ダメ出しするくらいのつもりで見てみましょう。すると、見えてくるはずです。その生まれ変わった姿こそが、『リ・名画』なのです!かなり前置きが長~くなりましたが、前置きが長くなるのは初回の常。次回からは、もっとサクサク始まりますので、ご容赦下さいませ。そんなことを語りながらも、僕はすでに数分にもわたって《モナ・リザ》を見つめております。長いこと、じーっと《モナ・リザ》と見つめ合っていますと、ジワジワと、彼女の姿が怖くなってきました...。“もう、こっち見ないで!”という感じです。眉なしで、人前に出られるだなんて、レディースくらいなものです。この笑い方!“モナリザ・スマイル”と言えば、聞こえはいいですが、僕には何かを企んでいるような笑いにしか見えません。夜中に見ているので、余計に怖い。お昼に見れば良かったです。それでも、勇気を振り絞って《モナ・リザ》を見つめ続けていると、ついには、僕の頭の中で勝手なイメージが再生される始末。ある日、街を歩いていると、背後に感じる気配。振り向くと、電柱の陰には微笑を浮かべたモナ・リザが...。うゎ~、怖いですねぇ...。ある時には、数回にわたって無言電話が。「いい加減にしろ!誰だ!!」と声を荒げれば、「フフフフフフ...」という低音の笑い声。「もう止めてくれ(涙)!!」という僕の声を、受話器越しに聞いて一人微笑を浮かべるモナ・リザ。怖い!怖すぎるよ...!またまた、ある時には。前日から、振り続ける雨。悪寒がして、カーテンを開け、2階の窓から階下を見下ろすと、そこには傘もささず、こちらを見つめ続けているモナ・リザが...。怖っ!モナ・リザさん、もう許して下さい!!もうこれ以上、絵を見続けるのは止めにします。精神的によろしくないです。今までの人がどうだったのかは知りませんが、僕の中で、今、はっきりとモナ・リザは恐怖の対象へとなりました。その怖さは、もはや映画「リング」の貞子に匹敵するほど。これから、どうこの絵を見てよいものやら。そうそう、かつて日本人を恐怖のどん底に陥れた貞子と言えばですよ。今や、ネットの世界では“貞子たん”という萌えキャラになって人気が上昇中なのだとか。“貞子たん”を見た時、人間はこうやって恐怖を克服するのだなぁと、僕は軽く感動すら覚えました。いうことは、モナ・リザも同じようにキャラにしてしまえば、怖くなくなるわけで...あ!そこで、気がつきました。デュシャンやダリ、ウォーホルが、《モナ・リザ》をリメイクした本当の理由って...。?まさか!いや、そんな...。そんなことを、一晩考えていたら、すっかり日が昇ってきてしまいました。モナ・リザも笑ってる。2007日本には、まだまだ知られていない美術館が多い。そんな知る人ぞ知る美術館に赴き、オンリーワンな感動と出会って来ようと始まったこの企画。今回ご紹介するのは、“玉堂美術館”です。その美術館があるのは、東京23区の西の西。青梅マラソンで有名な青梅市にあります。地図上では、“都内”であるものの、“東京”という感じは一切ありません。それはそれは、もう自然豊かな場所です。美術館の最寄り駅であるJR御岳駅を降りると、御岳山をはじめとする雄大な山々や、多摩川が流れる御岳渓谷といった雄大な自然が、まず目に飛び込んでくると言った具合に。反対に、人の気配は、なかなか飛び込んで参りません。コンビニにいたっては、いつまで経っても。このような場所に、美術館が??今回は、まず、その辺りからお話しすることにいたします。玉堂美術館の“玉堂”とは、言わずと知れた近代日本画の巨匠・川合玉堂(1873~1957)その人のこと。川合玉堂が、昭和32年に亡くなるまでの、10余年間を過ごした場所と言うのが、この御岳でした。玉堂が亡くなると、彼を慕っていた地元の人々や、全国にいる彼のファン、そして、玉堂に絵の手ほどきを受けていた皇后陛下様など、実に多くの人間たちから寄付金が集まり、この御岳渓谷に、玉堂の美術館を建設しようということになったのだそうです。このように、寄付だけで、出来上がった美術館と言うのは、おそらく日本中でも、この玉堂美術館ただ一つ。世界中探したとしても、やはり、他にないのではないでしょうか。人々のチャリティー精神で生まれた美術館。何とも心温まるお話なのでした。同時に、この話から、川合玉堂が、いかに国民的な人気画家であったのかも、おわかりいただけたのではないでしょうか。彼の絵は、どうして、そこまで人々を惹きつけたのでしょうか。それは、玉堂が、自身が愛してやまなかったという『日本の四季が織り成す美しい自然』を描いたことにあります。