このたび、富士喜会では会員とともに、「和の音いろ」演奏会を開催させていただく運びとなりました。それもひとえに、常に変わらぬ皆々様のご厚誼と、ご助力くださいます諸先生方のおかげと心より感謝しております。この感謝の気持ちとともに、ここへ至るまでの富士喜会の活動の歩みを振り返り出演者一人ひとりが、一音一音大切に気持ちをこめて演奏させていただきます。当日舞台に上がっていない会員一同も同じ心でこらからも、「和」を以って精進していく所存です。今後ともよろしくご指導、ご支援賜りますようにお願い申し上げます。江戸中期・三絃の技巧の始まり三絃という楽器が広まってきますと、その技巧を聞かせるための曲が多く作られるようになりました。「獅子物」というジャンルが流行っていきました。この八千代獅子は、「ずっと幾年にも続いていくー八千代」を祝う獅子舞の曲です。富士喜会が演奏いたしました思い出の曲でございます。政島検校が胡弓に移曲。それを、藤永検校が三絃に移したことにより広まったとされる曲です。今回は、前唄の箇所からではなく、大鼓と小鼓の響きから始まり、リズミカルな手事へと続いて演奏してまいります。鞍馬の稚児(寺院などで召し使われる児童)であった牛若丸が成人して義経となるまでの話は、昔から人気がありました。歌詞となっております文章には、牛若丸と弁慶の運命の出会いを中心に書かれています。夜毎に源氏の再興を天満宮に祈願していました。太刀をもらいたいという弁慶に、牛若丸が「太刀が欲しくば寄りて取れ」と答え、その立ち回りの様子を見事に箏で表現しています。立ち回りの場面では、「地」という、同じパターンを繰り返す奏法で弾く箏が入ります。繰り返されるのですが、その軽やかな音色は、五条橋の欄干を「ひらりひらり」と跳び歩く牛若丸の様子を表しています。「六段の調」と同じ「八橋検校」が一七世紀に作曲したとされておりました。八橋検校作曲」といたします。十段の調べともいいます。空間の形の事をいいます。その様に無限に変化して数え切れないものを称して乱という言葉で表現します。これが、曲の題材となっております、源氏物語・巻四の「夕顔」の情景です。歌詞では、源氏がとても美しい夕顔を見初めた様子を中心に描かれております。物語の筋を、なぞるのではなくて、歌詞を詩的に表現したものとなっているのです。源氏物語の「夕顔」の巻も、物語の中の夕顔が詠んだ歌もよく知られているものだったようです。源氏の家来に渡す場面です。情緒豊かで美しく、優しい感じのする曲です。難しい曲でございます。箏と三絃と尺八とで合奏する三曲合奏の形式で演奏されることが多い曲ですが、今回は、三絃と尺八とで合奏いたします。と多くの楽器を用いての合奏曲です。「富士」のありのままの姿を感じさせます。「富士喜会流」で演奏いたします。稚児桜ただいま、富士喜会は11月13日の紀尾井ホールの演奏会「和の音いろ」へ向けて胸をわくわくさせながら、稽古に励んでおります。その中の一曲に稚児桜という曲があります。写真はその名も稚児桜。なんとも愛らしい花です。今回は、そのような明治時代の筝(琴)の曲のお話です。曲のタイトルを「稚児桜」としています。寺院などで召し使われていた児童のことをいいます。昔からとても人気がありました。当時の小学校の教科書から採ったものでした。牛若丸と弁慶の運命の出会いを中心に書かれています。以下に歌詞をご紹介しますね。牛若君にましますか主従の契り深かりし鏡は清し加茂の水ここに書かれている牛若丸は、昼は仏典を読み、夜は武芸を磨き、夜毎に源氏の再興を祈願していました。「地(じ)」という、同じパターンを繰り返す奏法で弾く箏が入ります。明治の箏曲から誕生しました。ツルテン......」と繰り返す型が元となっています。短箏との違いいつものお稽古場での様子です。お稽古場に伺って、向かい合って座ります。筝と筝の合奏のお稽古をはじめます。2面が同じ調弦にする曲だったなら...まずは、師匠が弾く筝(種箏)を丁寧に調弦します。1弦ずつ、音を出してもう一面の箏の音が一つになるように琴柱を動かしながら合わせていきます。2面を同時にぴったり合うよう一の弦から順番に二回ずつ同時に弾きながら確認しつつ、微調整していきます。↑このようにして同時に弾いてみましてから、微調整していきます。「音」なのでそれを、比べるのではなくてその後の、余韻ーこそが、「箏の音(いろ)」です。