シリーズ三枚のことを書きました。すべて有名演歌スタンダード曲のカヴァーなわけですから、若手演歌歌手わさみんこと岩佐美咲も歌っているものが多いのは当然のことでありますね。ブルース」など、やっていない演歌歌手を見つけるほうがむずかしいかも。シリーズで歌われている曲のうち、わさみんも歌っているものをピック・アップしてちょっと比較してみよう、それでふたりの持ち味の違いといったところを考えてみよう、それで冬美ちゃんにはなにも言うことなどないけれど、今後のわさみん向けのなにかにでもなる内容になればな、と思いキーボードを叩いています。歌っている曲を一覧にしておきます。〜偲歌』収録のものが目立っていますが、でも総数ではあんがいすくないですね。わかりませんが、冬美の歌はどれも見事なものです。最近ずっと書いていますけど、近年の冬美の円熟といったら舌を巻くものですよ。おそろしいほどと言ってもいい。おそろしいということばを使うなら、いま24歳のわさみんだってそうなんです。なんたってわさみんは歌の天才ですからね。デビュー期から完成されていました。この曲なんか、わさみんヴァージョン(『リクエスト・カバーズ』収録)のほうが冬美のよりいいと思うんですね。シリーズとわさみんとの最大の違いは、冬美のほうはアレンジにかなりの工夫が凝らされているというところ。わさみんのカヴァーのばあいはいつもストレートに、だいたいのばあいオリジナルのアレンジを踏襲しているので、そこも大きな差異になってきますね。「越冬つばめ」でもそうで、ぼくが聴くところ、わさみんヴァージョンの素直な伴奏のほうがこの曲の味をより活かすことにつながっているなと聴きます。歌手のヴォーカル表現法も、冬美はわざとグッと抑えた、大人のナイーヴさを出すことに腐心していますが、わさみんのほうはもともと持っている本能的ストレートさでそのまま歌っているのが好感度大です。わさみんの「越冬つばめ」が収録されている『リクエスト・カバーズ』はデビュー・アルバムなんですね。2013年のリリースでした。わさみんがいまの完成形に到達したのは、ぼくの見るところ2018年ごろからですから、その五年も前のリリースだったんです。歌手デビューが2012年ですからね。それなのにここまで歌えているなんて、ああ、天才...。いったところは凡百の歌手がわさみんに太刀打ちできない部分です。冬美は平凡な歌手ではありませんが、それでもああ...。わさみん側が素直でオリジナルに忠実なアレンジを採用することが多いのが結果的に功を奏しているのは、「越冬つばめ」だけでなく、ほかはたとえば「石狩挽歌」でもそうです。冬美ヴァージョンの「石狩挽歌」はちょっとアレンジこねくりすぎじゃないかと思うんですね。歌手の歌いかたも無表情にもっと淡々とやったほうがいい。それでこそ「石狩挽歌」という曲のフィーリングが伝わります。その点、わさみんヴァージョンは完璧で文句のつけようがないです。発売も2017年なので、完成に近づいていると言えます。なんかは物足りません。2013年の「もしも私が空に住んでいたら」のカップリングだったんですけど、う〜ん...、これは、まあアレンジもイマイチですがわさみんのヴォーカルがまだまだ幼いと言わざるをえません。逆に言えば、近年はグッと成長し声そのものにも色と艶が増すようになっているということです。冬美ヴァージョンに軍配が上がります。「越冬つばめ」でこのような差がどうして生まれているのか、ちょっとじっくり考えてみないとわからないですね。それにぼくは当時のわさみんのことをなにも知りません。曲そのものがわさみん向きだったかどうかという相性の問題もあったと思います。同じ年の『リクエスト・カバーズ』にある「ブルー・ライト・ヨコハマ」なんかは見事な歌唱ですしね。シリーズ最大の特色は(ヴォーカルふくめ)アレンジの工夫なんですけど、結果的にそうとう見事なことになっているものがありますね。わさみんも歌っている「大阪ラプソディー」なんかもそうです。冬美のはどうしてこんなにチャーミングなのか。アレンジャー坂本昌之がすごいのか。わさみんがファースト・コンサートで歌った「女のブルース」もそうですね。〜偲歌』に収録されています。