当時、CASIOPEAの最新アルバムだった「EUPHONY」にあわせての特集で、リットーの雑誌なので理論的に踏み込んだインタビューが載っています。それによると、「m7(b13)」がバンドサウンドにとって重要なファクターになっている、とのこと。これは半音下降のような進行でdimの代わりに使っても、かなり上品で良い響きになる、と。(しかし、当時読んでチンプンカンプンだったけど、まさか自分が理解できるようになるとは思わなかったw)他にも当時のCASIOPEAライブでのキーボード構成とか、巻頭にカラー特集で。いうものは秘蔵して誰にも見せません(笑)。なんでも価値ある情報をシェアすると思ったら大間違いだよ。秘匿してライバルに差をつけろ!違うか。他の記事で、当時新進女性シンガーソングライターだった方のインタビューもあって、のけぞりました。LAレコーディングの6枚目新作アルバムの話。カラー写真、今と変ってないなー、驚異。32年経ってるのに、本当は絶対おかしいでしょ?(しかしこのインタビュアーは、今読むと少し悪意がある気がする。ピアノは何曲弾いたの、とか、アレンジはどうしたの、とかやや詰問調。若手苛めって気もしないでもない。アーティストさんも大変だ。いいっすよねー)もう永久保存版ですね、ダンボール箱にしまい込んでいたので状態も良いです(外気に触れず酸化しない)。他にも清水信之さんや久石譲さんの連載とか、デヴィッド・ペイチとか。いやー、しかしびっくりしましたわ(w)。(追記:まさかここを読んでいる人で向谷実さんを知らない人がいるとは思えないけど、日本を代表するミュージシャンの一人でっせ。昭和.サイト開設2周年なんとまあ、今月でサイト開設2周年なのでした。この2年怒涛のごとく色々なことがありました。日々気付いてなくてもこうして区切りがあるとわかるもんですね。間違いなく人生でもっとも濃密でクリエイティブな時間を過ごしています。面白い状況になってきたので、それがどう発展するのか、それとも何も発展しないのか(w)、それはわかりませんが、とにかく来年も音楽的に面白い方向に全振りしていこうと思います。制作周りでの最近の変化、プラグインや音源を買うとき、値段や品質もそうだけど、どれくらいインストールが面倒か、それをまず考えるようになった(笑)。ぶっちゃけダウンロードしてアカウントとってアクティベートして、ってのに時間が掛かって仕方がない。その時間に曲書けるじゃん?って思ってしまう。単品とかより、バンドル物のほうが便利だったりするんだよなあ、手間は同じなので。(しかもバンドルは品質や操作性が揃っていて扱いやすい。バラバラの製品だと当然バラバラ)といっても、楽器音源なんかそれなりの値段なので、最初は単品からだよなあ、と思うし。結局ある程度の品質のものがあれば、現代の制作に間に合うはずなんです。音源もプラグインも充分プロユースに耐えるものが安価に入手できる時代なので。変なの買うと邪魔になるだけだしね、仮想音源といってもディスク上の領域は食うし。試している時間も無駄。新規購入に慎重になったなあ。余談ながらMy体重、おじさんのは誰も興味ないでしょうが(w)、二十歳代のベスト体重をここ何年か維持。お陰様で身体の調子は比較的良い。油断するとすぐ+800gとかになってショックなのであった。ウォーキングと柔軟体操と腕立て腹筋を欠かさない日々。この歳になって体力落ちたなあとしみじみ思う。人生の折り返しはとっくに過ぎているわけですよ。余分なことをしている時間はない。いうことで来年も皆様よろしくお願いいたします。音源.産みの苦しみ?以前長編小説を書いていて思ったことは(さすがに小説はモノになりませんでしたがw)、完成が近づくにつれて書くのが難しくなる。それは、それまで書いてきた内容が重くのしかってくるわけで、それに矛盾しないよう最も似つかわしいラストが必要になってくるからでしょう。極端な話、最後まで書き終わったあとの推敲や直しも非常に難しい。全体を見て適当でないところを修正するということなので。何が適切なのかということは、自分で判断するしかない。(あるいは編集者がやるか)こういうのは、ソングライティングも同じかもしれませんね。全体をみて......というのは、アーティストさんのカラーや目指す方向まで分かってないといけないから、最終的にはプロデュース作業ということにも繋がる。プロデュースが難しいのは、そんな理由でしょうか。デキる方はセルフプロデュースになるわけです(今の時代は、だんだんそうなってきてますね、録音も宅録だったり)。いや自分は、Aメロ~Bメロ~サビまでワンコーラス分全部作ってから、イントロを作り始めることが多いです。