それを「合わせる」ということなのです。それには耳を澄ませて、集中して、音の波動を合わせることが必要です。二つの音色が一つに聞こえるところで箏柱を留めます。これも慣れといえば慣れなのですが、この意味がわかってくることがとても大切でとりもなおさず、自然にこの時間がここから曲を弾く心の準備にもなっているのです。邦楽が邦楽らしく魅力的に聞こえる真髄(現代音楽と違うところ)と言えるかもしれません。・・・でも美しくなければ音楽ではないというところからすれば、すべて同じなのでしょうか?コラムをUpしながらいつも改めて自分に問うところであります。学習指導要領に盛り込まれているその和楽器ですがそれように用意された特別サイズのお箏>和楽器に触れさせること=使いやすいサイズに変えてますが・・・なんですね。ちどりの場合はチューナーを見ながらねじで合わせます。一つ一つの音を同じにする。邦楽の一番の魅力・よさなのですがしかしそれは一番面倒で時間とエネルギーのいる部分それを伝える為に何ができるか、模索中の私たちであります。雅楽の筝の初めのうちは、5尺5寸(約167cm)でした。1尺(約30.3cm)長くなりました。↓その後6尺4寸(約194cm)となりました。*正式の大きさですよ、というのを表すのに、「本間(ほんけん)」という言い方があります。現在では、こちらが一般的になりました。近年、学校の音楽の授業で、筝を弾く時間が設けられる様になりました。授業では保管に便利なケース入りの短い筝を使用しています。通常の写真の筝の2/3の長さです。弦の張力を変えて調弦します。この箏を平調子に調弦するのには慣れていないこともあり相当時間がかかりました。切れた糸を新しい糸に変えやすい、というのを考えますと、このような構造に行き着くのでしょう。「種箏」と同じ音が出るように調弦します。不協和音のない音はまっすぐ歪まずに遠くまで聞こえます。爪を当てるのが難しく、しっかり弾くことはできません。本当の長さの筝を間近で聴く機会が皆様にあればなぁ~と思います(*^。慣れてない方ですと、弦を押さえて半音や一音上げたり...というのが、本当に大変なのです(*_*)写真は、一をGで調弦した低音の筝と、一をDでとった筝が並んでいるものです。一をGの低音にまで弦を緩めることができるかとハンドルで調節してみたところ、無理なく調弦できました。箏曲などの我が国で古くから人々に親しまれてきた伝統音楽は,今や継承することが危機的な状況になっています。このままでは,気がついたときには消滅している可能性もあります。それを防ぐには,次代を担う子供たちが,学校の授業の中で伝統音楽に触れ,将来の伝承者や理解者に育っていく環境を醸成していくことが必要です。学習指導要領の改訂により,音楽の授業で扱う伝統音楽が充実されました。これを契機に,学校教育において伝統音楽を効果的に扱うためにはどうしたらよいのか,実演家,教員,さらには支える人たち(調整者)が協働して,伝統音楽の素晴らしさを子供たちに教えていく仕組みが形成されることを目指しています。尺八はじめ、お箏や三絃を習う人口が減っているのは実感するところです。文化庁からもこのような支援事業が発表されるのはうれしいことです。結果がでますように、このコラムが微力ながらでも役にたてないかと願う次第です。邦楽の本当のよさを伝えていきたい、との気持ちが増しています。学習指導要領に盛り込まれているその和楽器ですがそれように用意された特別サイズのお箏です。下が通常私たちが演奏しているものです。年一回ある、恒例の尺八演奏会に出演します。練馬教室http://members3.jcom.home.ne.jp/yorokobinokai/annai.html昭島教室http://tabecho.com/koto/当日の様子ですご来場のみなさまありがとうございました。今回は、特殊な合奏の方法のお話です。「打ち合わせ」と言われる、この合奏形態は、洋楽にはありません。邦楽の面白さ、として紹介される合奏形態をご紹介します。異なる曲同士を一緒に演奏する合奏方法を「打ち合わせ」といいますが。「すり鉢」という別の曲を同時に弾くのです。拍数を同じにしてあるので同時に弾くことが出来るのです。「すり鉢」の溝の中を掻き出す為の道具です。