193億円allcinemaキネマ旬報IMDb表・話・編・歴もののけ姫とは、1980年に宮崎駿がアニメ企画案のイメージボードとして構想した作品。1983年に『宮崎駿イメージボード集』に収録された。4198600406。宮崎駿によるスタジオジブリの長編アニメーション映画作品。1997年7月12日公開。本作の世界観は、照葉樹林文化論の示唆を受けている[1]。「君が知っている日本じゃない。その前に別の日本があった」と示し、「従来の日本の心象が出来る前の日本」を浮かび上がらせようとする。参考となったのは中尾佐助の『栽培植物と農耕の起源』であり、日本文化の基底は稲や稲作農民ではないことが明らかとなった[2]。中世研究(網野善彦の著作が代表的)によって、民俗学・考古学と合流した新しい中世史の体系が判明している。)」が膨大に存在していた史実である。『もののけ姫』は、遍歴民の世界で展開される物語である。それは日本映画で初めて中世史をアウトサイダーの側から描くという、「時代劇の革命」を意図したものだった[3]。網野自身は本作を「ずいぶん勉強した上でつくられている」と評している[4]。宮崎駿には、過去の自分の作品を一度徹底的に否定しなければ、本音で語ることはできないという思いが強烈にあった。スタジオジブリ作品への世間の期待について話が及ぶと、宮崎は(例えば自然保護に熱心なジブリなどの)期待に応えようとしてはいけない、一回期待を持つと、その期待を変えようとしないと返答した[5]。宮崎駿は以下の通り述べている。監督が言う「我々が直面している最大の課題」は、主人公アシタカの設定に集約されているという。今この世の中に生きている若者は、いわれのない、不条理な、肉体的にも精神的な意味も含めてババを引いてしまった人間達である。それは東アジア、アメリカやヨーロッパ、アフリカでも共通の運命である。その理由は、一人の人間が感じられる悲劇が、ローマ時代であろうと鎌倉時代であろうと同じ故である。人口が五百万人しか居なかった鎌倉時代の日本は、現代から見れば山紫水明、遥かに美しい所が多数存在したが、人間が悲惨の極みであったため、鎌倉仏教のような宗教が生まれてきた。破局の規模が大きいから悲劇が大きいというのは嘘で、一つの村が滅びることが、その人間にとっては全世界が滅びることに等しい、そういう意味を持った時代がある。その意味では人間が感じられる絶望も、その苦痛も量は等しい。それは、歴史の様々な場所で感じ取られてきた。「ただ何となくスケールが大きいからね、こりゃ本当のドン詰まりと思っているだけで。それが本当にドン詰まりなのかというと、そうは簡単に行かないことも、歴史は証明してるから」[6]。浦谷年良はこの発言を以下のようにまとめている。現代の若者達は、意識の奥でみんなババを引いてしまったと感じている。自分は悪くないのに、何故か傷付けられていると感じている。マイナスの磁場のようなものを抱えている。その「心の空洞」に向かって「明るく元気に生きよう」「貧しさから抜け出して豊かになろう」と言っても通じない。した絶望、閉塞感を大きな歴史認識の中で捉え、考え直すことで「不条理な運命の中で生きる」ことを模索し、提示していく[5]。この作品の主題歌を歌う米良美一は、男性でありながら女性のような高い声で歌うカウンターテナーが話題になり、この作品にて一般に広く認知されるようになった。スタジオジブリが1996年にウォルト・ディズニー・カンパニー(WDC)並びに日本法人のウォルト・ディズニー・ジャパン(WDCJ)の間で国内でのビデオソフト(「ジブリがいっぱいCOLLECTION」)発売および海外でのジブリ作品配給に関わる事業提携を締結した事に伴い、WDC(「ディズニー」表記)から初めて出資を受けた作品である。ジャパン)」になった。レーザーディスク版のビデオソフトについては徳間からの発売・販売となった。して本作のビデオは既に『アラジン』などで日本市場に大きな勢力を築いていたウォルト・ディズニー・ジャパンの流通ルートで販売された。アジアを除く全世界でWDC子会社のミラマックスが配給し、ブエナビスタ・ホームエンタテインメントからビデオ発売をした。本作以降、ジブリはWDC並びにWDCJと親密になっていく。「PG-13」に指定された。