»2019年8月2019/08/31ヨット・ジャズ名盤二枚https://open.spotify.com/playlist/6sjYM3peKRbOVtwMrdnb0M?si=bEPkkHJIQmmF7-LLZwnMswヨット・ロックというのがあるのなら、ヨット・ジャズというものがあってもいいはず。みたいなものの別称らしいんですけど、ジャズのなかにもアダルト・オリエンティッドなソフトで落ち着いたくつろげるものがありますよね。的っていうかイージー・リスニング向きということで、たくさんあるそんななかから今日はマイルズ・デイヴィスの『マイルズ・アヘッド』(1957)とハービー・ハンコックの『処女航海』(1965)をピップアップしてみました。してこの二枚かというと理由ははっきりしていて、ジャケットにヨットが写っているからです。『マイルズ・アヘッド』のほうは発売当時すぐにジャケット変更されたのが現在まで使われていますけど、オリジナルはあくまで上掲のヨット風景ですからね。ハービーのほうは有名なこれで、みなさんご存知のとおり。な〜んだ、ジャケットがヨットなだけかよ、と言うなかれ、中身の音楽がまさしくこの二枚、ヨット・ジャズですよ。収録曲に船や海をテーマにしたものが含まれていることも、この二枚を選んだ大きな理由です。ハービーのほうでは言うまでもなく「処女航海」や「ドルフィン・ダンス」が有名ですけど、マイルズのほうにだって「マイ・シップ」がありますもんね。マイルズがとりあげた「マイ・シップ」は、かのクルト・ワイルの曲なんですね。チョイスしたのはギル・エヴァンズだったかもしれません。その「マイ・シップ」の演奏が、こりゃまた海面をスーッと進むようななめらかさ。よどみなさ、スムースさは特筆すべきものですが、晴れた日にヨットで航海しながら水面を見れば太陽の光があたってキラキラしているといった光景まで鮮明に浮かぶかのようじゃないですか。いったソフト・ジャズみたいな仕上がりはデビュー期からマイルズのお得意で、それをギルがいっそう手助けしていますよね。スムースなソフト・ジャズっていうのは「マイ・シップ」だけでなく、アルバム『マイルズ・アヘッド』全体について言えること。引っかかったり大きく跳ねたり飛躍したりせず、ハードな激烈さもなく、本当におだやかな海面をスーッとヨットで進んでいるかのようなサウンドですよね。イージー・リスニング的なんですけど、イージー・リスニングっていうのは褒めことばですからね、ぼくのばあい。そこいくとハービーの『処女航海』のほうにはまだちょっとだけハード(・バップ)なジャズ傾向があります。「ジ・アイ・オヴ・ザ・ハリケーン」と「サヴァイヴァル・オヴ・ザ・フィテスト」。この二曲でだけ波がやや荒いといった雰囲気でしょうか。『マイルズ・アヘッド』のほうと違ってハービーは別にイージー・リスニングを企図したわけじゃありませんので、こういった曲があってアルバム全体としては緩急がつき、ちょうどいい具合になっているでしょう。航海もときにはハードです。それら以外の曲、特に「処女航海」と「ドルフィン・ダンス」は特筆すべきおだやかムードですよね。やわらかくソフトで聴きやすく、聴いていて気分がなごみくつろげる極上のアダルト・オリエンティッドなアトモスフィアですよね。航海やイルカをテーマにしたコンポジションだからなのか、書いたハービーが意識したかもっていう、そんな雰囲気がありますよね。マイルズのことばに、作曲とはムードをこしらえるということだろう、違うか、というのがありますが、本当にこのムード重視ということは(フリー・ジャズなど一部のものを除き)ジャズの作曲・演奏にあてはまる最重要事項だと思いますね。ジャズだけでなく音楽全般そうだなと思うんです。落ち着いた大人の雰囲気をかもしだす、ゆったりくつろげるヨット・ジャズも、ときにはいいじゃないですか。