あるっていうことは、実はロターナのアンガームだけでなく世界的に増えていると思うんですけど、このあたりもみなさんどうお考えなんでしょうか。自分のパソコンでポンと焼けば同じものができあがりますからね。あとはきれいなジャケットを(ディスプレイ上だけでなく)眺めたいという目的もあってですね、それでジャケットの印刷もするんです。きれいにつくって持っています。他者、他社に頼りすぎず、自分の享楽のことは自分でちゃんとするようにしたらいいんじゃないかなあって、いつも思っているんですよね。自分のことでしょう、なぜ自らすすんでやらないのでしょうか。〜『ジプシー』https://open.spotify.com/album/3XjRVqf066pbYdBUgHEMdH?si=V_mYeUjSRFqPmKKHKu9Phg萩原健太さんに教わりました。https://kenta45rpm.com/2019/08/21/gypsy-eilen-jewell-signature-sounds/出だしイントロのドラムスに続きエレキ・ギターが弾きだすのはいかにもロックンロールというブギ・ウギのパターン。それを聴いただけで、あっ好きっ!って思っちゃうイリーン・ジュウェルの最新作『ジプシー』(2019.8.16)。イリーンは声がこれなんで(つまりキュートでアンニュイ)、みんなあんまり真剣に相手しないかもですけど、なかなかいいシンガー・ソングライターじゃないですか。書きましたように1曲目「クロール」はシンプルなロックンロールなんですけど、色っぽいフィドルがするりとからんでいるのがイリーンの音楽らしいところですね。フィドルとかスティール・ギターとかマンドリンとか、全体的にアメリカーナっぽいフォークロア系の楽器がたくさん使われているのもこの新作の大きな特色です。カントリー・ポップみたいな趣が強いんですけど、それはロックンロールな「クロール」でもはっきり表れていますよね。黒いリズム&ブルーズ色がまったくないわけですから。本当にアルバム1曲目の「クロール」だけで聴き手をトリコにするチャームをふりまいていると思うイリーン・ジュウェルの『ジプシー』。カントリー・ポップ側からロックに寄せてきているものや、ホンキー・トンクなスウィンガーなどがマジ魅力的ですよねえ。1曲目「クロール」がその代表で、ほかには3曲目「ユー・ケアード・イナフ・トゥ・ライ」(はあまりロックじゃないけど)、5「ビート・ザ・ドラム」(ラテン調のニュアンスあり)、7「ジーズ・ブルーズ」、8「ワーキング・ハード・フォー・ヨー・ラヴ」あたりがそうですかね。センツ」、5「ビート・ザ・ドラム」)しますけど、音楽の衣はあくまで聴きやすいアメリカーナふうのポップ/ロックですね。ボブ・ディランに似ているなとぼくは感じます。ディランをそのまま21世紀の若い女性にしたらイリーンみたいなシンガー・ソングライターになるんじゃないですかね。アルバム・タイトルになっている7曲目「ジプシー」は(曲題どおりややエキゾティックで)ドリーミーなバラードで、またちょっとルイジアナっぽい三連のスワンピーなロッカバラード10「ウィットネス」もチャーミング。イリーンのアルバム『ジプシー』は、歌詞でけっこうグサリと刺しながらもサウンドやリズムはキャッチーだし明快。カントリー・ポップであるっていう、そっち側からブルーズやロックに接近しているっていう、いかにも2010年代後半的なコンテンポラリー・アメリカン・ミュージックです。フォイ・ヴァンスhttps://open.spotify.com/album/7Llh51MCW3JF6e7A56E5qq?si=3djDn8xkTkmoPl2a4uyvCw萩原健太さんの紹介で知りました。https://kenta45rpm.com/2019/07/31/from-muscle-shoals-foy-vance/北アイルランド出身の歌手フォイ・ヴァンス(1974年生まれ)。ぼくは今回はじめて知ったひとなんですけど、これはいったいどうしたことでしょう、アルバム『フロム・マスル・ショールズ』(2019.6.28)は、このアルバム題が気恥ずかしくすらなるほど、全編が一直線の60sサザン・ソウルですよ。