「れん木」と「すり鉢」と「せっかい」は切っても切れない仲ですのに、バラバラにするなんて...と歌い、離された恨み言の恋心も匂わせています。狭うなき※比翼連理とは「比翼の鳥」、「連理の枝」この二つを略して四文字熟語としたものです。「比翼の鳥」とは、雌雄が一体とされる想像上の鳥のこと。息を合わせないと飛べません。一本の枝となっているものです夫婦仲の良いことのたとえや、男女の深い契りを表す時に使います。歌も同時に歌い、合奏するとのこと。三曲の中の一曲の歌詞で歌い合奏する演奏形態をとる場合が多い様です。「*チラシ」について、さらにまたお話していくと定義が長々してきますので、もっとご興味のある方は「手事」について~下記をご参照ください。音楽の中で重要と思われる様相を視覚的な記号に定着させる方法を「記譜法」といいます。音楽の伝承手段として考えられて来ました。「補助手段」という役割でした。「口頭伝承」という方法を優先的に用いるのが特徴です。五感をフルに使って伝承されてきました。江戸時代を通して様々に工夫されていきました。棹上の勘所(ツボ)を示す形式でした。いいます☆ギターもこの方法ですね(^^)我が国の伝統音楽の楽譜の大部分は、この奏法譜で書かれています。江戸時代初期の楽譜として『糸竹初心集』(1664年)や『大ぬさ』(1687年以前)では、まだ使用する勘所も少ないので簡単な口三味線譜でした。稽古の際に弾き方が理解しやすくなります。タ行音で書かれます勘所をどこも押さえずに弾く開放弦の場合は、トン(一の糸、二の糸)テン(三の糸)...といった決まりがあります。実際、弾いておりますとその様に聞こえてきます。音響学者の田中正平が、1899年にドイツから帰国後に邦楽研究所を創立して五線譜で三味線の楽譜を作る事を試みました。田中正平の門弟の吉住小十郎は算用数字を用いた縦書き譜を考案しました。杵家弥七がこの数字譜に洋楽の拍子の切り方を応用して三味線糸を表す三本の線上に数字で勘所を表す「三味線文化譜」を考案しました。三絃の楽譜を初めて目にするとまるで暗号のように見える方がほとんどですので、これを見慣れて、その楽譜の示す位置(つぼ)に指が行くことがまずは三絃のお稽古の「事始め」になります。楽譜のおかげで曲全体をざっと頭に入れるのには時間をかけずに済むようになりましたが、それでも、口頭伝承が基本の古典。楽譜で表現しきれません。時には自分なりに書き込んだりします。楽譜の行間から曲が教えてくれることを感じ取り表現していくことが大切でやはり楽譜は補助手段として使うものなのでしょう。「三弦」や「三絃」と書いて「サンセン」→「サミセン」と読んでいました。「三味線」の漢字が当てられる様になりました。昔からの書き方の「三絃」で「サンゲン」という読み方をする方がまだまだ多いのです。馴染みがないのではないでしょうか?そこでコラムの中で「三絃(三味線)」とさせていただいております。棹の一番上端の部分(海老尾または天神と言います)と糸巻の部分を横から撮ったものです。後方に湾曲していなかったのですが、その後、琵琶と同じ様に大きく後ろに反った構造となりました。日本に入ってから「サワリ」という、独特な工夫が加わりました。味わい深い音が奏でられるのです。他の二つの弦(真ん中の「二の糸」、一番細い「三の糸」)でも、よく協和する音を奏した場合、サワリの効果が生まれます糸巻を回して糸を巻いて調弦をしただけでは、なかなかサワリが付かなくて、その独特な響きを出すのには少々経験・工夫が必要です。「紙ザワリ」という方法でサワリを付けます。糸の位置を、微妙に、変えるだけでもサワリが付いたりします。一の糸の妙なる響きが出るようまずは、三絃を整える、、そのことからもう、演奏が始まっています。三味線ーウィキペディアより通常、一の糸の巻き取り部の近くに「さわり」と呼ばれるしくみがある。これは一の糸の開放弦をわずかに棹に接触させることによって「ビーン」という音を出させるもので、倍音成分を増やして音色に味を付け、響きを延ばす効果がある。三味線の音には欠かせないものである。共鳴によって同様の効果をもつ音があることである。補足として、ウィキペディアからの参考部分を引用掲載させていただきました。邦楽♪豊学のこのコラムも19回目となりました。楽器の伝来や構造、弾き方などなどを曲の紹介を交えつつ進めていきたいと思います。