「大阪ラプソディー」は、わさみんも歌唱イベントなど現場でくりかえしなんども歌っています。大阪が舞台になっている歌であるということで、ぼくもよく出かけていく大阪でのイベントでは本当によく歌われます。近年のわさみんヴァージョンは、やはり声そのものに成熟を感じる内容で、現場で聴いて、ため息が出るほど見事なものになっているんですね。アレンジが同じですよね。収録などの際に作成されたカラオケをそのまま使いまわしているわけです。伴奏がずっと同じものであるからこそ、その上に乗るわさみんの歌唱技巧の上達がわかりやすい、伝わりやすいという面はあります。歌手がここまで大きく成長しているんだから、伴奏のオケもそろそろ歌手の成熟にあわせて新しくしてほしいという気分だってぼくにはあるんです。聴いちゃったら、そのおもしろさ、魅力に降参し、振り返って、ああこれはわさみんも歌っているじゃないか、わさみんのもいいけれど、アレンジというか伴奏がそのままだからちょっぴり残念だなと思い至ったんですね。冬美ほどの実力の持ち主だからあんな斬新なアレンジでも歌いこなせるんであって...、と思われるかもしれませんが、歌手としての資質を考えたらわさみんのほうが新世代ですからね。シリーズを聴いていてのぼくの率直な感想なんです。言えば、こんな斬新なアレンジを施してもらえる冬美がうらやましくてたまりません。わさみんのオケはずっと同じですから。いろんな問題というか制限があるんだろうなとは想像できますけれどもね。シリーズにあってわさみんがいまだ歌っていないなかには、ちょっとわさみんに歌わせてみてほしいと思える曲がいくつもあります。偲歌』にある「ふりむけばヨコハマ」(マルシア)などがそうですね。それらの曲は、ぼくの見るところ、いまの2019年のわさみんの資質にピッタリ似合います。間違いないと思います。一ヶ月15時間までなら無料で聴けますので、ぜひちょっと耳を傾けてみてください。わさみんが歌うに際しては、それら冬美ヴァージョンでアレンジャーをやっている坂本昌之さんにアドバイスいただけることでもあれば、望外の喜びです。坂本さんは本当にすごいアレンジャーです。書いてきていますので、ご興味を持たれたわさみんファンのみなさんはちょっと覗いてみてくださいね。さんにご紹介いただきました。https://bunboni58.blog.so-net.ne.jp/2019-05-15ブラジルにアンナ・セットンという歌手がいるみたいです。聴きはじめたらチャーミングで、一気に最後まで聴いてしまいました。デビュー作なんでしょうか、趣味のいい2018年の『アンナ・セットン』がすっかりお気に入りになっているんですけど、これはたぶんジャズ・アルバムと呼んでいいはずです。バックの演奏がジャズなだけでなく、その上に乗るアンナのヴォーカルにもぼくはちょっとしたジャズっぽさを感じるんですね。アルバム『アンナ・セットン』はまず出だし1曲目がすごく気持ちいい!もうこれ一発で全体の印象がいい方向に決まってしまうくらい快感ですよ。アルバムはたった33分間ですから、この好印象で最後まで駆け抜けることができるんですね。演奏もアンナも気持ちいいです。ドラムスの音が出てアンナのスキャットが入ってきた瞬間に、こりゃあいい!って思いましたよ。バックは基本ギター、ピアノ、ベース、ドラムスで、随時管楽器が入るといった程度。アンナのヴォーカルにもっぱら焦点があたっていて、ソフトで口あたりのよい声とサッパリした歌い口を際立たせる演奏と録音になっているのも好感度大です。アンナのフレイジングにはけっこうな技巧も感じられる繊細さで、このちょっぴりジャジーな良質のヴォーカル・アルバムをいい感じに仕上げていますよね。おもしろいのは5曲目「ミーニャ・ヴォス、ミーニャ・ヴィーダ」(カエターノ・ヴェローゾ)と、ナット・キング・コールで有名な6曲目の「ネイチャー・ボーイ」。前者では最初から最後までやわらかいエレキ・ギターだけでの伴奏でふんわりと漂うようにアンナが歌い、後者ではにぎやかで派手にかざっています。「ネイチャー・ボーイ」には着目したいですよね。