ん?そんなこと??そういう絵を描いた画家は、それこそ、ごまんといるような気がします。玉堂が活躍した当時、画題の主流はと言うと、龍や虎のような迫力ある生き物や、同じ風景画でも、中国の超自然的な風景。そんな時代に、日本の原風景という画題は、地味すぎると他の画家はあえて描かなかったのだとか。絵の天才であり、努力家でもあった彼は、日本の自然を描き続けることで、ついには独自の境地を切り開き、日本画壇のトップにまで上りつめるのです。玉堂の描く風景画を観ていると、その描かれた場所に何となく見覚えがあるような、軽いデジャヴュを感じることがあります。これは、僕だけではないでしょう。いうのも、玉堂の絵は、一見、写実的に描かれた風景画のようにも見えますが、実はこの絵、彼が頭の中でイメージした風景を描いたもの。日本人なら、きっと誰もが玉堂の絵と同じような風景を心の中に持っているのではないでしょうか。玉堂の絵を観ると、妙に懐かしく、ノスタルジックな気分に浸れるのではないかと思うのです。とここで、突然ですが、皆さんは、“ロハス(LOHAS)”という言葉をご存知でしょうか。『地球環境保護と健康な生活を最優先し、人類と地球が共栄共存できる持続可能なライフスタイル』ということ。急に何の話をしたのかですか??実は、この言葉が誕生するより、数十年も昔。このライフスタイルを、川合玉堂は自然豊かな御岳の地に移り住んで、実践。絵の中に、何とこのロハスの理念を描いていたのです。彼の絵には、自然が描かれていることは説明したとおりですが、その絵の多くに、人が描かれています。そこに描かれる人間には、ある共通点があるのです。それは、皆、自然と共存して、働いている姿で描かれているのです。現代社会での重要なキーワードとなっている「人類と自然の共存」。玉堂の絵は、まさに、そんな理想郷でもあるような気がします。玉堂は絵を通して、現代に生きる僕たちに一つのメッセージを送っている。そんな気さえするのです。それでは、今回も、この美術館に行ったら、是非観ておきたい3つのチェックポイントをお教えいたしましょう。玉堂美術館に入ると、まず目に飛び込んでくるのが、川合玉堂の姿を写した写真パネル。玉堂自身が、僕らを出迎えてくれているかのようです。この写真の顔に、実に何とも言えない感銘を受けました。「人に優しく、自分に厳しい」そんな玉堂の、生き様すべてが写し出されているかのような凛とした表情。温和そうであり、かつ芸術家としての威厳もある、その顔自体が、一つの芸術作品となっているかのようです。言い方は、大変悪いのですが、お爺さんの顔に、ここまで“美”を感じたのは初めての経験。「若さ=美」ではないのですね。生き方は、顔にすべて表れるのだなぁ。そんなことまで考えさせられてしまう一枚の写真。玉堂の晩年の画室「随軒」が再現されています。この「随軒」も、なかなか見応えがあるのですが、美術館から「随軒」へと向かう、数10メートルの距離が二つ目のポイント。ここをスーッと通ってしまっては、もったいない。左手に目を向けていただきたい。そこには、整備の行き届いた枯山水の日本庭園があります。僕が訪れたのは4月の末でしたが、秋になると、紅葉やイチョウが色づいて、かなりの絶景になるのだそうです。「そうだ、京都に行こう」。思い立ったら、まずは、御岳の玉堂美術館に行ってはいかがでしょう。京都に行かなくとも、満足できるはずです。僕が、この美術館で一番気に入ったのは、この通路の右手側。実は、ここにも、ガラスケースに覆われて玉堂の絵が展示されています。自然を描いた玉堂の絵は、やはり、屋外で見るのが合っているように思います。外気を感じて、絵を鑑賞する。これは、ここならではの体験です。最後の3つめは、『季節に合わせた展示』この美術館の最大の特徴とも言えるのが、展示品が小まめに替えられている点でしょう。季節の自然をテーマに、多数の作品を残した玉堂。その玉堂の精神を、最大限に反映するために、季節に合わせて展示品を替えているのだそうです。美術館の周りに春が訪れたら、春の季節を描いた絵に。初夏が訪れれば、春の絵ははずし、初夏の絵へと。美術館の中にも、きちんと季節感が取り入れられている。ちなみに、例年より花の開花が早かった異常気象の今年、美術館に椿の絵がかけられるのも、例年より早かったのだとか。展示替えの期間は設けず、その日のうちに、絵を展示換えしてしまうそうなので、季節の移り変わりによっては、今日と明日で、展示品が違うこともザラだと言う。