アルバム発売決定!http://www.tkma.co.jp/enka_news_detail/iwasa.html?nid=12626わさみんこと岩佐美咲の三枚目のアルバムが発売されると決定し、本日8月28日、徳間ジャパンより発表されました。収録曲は以下のとおり。1)無人駅2)鞆の浦慕情3)鯖街道4)佐渡の鬼太鼓5)恋の終わり三軒茶屋6)魂のルフラン7)まちぶせ8)雨9)秋桜10)千本桜11)わたしの彼は左きき(初回限定盤だけのボーナス・トラック)12)もしも私が空に住んでいたら13)初酒14)ごめんね東京というわけで、一般のみなさんは初回限定盤を買えばオッケーということのようです。わさ民ではないそんなみなさん向けに書いておきますと、1〜5曲目までは既発のシングル曲の再録です。12〜14のボートラ分もシングル・ナンバーですが、これら三曲は未発表コンサート音源ということなので、聴いたことないはずのものです。できうれば1〜5もそうしてほしかったのですけど、これはなにかと制限があるのだろうと想像できます。結局、計八曲のわさみんオリジナル・ナンバーはすべて収録されることとなりました。ビックリは6〜11曲目のカヴァー・ソング・セクションですよね。なんと演歌楽曲がひとつもありません。なかにはみなさんあまり耳なじみのないものがふくまれているのではないでしょうか。6曲目の「魂のルフラン」と10「千本桜」がたぶんそうでしょう。シト新生』(1997)の主題歌だったもので、歌は高橋洋子さんが担当なさっていました。「千本桜」のほうにいたっては担当歌手が人ではありませんでしたよ。ヴォーカロイド、初音ミクに歌わせた楽曲ですもんね(2011)。これら二曲、特に「千本桜」のほうがどうなっているのか、人工音声合成ソフトがやった曲を人間界最高の歌手のひとりであるわさみんがやるとどう仕上がるのか、とても強い興味があります。これら二曲以外は、7「まちぶせ」(三木聖子さん、だけど石川ひとみさんの歌と言うべきですね)、8「雨」(森高千里さん)、9「秋桜」(山口百恵さん)、11「わたしの彼は左きき」(麻丘めぐみさん)と、みなさんよくご存知の曲です。知名度の高い曲だけにかえってスタジオでプレッシャーがかかったかもしれませんが、いまのわさみんの実力なら難なくこなせたはずです。いずれにせよ、通算三枚目のフル・アルバムになります。初回限定盤のほうには、ぼくたちわさ民がずっと待ち望んでいた初期楽曲の近年ライヴ・ヴァージョンが三つ収録されることもあり、いままでくりかえしておりますわさみんの最近の大きな成長を実感できる内容になるはずです。「もし空」とか「初酒」とか、ぼくもここ一年ほどライヴでどんどん聴いていますが、すばらしい内容なんです。収録され発売されるんですから。計六曲の新規カヴァー・ソングだってかなり見事な出来になっているだろうことは、ここ一年ほど現場でわさみんの歌うカヴァー曲をたくさん聴いてきたこの身この耳が保証します。みなさん、わさみんこと岩佐美咲のニュー・アルバム、よろしくお願いします。さあ、どんなジャケットになるんでしょう?胸が高鳴りますねえ。(0)2019/08/29レジオナール・ナシオナールのことが気になってしょうがないhttps://www.instagram.com/regionalnacional/といってもまだ一曲も聴けません。そもそも録音がまだありませんからね。Nacional)とは、ブラジルの(たぶん)ショーロ、サンバ・ショーロのバンドです。日本ではこのバンドがあるということすらまだほとんど知られていないと思うんですけど、現地ではどんどんライヴ活動をやっているんです。アレンジャーは二名のギタリストが兼任。ぼくはこれらメンバーのなかで、ニーナ・ヴィルチとアキレス・モラエスとチアーゴ・ソウザしかわかりません。アカウントで、だったんですよね。