この曲はそもそもナット・キング・コールのヴァージョンを聴いてもわかるようにやや不思議な動きのメロディを持っていて、ナットはそれを活かすべく手をくわえずにストレートに歌っていました。もとからちょっとエキゾティックなテイストを持った旋律の曲ですからね。アンナらはそれをさらに拡大すべく、楽器伴奏で大幅なエキゾティック・ニュアンスを付与、ラテンなムード満点にアレンジしてあります。楽器演奏も、中間部のトランペット・ソロの背後でドラムスとパーカッションがにぎやかに刻んでいますし、アンナのヴォーカル・パートでもそれは強調されているんです。もとからやや不思議な曲である「ネイチャー・ボーイ」が、さらにいっそうミステリアスなヴェールをまとったかのようですねえ。そのほか、アルバムのどの曲もていねいにアレンジされ演奏され、歌われていて、創り手サイドのヴォーカル・アルバムにとりくむデリケートな姿勢がうかがえて、実際、結果、こじんまりとしているけれど、いい手ごたえの良質なヴォーカル・アルバムができあがっていると言えますね。サウンド面では折々にエクスペリメンタルな要素もスパイス的に利いていて、なかなかおもしろいです。ジャズと言ったけれどジャズじゃないかもしれないし、ブラジル女性ヴォーカル・ミュージック・ファンや、もっとひろく女性歌手ファンのみなさんには大きく推薦できる、趣味のいい好アルバムです。ルー・ドナルドスンhttps://open.spotify.com/album/4bonZNozN5B3PO7nXJ317E?si=O9swzWr9RjiC7fcN_ovJqQぼくにとってルー・ドナルドスンとはバッパーというよりファンキーなソウル・ジャズのひと。『アリゲイター・ブーガルー』みたいなやつですね。ここにも一個くっさぁ〜いアルバムがあります。1970年リリースの『エヴリシング・アイ・プレイ・イズ・ファンキー』(ブルー・ノート)。スタンダード「虹の彼方に」もやっていますけど、アルバムの約38分間ほぼ全編がファンキー路線で、も〜う!気持ちいいったらありゃしません。このアルバムは1969年8月(4、5曲目)と70年1月(1、2、3、6曲目)の二回のセッションでの収録曲で構成されているんですけど、バンド編成はどっちもホーン二管にギターやオルガンをくわえるという『アリゲイター・ブーガルー』路線。大きな違いもありまして、こっちにはフェンダー・ベースを弾くジミー・ルイスが参加しています。オルガン奏者がいながらにベーシストも入れるというのは、リズム重視の時代の要請ってことでしょう。実際、ジミー・ルイスのベース・プレイは、オルガニストがフット・ペダルを操作するのでは実現不可能な細かく精緻なファンキー・ラインを奏でていて、大成功していると言えます。アルバム『エヴリシング・アイ・プレイ・イズ・ファンキー』の全六曲では、3曲目のスタンダード・バラード「虹の彼方に」を除く五つすべてがブルーズ(かその亜種)で、そのうちラスト6曲目「マイナー・バッシュ」が4/4拍子のストレートなジャズ・ビートなのを除けば、残りは8ビートのファンキー・グルーヴを持っているという、はっきり言って万々歳な作品なんですね。オープナーの「エヴリシング・アイ・ゴナ・ドゥー・ビー・ファンキー(フロム・ナウ・オン)」は、まずルーをはじめとする面々の会話からはじまって、曲題そのままのことばをルーが歌いだしたら本編開幕。ブルー・ミッチェルとの二管でそのテーマを再演奏し、まずメルヴィン・スパークスのギターからソロ・パートに突入します。どのソロもファンキーで、いやあ愉快爽快万々歳。オルガンでビャビャッとやっているのは大好きなロニー・スミス。その後ふたたびヴォーカル・コーラス・パートも出ます。こんな軽妙でユーモラスでもある「エヴリシング・アイ・ゴナ・ドゥー・ビー・ファンキー(フロム・ナウ・オン)」の曲と演奏で、このアルバム全体の色調が決定していますよね。このファンキー・オープナーを聴けば、そしてノレれば、アルバムの残りの部分も保障されたも同然です。実際、すばらしく見事なんです。2曲目「ハンプズ・ハンプ」はゆったりテンポでシンコペイトしながら揺れるビートを持つグルーヴァー。メルヴィン・スパークスのギター・ソロがカッコイイです。全曲で肝を握っているドラマーはイドリス・ムハンマド。