愉快で楽しくふざける、まさに音「楽」、それがファッツの世界だね。肌が黒いのが悪いんだろうと泣くような(ホットな)曲は、書きはしてもやらなかったのかもしれない。ぼくは長年そういった世界が苦手だった。シビアなハードさ、切り口鋭いエッジの尖った感じの熱い音楽が好きだったんだよね。のどかで厳しさなんかなさそうなファッツの音楽は、だから主にピアニストとしての腕前に耳を傾けるというような接しかたをしていたわけ。愚かだったなあ、ぼくは。ファッツの世界を理解できていなかった。自分も歳とって、それでようやくファッツのこんななごやかで落ち着いた世界が本当にすばらしいと心から実感できるようになったのかもしれない。それで今日こんな文章を書いている。参考アルバム(ぼくの持つ『ジ・エッセンシャル・コレクション:ファッツ・ウォーラー』はこれじゃないけど)。(0)2019/05/22ボッサってな〜に?https://www.amazon.co.jp//dp/B00005IW0G世界で最も知られているブラジル音楽がボサ・ノーヴァだけど、ボサ・ノーヴァってなに?このことばはどういう意味?と聞かれたら右往左往してしまうぼく。ノーヴァのほうは、英語なんかでもスーパー・ノーヴァ、すなわち超新星と言ったりするので「新しい」という意味なんだな、つまりは音楽の新潮流みたいなことを言おうとしているのか、と推測がつくけれど(ウェイン・ショーターに同題のアルバムあり)、ボサ、またはボッサがわからないよねえ。そんなとき、1999年のオフィス・サンビーニャ盤アンソロジー『サンビスタス・ジ・ボッサ』がかなり参考になる。アルバム題どおり、ボッサ感覚を持つサンバ歌手たちの録音をどんどん並べて、ボッサがなんなのか、解説文の田中勝則さんも特にこういうことと明言されていないけれども音源で実感してもらおうという一枚じゃないかな。収録されているのは24曲すべてサンバだけど、ボッサ感覚を持つものってなんだろうと、ぼくは最初わかっていなかったが、だんだんこういうことかな?とぼんやり感じるようになった。それを今日ぼくは明記しておきたい。ボッサ感覚とは、サンバのなかでも特に都会的で粋なセンスのオシャレでファンキーなもの、そんなフィーリングを指していると思う。サンバといっても実にいろいろあって、もとがカーニヴァル用の音楽だからダンサブルで泥臭いものもあったりするのだが、『サンビスタス・ジ・ボッサ』に収録されているサンバにそういったものはない。いえばヤワな、華奢な、おしゃれなやさおとこ的なというか(女性カルメン・ミランダが収録されているが)、そんなサンバばかりどんどん並んでいるとしていいんじゃないかな。『サンビスタス・ジ・ボッサ』に収録されている歌手は、だいたいがルイス・バルボーザ、シロ・モンテイロのふたりだと言ってもいいくらいで、ソングライターでいえばウィルソン・バチスタとジェラルド・ペレイラにしぼられるとしたいほど。年代で言えば、たとえばサンバ・ジ・ボッサの最盛期は1940年代前半と言っていい。そのころ、サンバとショーロが再合体し、サンバに小粋なスウィング感が聴かれるようになり、同時にファンキーなユーモア感覚もあわせ持ち、軽妙にノリよい曲をスッと軽く歌うことが時代の潮流だった。そんなことを<ボッサ感覚>と呼んでもいいんじゃないかなと思う。最初はサンバのなかに出てきた(新しい)感じといった程度の使われかただったのかもしれないんだけど、ノエール・ローザやカルメン・ミランダの歌詞のなかにも歌い込まれるようになって徐々にサンバ音楽になかに定着し、1940年代になってサンバ・ジ・ボッサなどと呼ぶようになったのだろう。それがボサ・ノーヴァという命名の起源となった。『サンビスタス・ジ・ボッサ』のなかにある、たとえばシロ・モンテイロの歌のなかには、ほぼボサ・ノーヴァに近づいている、あるいはボサ・ノーヴァそのものであると言いたいくらいのものだってあるんだ。サンバからサンバ・ジ・ボッサを経てボサ・ノーヴァへいたる道のりはひとつながりだったんだなと実感できる。さんに教わったものです。https://bunboni58.blog.so-net.ne.jp/2019-01-21オーソドックスな古典ショーロをやるトリオ・ジュリオの2017年デビュー作『ミーニャ・フェリシダージ』がとてもいい。曲もアルバム全体も(いい意味で)古くさい音楽。このことは、たとえば曲間の空白時間でもわかる。ある時期以後の音楽アルバムではあまり間合いをおかずどんどん次の曲が流れてくるけれど、『ミーニャ・フェリシダージ』では曲と曲のあいだにたっぷりポーズがおかれている。