年配音楽ファンが古いレコード棚からホコリにまみれた一枚のソウル・レコードを取り出してそのままかけたような、そんなサウンドが響きわたっています。モロそのまんますぎて、笑いそうになるほど。ぼくがこの、アラバマはマスル・ショールズのフェイム・スタジオで録音されたアルバムを聴いて感じる最大の印象は、なんだかつらい苦しみと哀しみに満たされているなということです。収録の10曲はぜんぶフォイの自作なんですけど(シンガー・ソングライターらしい)、こんな作風だっていかにもなサザン・ソウル・スタイル。アレンジやバック・バンドは現地のフェイムのひとたちを本格起用しているようです。あ、いや、しっかり聴くと楽しそうなものも混じってはいますね。アルバム中、たとえば6曲目「ビー・ウィズ・ミー」、7「グッド・タイム・サザン・ソウル」などは愉快なソウル・ジャンパーです。そのほかにもちょっとはあって、そういった軽快な曲のつくりも完璧な1960年代後半サザン・ソウルの趣。どこからどう聴いてもタイム・スリップしたとしか思えません。書いた「つらい苦しみと哀しみに満たされているな」というのがやっぱり大きな印象なんですけど、たとえば1曲目「ユー・ゲット・トゥ・ミー」、3「ムーヴィング・オン」、5「ペイン・ネヴァー・ハート・ミー・ライク・ラヴ」、10「メイク・イット・レイン」などは、本当に心に沁みるペインフルなバラードですよねえ。いやあ、いいなあ、こういう歌を聴きたかった...、って時代をさかのぼればたくさんありますけれども、2019年に北アイルランド人が聴かせてくれるとは思いませんでした。これらのつらく苦く哀しそうな曲では、フォイのソングライティングもいいし、それにこの声質とか歌いかたがよく似合っているなと思うんです。いったオールド・ソウル・ナンバーを歌うために生まれてきたひとなんじゃないかとすら思いますが、どうやらそれは違うみたい。このアルバム『フロム・マスル・ショールズ』ではあたかもそう信じ込ませてしまうほどの説得力に満ちた声の響きをしているのが、成功作である証です。アレンジやサウンド・メイクはアラバマはマスル・ショールズのフェイム・スタジオでかなりやったみたいですけど、この曲づくり、そしてなによりもごまかしようのない自身のこの声が、フォイ・ヴァンスという音楽家を第一級の白人ソウル・シンガー・ソングライターに仕立て上げていますね。鈍く光る、かなりの聴きものです。[Live]毎年これを書いていますが、今年も。これがぼく的わさみん(岩佐美咲ちゃん)2019年夏ベストです。今年の新曲「恋の終わり三軒茶屋」と、それのカップリングで七曲のカヴァー・ソングが発売されましたので、使える曲が増えました。わさみんベスト・セレクションも毎年アップデートしないといけませんよね。オリジナル曲八つはもちろんぜんぶ冒頭に並べました。聴けるこのへんの曲の最初期ヴァージョンはまだ歌が幼くて、いま聴くと物足りない感じがします。成長した近年のヴァージョンは確認できます。6「鯖街道」あたりからはそんなことも消えて、いま聴いても不足ない充実ぶりをわさみんも聴かせてくれていると思うんですね。オリジナル・ソングのパートでぼくがいちばん実感しているのは、「佐渡の鬼太鼓」だけがやっぱりやや異質だなということです。これほどまでの激烈ハード演歌は、わさみんの歌うなかにほかにはありません。そのせいか、この2018年楽曲は、ソロ・コンサートを除き2019年になってからのイベント現場ではたぶん一度も歌っていませんよね。9曲目以後のカヴァー・ソング・パートでは、やはりここ二、三年に発売されたものが中心になっていますが、当然のことでしょう。わさみんがグンと大きく成長して、カヴァー・ソングでも大人の艶や色を出せるようになっていますからね。らずの雨」あたりはなんど聴いてもグッと胸に迫ってくるし、こういった曲をここまで歌える歌手は、いまの日本に数えるほどしかいないだろうと思います、本当に。テレサ・テンさんの二曲をフックにして、ちょっとしたライト・タッチ歌謡曲に移行したような曲の並びになっていますが、それはもちろん意識してそうしました。わさみんが最もチャーミングに聴こえる本来の資質は、演歌と歌謡曲の中間あたりにあるだろうなと思うからなんですね。