ルーのセッションでは、かの『アリゲイター・ブーガルー』でレオ・モリスとして叩いていたひとですね。ムスリムに改宗して名前が変わりました。4曲目「ドンキー・ウォーク」は完璧なる「アリゲイター・ブーガルー」系で、たぶんその改作みたいなもんですよね。リズム・パターンはまったくの同一。大きな違いもあって、「ドンキー・ウォーク」では各人のソロのあいだストップ・タイムが多用されていること。リズムが止まっているあいだになにを演奏するかが最大の聴きどころです。ルーがガーシュウィンの「ラプソディ・イン・ブルー」を、トランペットのエド・ウィリアムズが古いブルーズ・ソング「ワイ・ドント・ユー・ドゥー・ライト」を、それぞれ引用。イドリスのはたはたドラミングも快感です。5曲目「ウェスト・インディアン・ダディ」。曲題どおり西インド諸島の音楽に言及したもので、カリプソ風味が強く感じられます。ジャズ楽曲のなかだとソニー・ロリンズの「セント・トーマス」にそっくりなリズム・パターンと言えましょう。ルーのこれはブルーズで、ファンキーでアーシーにくっさいっていう、なんともいえずたまらない心地よさなんですね。〜偲歌』と一年一作のペースで発売され、まだ完結していないのかもしれないですが、トリロジーとなったところでいったん立ち止まり、このシリーズがいったいなんなのか、どんな世界を展開しているのか、ちょっと考えてみましょう。ENKAシリーズは芸歴30周年をそろそろ迎えるからということでその記念として企画されたものかもしれません。レコード会社(ユニバーサル)からなのか事務所側から持ちかけたのか、はたまた冬美本人の発案だったのか、そのへんはわかりませんが、結果的にこのトリロジーは大成功だったといっていい充実度じゃないでしょうか。三作トータルでの全33曲に、書き下ろしの新曲はありません。すべてが(セルフをふくめ)カヴァーなのです。(石川さゆり)、「越冬つばめ」(森昌子)、「愛燦燦」(美空ひばり)、「舟唄」「雨の慕情」(八代亜紀)、「大阪しぐれ」「北の宿から」(都はるみ)、「港町ブルース」(森進一)、「女のブルース」(藤圭子)、「空港」(テレサ・テン)といったような、日本歌謡史を代表する超名曲もあります。こんな曲の数々をカヴァーするわけですから、制作側も歌手本人も気合が入ってリキんでしまうのではないかと思いきや、結果は正反対です。軽く漂うかのようなサウンドとヴォーカルで、肩の力がちょうどいい具合に抜け、ディープな表現もできる力を持ちながらそれを抑え、あっさりめの味付けでさらりと冬美は歌いこなしています。伴奏陣というかアレンジャーたちもそんなふうに仕事をしていて、だからこれは企画段階からそのようなライトでポップな演歌世界を構築したい、それが大人の表現法だから、という意図があったんだなと受けとることができますね。シリーズ三枚で冬美が展開しているものです。大人の女性が静かにたたずんで微笑みながらやさしくそっと語りかけているような、そんな世界ですよね。なかには、たとえば一枚目にある南郷達也アレンジのものや、二枚目にあるハード・ブラス・ロックな「帰ってこいよ」など、この路線からはみだしたド演歌に近いものもありますが、トータルでいえば例外として度外視してかまいません。トリロジー全体からすればプロデュース、アレンジと冬美の構築した音楽が奈辺にあるかは明白ですから。演歌から激烈さを消し表現に抑制を効かせた世界。風のようにふんわり漂い香るアッサリ情緒。軽いフィーリン、ファド、フラメンコなどラテン/ワールド・ミュージック・テイストで伴奏サウンドをくるむこと。リズムに軽快なシンコペイションを効かせノリよく歌わせること。そんな方向性に沿って伴奏やヴォーカルをアレンジし、歌手もさらっと歌うこと。シリーズを一枚目から順にたどっていくと、そんなニュー冬美には、まず「大阪しぐれ」で出会えるなと思うんです。この「大阪しぐれ」はかなりいいですよねえ。ところでここでは冬美の声がまるで都はるみに聴こえるんですけど、どうなっているんでしょう?いちばんいいころのはるみが乗り移ったかのようですよ。似せているとかいう次元じゃなくて、なにかの共振現象じゃないでしょうか。