むかしの音楽レコードみたいで、最近の傾向にすっかり慣れちゃっているから、最初は一瞬オリョ?止まった?と感じたほど。トリオ・ジュリオの『ミーニャ・フェリシダージ』は、兄弟三人によるバンドリン、ギター、パンデイロのトリオ編成を基本に置きつつ、三人での演奏曲もあるけれど、多くのばあいゲストを曲によって変えながらどんどん迎えて、自作曲をやっているという感じかな。そんな自作曲も、どこも現代ふうでない古典的意匠で、ぼくなんかは好感を抱く。伝統と現代がひとつながりで接合しているブラジル音楽界ならではだね。アルバムの最大の目玉は、やはり管楽器奏者を複数迎えてやっている8、10曲目かな。そのメインはアキレス、エヴェルソンのモラエス兄弟なんだ。憶えているでしょ、例のイリニウ・ジ・アルメイダ曲集の中心だったふたりだ。そのときフィーチャーされていたオフィクレイドをエヴェルソンは10曲目で吹いている。8曲目ではトロンボーン。オフィクレイドなんて、そのイリニウ曲集まで完全に忘れ去られた楽器になっていたものだし、イリニウの得意楽器だったからエヴェルソンは復活させたんだけど、それをトリオ・ジュリオに客演しても演奏しているのは、あるいはひょっとしたらエヴェルソンのほうからもちかけたアイデアだったかも。トリオ・ジュリオの三人がオフィクレイドを提案できるかどうかわからないし。実際その10曲目ではアレンジ担当がエヴェルソンとクレジットされている。作曲はほかの曲同様マルロン・ジュリオだけど、アレンジだけエヴェルソンがやって、しかもグルーポ・オス・マトゥトスがまるごと参加していて、エヴェルソンがオフィクレイドを吹くんだから、トリオ・ジュリオとオス・マトゥトスの共同作業によるワン・トラックと言っていいかも。実際、おもしろい仕上がりになっている。(オス・マトゥトスじゃないものの)同じくアキレスとエヴェルソンが参加した8曲目も楽しいし、管楽器のいないシンプルなトリオ編成のトリオ・ジュリオにして、なんだか実はこのアルバム『ミーニャ・フェリシダージ』はなかなかヴァラエティに富んでいる一枚と言えるかも。それに10曲ぜんぶがメンバーの自作だけど、それもきわめて古典的でオーソドックスなショーロ曲の創り。それをストレートにやって、過去の楽器オフィクレイドも使ったりする。ある種のルネサンス的な意味合いすら感じるこの『ミーニャ・フェリシダージ』だけど、当のトリオ・ジュリオの三人はそんなことをあまり考えすぎず、ただやりたい音楽を自由にのびのびとやっているなと感じられる素直さも好感度大。古典ショーロ好きじゃないと楽しめない作品だけどもね〜。(0)2019/05/20定型のない軽妙なロバート・ウィルキンスhttps://open.spotify.com/album/6WVlNEjuEWQtzx5uiT0KxT?si=cQ5UJRyWTyWtPCxJqyKRkgローリング・ストーンズが下敷きにした戦後録音もありはするものの、やはり第二次世界大戦前のメンフィス・ブルーズ・シーンでこそ重要人物だったロバート・ウィルキンスが、その大都会に移住してきたのは1915年のこと。ギターで弾き語っていたらしい。CD『プロディガル・サン〜放蕩息子』で愛聴している。リンクは同じ中身のアルバム。これ以外には1964年のゴスペル・アルバム一枚があるのみのひとだ。ヴィンテージ録音(1928〜35年)に話を限定すると、ロバート・ウィルキンスのブルーズにはほぼ定型がない。ほとんどがひとりでの弾き語りであるカントリー・ブルーズの世界ではそれがあたりまえだけど、それにしてもウィルキンスの融通無碍さはなかなかすごい。推測するにたぶんまず歌があって、それに合わせてギター演奏もついていっているだけだから、そしてその歌とは(だらっと続く)バラッド的なお話だから、ということなんだろうなあ。12小節3コード形式。このときのセッションでだけ二名の伴奏者がいるからだ。実にカチッと定型化しているよねえ。それにしてもスプーンが付くなんて(カチャカチャという音がしている)、いかにもメンフィスらしい土地柄だ。バンドというか複数名でやると定型化するというのはわかりやすい話だ。戦後もひとりで弾き語ったカントリー・ブルーズ・マン、たとえばライトニン・ホプキンスなんかはやっぱり小節数が伸び縮みしているんだもんね。だいたいが一小節単位でのことで、ロバート・ウィルキンスのばあいは、半拍伸びたりしてワン・コーラス(という概念もたぶんないのだが)13小節半だとか、あるいは15小節だとか、そんなのだってある。上でも書いたけど、伝承的な物語歌、すなわちバラッドの世界では、まあ詩として世に出るばあいはある程度フォーマットがあるだろうけれど、それでも現場で歌って聴かせるのにかたちはいらない。