実際、そういった曲をわさみんはたくさんカヴァーしていますし、なにより今年の新曲「恋の終わり三軒茶屋」がそんな路線じゃないですか。そこらへんではリズムの軽快なハネというのもひとつのテーマになっていて、「手紙」「恋の奴隷」「お久しぶりね」「飛んでイスタンブール」はそんなビート感も大きな特色です。わさみんのヴォーカルのノリも見事ですよね。聴いていて気分ウキウキ、心がはずみます。どれもこれも古い歌謡曲ですが、日本のポップ・ソングがいちばん魅力的だった時期がそのへんなんですから。名歌唱「20歳のめぐり逢い」をきっかけに、わさみん自身のアクースティック・ギター弾き語りコーナー三曲でこのセレクションを終えているのは、毎回通例です。いやあ、どう聴いてもこのへんはマジすんばらしいですね。ラストの「糸」は超絶品すぎるんじゃないでしょうか。聴いても泣けるんですというわさ民(岩佐美咲ファン)さんがいらっしゃるのも当然かと思いますね。さんや萩原健太さんのブログなどなどほかにもたくさんあるいわば紹介者のかたがたの文章は出会いのきっかけになるものだから、最初からどんどん読むんですけど、くわしくレヴューしてある論評サイトなどは、最近なるべく読みに行かないようにしています、聴き込む前にはですね。聴いて自分なりの意見ができてからは積極的に読みますが、それ以前に分析や批評などを読んじゃうと、あまりよくない効果がもたらされてしまうように思うんですね。ミュージックは、ぼくがふだんお世話になっている二大音楽評論サイトで、主にアメリカでの新リリース作品についてけっこうくわしくしっかりレヴューしてくれますよね。助かりますが、肝心の音楽作品をしっかり聴き込む前にそれを読むと、なんだかその色で染まってしまって、音楽の聴こえかたに影響を受けてしまいそうなんですよね。自分の耳で聴きたいわけですよ。入れないで音楽を聴きたいんです。それにですね、聴く前にレヴューを読むと、その文章もなんだかあんまりおもしろく読めないですからね。そのレヴューそのものの読みかたがわからない感じがします。自分でしっかり聴き込んでから読めば、ばあいによってはレヴュワーの気持ちの隅々まで文章の機微に読みとることもできて、かなり楽しめます。自分に自信がないとき、この音楽をどう理解したらいいかよくわからないとき、レヴューは大いに助けになるものですけど、足元がぐらつくような気分におそわれるときもあって、そうか、この音楽はこう聴けばいいのかと自分の気持ちを自分で裏切ってしまうような、そんな体験もあるので、もう最近は、聴く前には読まないです。自分自身で音楽をしっかり聴き込んで、これは(ぼくにとって)こういう音楽だなというのがしっかり固まってからであれば、くわしいレヴューを読んでも、読みながら一を足したり二を引いたりできるし、レヴューに左右されず自分の耳で聴いた感想で文章が書けるんですね。いったことが、最近のぼくにはとっても大切なことになってきています。いったことは、くわしいライナー・ノーツなんかにも言えることなんですね。ぼくはライナーを事前に、あるいは(第一回目に)聴きながら、読まなくなりました。なんどもしっかり音を聴く、そして自分なりの意見を持つ、それがいちばん大事なことのように思うんです。他人の言うことに左右されたくないんですよね。端的に言って、自分の耳で聴くということ。自分にとってどういう音楽であるかを判断する、自分なりにしっかりした感想や意見を持つ、と、ここまでの段階でくわしいレヴューやライナーはいらないです。あったらむしろジャマですから。目に触れないようにしておいて、地歩が固まってから読むんですね。すれば、いろんなくわしいレヴューの有用性もいっそう高まるんです。うまく活かせるんです、だから。ボネラーマhttps://open.spotify.com/album/0Lw4VdAQBPVcZKNDRFXmLI?si=B2N_y3Q9Tk-MU2omAqI2tAボネラーマはニュー・オーリンズのブラス・バンド(1998年結成)。ドラマー、ギターリストもいますけど、管楽器ではトランペッターがおらず、スーザフォンのほかは三本のトロンボーンだけでアンサンブルを創っていくという、ちょっぴりユニークな集団です。