ニーナはよく投稿するし、ほかのアカウントの投稿のリポスト(Twitterでいうリツイート)もときどきやるんで、それでこのレジオナール・ナシオナールの存在に気づいたというわけですよ。レジオナール・ナシオナールのこともフォローするようになりました。なんだか上がっている集合写真の雰囲気がとってもいいでしょ〜。なにもまだぜんぜんないから、かえって気になって気になって、なんだかたぶんショーロやサンバ・ショーロみたいな音楽をやっているんだなとわかるだけに気が気でなくて、もうこのままブラジルまで飛んで行って聴きたいとすら思いますよ。お金がないからムリですけどね。勝手にダウンロードした写真から今日一枚上に出しましたけど、このちょっとクラシカルな雰囲気がとってもいいですよねえ。アカウント(しかないはず、ライヴのプロモートなんかもそれでやっています)は今2019年2月18日が初投稿なんで、アカウントができたのもそのころ。このバンド結成もその直前、今年はじめごろだったと推測できますね。ハイライト(通常投稿の上に丸いのが三つあるでしょ、それがハイライト)にすでにちょっとだけアップロードされているんですね。通常投稿にもすこしあり。断片の連続ですけど、それでかろうじて喉の渇きを癒すことができますね。聴くと、やはりショーロやショーロふうサンバをやっているんですね。そうそう、ニーナ・ヴィルチの2012年デビュー作『ジョアナ・ジ・タル』があったでしょ、ちょうどあんな感じの音楽ですよね。気になって気になってしかたがないこのバンド、レジオナール・ナシオナール。出してくれないのならブラジルまで行くしかないのかなぁ〜〜っ。演歌歌手だから当然というかしょうがないのだとも言えますが、わさみんこと岩佐美咲の歌う世界の男女観はかな〜り古くさいですよねえ。いまはもう2019年なんです。選択的夫婦別姓や同性婚や身体改変なしでの性別移行などがリアルな喫緊の課題となっているような時代に、わさみんワールドはまったくそぐわないかのようにも聴こえます。演歌とは、要はそういった世界なのだ、仕方がないのだ、ということでしょうか。そのへんつきつめて考えてみたことがないんですけどね。わさみん本人がどんな考えを持つどんな人間なのか、ぼくはなにも知りません。気付けている範囲の情報をもとに判断すると、いかにも現代の、21世紀の24歳というだけの新しい志向を持ったリベラルな新世代という気がするんですね。旧態依然とするような体質というかジェンダー観は、たぶんひきずっていないように感じます。歌手の人間性と表現する世界とは関係ありません。わさみんのばあいも仕事は仕事と割り切って、ああいった古色蒼然たる男女間の恋愛ワールドを演歌のなかで歌い込んでいるんでしょうね。演歌という歌謡ジャンルそのものが、そもそもそういった世界なのだとも言えるかもしれないですしね。夫婦別姓や同性婚やトランスを歌った演歌なんか、ぼくは一曲たりとも聴いたことがありませんし、そもそも自立する女がいない世界ですしねえ。してもしそういうのがあれば、斬新なリベラル演歌ということになるんでしょう。演歌というか歌謡曲というか、ひとくくりで大衆歌謡でいいんですが(だってわさみんはいろいろたくさん歌って発売しています)、歌謡界におけるジェンダー観というと、たぶん多くのみなさんが歌詞のなかに読みとれるものを想像なさるだろうと思います。ぼくのばあいはそれだけではなく、あわせてサウンド・イメージがどうなっているかによって、旧いかリベラルかを判断しているんですね。鬼太鼓」「風の盆恋歌」などは旧いような気がします。「もしも私が空に住んでいたら」「別れの予感」「お久しぶりね」「涙そうそう」などはリベラルに感じるような気も。「恋の終わり三軒茶屋」「糸」あたりは、関係なくたぶん普遍的ですよね。これらの分類は、もっぱら曲想やサウンド、リズムの印象にもとづくもので、歌詞内容はあまり考慮していません。