この「大阪しぐれ」では坂本昌之のアレンジもなんともいえず見事です。エレキ・ギターの弦をミュートしてシングル・ノートでリフを演奏させていますが、それが実に効果的。リズムに軽いラテン・シンコペイションを効かせて、全体のサウンドも落ち着いて、派手さのないなかに繊細微妙なフィーリングをかもしだしています。上に乗る冬美のヴォーカルも、軽いはるみ調で軽快でノリがいいです。三枚全体で見渡しても、この「大阪しぐれ」は出色の出来なんですが、一枚目の『情歌』全体ではまだすこし物足りないっていうか、ふんわり軽いフィーリン演歌みたいな境地にフルには到達していないかも。激烈濃厚演歌テイストが強めに残っていますよね。ハードで濃ゆい演歌がよくないっていう意味じゃなくて、このシリーズ三枚全体を俯瞰すると、やや場違いかなと感じてしまうんです。世界が(ほぼ)フルに実現しているといっていい充実度ですよね。オープニングの「雨の慕情」でアクースティック・ギターとフルートのふわっとしたサウンドと、それに乗る抑制の効いたヴォーカルが聴こえてきただけで、それだけでもう降参です。ぼくは一回目にこの「雨の慕情」をちらっと聴いただけで、ああこのアルバムは傑作に違いない、冬美はこんな円熟の境地に達してしまったと、感嘆のためいきが出ましたね。「骨まで愛して」なんかも、骨までだからがっつりディープに歌い込みたい歌だし、冬美にその実力もありますけど、そこを抑えて、つまり感情を激しく表出するのをこらえて、ぐっと自然体で構え、ふわっとソフトに歌っていますよね。いった表現をこそ、大人になった、成熟した、言いかたがあれですが「枯れた」(いい意味で)と呼びたいです。シリーズ二枚目『哀歌』の白眉だと思うんですけど、どうでしょうこの世界!?も〜う、く〜〜ったまらん!じゃないですか。そのほか、この二枚目では「帰ってこいよ」を除くだいたいどの曲も抑制が効いていて感情表現がハードではなく、聴き手に心地よい印象を与えます。「雨の慕情」「アカシアの雨がやむとき」に相当するのが、三枚目『偲歌』では「港町ブルース」や「大阪ラプソディー」「ふりむけばヨコハマ」などです。「望郷」もこのアルバムでは傑出してすばらしいですが、やや傾向が違っていますよね。シリーズ三枚トータルではっきり感じる音楽コンセプトからすれば、やはり「大阪ラプソディー」こそ最高の一曲ではないでしょうか。ところで、ここまでぼくが激賞してきている曲のアレンジは、すべて坂本昌之がやっているんですけど、「大阪しぐれ」「雨の慕情」「アカシアの雨がやむとき」「大阪ラプソディー」などをまとめて聴けば、坂本アレンジの特定傾向を聴きとることができます。それはエレベとエレキ・ギターの単音弾きとドラムスの三者をユニゾン・シンクロさせて、それに軽いラテン・シンコペイションを効かせてフックとし、その上にメリハリの効いた管弦楽をふわっと乗せ、冬美にもリズミカルかつ軽快にやわらかく歌わせるというものです。今後さらに四作目、五作目と続いていくのかどうかわかりませんが、ある種の頂点に冬美がいま立っているというのは間違いありません。歌手として、(歌世界のなかでの)女として、人間として、最高度に円熟した坂本冬美のふわっと軽いフィーリン演歌みたいな世界は、聴いて快感で、聴き終えての後口もサラリ爽やか。いやあ、すごい高みに到達したもんです。以下は、三枚から特にすぐれていると判断したものだけを順番に並べたベスト・セレクションです。偲歌』は、猪俣公章生誕80周年記念と銘打たれていて、収録の10曲はすべて猪俣が作曲したものです。冬美にとっては師でもあるわけですから、やはり猪俣トリビュートという側面も強い作品でしょう。猪俣の弟子であるマルシアがゲスト参加していることからもそれは読みとれます。そんな冬美と妹弟子マルシアとのデュオで歌われる「大阪ラプソディー」、かなりおもしろいんじゃないでしょうか。III』での最大のお気に入りがこれです。なにがいいって、リズムですよね。アレンジャーはこのシリーズ通例でやはり坂本昌之ですが、ベースとエレキ・ギターとドラムス、そしてここではストリングスも一体となって、この軽いラテン風味の香るリズム・テイストを奏でているのが楽しいです。