その場その場で観客の反応も見ながら自在に端折ったり延長したりくりかえしたりするわけで、それもちょっとだけとか大幅にとか、よくあることじゃないか。両面の「ローリン・ストーン」2パートがそこそこのローカル・ヒットになって、ラジオ出演した際この曲にリクエストの電話がじゃんじゃんかかってくるためやめられず、ついに番組の一時間ずっと「ローリン・ストーン」だけ歌っていたという(ウソかホントかの)エピソードまで残っている。お話とはそういうもんだね。アメリカの黒人ブルーズが(発祥時に?プリ・ブルーズ的な部分で?)けっこうバラッドと関係があったとは、ぼくも以前から書いていることで、それは戦後のマディ・ウォーターズの弾き語りなんかにも姿を現している要素。ミシシッピのど田舎ハーナンドー生まれで戦前のメンフィスで活動した弾き語りのロバート・ウィルキンスなら理解しやすいことなんだよね。ローリング・ストーンズがとりあげた「ザッツ・ノー・ウェイ・トゥ・ゲット・アロング」(プローディガル・サン)も見事に変型で、というか変型とか定型とかいう概念でくくれないのがロバート・ウィルキンスで、歌がまずあって、歌いながらそれにあわせて拍数がかなり半端になっている。それでここまで結果的に構成がちゃんとなっているように聴こえる組み立て能力はすごいね。歌もギターも軽妙洒脱だ。「ゲット・アウェイ・ブルーズ」も傑作で、出身地であるミシシッピのブルーズっぽい感覚の一曲。ヴォーカルも力強いが、ギターのパターンに注目。フリーなワン・コードに近い展開で、その上、ジョン・リー・フッカー的な二拍三連に近い弾きかたもあるかと思えば、低音弦でブギ・ウギ・ピアノの左手みたいに動いたりもする。(0)2019/05/19ジョエル・ロス登場https://open.spotify.com/album/4XZmtRKGaFmcJHak5xii6m?si=5X-5znyWQ0iWQuT4IAKXTQブルー・ノートからデビューしたばかりのジャズ・ヴァイブラフォンの新人ジョエル・ロス。そのプレイぶりは、ハーモニー面でもリズム面でもチャレンジングだ。ジャズ的なスリルに満ちたデビュー・アルバム『キングメイカー』(2019)は、ヴァイブラフォン+アルト・サックス+ピアノ・トリオのクインテット編成だけど、めくるめくようなエモーショナルな演奏で聴き手をグイグイと世界に引きずり込むパワーを持っている。ジョエル・ロスのことをブルー・ノートは前々からプロモートしていて、まだデビューもしておらず一曲も聴けない状態の新人としては異例の大きな扱いだった。『キングメイカー』をお聴きいただければわかるように、ジョエルのマレットさばきは超高速。寸分の狂いもなく極めて正確だ。熱情的な演奏ぶりで、気持ちが入るとグングン高揚し、同じくエモーショナルなアルト・サックス(イマニュエル・ウィルキンス)と一体化してクインテットの演奏全体がかなりの熱量を帯びる。思うと、同時にどこか醒めたクールなアティテュードも感じるよね。ヴァイブラフォンのジョエルと一体化した演奏ぶりという意味では、ドラマーのジェレミー・ダットンもかなりすごい。複雑なポリリズムをひとりで難なく叩き出していて、多彩なドラミングで演奏に躍動感を与えているのだが、リズムの変化においてジョエルと一体化しつつどんどんチェンジしているのがわかる。アルバム『キングメイカー』のぼくにとっての快感の肝は、この三位一体、ヴァイブラフォン、サックス、ドラムスの重なり合いにある。一体化せず、異なったまま重ねたりもして、特にジョエルがひとりでバンドの演奏にぶつけるように異リズムで演奏していると思うんだ。それでいてジョエルもバンドも違和感なくスムースにこなしているよねえ。すごいことじゃないかな。バンドの演奏に対しジョエルひとりが異をレイヤーしていくというのはハーモニー面でもそう。デビューしたての新人でありながらヴァイブ・ヴァーチューゾでもあるっていうのは、たとえば5曲目「イズ・イット・ラヴ・ザット・インスパイアズ・ユー?」でもよくわかる。ここではサックスとピアノを抜いたヴァイブラフォン・トリオでの演奏だから、もっぱらジョエルの超絶技巧に焦点が当たっている。聴きながら、なんてすごいんだ、しかも爽快だ、とうなっちゃうなあ。ジェレミーのドラミングにも要注目。ふたりで突っ走っている。クインテットの演奏も、ジョエルひとりの演奏をとりだしても、多彩でチャレンジングな『キングメイカー』。ぼくがことに注目するのはリズム面での斬新さ、おもしろさだけど、和声面でもユニークで、収録曲もほとんどがジョエルの自作でありかつ、なんとプロデュースまでやっている。