玉堂の作品の中には、忠臣蔵を描いた作品もあるそうで、これを展示するときは、年間でも討ち入りの日前後の数日だけ。そんなレアな作品も存在するのです。いう意味で、年間を通じて展示品が楽しめる美術館なのである。休館日だけは、行く前に調べておきましょう。最後に一つお知らせがあります。今年は、川合玉堂が亡くなってから、ちょうど50年という節目の年。そこで、この玉堂美術館では、6/26~7/16(予定)に、玉堂の回顧展を行うそうです。この間にしか、玉堂美術館で見られない絵も多々ありますので、是非お見逃しなく。その期間中、玉堂の命日である6/30に訪れると、記念品を用意してくれているそうです。この日だけ、この記事を見た方が、大勢行かれるかもしれませんね。2007さぁ、というわけでいきなり始まりました”とに~の美術館へ行こう!”。どんな企画かと言えば、何ら奇をてらっていないタイトルそのまま、読んで字の如し。毎回、『美術は、エンターテイメントだ!』というコンセプトのもと、一つの美術館をナビゲート。最終的には、皆さんに「その美術館に行ってみようかな」と思わせるところまでナビゲートしようというもの。単純明快な企画ですね。取り上げる美術館はどこでもいいと言うわけではありません。僕がナビをするまでもなく、国立新美術館や国立西洋美術館などの大きな美術館には、皆さんそのうち行く機会があるでしょう。そこで、あえてこの企画では、なかなか普通の人が行かないであろう、知る人ぞ知る美術館にスポットを当てていこうと思います。意外な場所で出会える、意外な名品の数々。そのような美術館ならではの面白さ。そこには、きっとオンリーワンな感動があるはず。ここは、日本画壇の巨匠・川端龍子(1885~1966)が、自分の代表作品を展示するために自ら作った日本初の個人美術館。その設計も細部にわたって、龍子自らの手で行っているのだとか。この龍子記念館に訪れた人間は、その建物の形状に、少し違和感を覚えるに違いありません。どことなくクネクネ、カクカクとしているのです。他の美術館と比べても、かなり異色な形状。“龍子の設計ミス??”そう思い、意を決して、その疑念を職員の方に伺ってみたところ、一枚の写真を見せていただきました。それは、この美術館上空からの航空写真。実は、この龍子記念館。上から見ると、タツノオトシゴのような形をしているのです。あ、それでカクカク、クネクネ!龍子が、自分の名にちなんで、そう設計したとのこと。設計ミスだなどとは、全くもってとんでもない。龍子記念館の屋根には、龍舌蘭のモチーフが聳え立っています。ここは”龍”尽くしの美術館。REVIEW」創刊のこの一回目を飾るに、何とも相応しいではないですか!この美術館を、自宅から一番近かったという理由だけで、選んだにしては、何たる都合のよい展開。この都合のよい展開は、まだ続きます。それは、川端龍子の芸術家としての理念・主義が、何を隠そう”美術館へ行こう!”だったのです。川端龍子は、日本で初めて「会場芸術」という考えを唱えた画家として知られています。「会場芸術」とは、絵は展覧会の会場で楽しまれるべきだという考え方。これは、現代の僕たちにとっては、すっかり当たり前の考え方です。龍子が「会場芸術」を唱え始めた昭和1ケタの時代、絵は家の床の間に飾って楽しまれるものという考え方が普通でした。そんな時代の中で、龍子は「会場芸術」という考え方を実践していったのです。映画で例えるならば、映画館で観るための映画を目指したのです。”家の中で、ネットでダウンロードした映像やDVDで映画を楽しむのじゃなくて、映画館に行って、そこで映画を楽しむべきだ!”と、龍子は言ったのです。映画館で映画を観ると、やはり迫力が全然違います。その最大の理由は、画面の大きさ。実は、龍子の言う「会場芸術」の作品の最大の特徴は、これと同じことが言えます。それまでの当時の日本画に比べて、1枚1枚の絵が大きいのです。どの絵も、少なくとも、畳一枚分はあるだろうかという大きさ。龍子の”家には飾らせないぞ!”という思い(嫌がらせ?)が伝わってくるかのようです。龍子は、壮大なテーマの絵はもちろんのこと、何気ない画題(野菜、蛙、池の鯉など)の絵でも、例外なく、かなりの大きさで描かれています。これに比べたら、それまでの日本画は14インチの画面。大画面で描かれた龍子の「会場芸術」作品は、圧倒的に迫力が違います。これだけ大きな絵ですから、残念ながら、本やネットの画像では、その良さは1割程度しか伝わりません。美術館に、実際に足を運んで、絵を楽しむべし。龍子の理想とする「会場芸術」は、まさに”美術館へ行こう!”