すると、全わさみん楽曲(といっても今回「ぜんぶ」は聴きかえしていませんが)で、旧体質な自己抑圧的ジェンダー観のものと、斬新なリベラルなものとで、たぶん半々くらいじゃないかと思うんですね。これは、演歌歌手という看板を出してやっている歌手としてはかなりリベラル寄りと言えるんじゃないでしょうか。あ、いや、でも歌詞もちゃんと聴いて総合的に判断すれば、たとえば「初酒」「ごめんね東京」「北の螢」「なみだの桟橋」なんかも旧くて、リベラルさからは遠い曲ですね。それになんといっても「恋の奴隷」ですよ。推奨とも受け止められかねない(「悪いときはそっとぶってね」)歌詞がありますし、はっきり言って男性に支配されたい、あなた色に染まりたいというドMソングですよね。これはかなり自己抑圧的な世界と言えましょう。ことは、やっぱり全わさみん楽曲をトータルで考えると、ふるくさ〜いジェンダー観を反映した旧い歌のほうが多いんだという気がしてきました。これは、まあ最初にも書きましたが演歌ワールドだから、歌謡曲も往年の1970年代もののカヴァーが多いからだ、ということに尽きるでしょう。オリジナル曲も、そんな世界観に沿ったつくりになっているように思います。いったことは、肝心の歌手がだれであるか、女性か男性かのどっちであるか、若いか熟年か、などもいっさい関係なく、大衆歌謡とはそんな世界なのだ、新しくつくられる楽曲も往年の旧い恋愛観、旧い男女観を反映しているから、ということになるんでしょうね。創り手や製作陣や歌手のみなさんの(実生活での)考えはもはや刷新されてリベラルになっていても、歌謡世界がそのままだから、ということかもしれません。わさみんのばあい、しかしそんなような世界をかなりうまく表現できているなと思うんです。どのあたりの客層がターゲットとして想定されているか、かなりよくわかるようなイマイチわからないような、ちょっと複雑で不思議ですが、一般の演歌ファンはもはや高齢化しているので、そこから考えればわさみんファンはまだまだ若い層が多いという実感はあります。歌手という二面を使い分けていて、毎年一月末〜二月頭に前者にしぼったソロ・コンサートを開くものの、一方、秋には恒例の<LOVEライヴ>をやって、ポップ・ソングはそっちで歌うという棲み分けができています。<真の>岩佐美咲が、歌手として本当にやりたいことや資質が、奈辺にあるのか、それはぼくにはよくわかりません。いっぽうであっけらかんとした新しい若者でありつつ、ふだんは着物姿で旧い(自己抑圧的な?)歌をさらりとこなすという、あのさらりあっさり感、素直なナイーヴさといったそのヴォーカル表現スタイルに、ある種のヒントみたいなものが隠されている...、のかもしれませんね。面アナログ・レコードを聴くことはもうなくなりました。今後もずっと聴かないでしょう。レコードで聴いていた作品については、やっぱりその記憶が残っているんですね。ファイルでもストリーミングでも、自分の心のなかで盤面をひっくり返す作業があるんですよね。面だとか、無意識裡に意識します。アルバムがそういうふうにつくられていたからっていうのがやっぱり最大の原因ですよね。面になったときどんなのが流れてきたら効果的か、考え抜かれていたと思うんです。面ごとの音楽性の違いみたいなものがはっきりありました。面が終わった」とか意識するっていうか、気づいちゃいますよねえ。ネットでしか知らなくたって、面がわかるということです。これはそういうつくりになっていたんだから当然と言えます。ひとつづきで流れてくるものを聴くようになって、もう30年にもなるわけですからさすがに慣れて...、っていうことにはならないのが不思議なような、そういう制作上の意図がはっきり聴こえてくるんだから当然というか。レコードはぜんぜん聴かないぼくなのに、盤面の境目がわからないなんてことはありません。