ヴァイビストとしてスケールが大きいというだけじゃない、トータルな音楽家としてのデカさを感じるね。2019https://open.spotify.com/album/1HXDn48Et8A47wiWpKSSeG?si=Lk0EHdAvTuKDSIW-lJopCgONB(オルケストル・ナシオナル・ドゥ・バルベス)での活動で名を知ってすっかりファンになったアジズ・サハマウイ。彼のユニヴァーシティ・オヴ・グナーワ三作目が、今2019年にリリースされたばかりの『ポエティック・トランス』だ。これはかなりいい内容のアルバムだよね。グナーワ大学、一作目も充実していたが(このブログでもくわしくとりあげた)、この三作目はそれを上回っているかもしれない。yémma」、9曲目「Sotanbi」だ。なかでも9曲目はポップ化もしていない生のグナーワといった趣で、これがいちばん好き。ディープでいいんだよね。このあたりはモロッコの儀式グナーワが好きだという趣味嗜好からくるものだから、みなさんには共感していただきにくいかもしれない。それでも「ソタンビ」でカルカベ(金属製カスタネット)よりもドラム・セットの音を前に出し、エレベやエレキ・ギターも入れたりして、腐心してわかりやすくしようとしている。リード・ヴォーカルとバック・コーラスのコール&レスポンスは伝統マナーそのままだ。『ポエティック・トランス』ではじめてグナーワっていうようなものに触れるという向きがおありならば、この9曲目でゲンブリとヴォーカルだけにして、ドラムス、エレベ、ギターを抜き、そこにカルカベをもっと大きく入れたら、それがだいたいディープなルーツ・グナーワの音楽像なのだと考えていただきたい。ぼくはそういった音楽が大好きなんだ。アジズだって、演奏終了後に思わず叫び声をあげているんだから、やはりこういったものこそが本領なんだと思う。そんなアルバム・ラストの「ソタンビ」にはグナーウィとしてのアジズの心意気みたいなものが表現されていて、このアルバム『ポエティック・トランス』ラストに置かれた白眉のワン・トラックとなっているんじゃないかな。そのほか、5曲目、7曲目もグナーワ・ベースのポップ・ミュージックで、これらは比較的聴きやすいかも。5曲目「ギャング・サウンド・オヴ・ムビリカ」でゲンブリ演奏がはじまってしばらくして、お腹に来る地を這うようなエレベが聴こえてきた瞬間に背筋がゾクゾクするし、アジズのヴォーカルもコール&レスポンスのコーラス隊も充実している。ここでもドラム・セット入り。途中からンゴニとトランシーなエレキ・ギターがからんで間奏をつくるあたり、このバンド、グナーワ大学のありようを発揮したものと言えるだろう。ンゴニは、グナーワ大学において以前から頻用されていて、バンド名に反し音楽に西アフリカ色をもたらすことになっているのだが、アジズのユニヴァーサルな音楽企図が見えて、ぼくは好感を抱いている。それとエレキ・ギターをからめるなど、全体的に(プロデューサーのマルタン・メソニエのおかげもあるけど)種々音楽要素のフュージョン色が強いのも、結果的には大成功だ。7曲目「スダニ・ヤ・イェマ」では、まずゲンブリ独奏が出て、それにヴォーカルのコール&レスポンスだけがからんでいくから、最初思わず「オオ〜〜ッ!」と喜んでいたら、ポップなドラムス演奏が入り、エレベ、エレキ・ギターと入ってきて大衆音楽化する。この曲ではドラムスの音が大きく、演奏も派手だ。すると、途中から派手でやや長尺なエレキ・ギター・ソロも出て、そこはまるでハード・ロックさながらだから、この7曲目を最初から聴いているとグナーワ・ロックみたいな感じにも聴こえるね。聴きやすくていいと思う。最初ディープなルーツ・グナーワふうにはじまって、瞬時にポップ・ミュージック化して、どんどん高揚していくさまを聴かせる構成は、アジズもさることながらマルタンの貢献を感じる具合だ。(0)2019/05/17ロベルタ・サーの新作が心地いいhttps://open.spotify.com/album/16ACI5slW2WX9SP895SwRC?si=2_Xa1ok6TsKt60YthAYkpwリリースされたばかりのロベルタ・サーの最新作『Giro』(2019)。目玉はやっぱりジルベルト・ジルとジョルジ・ベン・ジョールが参加した4曲目かな。この曲だけ、アルバム中ほかの曲とはグルーヴ・タイプが異なっているのも注目点。なんというかビートがタイトでシャープ。鋭角的な切り込みも聴かせているよね。バイーアふうサンバだしね。これはアルバム全体の色調からしたらやや異色と言えるはず。全体的には、やわらかく丸いソフト・タッチな音楽をロベルタはこころがけているのがわかる。