この『バンド・オヴ・ジプシーズ』(2001)。どこかのお店で見て、ジャケットの雰囲気がとても気に入ったからだった。ジプシーズとあるので、東欧のどこかのバンドなのかなとボンヤリ想像した。ジャケットもそんな感じだしね。持って帰って、聴いて、すごい!とビックリし、この集団のアルバムを集めはじめたのだった。ところで『バンド・オヴ・ジプシーズ』はタラフ・ドゥ・ハイドゥークスのアルバムのなかでいまでもいちばん好きだけど、最初に聴いて思ったのは、渋さ知らズみたいだなということだった。これはもちろん順序が逆で、渋さが東欧のジプシー・ミュージックを参照しているわけだけど、ぼくのばあい本格的には渋さのほうを先に聴いていたからなあ。そんなことでタラフ・ドゥ・ハイドゥークスについてはわりととっつきやすかった。渋さの不破大輔は間違いなくこういったジプシー・ミュージックをとりいれているよね。ライヴ録音集の『バンド・オヴ・ジプシーズ』だと、テンポの速いビートの効いた数曲が大好きで、これはいまでもそう。なんだか幻惑的で、めくるめくようにマジカルでもある。(ここは渋さも参照したかもだけど)合奏はすべてユニゾンだ。いやあ、聴いていてかなりの快感だよなあ、たとえば4、6曲目とか。2、13曲目もそうか。それらアップ・テンポの速い曲を聴くとわかるけど、リズムはかなり複雑だよね。変拍子の連続で、しかもそれを一糸乱れず演奏する。聴いているこっちはクラクラめまいがしそう。それがぼくにとってのタラフ・ドゥ・ハイドゥークスを聴く快感なんだよね。スウィング感、ドライヴ感がものすごいってこと。そんなところが、『バンド・オヴ・ジプシーズ』をいま聴いても変わらず感じるこのタラフ・ドゥ・ハイドゥークスのぼくにとっての魅力で、その変拍子をビシバシきめながら全員が高速で突っ走るところに胸踊る気がするから、そうでもないテンポのゆるい曲は実はぼくにはイマイチだったりする。本当はそういったゆったりめの曲にある哀感なんかもちゃんと聴かなくちゃいけないんだよねえ。そのうちほかのアルバムもふくめ、じっくり聴きかえしてみようっと。〜『ムベンバ』https://open.spotify.com/album/7fxUwJuJdQjtR50sQLMAUK?si=5E1OE6b3SyC6avpwo7a8hwサリフ・ケイタの最高作はデビュー作の『ソロ』(1987)だと長年考えていて、この意見を譲る気はちっともなかったのだが、最近、2005年の『ムベンバ』のほうがいいかもと思いはじめている。迫力を持って力づくでねじ伏せてしまうような激烈さに代わって、ゆっくりじっくりと語りかけ余裕をもって説得していくような、そんなサリフの境地に強く共感するようになったのは、やはり自分自身が高齢化しつつあるからだろうか?ともかく『ムベンバ』がいま心地いい。サリフの声の迫力は、やはり『ソロ』のころと比較すれば落ち着いたかなと思うんだけど、円熟のうまみがくわわって極上のものとなっているし、あまり暴れないこんなヴォーカルもいいんじゃないだろうか。アルバムのトータル・サウンドともよく合致していて、サリフ自身、クリエイトしたい音楽の総合体としてサウンドと自身のヴォーカルを一体化できていたと思う。アルバムのサウンドは、これの前作『モフー』(2002)から続くアクースティック路線。エレキ楽器はたぶんベースだけじゃないのかな(ベースではミシェル・アリボがいると、いま発見。2005年当時はだれなのか知らなかった)。それ以外はぜんぶアクースティック・ギターやンゴニを中心とするオーガニック・サウンドで構成されている。エレベはごくごく控えめで目立たないし、入っていない曲も多い。ギターはサリフ自身やカンテ・マンフィーラをふくむ四人程度のアンサンブル。それ+ンゴニ+ヴォーカル・コーラスが、アルバム『ムベンバ』を支配するサリフのバック・サウンドだ。ホーン・アンサンブルもなし。派手なエレキ・ギターも聴こえない。地味で渋く落ち着いているといえばそうなんだけど、『ムベンバ』で聴ける音楽はきわめて躍動的だ。地に足をつけたしっかりしたそれを感じるよね。個人的には、コラが大きくフィーチャーされている(ぼくはどうしてこうまでコラの音色が好きなのか)9曲目「ムベンバ」と、続く10曲目「モリバ」が大のお気に入りで、ぼく的にはアルバムの白眉。サリフのヴォーカルの安定感は終始一貫しているけれど、バックのサウンド(ふくむヴォーカル・コーラス)がすごく好きなんだ。