そのボネラーマが今2019年4月26日にリリースした最新作が『ボネラーマ・プレイズ・ツェッペリン』(鍵盤でアイヴァン・ネヴィルが少しゲスト参加)。英国のロック・バンド、レッド・ツェッペリンの曲をカヴァーしているんですね。大のツェッペリン好き&ブラス・アンサンブル好きのぼくがこれを見逃すことなどありましょうか。ツェッペリンのどんな曲をやっているかは、上のトラックリストをごらんになればわかりますので省略。面)をやっているので、マニアとしてはちょっぴりニンマリ。アレンジはわりかしジミー・ペイジのやったオリジナルに忠実で、ブラス・バンドだから...って、どんなふうになるのか?と思っていた身としては、ちょっぴり意外というか拍子抜けというか。ロバート・プラントがやった歌も複数メンバーがそつなくこなしていて、違和感はないですね。アルバム中三曲、「イン・マイ・タイム・オヴ・ダイイング」「フォー・スティックス」「ザ・クランジ」はヴォーカルなしのインストルメンタル・ナンバーになっています。これらの曲は、ゼップのオリジナルからしてやや特異なものでしたから、楽器演奏だけとしたのは理解しやすいですね。だいたいどの曲でもボネラーマはジミー・ペイジ・アレンジをほぼそのまま踏襲して、ギター・パートなどをそのままホーン・アンサンブルに置き換えたものだということが、聴けばわかります。インストルメンタル曲ではヴォーカル・パートも管楽器が演奏していますよね。どのばあいも、トロンボーンやスーザフォンが演奏しはするものの、そのラインはオリジナルどおりですから、かんがみるに、このアルバム『ボネラーマ・プレイズ・ツェッペリン』は、大のゼップ好きだけどブラス・バンドにはいままであまり縁がなかったというみなさん向けのホーン・アンサンブル入門みたいなものとして好適だと思うんですね。出だし1曲目の「グッド・タイムズ・バッド・タイムズ」。ツェッペリンのデビュー・アルバム幕開けでもありました。この曲はこのブルーズ・ロック・バンド登場のファンファーレみたいなものでしたし、まさしくそういうふうに聴こえるギター・コードかきならしが冒頭から入っているのが印象的でしたよね。ボネラーマはそのギター・パートを重厚なブラス・アンサンブルにチェンジしているんですね。エレベ・パートもギター・パートも、もちろん管楽器が演奏していますが、そのラインはツェッペリンのオリジナルにわりと忠実です。ロック・ギターリストやベーシストがそのままトロンボーンやスーザフォンをやったらどうなるか、の実例みたいなものとして『ボネラーマ・プレイズ・ツェッペリン』は聴けるなと思うんですね。ツェッペリンというバンド最大の特色は(まあロバート・プラントとジョン・ボーナムかもしれないけど、ぼく的には)ジミー・ペイジの演奏する多重ギター・アンサンブルの妙にありましたから、「ブラック・ドッグ」なんかでもほかの曲でも、それをそのままホーン・アレンジに転用してあるボネラーマの手法は、ロック・ファンのみなさんでもなじみやすいものじゃないでしょうか。興味深いのは「ハートブレイカー」ですね。この曲だけはリズムのファンクな感じがボネラーマならではのもので、ツェッペリンのオリジナルには聴けないビート感を出しているのが印象に残ります。中庸テンポでひょこひょことややユーモラスに跳ねるこのリズムの感じは、まさにニュー・オーリンズ・ファンクならではと言えましょう。当地のブラス・バンドです。ツェッペリン・オリジナルで中間部のリズムが止まった部分でジミー・ペイジが弾いていたカデンツァふうのソロを、ボネラーマではスーザフォンがやっていますが、その後半部でリズムが入ってきてからも、そのビート・フィーリングといいホーンズのフリーなからみあい具合といい、かなりの聴きものです。この「ハートブレイカー」はボネラーマにしかできないユニークな内容で、アルバムの白眉と言えましょう。ゼップでこんなアレンジは聴けませんでした。ニュー・オーリンズ現地にはいっぱいあるブラス・バンド。そんなホーン・アンサンブル・ミュージックのファンというより、レッド・ツッェペリン好き、ブルーズ・ロック聴きのみなさんにオススメしたい一枚です。