ama」に続き流れてくる5曲目「Nem」でもわかる。これですよ、心地いいのは。肩肘張らないリラクシングなムード、それがいいと思うんだよね。考えると、そんなあったかやわらかいロベルタふう新サンバは、アルバム中ほかでもいっぱい聴ける。1曲目「Giro」はサンバかどうかわからないが、シンガー・ソングライターとしてのロベルタの世界を端的に表現したもの。Lençol」はややシャープかなと思わないでもないがソフト・サンバで、こういうのがいいと思うんだよね。ロベルタの声も女性ならではのやわらかさがあって、聴いていて癒される気分。心地よく癒されながら、アルバムのトータル41分間を聴き終えるというのが正直なところ。全体的にとがっていたりハードだったりタイトだったりすることがほぼなくて、サンバ・ミュージックの持つ人間味、あたたかみだけを取りだしたような音楽なのがいいよ。Casal」の弾き語りの親密なムードとか(後半のフリューゲル・ホーンも実にいい)。Modernidade」ではハーモニカが活きているし、ヒューマンなぬくもりを感じるサウンドだよねえ。サンバとはいえないが、現代ブラジル音楽の持つ人間らしさをよく表現できていて、音楽的姿勢としてはサンバのそれに相通ずるものがあると言えるかも。ハーモニカを入れようというのはロベルタのアイデアだったのかなあ。アルバム・ラストの「Afogamento」がこれまたよくて、この新作『Giro』でロベルタがとっている姿勢というか音楽性、つまりヒューマンなあったかみ、ソフトで丸いぬくもりといったものを典型的に表現したような、まるでそばに座って彼女がギターで語りかけてくれているかのような親密さも感じる、そんな音楽で、フリューゲル・ホーンとテナー・サックス二管の入りかたもうまいし、ホッとするねえ。41分間という長さも適切で、なんどもなんどもくりかえし聴くロベルタ・サーの新作『Giro』。聴いても聴いても飽かず、あったかさにほだされて、こっちのメンタルまで適温になっていくような、そんないい音楽だなあ。実はかなりの深みと凄みをも同時に帯びた作品だしね。いやあ、実にいいですよ。Comité)はデビューしたばかりのキューバのジャズ・グループ。いっても新人で構成されているわけじゃないみたい。ピアノ(鍵盤)二名、トランペット、テナー・サックス、ベース、ドラムス、パーカッションの七人編成だけど、リーダー格の鍵盤奏者アロルド・ロペス・ヌサ、もうひとりの鍵盤ロランドー・ルナ、ドラムスのロドネイ・バレットあたりは知名度のあるところ。ほかもキャリアのある演奏家が混じっている模様。そんなエル・コミテの一作目『イ・ケ!?』はソー・ワットとタイトルにあるように、ひょっとしてマイルズ・デイヴィスのあれをやっているんじゃないか?そうじゃないかもしれないが、もしそうだったならマイルズ・マニアとしては絶対に見逃せないなということで買ってみたというのが正直なところ。アルバムを聴いたらそれよりも全体的におもしろかった。アルバム・ラストにあるのはたしかにマイルズの「ソー・ワット」だ。マイルズ・ヴァージョンでベーシストが弾くテーマ音列を、エル・コミテではピアノ(たぶんアロルド)が演奏している。ホーンズのアーメン合奏は同じ。その後やはりラテン/キューバ/サルサな展開を聴かせているのがこのバンドの特徴だね。こんなラテンな「ソー・ワット」はたぶん世界にふたつとないはず。勢いとかノリっていうよりメロウさを前面に出したようなアレンジと演奏で、いやあ、楽しめました。メロウさは、このエル・コミテの『イ・ケ!?』全体を貫いているトーンで、あわせてなめらかさとかスムースさも目立っている。このあたり、これはキューバのジャズ・バンドだけど、アメリカ合衆国の現在形ジャズもブラジルのでもそんなのが多いし、これって<アメリカの>先端ジャズに共通する特色なんだろうかなあ?わりとそういうのが目立つなと思うんだけど。エル・コミテの『イ・ケ!』は、いかにもラテン・ジャズのバンドというだけのノリのよさや強いグルーヴがやっぱりそこかしこにあって、土地柄とか音楽の地域性は抜きがたいものがあるんだなと思う。静かな水のようにスムースに流れているばあいが多いブラジルなどのジャズとは違う部分だ。エル・コミテのこのアルバム1曲目を聴いただけでもわかると思う。ときどきサルサ・ジャズみたいな激しいノリを聴かせるばあいだってあるエル・コミテ。バンドの肝というか最重要人物にしてぼくのいちばんのお気に入りになったのはドラムスのロドネイ・バレット。複雑なリズムを手数の多い細分化されたドラミングで表現していて、なかでもスネア・ワークがにぎやかで好みだ。