快活な3曲目「カルキュレ」のグルーヴもいいし、アルバム『ムベンバ』はたんに熟したサリフの境地を示すというだけでなく、音楽家として一段とスケール感を増した深みを感じる作品だよなあ。それでもときどきはやっぱり『ソロ』の咆哮を聴きかえすけれど、いまは『ムベンバ』のしっとり感のほうがフィットする。さんに教えていただいた一枚です。https://bunboni58.blog.so-net.ne.jp/2019-01-05スコットランドの若手歌手ハンナ・ラリティ。昨2018年の『ニース・ザ・グローミング・スター』がとてもいい。昨年春に知っていまだにすっかりゾッコン中のアイオナ・ファイフといい、まだ書いていないが愛聴中のクレア・ヘイスティングスといい、なんだか最近のスコットランドのトラッド歌手界は充実してきているのだろうか。そのへんの事情というかシーンのことはいつもながらよくわからないが、ハンナ・ラリティもこれまたすばらしい。ハンナのばあい、なにがいいって、その声だね。透き通った声、透明感のある、しかし同時に芯のある強い声をハンナは持っている。クリアで、まるでクリスタルのようなんだけど、同時にしっかりとした存在感がある、そんな声だよねえ。いった声は、トレーニングでつくりあげることのできない天賦の才だと思うから、やっぱりハンナもすごいなあ。個人的にはスコットランドのトラッド歌手ではアイオナ・ファイフというイチオシの存在がいるけれど、アイオナの声にある孤高感、屹立する厳しさみたいなものは、ハンナには感じない。逆にフレンドリーな雰囲気、あたたかみがあると思うんだけどね。録音時のエンジニアリングのことなのかミキシングか、『ニース・ザ・グローミング・スター』ではエコーのかかりかたも絶妙にすばらしい。そのおかげでフレーズおわり、コーラスおわりでハンナがスーッと伸ばす声がきれいに聴こえ、デクレッシェンドしていく瞬間も実に自然でキラキラと美しい。必要最小限の伴奏楽器とヴォーカルとのミキシング・バランスもいいね。アップ・ビートの曲ではドラム・セットも使われていて、それもちょうどいい聴こえかた。ハンナの『ニース・ザ・グローミング・スター』に四つあるそんな曲(2、4、8、10)が特にぼくは好きなんだ。「アリソン・クロス」だなあ、実にいい。したテンポ、テンポ・ルパートで歌われるバラッドもいいけれど、「アリソン・クロス」みたいにスウィンギーにやる伝承曲で特にハンナのヴォーカルのダイナミズムが際立っているように聴こえるんだけどね。ギターのカッティング(イネス・ワイト)とピアノとフィドルを中心とするサウンド・メイクも見事だ。「アリソン・クロス」では、開始一分目あたりまでギターのみの伴奏で歌いこなすハンナのヴォーカルに惚れ惚れしちゃう。アクの強い黒人歌手もいいけれど、最近、こういったケルト圏のトラッド・シンガーも好みになってきているかもしれないなあと思ったり。(0)2019/05/28ライヴ盤の少ないパット・マシーニーだけどhttps://open.spotify.com/album/6zhcd9npDiEUGn66l1lzSU?si=jgsVbX43SJWWJhxOcsko2gほんと、パット・マシーニーはキャリアの長さと充実度からしたら異常とも言えるほどのライヴ・アルバムの少なさだ。2019年現在で二枚だっけ?たしかそれくらいだよね。そのうちでも、1993年のゲフィン盤『ザ・ロード・トゥ・ユー』がかなりいい。この時点でのパット・マシーニー・グループのベスト盤的な聴きかたもできる選曲だし、中身も充実している。パット入門にもうってつけ。ライヴ盤ながら『ザ・ロード・トゥ・ユー』には録音年月日場所の詳細は記載なし。表ジャケットにヨーロッパでのライヴ録音とあるのでそうなんだろうとしかわからない。1993年リリースだからそのすこし前の収録なんだろうと推測できる。メンバーはアーマンド・マーサル、ペドロ・アズナールのいるレギュラー・グループ。パット・マシーニー・グループのばあい、やっぱりヴォーカルが入る曲のほうが楽しいし、美しく、そして切なく胸に迫る。『ザ・ロード・トゥ・ユー』でもそういった数々の曲がぼくはやっぱり好きだ。70」、10「サード・ウィンド」。爽快にかっ飛ばしているし、スウィング感も見事。二名のヒューマン・ヴォイスもいいし、歌いながら同時に演奏するパーカッションも見事に効果的。出だしの1、2曲目でたぶんリスナーは心をつかまれてしまうと思う。