声優は『平成狸合戦ぽんぽこ』のおキヨの石田ゆり子、『紅の豚』のマンマユート・ボスの上條恒彦、『風の谷のナウシカ』のナウシカの島本須美とアスベルの松田洋治と言った過去のジブリ作品にも出演した者が起用されている。編集エミシの隠れ里に住む少年アシタカは、村を襲った「タタリガミ」に死の呪いをかけられる。死を待つより、己の運命を見定めるため、はるか西方の地を目指して旅立つ。そこでアシタカが見たものは、森を切り拓いて鉄を作るタタラの民とその長エボシ御前、森を守る山犬一族、そして山犬として生きる人間の少女サンであった。アシタカはその狭間で、自分が呪われた理由を知る。森を守ろうとするもののけたちと、もののけの長「シシ神」を殺そうとする人間の壮絶な戦いが始まる。宮崎監督曰く、この映画にはやりたくて溜めてきた素材が三つも四つも入っている。絵コンテを読むと、エンターテイメント作品には通常不向きと思われる現代の厳しい課題が詰め込まれている。浦谷年良が整理すると、五つになる。問題が沢山入りすぎていてハラハラしますねと浦谷が水を向けると、監督は以下の通り語った。「解決不能な問題ですよね。今までの映画は、解決可能な小課題を作って、取り合えず今日はそれを超えたと、それをひとつのセオリーにしてきたんですけどね。それが映画の枠内だと。それでやると、現代で僕らがぶつかっている問題とは拮抗しないという結論が出たんじゃないかなぁ」[7]。監督の論では、日本の通俗アニメーションを腐らせている一つに「動機の喪失」がある。監督が以前チベット民話「犬になった王子」に触発されて描いた『シュナの旅』である。ヤックルに乗る主人公シュナは、自国を貧困から掬う穀物の種、「金色の種」を求め旅に出る。この旅の動機は崇高だが、貧乏というリアリティが無い中では「胡散臭い」ものでしかない。アシタカの旅には、観客が共感できる動機が必要だった。「理不尽にも傷付けられ、呪われたと自覚した少年が、その呪いを癒す鍵を探して旅をする」ことである。アシタカは自発的にではなく、村を追い出されてやむなく旅に出る。それは受難のヒーローというより、ヒーローであることを裏切り続ける存在である。ヒロインのサンもまた、傷付いた、自分を醜いと思っているアンチヒロインである。同じ物語を辿りながら、通常の主役であることを徹底的に裏返しにしていく[8]。物語の図式は森と人界の対立。乙事主たちとエボシたちが激突する、ここまでは観客の予想図式と一致する。普通の映画ではこれで全部辻褄が合う、ただの宿命の対決となる。ここで予想を破壊する、宿命も何も無い、もっと暴力的な図式を提示する。乙事主たちとエボシたちがぶつかる、そのエボシたちの後ろから侍たちの大きな勢力が加わっている。それが進行した形態として、侍たちが突出してエボシたちを飲み込み、乙事主たちと直接ぶつかっている図が描かれる。アシタカが事態に気が付いたときには、既にこの図式のようになっており、何故こんなことが起こったのだろう、という形で事態が転化していく。それはその中で翻弄されるアシタカの心境であり、それは観客と同じ次元になる。事件に気が付き、発生した順番の逆から出会って行くのが現代であるためである[9]。武士が農民を虐げるという、黒澤明の『七人の侍』における構図は、戦後直後の都市労働者(浪人・侍)と、闇の食料を買わなくて済む農家(百姓)という状況で迫真性を発揮し、「侍と百姓」の心象を硬直させた。それは本来の歴史ではない。農民はもっと強い、自分達で武装する存在だった。それ以外にも従来の日本の心象は真実からかけ離れている。いった束縛から逃れ、新しい枠組みを持つ時代劇を目指した結果、武士や農民が表舞台に出てこない物語に着地した[10]。この映画が依拠するところには中世の『一遍聖絵』や『職人歌合』があり、物語の焦点は武士と農民以外の人々にある。それはかつての日本の正史には登場しない、「虐げられた者」「忘れられた日本人」である。大和との戦に破れたエミシ一族の末裔、人間に捨てられ山犬に育てられた娘、農民や武士と度々対立したタタラ者、不治の病とされた業病に罹った者、本来聖なる仕事を引き受けていた中世の非人、山伏、貧しさ故に売られた娘、地走り(ジバシリ)と呼ばれている山の狩人が、エボシ率いるタタラ場に集中する[11]。アシタカ(アシタカヒコ)主人公。