の趣旨そのもの。この龍子記念館には、そんな龍子の”美術館へ行こう!”という想いがたくさん詰まっています。絵はガラスのケースで覆われていません。作品と直に対面することが出来るように、配慮されています。このことによって、龍子の「会場芸術」作品の迫力が、ダイレクトに伝わってきます。それから、展示室に入ったら、すぐ左に注目してみてください。龍子自らが書いた順路案内の表示があります。会館当初は、自らの筆で書いた作品紹介もあったそうです。この美術館に訪れた人への、龍子の気配りが感じられます。ここで、この美術館に行ったら、是非観ておきたい3つのチェックポイントをお教えいたしましょう。1つめは『震災緑青小3番・震災緑青5番4号』これだけ言われても、何のことだかわからないでしょう。美術館内には、龍子自身が使っていた岩絵の具がたくさん展示されているのですが、これはその中の2色についている名前。この2つの岩絵の具に関しては、世界中どこを探しても、この龍子記念館でしか見ることのできない大変貴重な色なのです。この岩絵の具の名前に、何やら”震災”という物騒な名前がついていることには、皆さまもうお気づきのことでしょう。あの関東大震災のときの火災によって、画材屋の倉庫の中にあった岩絵の具が、蒸され続けたために偶然出来たものなのだとか。それを気に入った龍子が、すべて買い取ったのだそうです。その後、これと同じ色を作るために、何度か再現が試みられたそうですが、もう二度と同じ色が出来ることがなかったという幻の色。その目で見て、その微妙な風合いを堪能していただきたいものです。道路を挟んだところにある公園です。公園と言っても、遊具があったり、だだっ広い原っぱがあるわけではありません。龍子の住んでいた自宅や、アトリエ、龍子が愛した自然溢れる庭園が、そのまま保存されている場所なのです。単なる自宅を見て、何が面白いのかと思われる方もいるでしょう(←実際、僕もそう思っていました...)。アトリエ・庭園のすべてが龍子の設計によるもの。龍子の建築家としての非凡な才能が、随所に見られます。人の家を見て、こんなにも感動したのは、初めての体験でした。何より驚くのは、一見、普通の日本風家屋に見える家の随所に、斬新なデザインが施されていること。戦後すぐに建てられたとは全く思えない、現代でも通用するセンスの建築です。リフォームをテーマにしたTV番組「劇的!ビフォーアフター」の、『アフター』として紹介されるような建築だと思っていただけるとわかりやすいような、そうでもないような...。ちなみに、ここは、無料で公開されているのですが、どの時間も空いているわけではないので、要注意。1日に3回(11時、13時、15時)のみ、龍子記念館の職員さんに案内していただいて入ることができます。その際に、たくさんあるこの公園の見どころは、職員さんが案内してくれるハズです。僕のガイドはこの辺にしておきましょう。これは、今回の一番のハイライト。僕が龍子記念館で出会った名品です。僕が龍子記念館を訪れたとき、「龍子を取り巻く豊かな自然」というテーマで、作品が常設展示されていました(詳しくは以下のURLにて↓)。この絵も、他の龍子作品と同様、実際に見ると大きな作品。何も先入観を持たずに見ると、ただ単に野菜が描かれているだけの絵のようにしか見えません。この絵が描かれた昭和20年という年、それに加えて、題にも注目してみると、ある一つの事実が見えてきます。実は、この絵は”戦争画”なのです。終戦の3日前、この龍子記念館の辺りで空襲がありました。龍子は、間一髪でその難を逃れ、爆弾が落ちるのを目の当たりにしたそうです。その時に脳裏に焼きついた畑の野菜が飛び散ったさまを描いた作品が、この《爆弾散華》なのだとか。言われて、この絵を観てみると、なんとも感慨深い。爆弾が野菜を吹き飛ばす瞬間を、スロー再生で見たような感じに見えます。“戦争画”というと、どこか悲惨さが前面に来る作品が多くて、どうしても僕なんかは目を背けてしまいがちです。いう”戦争画”とは違い、この《爆弾散華》には、不思議と惹きつけられてしまいました。戦争を肯定するのでも、否定するのでもなく、野菜が爆弾で飛び散ったという理不尽な事実だけが、この絵にはあります。戦争というものについて考えさせられます。そんな世界でも類を見ない独特な”戦争画”です。去年、”硫黄島からの手紙”を観た方も見逃した方も必見の一枚です。「会場芸術」に生涯を捧げた川端龍子が、その集大成として完成させた究極の「会場芸術」作品とも言える龍子記念館。