ツェッペリンってあんまり聴いたことないなあっていう吹奏楽ファンのみなさんにもグッドかも。(0)2019/08/19マイルズの『ビッチズ・ブルー』、真夏生まれhttps://open.spotify.com/album/3Q0zkOZEOC855ErOOJ1AdO?si=ySHFp1haQXijmLgQwA_diw人間でも「わたし夏生まれだから...(こういう人間だ)」みたいなことを言うじゃないですか。音楽作品でもそういったことがあるんですかね。夏に録音されたものはどうだこうだみたいなことが。あるかないかわかりませんけれども、1969年8月ど真ん中(8/19〜21)に録音されたマイルズ・デイヴィスの『ビッチズ・ブルー』は、夏向けの音楽ですよ。真夏に聴くとこれ以上ないピッタリ感です。なずなんたってこのジャケット・デザインが完璧な夏仕様じゃありませんか。黒人男女がほぼ全裸で夏の海に向かっているという。その上に汗をかいた黒人の顔。これが夏でなくていつだというのでしょう。ジャケットのデザインを担当したのはマティ・クラワインですが、録音済みだった音楽を聴かせてもらっての判断だったに違いないですね。ダブル・ジャケットを開くと、こんなマイルズの写真もありますし↓そんな『ビッチズ・ブルー』の音楽のこの、なんというかアトモスフィアが、これまた真夏の空気感満載ですよね。うまく言えないんですけど、こう、夏っぽい解放感のある突き抜けた、はじけるような音楽ですよねえ。曲「ビッチズ・ブルー」「スパニッシュ・キー」「マイルズ・ランズ・ザ・ヴードゥー・ダウン」で、そんなフィーリングをぼくは強く感じます。真夏ど真ん中にレコーディング・セッションが企画されたために夏向けの曲というかモチーフをマイルズやジョー・ザヴィヌルやウェイン・ショーターが用意した、ということはないでしょう。スタジオでのレコーディングの前からレギュラー・クインテットのライヴではくりかえし演奏されていたものも多いし、そもそも一年以上前に録音済みだったものの再演だったりしますのでね。仕上がりがこんなにも真夏向けのオーラをまとうことになったのは、やっぱりひとえに演奏そのものが八月の暑いさなかに行われたからだということに原因のすべてがあるに違いありません。マイルズが自叙伝でふりかえって言うには、『ビッチズ・ブルー』になった三日間の音楽は、要はすべてが即興である、その場で組み立てたものであるとのこと。真夏のスタジオ・セッション現場でのインスタント・コンポジションにかなりの部分を負っている音楽だから、ここまでのサマー・ミュージックになったのだということなんでしょうね。スタジオがあったニュー・ヨークの真夏は東京のそれよりは過ごしやすいと思うんですけど、それでも1969年8月19〜21日は猛暑だったそうです。スタジオに空調が効いていたとしても、真夏の季節感をミュージシャンたちも持って入って参加したはずです。夏の文化的特徴は、上でも書きましたが解放感、すなわち感情の自然な発露を抑制しないこと。突き抜けた青い躍動感。フィーリングの爆発、すなわちフェスティヴァル(お祭り)感覚の荒々しさ。いったところでしょうか。こんなこと、すべてアルバム『ビッチズ・ブルー』の音楽をかたちづくり彩っている要素じゃないですか。『ビッチズ・ブルー』で聴けるこんな音楽は、やっぱり真夏の演奏だからこそ生まれたと言えると思うんですね。ぼくたちが聴く際も、真夏の陽天のもとで汗をかきながら聴くようにすれば、いっそうこのアルバムの音楽の躍動的なフィーリングを身近に実感できるというのが、約40年間聴き続けてきてのぼくの感想です。真夏生まれの『ビッチズ・ブルー』、まさに夏に聴いたらピッタリ来る音楽じゃないでしょうか。暑苦しいけど、汗をかいて結果さわやかになるというようなフィーリングを、音楽で味わうことができますよ。(0)2019/08/18ダヴィーナ&ザ・ヴァガボンズはアメリカ音楽の健全さhttps://open.spotify.com/album/1mkCrsYupAhf4Ko1nkoyFq?si=nqDkivmsSpWSYlJO-A9GZAお気に入りダヴィーナ&ザ・ヴァガボンズの新作が出ました。『シュガー・ドロップス』(2019.8.2)。