シンバルはあまり叩いていないが、もっとシンバル使っていいぞ’。このビート感はぼく大好き。それが典型的に出ているのが4曲目の「トランジシオーネス」。アロルドのピアノにロランドーのエレピがからみ、ホーンズによるテーマ合奏が出たらそのアブストラクトさにのけぞりそうになるけれど、その背後でのロドネイのドラミングの見事さには感心するね。その後のソロ・パートで各人がしのぎを削るが、リズムやビートが好きだ。アロルドのピアノはやっぱりちょっとサルサっぽい。ブロック・コードで弾くばあいはね。ドラムスとパーカッションの打楽器掛け合いパートも楽しい。この曲はノリが強くていいね。23」に聴きほれていると、7曲目「ナダ・マス」でやっぱり甘美の極み。二名同時演奏のピアノとエレピのからみが、5曲目でもそうだけど、本当にきれいだ。8曲目「ソン・ア・エミリアーノ」は、エミリアーノ・サルバドールに捧げてキューバン・ジャズのレジェンド、ガブリエル・エルナンデスが書いた曲。アロルドのピアノがやはり典型的にキューバン〜サルサっぽい。これと続くラスト「ソー・ワット」だけがこのアルバムでの他作曲。ttps://www.youtube.com/watch?v=2IBG2KNCMOwどうしてこんなに好きなのか、ダン・ピケットのやる「ベイビー・ハウ・ロング」。いやあもうなんどもなんどもくりかえし聴いてしまう。リロイ・カーがオリジナルのこのブルーズ・クラシックの数多あるヴァージョンのなかで、たぶんいちばんの好物がこのダン・ピケットのだな。いや、たぶんじゃなくて間違いない。ヴァイン盤であるダン・ピケットの『ロンサム・スライド・ギター・ブルーズ』を新宿丸井地下のヴァージンメガストアで買うまで、ぼくはこのスタンダード曲を聴いたことがなかったはずだ。ダン・ピケットという名前だって、なにひとつとしてちっとも知らずにこれを買ったのは間違いなくジャケットの雰囲気のおかげ。それで買って帰って自宅で聴いて、1曲目の「ベイビー・ハウ・ロング」で、な〜んて魅力的なブルーズ・マンなんだ、な〜んて魅惑的なブルーズ・ソングなんだろうと感激しちゃったのだ。実際、ダン・ピケットのやる「ハウ・ロング」は群を抜いてすばらしいと、いまでも聴くたびに感じる。むかしと違っていまはたくさんのヴァージョンを知っているけれど、それでもね。ダン・ピケットの「ハウ・ロング」は、リロイ・カーのオリジナルとはずいぶん違う。メロディ・ラインも微妙にユニークだし、歌詞なんて「ハウ・ロング」というリフレイン部以外はまったくのオリジナルと言ってさしつかえないほど独自のものだ。ま、歌詞にかんしてはほかのいろんなブルーズ歌手もリロイのオリジナルにとらわれず独自展開を聴かせているけれど。ほかのブルーズ・ソングでもね。それにダン・ピケットの声、これがまた実にいい。独自の塩辛いトーンが、この、パートナーが去っていったあとの人間のさびしさ、わびしさ、孤独感をいっそう強調しているかのようで、本当に味があるよなあ。ヴォーカル・ラインは長調なんだか短調なんだかわからない具合にさまよっているのもイイネ。出だし二回目の「ハウ・ロ〜ング」を聴いてみて。それにギターがまたいいね。高音弦をスライド・バーですべりラインを奏でながら、中低音弦でザクザクと刻んでいるバランスは絶妙。ダン・ピケットもいかにもカントリー・ブルーズ・マンだというだけの典型的なパターンではあるけれど、この「ハウ・ロング」では実に絶妙だ。リズムの刻みかたは力強くもあって、哀しく切なく泣いているように震える高音弦スライドと好対照。曲の途中のワン・コード部で、スライド・バーを使いビョ〜ン、ビョ〜ンと一音をくりかえしながらモーダルに展開するあたりも見事だ。そのあいだ、上物のヴォーカル・ラインはしっかりメロディアスに動くのだが、モーダルなギター・フレーズ土台は、ブルーズとはスケール・ミュージックなのだということを(たぶん意識せずに)示してくれてもいる。ダン・ピケットは、「ベイビー・ハウ・ロング」を含む1949年8月23日の全18トラックがすべてのブルーズ・マンだけど、リロイ・カーを焼き直したその一曲の、異様に鈍く輝く宝石のおかげで、ぼくのなかでは永遠に忘れられない大きな存在となっていて、ぼく自身の心境をこの「ハウ・ロング」に重ね、あぁ、こんなふうにギターで弾き語れたらなあと思うヒーローのひとりなんだよね。(0)2019/05/14チック・コリアの仮想マイルズ・クインテット?