ふたりのヴォーカルもノリがいいですしね。歌詞で「御堂筋は恋の道」の「御堂筋」パート、二番なら「どこも好きよ二人なら」の「どこも」パートでストップ・タイムが活用されていますが、もうそこがたまらなく好きなんです。ストップ・タイム部では特にストリングスがシャッ!シャッ!と切るように演奏して効果を出しているのが印象的。坂本のペンの冴えを感じますね。III』でも主流だと言えましょう。「港町ブルース」「女のブルース」「ふりむけばヨコハマ」など。系ですが「空港」「君こそわが命」も同じ路線に乗っているとしていいかもしれません。なかでもマルシアのデビュー・ヒットだった「ふりむけばヨコハマ」なんかも出来がいいです。猪俣の弟子のマルシアの代表曲なわけで、それを姉弟子冬美がとりあげてこんなふうにしっとりと歌いこなしてみせれば、この猪俣ワールドにぼくらは降参するしかありません。「ふ、り、む、け、ば、ヨコハマ〜」とリフレインされるところで感極まってしまいます。それにしても、冬美のヴォーカル表現の成熟・円熟といったらどうでしょう。いった視点で聴けば、いまの冬美ほどに歌える歌手は日本にいないのでは?と思えるほどのすばらしさ。聴けば聴くほどその世界のトリコとなってしまう味を持っていますよね。恵がアレンジした二曲「ふたりの旅路」「望郷」でこそいっそうの極みにあると聴こえます。アルバム中この二曲でだけポルトガル・ギターが、それも複数台使用されていて、若草のアレンジともあいまって、まるでファド演歌とでもいうべき独自の境地に達しているんです。(複数台の)ポルトガル・ギターをうまく活用したファド演歌ふうな世界は、それら二曲のそれぞれ全体で表現されているわけではありません。わかるといった程度です。漂わすファドの世界を、アレンジャーの若草と歌手の冬美は、猪俣の楽曲を使いこなして表現し、いままで演歌の世界ではだれも到達したことのない世界を聴かせてくれているという気がします。「望郷」なんかあまりにも切なすぎて、歌詞が身に沁みすぎて、声のかすれかた一つ一つにまで命がこもっていて、もう聴くたびに落涙をくりかえすばかり。なんなんですかこの冬美ワールドは。〜『フル・サークル』https://open.spotify.com/album/6KARWaySIGqdjCQxAXSBYD?si=o3_Iav1zS3CD9MfuRQy0dgフル・サークルとは、この2018年作にふさわしいアルバム題ですね。フルもフル、こんな満々のサルサ・グルーヴはいまどきなかなかないかもしれません。80歳のエディ・パルミエリにしかなしえなかった作品だったんですね。フォルティシモな音楽が全編にわたって繰り広げられています。このみなぎるエネルギー感、それがフォルテ、いや、フォルティシモだなと思うわけです。アルバム『フル・サークル』はエディ・パルミエリがストレート・サルサに回帰した作品ですけど、サルサってこんな音楽でしたっけねえ。悪くいうと一本調子で緩急がない。大音量で押しまくるばかりで、一時間にわたってこの調子だから、聴いているほうはちょっと...、と引いてしまうばあいだってあるかも。音量が小さく控えめになる時間がないんですもんねえ。いま2019年にもはや時代遅れかもしれないそんなフォルティシモ一辺倒音楽を世に問うたエディ・パルミエリの、なんというかやりたかったこととは、時代遅れになったサルサ・ミュージックの押し一辺倒な大音量パワーを取り戻し、生命力を高らかにうたいあげるところにあったのかもしれません。御大も80歳ということで、いま、まだまだ自分は健在なんだぜと胸を張っているような、そんな宣言なのかもしれませんね。エディの『フル・サークル』では、打楽器隊も管楽器隊も、エディの弾くピアノも、トレスも、ヴォーカル陣も、みんな目一杯にまで音を出して、限界まで音量を上げて、ずーっと最大音量を維持しつつパワーを見せつけて、押し切ろうとしている、しかも隙間なくびっしり音が敷きつめられている、そんな音楽です。ベテラン連中の、老いてますます盛ん的なマチスモを感じますね。それにしても、一時間、やっかましい音楽です(笑)。