前作がライヴ・アルバムでしたけど、スタジオ・オリジナル作品としては三作目となりますね。五年ぶりとちょっと久々。ダヴィーナの音楽性はなんら変化していませんので、安心して身をひたすことができますね。2/4拍子を基調とするレトロなオールド・ジャズ/ポップスをベースにした、グッド・オールド・タイム・アメリカン・ミュージック(+ちょっぴりの三連サザン・ソウル・バラード)。37分間という短さも好印象ですけど、でも今回の新作『シュガー・ドロップス』ではちょっとの新味もあります。2曲目「アイ・キャント・ビリーヴ・アイ・レット・ユー・ゴー」はファンキー風味ですね。コントラバスがガガッと突っかかるようにハネるパターンをはじき続けているのがこの曲のキモで、ちょっぴりカリビアンなロック・ミュージックっぽいのがダヴィーナにしては珍しいところ。カリビアンといえば続く3曲目「デヴル・ホーンズ」は完璧なカリビアン・ミュージック・テイスト。カリプソっぽいニュアンスもいままでのダヴィーナにはなかったものじゃないでしょうか。最初打楽器群だけに乗ってダヴィーナが歌いはじめるのでオオッと思っていると、途中から入るホーン・アンサンブルも完璧カリビアンなんですね。6曲目「アナザー・ロンリー・デイ」のリズムのハネもちょっぴりロック・ソングっぽいかな。いったシンコペイションと陽光の効いた音楽はダヴィーナとしては新味じゃないですか。自身の弾くピアノ・サウンドを中心に据えたオールド・タイミーなジャジー・ポップスという従来路線な曲のなかででも、エレキ・ギターがソロを弾いたりペダル・スティール・ギターが使われていたりして(7曲目「ノー・マター・ウェア・ウィ・アー」)、なかなか聴かせる工夫がなされています。8曲目「ミスター・ビッグ・トーカー」でも室内楽的なストリングスが入って、そういったのはいままでのダヴィーナの音楽にはなかったものですよね。そのストリングスにしても優雅でエレガントで、まるで19世紀末ごろのアメリカのシティ・サロンでかくありきと思わせるクラシカルなムードをかもしだしているのが、いかにもダヴィーナっぽい古き良き時代へのレトロスペクティヴ。雰囲気をこわさず、いままでの四作品で聴かせてくれていた世界を踏襲しているなとわかるのが好印象です。カリビアン風味もハワイアン・スティール・ギターも、ルーツとしてアメリカン・ミュージックの発祥時から根底にありますからね。10曲目の「マジック・キシズ」もほんのりカリブ香を漂わせながらオールド・タイミーなジャズ・ソングを展開していますが、いままで書いた曲以外はどれもやっぱりダヴィーナの従来路線。2/4拍子のディキシーランド・ジャズふうなポップ・ソングで、19世紀末〜20世紀初頭ごろの古いジャズやブルーズをそのまま再現したようなレトロ・ミュージックなんですね。趣味がよくて、聴いていてなごめて、実にいい気分です。アルバム・ラスト11曲目「ディープ・エンド」は、アルバム・タイトルになっている5曲目「シュガー・ドロップス」同様、ダヴィーナのピアノ弾き語り(が中心)でシンミリと。二曲とも孤独な哀感がにじみ出ていて、かといってさびしくわびしいフィーリングというよりアット・ホームなあったかさがあるんですよね。ダヴィーナの音楽って、そんな親近感がいつもありますよね。今回の新作でもそこらへんはそのまま変わりません。いったレトロなグッド・タイム・ミュージックがいまでも絶えずときおり登場し、決して恥ずかしいような顔もせず堂々として、とりあえず一定の支持を得つづけているあたりには、アメリカン・ミュージック・シーンの健全さ、大きさ、懐の深さを感じますね。ダヴィーナ&ザ・ヴァガボンズの『シュガー・ドロップス』、日本盤も出るそうです。U」(ザ・ファミリー、シネイド・オコナー)今2019年の6月下旬ごろリリースされたプリンスの未発表集『オリジナルズ』。収録曲はどれもほかの歌手たちが歌うためのものとしてプリンスが書き提供したもの。それらのプリンス本人ヴァージョン集ですね。これらはガイド・テープというか、デモというか、こんな感じですよ〜と教えるためのものとして録音したものだっていうことなんでしょうね。それともたんなる録音癖?