〜『ザ・コンプリート・”イズ”・セッションズ』https://open.spotify.com/album/5AyQxbu3U3Pdtfvdp2GmjV?si=joKvbu8_SOSPmQBa4F34Egチック・コリアの音楽キャリア最高期はマイルズ・デイヴィス・バンド在籍時の1969年ロスト・クインテットでのライヴ録音にあり、というのが長年の自説なんだけど、チック自身のリーダー名義のスタジオ録音で、それに匹敵する絶頂レヴェルな作品があると知り、とてもうれしい気分。それが、こないだちらっと触れた2002年リイシューの『ザ・コンプリート・”イズ”・セッションズ』二枚組。『ザ・コンプリート・”イズ”・セッションズ』は1969年5月11〜13日のセッションで録音されたもの。そのマテリアルは、もともと二枚のレコードで分散発売されていたらしい。一枚は「イズ」「ディス」「ジャマラ」「イット」を収録した69年発売のソリッド・ステイト盤『イズ』。そのほかを収録した72年のグルーヴ・マーチャント盤『サンダンス』。附属解説文をマイクル・カスクーナが書いているそうだから読みたいんだけど、いまのところはしょうがない。正常価格で再リイシューされるまで待つしかないね。音楽だけなら問題なく聴けるので、個人的印象をちょちょっとメモしておこう。自分自身のためにパーソネルを確認しておく。チック・コリア(ピアノ、フェンダー・ローズ)デイヴ・ホランド(ベース)ジャック・ディジョネット(ドラムス)ベニー・モウピン(テナー・サックス)ヒューバート・ロウズ(フルート、ピッコロ・フルート)ウディ・ショウ(トランペット)ホレス・アーノルド(パーカッション、ドラムス)『ザ・コンプリート・”イズ”・セッションズ』二枚組は、ディスク1と2とで明確な音楽性の差がある。一枚目はストレート・ジャズ、というかこれは新主流派ジャズだね。1965年ごろに、マイルズ・クインテットのサイド・メンを中心に、ブルー・ノート・レーベルで展開された、新感覚ハード・バップ(ポスト・バップ)のこと。二枚目はフリーで無調なコレクティヴ・インプロヴィゼイションの記録だ。録音セッションが行われた1969年5月という時点だと、この『ザ・コンプリート・”イズ”・セッションズ』のリズム三人は全員マイルズ・クインテットのレギュラー・メンバーだった。ディスク1の新主流派ジャズもディスク2のフリー・インプロヴィゼイションも、当時のマイルズ・バンドを聴き慣れているみなさんなら違和感なく受け止められるはず。チックとしては、ディスク1の、たとえば「ザ・ブレイン」とか「ディス」のような演奏は、ちょうどマイルズ・バンドの前任者ハービー・ハンコックらが展開していたことですっかりおなじみの音楽だったはず。それを次代のマイルズ・バンド・メン三人でもう一回やりたかったということだろうか。実際、とてもよく似ているしねえ。サックスがベニー・モウピンでウェイン・ショーターとは比較できないが、それでもベニーだって大健闘だと思う。トランペットのウディ・ショウやフルートのヒューバート・ロウズはほとんど出てこないので、実質的にカルテット演奏だね。それで、当時かちょっと前のマイルズ・バンドや新主流派を再構築しているもののように聴こえる。演奏のクオリティも高い。ところでここで演奏している「ディス」。これはマイルズ・バンドの演奏で聴いて知っていた曲だ。1969年のロスト・クインテットから70年のバンドまでマイルズのライヴではしばしば演奏されていた。チックの曲だとも知っていたのだが、スタジオ録音を聴いたのは今回が初。マイルズ・バンドのライヴ・ヴァージョンよりいいぞ。『ザ・コンプリート・”イズ”・セッションズ』ディスク2のフリー・インプロヴィゼイション篇。アルバム題にもなっている「イズ」が29分近くもあって、実質これ一曲を聴くべきサイドと言っていいだろう。ここでもおそれることはない。マイルズ・バンドの、たとえば1969年8月録音の曲「ビッチズ・ブルー」では、ノー・テンポのパートなどで同様の展開を聴かせているじゃないか。そこでも主導権はチックが握っていた。マイルズ・バンドにああいったフリーなコレクティヴ・インプロヴィゼイションを持ち込んだのは、こういったチック自身のセッションからの成果だったのかもなあと思わないでもない内容だよね、曲「イズ」は。ここではウディ・ショウもヒューバート・ロウズも活躍している。演奏最終盤で4/4拍子に移行してスウィングしながら終わるんだけど、そこも快感だ。長く強い緊張がとけるかのような心地よさがある。(0)2019/05/13エディ・トゥッサの『カセンベレ』はやっぱりいいなあhttps://open.spotify.com/album/4W1vYdUnAxSxzscrACmcNI?si=BRfkC4k9TUyA9u9pmkeTTgアンゴラのエディ・トゥッサ、2015年盤『カセンベレ』。