面というようなことは自分たちにはないんだとおっしゃるのはわかりますが、しかし肝心の聴く音楽の中身が面ごとに考えて組み立てられていたんだから、どこかで調べて頭の片隅においてあってもいいんじゃないかと思うこともあるんですよね。いうのはたんなる老婆心でしょうか。時代になって、またその後ストリーミング時代になって、音楽アルバムのプロデュースはあきらかに変わりました。最長で80分が一気に流れてきますし、配信だとその制限すらもありません。むかしなら20分程度で一区切りでいったん休憩だったでしょ。それがなくなりましたから、ひとつづきの流れのなかで緩急とか起承転結をつくらないといけません。アルバムというもののつくりかた、捉えかたがかなり違ってきているなとも思うんですよ。この点でちょっとおもしろいと感じるのは、ここ数年音楽アルバムの長さが短めになってきていることです。最長80分だからそれに近いくらいの中身を詰め込んでいたのがなくなって、最近は30分とか40分とかっていう尺のフル・アルバムが主流になってきています。いうわけじゃありません。この、アルバムが短くなったという事実は、ぼくの見るところ、たぶんストリーミングで聴くのが主流になったから生じた現象ですね。ディスクを機器に入れて再生するわけですから、途中で<針を上げる>のに若干の抵抗があったはずです。その手間がわずらわしいというか躊躇するというか。ネットで聴くならそんな気持ちも生じません。それで、このへんまででいいやというのでリスナーも気軽に再生をストップしているんじゃないですか。なんかだとそんなデータも記録されていて、音楽家や会社側にその情報が行くらしいんですよね。集中して最後まで一気に聴いてもらえる長さはどれくらい?というのでさぐって、アルバムが短くなったんだとぼくは踏んでいるんです。聴かれなかったら意味ないし、再生されないデータを配信サーヴィス側としてもサーヴァーに置いておくのはいやかもしれません。そんなことも、アナログ・レコード時代だと片面15〜25分程度ということで、そこで物理的に再生中断ですから、ちょうどいい息抜きというか気分転換だったかもしれないですね。ジャズ喫茶やぼくがそうだったように、片面が終わったらもう片面は聴かずに別のレコードを乗せるなんてことも自由でした。それでパッと雰囲気が一新されますしね。ネット聴きとアナログ聴きはちょっと似ている面があるのかもしれません。(0)2019/08/26ぼくにとっての『フォレスト・フラワー』とキース・ジャレットhttps://open.spotify.com/album/6lIWfnUerZuu9UcUDnF2JD?si=wn5lR3c6QiaXM4Y5KCii5wルシンダ・ウィリアムズと組んだ昨2018年の新作『ヴァニッシュト・ガーデンズ』がかなりおもしろかったので、ふたたびぼくのなかで評価が上昇したチャールズ・ロイド。ジミ・ヘンドリクス・ナンバーなんかもやっているその新作のことはまた追って書きましょう。今日はおなじみ1966年のモンタレイ・ライヴ『フォレスト・フラワー』(67年発売)のことをちょっとだけメモしておきます。面はあまり聴いたことがなかったんですね。面こそ大好き!というこの気持ちに変化は生じません。最初の二曲、というか2トラックですよねえ、このアルバムは、ぼくにとってはですね。チャールズ・ロイドと1966年と西海岸といえば、ヒッピー・ムーヴメントやサイケデリック・カルチャーをどうしても想起しますよね。実際、60年代のロイドはそういった文脈で語られることも多いようです。『フォレスト・フラワー』最初の二曲(はどっちも「フォレスト・フラワー」)のこのタイトルがそう明示しているにしては、演奏の中身にそれは感じません。