(0)2019/06/24ジミー・ブラントンは23歳で、クリフォード・ブラウンは25歳で亡くなった「まだハタチの女性だというのだから、驚かされます」...、って、なんでカタカナなのかもわかりませんけど、もっとわからないのは年齢と音楽的成熟とを結合させるこのかたの発想です。いままでもずっとそうなんですけど、若いけど音楽的に成熟していることに驚き、歳とっているのに音楽が若ければこれまた驚き、ってそんないつもいつも驚いてばかりいるもんだから、事実、実年齢と音楽は無関係であることを裏返しに証明しているようなもんですよ。音楽の世界で、若くして、そうですねたとえば十代前半ごろで立派な歌を、演奏を、特に歌かな、聴かせるというケースは枚挙にいとまがないじゃないですか。美空ひばりもリトル・エスター(エスター・フィリップス)も鄧麗君もそんな年齢でレコード・デビューしていて、しかも当初から完成されていました。立派な大人の歌を(大人顔負けとかではない)聴かせていたと思うんですね。楽器奏者でも十代でのデビュー時から円熟していたひとは多いです。ジャズ・トランペット奏者リー・モーガンは18歳でプロ・デビューしています。表題にしましたがデューク・エリントン楽団のベース奏者ジミー・ブラントンも、モダン・ジャズ・トランペッターのクリフォード・ブラウンも若年で成熟。亡くなったときに20代前半だったんですからね。その時点で彼らの演奏は完璧でした。音楽的感性はしばしば十代で養われ、しかも完成することが多いですし、それは才能や本能といった部分だけでなく、鍛錬がその時期に集中的になされるからでもありましょう。それでメキメキ腕をあげ、歌手として楽器奏者として、二十歳を迎えたといったあたりの年齢でも完成するケースがいままでの音楽史で実に多いことをみなさんご存知のはずです。意地悪なことを言えば、その後は落ちていく一方なんていうひともいますけど。生物学的な年齢を重ねるに連れ、音楽も充実度を増していくひとも多いですよね。実人生での経験の積み重ねが音楽にも反映されて、熟成度を増すんですよね。それを音楽の世界における一般法則だなどととらえてはなりません。いうケースもあればそうじゃないケース、すなわち若くして熟した深みのある音楽を実現できる存在もいるという、それだけのことなんで。若くして熟した才能に出会っても、それでいちいち驚いていてはキリないですよ。歴史が証明しているようにそういう存在は音楽の世界ではわりと一般的ですから、決して例外だとか稀な天才だとかいうわけじゃないです。ふつうのことなんで、そういうひともいるんだな、またしても出会ったな、とふつうに受け止めれていればいいだけじゃないでしょうか。音楽、スポーツ競技、数学。この三分野は十代で大きく花開くことのできるものなんです。そんなケースがあまりにも多いわけなんでごく一般的なことで、だから二十歳なんていったら(アイドル界じゃないけど)もう年寄り、そろそろ引退だと言われちゃいますよ。実際そうなったひとも多いですしね。https://hisashitoshima.cocolog-nifty.com/blog/2016/09/post-c90d.htmlこのリンク先の2016年9月付の記事以上の知見は持ち合わせていないのでくりかえしになりますが、二回目を書いておかなくちゃなと思うことが最近なんどかありました。要するに大衆歌謡の世界に(男性が/女性が歌うべき)男性曲/女性曲といったものはありません。いうことばをお使いになるかたがたの文章を拝見していると、男性歌手の曲を女性が歌ったりその逆だったりするのはイマイチなのだ、ちょっと遠慮したいのである、というご気分がおありだとお見受けします。そんなことはないんですよね。女性歌手が男性の持ち歌をやるのは、なんら不思議なことではありません。歌詞内容が、男性が歌うような内容で男心を扱ったものでことばづかいも男ことばで、といった曲でも、女性歌手はどんどん歌っていますよね。それが<男歌>というもので、日本の歌の世界ではあたりまえのことなんですね。逆に男性歌手が女ことばで女心を歌ったものは<女歌>と呼び、それらどっちもごくごくふつうのことで、違和感はありません。それぞれ具体例をあげておきましょう。上の過去記事とダブるばあいはご容赦ください。