デューク・エリントンとかフランク・ザッパみたいな。いえば、これら三者の音楽家たちは、似てますねぇ。そんな大きなテーマは今日はおいといて、プリンスの『オリジナルズ』。12曲目の「ラヴ...ザイ・ウィル・ビー・ダン」だけが1991年の録音となっていますけど、それだけを例外とし、ほかはすべて1981〜85年に録音したものです。たしかにそれらの曲の提供先歌手たちによる初演ヴァージョンもそのころでした。プリンス自身の作品でいうと、ちょうど『1999』『パープル・レイン』『アラウンド・ザ・ワールド・イン・ア・デイ』のあたりですよね。昇竜のごとき勢いで音楽界を猛烈に駆け上がっていた時期であります。そのころのプリンスは、初期の密室独りスタジオ作業癖から一歩抜け出て、リアルなバンド編成サウンドをも試みていましたよね。アルバム『オリジナルズ』収録のものは、どれもほかの歌手に提供するためのデモなためなのか、ぜんぶプリンスひとりで音をつくっています。すべての楽器演奏と歌がプリンスだけによるスタジオ作業で完成しているんですね。付属リーフレット掲載のクレジットにありますように、サックスとかチェロとかはプリンスじゃない演奏者が参加しているんですけれども、全15曲、これはほぼすべてプリンスひとりのパフォーマンスで完成させたとして過言ではありません。そのほかギターやバック・ヴォーカルで若干名の参加があるばあいも見られますけれども、本質的にこの『オリジナルズ』はオール殿下です。完成させたと言いましたが、このガイド・デモみたいなテイク集は、実質、完成品と呼んでさしつかえないレヴェルだと思うんですね。このことは、なにより当時発売されていたほかの歌手によるオリジナル・ヴァージョンと『オリジナルズ』収録のプリンス・デモを聴き比べればハッキリします。だいたいどの歌手のオリジナル・ヴァージョンもプリンス・デモと大差ないといいますか、それに沿って歌を入れ直しただけというに近いものだったと判明したからです。ここが今年六月の『オリジナルズ』発売最大の意義でしょう。ソングライターによるガイド・デモがすでに完成品としてもいいできばえであった、それがプリンスという音楽家のすごさ、すばらしさだったとわかったということです。いうかですね、このアルバムを聴いていての実感なんですけど、プリンスはガイド・デモをちょこっととかいうんじゃなく、これは本気ですね、マジで演奏し歌っています。このひとが本気でやるとどうなるかを彼自身のアルバムで知っていると、これは間違いないと思えます。最初は他人に歌ってもらうために書いて、そのデモを...という気持ちもあったかもしれませんが、スタジオで作業していくうちどんどん気持ちが入っていってマジになってしまう、っていうのはよくあることだと思うんですね、音楽家のばあいだけでなく、みなさんも仕事や趣味でそういった憶えがあるでしょう。プリンスの、この天才の、1980年代前半といえば最も勢いがあった時期だったんですから、当然です。こんなガイド・デモのテープを渡されたどの歌手も、本当はちょっと戸惑ったかもしれないです。わたしたちはいったいなにをしろというのかと。曲もすばらしいけれど、演奏と歌の完成度がここまで高いデモをもらってしまったら、これをどうすればいいのかと、ただこのまま忠実に演奏と歌を(自分たちが)再現するしかないじゃないかと、そう感じたんじゃないかと推測します。上で書きましたように、みんなのヴァージョンもだいたいプリンス・デモをそのままなぞったような内容になったというわけです。プリンス本人ヴァージョンは今回はじめて聴けたものですから、この事実が証明されたわけですね。ああ、プリンスって、なんという天才だったのでしょうか。『パープル・レイン』前後あたりの時期ですからね。多産豊穣だった本人のアルバムに収録されていても不思議じゃないものが多いです。なかでも、バングルズに提供した「マニック・マンデイ」とケニー・ロジャーズのための「ユア・マイ・ラヴ」が、特別ぼくの耳を惹きました。なんてポップでなんて軽みがあって、なんていい曲なのでしょうか。正直に言いますが、バングルズのやケニー・ロジャーズのやったオリジナルをしっかり聴いたことがなかったのですが、ここで聴けるプリンス・ヴァージョンがあれば充分だという気がします。