ロックだとかボサ・ノーヴァだとかいったテイストは、いかにも(アメリカの)1960年代的な文化かもしれないですけど、いま2019年に聴いても気持ちいいなと思うふたつの「フォレスト・フラワー」(1「サンライズ」、2「サンセット」)の魅力は、シンプルに音楽的なものです。それはチャールズ・ロイド本人というよりも、ピアノを弾いているキース・ジャレットのアーシーさ、ゴスペル・タッチで高揚するフィーリングにあるんですね、ぼくにとっては。いった弾きかたをするキース・ジャレットを、ぼくはこれより前に自身のリーダー作品である『生と死の幻想』(1974年録音75年発売)で知りました。あとになって『フォレスト・フラワー』をふくむチャールズ・ロイド・カルテットを何枚か聴いて、な〜んだ!と思ったわけですけど、第一印象がなかなかぬぐえず、だからいまでもぼくにとってのロイド・カルテットは、むしろキースのコンボみたいな聴きかたをしているわけなんですね。ふたつの「フォレスト・フラワー」はひとつづきっていうか組曲みたいなもんですけど、むやみに高揚しますよね。もりあがりかたがすごいです。その様子は、ぼくから言わせたらアメリカ黒人教会におけるゴスペル・ミュージックのそれによく似ているなと思うわけなんです。そのもりあげ役をひとえに担っているのがキース・ジャレットの弾くこのアーシーなゴスペル・タッチのピアノじゃないでしょうか。ふたつのどちらも、リズムはゴスペルとかファンク・ミュージックのそれではなく、もっとふわっと軽いボサ・ノーヴァ・タッチですよね。それプラス、ロックのリズムが加味されているなといった程度でしょうか。リズムを主に表現しているジャック・ディジョネットのドラミングに乗って(ロイドの伴奏でも)キースが弾くシングル・ノートやブロック・コードには気高い荘厳さすらあって、それこそがぼくは『フォレスト・フラワー』最大のチャームだと思っているわけなんですね。チャールズ・ロイド自身はやっぱり1960年代後半のアメリカン・カルチャーが産んだ人物なのかもしれないですけど、そのロイドの69年ごろまでの音楽の魅力は、キース・ジャレットとジャック・ディジョネットが大半を占めていたとぼくは考えています。ふたつの「フォレスト・フラワー」みたいなこういった曲づくりができたロイドの才能は大きいのですけれども。いやあ、ほんと、カッコイイというか最高です、このころのチャールズ・ロイド・カルテットで弾くキース・ジャレットは。マイルズ・デイヴィスも、1968年11月にジャック・ディジョネットを、70年5月にキース・ジャレットを、それぞれ自身のバンドに迎えたわけですからねえ。ファンキーに弾くキースのことはもっと早くにほしかったのかもと思いますし。(-R)がなければ自分でつくればいいぼくはそうしているんですけどね。他人製じゃなくてもいいじゃないですか。焼くのはカンタンだし、ジャケットだってその画像を落とせば印刷できるでしょ。ぼくは現在プリンターを自宅に持っていないので職場でやるか、仕事用のプリンターではためらわれるなという気分のときは写真館にデータを持っていきます。ショップで売っている商品ジャケットとなんら違いはありません。買うというのは、絶滅しつつある習慣ですよ。販売・購入という習慣も簡単には消えてしまったりしないとは思います。「入れもの」としての意味を失ったいま、レコードで聴くかデータ配信かという二者択一になりつつあるのは、間違いないですね。ないっていう音楽作品は、レコードやネット配信があります。つくらないわけですからね。レコードもないというばあいでもネットでのストリーミングやダウンロードは間違いなくありますよね。焼けば、それでいいのではないでしょうか。ないないと言って聴かなかったりとりあげたりもしないよりかは、音楽好きとしてずっと健康な態度だとぼくは思います。ないので、自分でつくりました。)として持って楽しんでいる作品は結構あるんですよね。