このへんがモダン・センバの嚆矢、いや、完成形のひとつだったのか、なんともわからないぼくだけど、とにかくカッコイイ。それでいてとっつきやすく親しみやすいファミリアーな音楽だよねえ。エディは決して声がいいとか歌がうまいとか、そういったひとじゃないんだけど、音楽に取り組む姿勢みたいなものがとてもいいね。『カセンベレ』だと、たとえば2、3、4曲目はわりとトラディショナルというかむかしながらの、つまり1970年代っぽいセンバを下敷きにしているよね。エディ・トゥッサは、ドラム・セットを含むモダンな楽器もどんどん使うけれど、音楽の組み立てがこれらの曲ではわりとオールド・ファッションド。エレキ・ギターの使いかたとそれにからむ打楽器群とか、まさにセンバ・オールド・スクール。それで、ここではっきり言っておくけれど、ぼくはそういった古っぽいセンバが大の好物なのだ。現代的な同時代センバよりも好き。この嗜好がどこらへんから来ているのかはわからないが、とにかく古いほうが聴いていて気持ちいい。都会的な夜の雰囲気を漂わせる洗練された現代センバより、土臭い旧世代センバのほうに共感しちゃう。ジェイムズ・ブラウンみたいな古いファンクのほうが好きなんだといったのと似ていることなのかなあ?ちょっと違う?2010年代的現代ジャズもいいけれど、オールド・ファッションドな古典ジャズはもっといいじゃんみたいな?違うか?そういえば、ロックの世界ってむかしもいまもあんまり変わらないよねえ?これも違うのか?エディ・トゥッサの『カセンベレ』は、センバ新世代にしては古い伝統的センバ曲やその音楽家たちに積極的にリスペクトを表明したような作品で、それもテーマのひとつになっているような創りで、なんにつけても伝統尊重派のぼくとしてはかなり高い好感度を持つところなのだ。っぽいような、あるいはジャジーなような、サウンド・メイクも聴かれ、それでもアルバム全体ではあくまで陽光のもと土の上で楽しくダンスしているみたいな音楽で、エディ・トゥッサの『カセンベレ』、やっぱり大好きですね。(0)2019/05/12トニー・アレンのブレイキー・トリビュート、実はかなり好きなのだhttps://open.spotify.com/album/6Di99uGNb1ITzZVPigCpES?si=hVhi1tvsTxqSn5Gbt_8rhAいままで遠慮したりして言ってこなかったんだけど、2017年に『ザ・ソース』の前振りみたいにしてリリースされたトニー・アレンのミニ・アルバム『ア・トリビュート・トゥ・アート・ブレイキー・アンド・ザ・ジャズ・メッセンジャーズ』のことがかなり好きなのだ。なにが好きといって、このリズム。トニー・アレンのドラミングを聴いているだけで気持ちいいもんなあ。なんだけど、なかなかどうして密度は濃い。そりゃあ傑作『ザ・ソース』とは比較できないけれど、『ア・トリビュート・トゥ・アート・ブレイキー・アンド・ザ・ジャズ・メッセンジャーズ』のほうは、おなじみのジャズ・ナンバーばかりカヴァーしているおかげで、この2017年型トニー・アレンの音楽の特異性がかえってわかりやすいかも。ふつうのハード・バップをやっていると思うでしょ、違うんだ。トニー・アレンのこのドラミングを聴いてほしい。手数多めで細分化されたビートを叩き出しているし、それを一曲をとおしずっとキープすることで、おなじみの曲が違った容貌を見せているじゃないか。2曲目「チュニジアの夜」出だしのドラミングなんか、クールでカッコよくて、ゾックゾクするよなあ。リズム面での斬新さは、テーマ・メロディのパラフレイズにも顕著に表れている。「モーニン」でも「チュニジアの夜」でもみんなそのテーマ・メロディはよく知っているものだから、トニー・アレン・ヴァージョンを聴いたらエッ!?と思うんじゃないかな。そのリズム重視でスタッカートを多用するテーマ・メロディの崩しかたに。リズム隊三人(ドラムス、ベース、ピアノ)の奏でる斬新な2010年代後半型最新ジャズ・リズムに乗って、おなじみのスタンダード曲のメロディもリズム重視で姿を変えているし、ホーン五、六管の重ねかたもずっしりくるし、しかもその響きは新しく現代的。このへん、リズム・アレンジもメロディのパラフレイジングもホーン・アレンジも、ぜんぶトニー・アレンがやっているのかなあ。従来的な、つまり保守的で1950年代後半のハード・バップが好きなようなジャズ・ファンが最新ジャズに入っていこうと思ったときの格好のイントロダクションになりうるアルバムじゃないかと思うんだね。そんなこと言わなくたって、たんに聴いていて快感だけどね、このビート(ホーンズのそれを含む)が。