いやあ、好きですね、こういったライトでポップなプリンス。ぼくがプリンスで最も好きな部分のひとつです。U」のシネイド・オコナー(のは初演じゃないって今回はじめて知りました)・ヴァージョンだけが、プリンス・デモとは大きく異なっています。シネイドのヴァージョン(1990)がヒットしてこの曲もシネイドも認知されましたが、それをいちおうご紹介しておきましょう。U」という曲のことがぼくは本当に大好きで、なんて切なく哀しい歌なのかと、聴くたびに泣いちゃいそうになるんです。この曲のプリンス・デモだけは、昨2018年春に配信リリースされていたもので、今回のはその再録です。これで公式発売されているこの曲の本人ヴァージョンは、計三つとなりました。この大好きな切哀歌のことは、また別の機会にじっくり書いてみることとして、今日のところはこれにて筆をおくこととします。これに三曲のシングル盤音源を加えています)インドネシアの男声ヴォーカル三人組、トリオ・レスタリの『ワンギ』(2014)。エル・スールから届いたこれ、しかし、届いたってことは自分でお願いしてあったということですよねえ。記憶にないんですけど、最近は自分でもオーダー・メモを残すことにしてあるので、間違いありません。エル・スールのホーム・ページで見たときに、なにかひっかかってピンと来ていたということなんでしょう。して憶えていないんでしょうか。聴いてみたらまさしくビンゴ、これは完璧にぼく好みのヴォーカル・ミュージックです。都会派で、洗練されていて、さらにアメリカン・ジャズ/ポップ/ソウル・ミュージックのエッセンスが詰まっているんですね。どんな三人組だかちっとも知らなかったのに、う〜ん、われながら勘が冴えています、いやマジで(ドヤ顔)。その意味では、以前書いた同じインドネシアのサンディ・ソンドロに相通ずるところがありますが、トリオ・レスタリのうち一人はサンディなんですね。へえ〜、そういうことですか。ほか二名はトンピ、グレン・フレドリ。サンディふくめ、ぼくはなにも知らないので(サンディだって一枚聴いただけ)、アルバムで次々ソロをとりマイク・リレーを聴かせるのがだれなのか、ちっともわかりません。トリオ・レスタリのこの『ワンギ』の音楽は、基本、1980年代ふうの米ブラック・コンテンポラリーですね。(ジャズ・)フュージョンとも関係が深いと思います。掲載の原田さん解説ではラテン風味ということがくりかえされていますが、ぼくはほとんど感じません。5曲目の「Nurlela」(イラーマ・ジャズのあれのカヴァー)だけじゃないでしょうか、インドネシア・ラテンは。全体的にはもっとド直球のストレートなアメリカン・ミュージックじゃないかと思います。クインシー・ジョーンズとかがやった、あのへんの音楽を強烈に、というかもろストレートに意識させる、というかそのまんまなトリオ・レスタリの『ワンギ』。全12曲ですが、いちばん上で書きましたように、原田さんの解説文によっても、オリジナル・アルバムは九曲で、それにシングル盤音源三つを加えたものが2014年にリリースされたということみたいですね。それらシングル・ナンバーは、アルバム『ワンギ』のリリースよりも前の発売だったのか後なのかわかりませんが、アルバムに加えてなんの違和感もなく、スムースに違和感なくすっとつながります。言われなかったらこういうアルバムなんだと思う一体感がありますから、トリオ・レスタリとはこんなアメリカン・ヴォーカル・ミュージックの三人組なんだと思うんですね。Jantungku」の三曲。Rindu」はかなりジャズ・フュージョンっぽいですね。アメリカのフュージョン・バンドもよくヴォーカリストを迎えてやっていたでしょう、それと同系の音楽です。さわやかなシティ・サウンドですよね。アクースティック・ピアノを中心とするサウンド・メイクも、まるでスタッフみたい。ギター・ソロがエリック・ゲイルっぽいし、ソロのあとのヴォーカル・パートでパッと転調するのだって、いかにもですね。Love」(Superstar)はもっと黒っぽくて、1980年代的ブラック・コンテンポラリーのサウンドとヴォーカル・スタイルです。これ、だれが歌っているんだろうなあ。