュージシャンをやろうと思ってやったんじゃなくて、行き当たりばったりでデモを作ったらデビューのきっかけになって『あ、いいじゃん。学費も払えるし』みたいな。それくらいのテンションではじめたんですけど、やっていくうちにもともと音楽が好きだったんで、一曲が二曲になって、それが四曲になってアルバムになって、気がついたらアルバム二枚目を作っていて、みたいな。試しにやってみて、ハマらないものはまぁそれだけのものだったということでその時に離れれば良い。「その好きなことを2,3個やっているうちに特殊な職業になっていくと思いますし、こちらの方は皆さんクリエイティブ・ディレクターで、かなり色んなことのスキルを総合した職業に将来的になられているので、多分、そういう感じにはなる」こうしてイベントは幕を閉じた。最後にコーディネーターの光嶋崇氏が締めの言葉を飾った。「最後にまとめさせていただくと、自分の中から出てくるものをその時代のテクノロジーを使いながらやっていくというのが良いのかなと思いました。死ぬまでそれを続けるということですかね。僕の先輩でヒロシさんのご友人でもあるECDさん(日本のヒップホップ・アーティスト)が最近亡くなられて。亡くなられる三ヵ月間ずっと音楽を聴いていたんですね。三ヵ月前にレコードを月に100万円分ずつ買って。最後二枚聴けないまま亡くなった。音楽を聴いても最後まで聴けない。それってある意味幸せな気もするんですよね。好きなことをやり続けてやりきれなかった、という。北斎も『あと五年生きればもうちょっと絵をうまくなれたのになぁ』みたいなことを言っていますよね。同時に濃密な2時間だった。記事を執筆しながら未熟な頭で色々考えた(それがこの教養のエチュードたる所以であるが)。問題は、テクノロジーにはクリエーションとしての感性が鈍いというところだ。人間の持つ知性と感性がテクノロジーに注がれれば、クリエーションにバイアスのかかったテクノロジーも生まれるに違いない。サンローランがモンドリアンのコンポジションをファッションに取り入れたように。現代アートからファッションへ、そしてテクノロジーからファッションへ、メロディアスに融合させる。そんな未来の担い手が現れるのが私は楽しみで仕方がない。それはゲルハルト・リヒターが写真というテクノロジーを絵画という手法に落とし込んだように、世界に波紋を投げかける。不可解な現実を、あらゆる比喩を駆使しながら、美しく、時に極端に、社会へ訴えかける。アートとは問題提起である。その新たな「問い」は別の世界の扉を開く。テクノロジーには、私たちが理解を超えた描写力がある。それは未だ潜在的な力であるが、それが花開いた時、私たちは理解不能な「美」に圧倒されるだろう。そんな胸を躍らせるような未来が一早く来るための提案を一つ。テクノロジーの研究には、サイエンスを専門とする研究者だけでなく、アートのスペシャリストを研究者チームに置くべきだと私は考える。───例えば、クリエイティブ・ディレクターのような職業の人たちを。