その後、やや前衛的なギター・ピースなどもはさみながら、長尺な4曲目を経て、おなじみの5「ラスト・トレイン・ホーム」で泣く。アーマンド、ペドロの二名の(楽器と同時にユニゾンで進んだりもする)ヴォーカル・ラインは、もちろんあらかじめアレンジされてあるものだから、スタジオ・オリジナルとなにも違わない。パットやライルのソロはアド・リブだなとわかるし、またヴォーカルも即興的に歌っているなと思う部分もありはするものの、だいたいどの曲もスタジオ・オリジナルと大きくは違わない。それならオリジナルを聴いていればいいか、とはならないんだなあ。ライヴ・パフォーマンス、一発同時演奏ならではのグルーヴがここにはある。あきらかに空気が違っているんだよね。あまりにもちゃんとしているというか整然としているので、『ザ・ロード・トゥ・ユー』を聴いていて、ライヴなんだということを忘れてしまいそうだ。ヴォーカルの二名が参加しない、カルテット演奏ピースは、パットのジャズ・ギタリストとしてのハイ・レヴェルな腕前がよくわかるもので、彼自身、そういったショウケースにしたい、ライヴでそれをアピールしてみようというものだったんじゃないかと思う。印象がなめらかだからうっかり聴き逃しそうになるけれど、どこをとっても超一流のギターリストだ。ライヴのメイン・アクト最後の曲「サード・ウィンド」の演奏が終了してもなお、客席からの大合唱がやまないっていう、それはヴォーカリスト二名の歌うラインを観客も歌っている、バンドがやめてもなお、しばらくお客さんが歌っているという事実だけもってしても、パット・マシーニー・グループの魅力、真骨頂が奈辺にあるかを如実に物語っていると思うんだ。聴いていなかったし、その後も2018年2月にコンサートを初体験したとはいえ歌唱イヴェントのことは知らなかった。昨2018年11月以来どんどん美咲の歌唱イヴェントに出かけるようになって以後(だってすんごく楽しく癒しになると知ったから)彼女の持ち歌のなかでも特に「初酒」と「鯖街道」が大の好みになってきている。以前からしたら考えられない嗜好なんだけど、美咲の歌唱イヴェントをどんどん体験なさっているかたならばある程度わかっていただけるんじゃないだろうか。一回四曲のイヴェントのオープニングにこの二曲はピッタリなのだ。実際そうなっているのを現地でなんども体験し痛感している。威勢がいい、元気がいい曲調だもんね。ノリのいいズンドコ調でずんずん歩いていくような、そんな元気よさがあるよね。あんなにズンドコ調きらいだった人間の発言とは思えないが、ぼくも変わりました。変えてくれたのが美咲の歌と笑顔とあの姿と、この二曲だってこと。美咲の歌唱イヴェントがどんなに楽しいか、どれほどの癒しか、まあ体験しておられないかたに納得していただけるように説明するのはなかなかむずかしいと思う。東京や大阪や岡山や四国など各地で体験した美咲の歌唱イヴェント。担当のかた(たぶん徳間ジャパンのかただと思う)が、それじゃあお願いします、岩佐美咲!と言ってカラオケのイントロが流れ、あの着物姿の美咲が脇から、あるいは後方(ばあいによっては前方)から、にこやかにほほえみながら登場し、その瞬間、「初酒」や「鯖街道」のリズムだと心がウキウキする。ぼくらは客席から「わっさみ〜ん!」コールの大合唱。「初酒」や「鯖街道」のばあい、美咲は左手に持ったハンド・マイクを右手で叩き、曲にあわせての手拍子をうながす。それでぼくらもリズムに乗っての手拍子をはじめるんだよね。イントロが終わって美咲が歌いはじめたらすっかりいい気分。手拍子しながら美咲の歌を聴き、味わって、それがほんと〜に楽しいんだ。こんなこと諸々、美咲の歌唱イヴェントにどんどんでかけていくようになるまでちっともわかっていなかった。一回四曲のイヴェントの幕開けに「初酒」か「鯖街道」が来たら、もうそれだけでノリがよくってうれしくて楽しい気分なんだよねえ。美咲の歌がリズミカルでノリがいいっていうことなんだけど、どうやら小規模な歌唱イヴェント独特の感情みたいだ。(0)2019/05/26フィルモアのマディ1966https://open.spotify.com/album/5iqm2sbb7sbEA1R0F2XlEj?si=PJTakx05Tbi3K5tzPED8ggマディ・ウォーターズの『オーソライズド・ブートレグ』(2009)。1966年11月にサン・フランシスコのフィルモア・オーディトリアムに出演した三日間の記録から抜粋編集されたライヴ盤だ。ところで、このジャケットで「オーソライズド・ブートレグ」と題するライヴ・アルバムがたくさんいろんな音楽家ので出ているのは、すべてウォルフガングズ・ヴォールトの音源ってことだよね。このブログでもいままでにネヴィル・ブラザーズのとか、いくつか書いた。1966年フィルモア・ライヴでのマディはギターはまったく弾かずヴォーカルに専念。ギターが二名にリズムと、あとはやっぱりシカゴ・ブルーズらしくハーモニカが大々的にフィーチャーされている。この『オーソライズド・ブートレグ』でマディの次に目立っているのが電化アンプリファイド・ハープのジョージ・スミスだ。ソロは彼がほぼひとりで吹きまくる。ギターの二名では、マディのメンバー紹介によればジョージア・ボーイ(ルーサー・ジョンスン)がセカンド・リードでサミュエル・ロングホーンがリードということだけど、音だけ聴いてどっちがどっちと判別できる耳はぼくにはなし。ギター二本がからみあっていたりする部分はまったく区別できない。スライドでソロをとったりするのはどっち?もわからず。このアルバムは、11月4〜6日の記録だけど、4日から四曲、5日から六曲、6日から5曲を収録し、日付順には並べていないよね。テープは三日間のすべてを記録してあるんだろうと思うんだけど、でもぜんぶ出してほしいとは思わない。このアルバムを聴けば三日間とも大同小異だったとよくわかるからだ。レパートリーも、抜粋編集したこのアルバムですらかなり重なっているし内容もほぼ変わらず。三日間トータルの内容をフル・リリースしたところで冗長になってしまうだけだろう。『オーソライズド・ブートレグ』は、これでよく編集された好アルバムと言えるんだね。このアルバムを聴いて感じるのは、大きく言って二点。歌手マディの存在感のデカさ、ブルーズがロックとどう違うのかという決定的なポイント、のふたつだ。前者についてはあまり言を重ねなくていいだろうと思う。マディのヴォーカル・パフォーマンスの見事さを聴いてほしい。声もよく通るハリのあるトーンが伸びやかによく出ていて、しかもナチュラルでスムース、さらに大きな余裕も感じるゆったりさ。5日分のラスト「ガット・マイ・モージョー・ワーキング」。最終盤でストップ・タイムが入りバンドがパッと止まった時間に、マディはひと呼吸おいてから「フ〜ン!」と言う。それに続いて「ジャスト・ドント・ワーク・オン・ユー」を歌う。それでバンドがエンディングを演奏するわけだけど、その「フ〜ン!」の余裕綽々の憎たらしさったらないね。こんなパフォーマンスは1950年代のマディでは聴けなかった。ギターを弾かずともヴォーカルだけで自己の存在の大きさを見せつけられるようになっているじゃないか。ブルーズが(ブルーズ・)ロックとどう違うのか?という決定的な音源に、このマディの『オーソライズド・ブートレグ』はなっていると思うんだよね。マディ・バンドのこの粘りつくような、後ずさりしながら前進するような(おかしい?)、決して軽快ではないブルーズ・ビートを聴いてほしい。いったトリモチを敷きつめた部屋を歩いているかのようなノリはブルーズ特有、というかアメリカ黒人音楽特有のものなんだよね。いったブルーズ・ビートの感覚は呼吸みたいなもんだから、学習して身につけることはむずかしい面もあると思う。ロック界にいる白人フォロワーたちがどんなにがんばっても到達できない独特の粘り気と重さ、ノリがこの1966年フィルモアのマディ・バンドにはある。いった音楽は、一聴、とっつきにくいものだ。ロック化されたブルーズのほうがわかりやすく聴きやすい。一度ヤミツキになれば逃れられない魅力が米黒人ブルーズにあるんだというのもまた事実。聴くツボをつかんでしまえば、あとはひたすら気持ちいい。1966年フィルモア・ライヴでのマディ・バンドもまたそうなんだ。9https://open.spotify.com/user/21qp3vk3o45zy3ulmo4rgpd3a/playlist/0m1SVewpwLg7oPKUXRii8x?si=_F3Wz5FNRbe_5P4E-DPWfAというものを今後定期的に書いていきたい。年間ベストテンは書くものの、三年スパンくらいで愛聴、頻聴しているものこそ、自分にとって大切な音楽のはずだ。その後、五年、十年と伸ばして考え書いていけば、音楽人生記録ができあがる。いまはそこまで考えていない。(今2019年を除く)ここ三年ほどよく聴く九つを記しておこう。以下、その九つのリスト。聴く順に一位から並べただけの単純さ。