「こういう曲があるので、イントロはどうするか」という逆算で作れるからですね。これも全体を見られるからやりやすい訳で。イントロ最初に思い付いたらそのまま作るけどw曲作りって、それこそ和音の構成音みたいな細かいところから、曲全体といった大きなところまで、つまりミクロからマクロまで、常に行ったりきたりしながら考えないといけないので、独特の意識や思考法が養われますね。これは実際に音楽を作り始める前まではわからないことでした。そりゃクラシックみたいな交響楽の作曲が難しいわけですよ、細かいところと大きなところの落差が非常に激しいから。前衛音楽でない限り、クラオケの常道的な語法もあるそうですね。某SGゴースト騒動のとき、音大の教授の方が、助手が代作する部分も多いですよ、ってバラしてました(w)。今はDAWでオーケストラでさえ鳴らせる時代だから、ハードルは下がっているといえますね。昔の作曲家は本当に異常な特殊能力者だったと思います、確かにオケがいつも傍にいる等、環境は整っていたとはいえ。今の制作環境見せたら、怒るだろうなあ便利すぎて(笑)。年末だからという訳でもないですが、改めて自分の目標を確認しておきたい、それは「(今よりも)より良い音楽を作ること・作れるようになること」。仕事とかなにかはそれに付随して、もし付いてくるなら、くるんでしょう。良い音楽とは何か、ということは、長年それこそ良い音楽ばかり聞き続けた結果、この歳になってようやく判りました。昔の人がいった「門前の小僧、習わぬ経を読む」というのは本当でした。あとは、それを目指して際限なく曲を作り続けてゆく。面白いことに、「究極の一曲」というやつは、たぶん音楽(制作)の世界にはないようなんですね。最高の一曲が出来た、と思った瞬間、それを超えるものが書きたくなる、曲想が浮かぶ。作曲には「終わり」というものがないようです。これが、文学書き物の世界だと、その書き手にとっての究極の作品というやつは、たぶんある。やりきった、これ以上はない、というところは、存在するかしないかと問われれば、やはりある。世の中には筆を折ってしまう作家もいるんでしょう(無論そうでない人もたくさんいるが)。この違いがどこから出てくるのかは、自分にはまだわかりません。「究極の目標」が更にそれを踏みこえていくこと、なんだから、矛盾してはいるんだけど、究極がない世界なので「常に進化していくこと」が目標にならざるをえない。曲単位では終わりがあるのに、音楽そのものは違う、むしろ無限に連なっているらしきもので、そこは面白いところです。音楽には「何か」がある、宇宙とか世界の根本原理に触れるような要素が内包されている、というとちょっとスピリチュアルでコワいけど(w)、たぶんそう。自分が思うのはどうやら「時間(とエントロピー)」、これが最大の要素。あと1オクターブの12音と、時間の12・24という単位の一致は偶然か?......などと考えると眠れなくなりそうですが(w)。時間のことをいえば、何度もいうが自分もいい歳なので(笑)、音楽の究極に近づくためには、余分なことをやっている時間はないのです。今後も分相応に、チマチマやっていきますわ。そりゃ自分ごときは、業界の諸先輩方のお仕事を拝見して勉強させて頂くのが第一で、それ以上を望むなんてカンチガイは致しませんので。してもまあ、風の噂で、なんか自分は業界で独自の位置(地位?w)を確立しつつあるとかなんとか、かつてないユニークなポジションになるのではないか?どうなのか。ねえ、どうなんすかこれ。これはまあ、あくまで風の噂ですから......。人生わからんもんすなー、今後どうなっていくかは、どころか来年どうなっているかもはっきりしない。曲を作り続けていることだけは事実でしょうね。作曲.深夜にテレビを見ていたらETVで坂本龍一さんが出ていらして、たぶん音楽制作周りのドキュメントだったと思うけど、自宅スタジオらしき場所での不思議な光景。坂本さんがシンバルを2枚持ちながら、雰囲気のある家屋の廊下をやってきて、階段を下りて地下のスタジオに入っていく。スタジオ内で、スタンドに乗せたシンバルの端に、バイオリンの弓を当てて「弾いて」鳴らす。実に不思議な音でした。鳴ったシンバルを指で触ってミュートしたり。あと大き目のグラスにマレットをこするように当ててその音を探ってみたり。譜面を書くときはスタインウェイのピアノの前なんですね。DAWでなく鉛筆で五線譜に。いってスタジオ内にコンピュータもありますが。シンセも、あれはプロフェット6かなあ?電源入っていたので、すぐ音が出せる状態。このスタジオもほぼメジャーレーベルのスタジオのような設備。スタッフは雇われていると思いますが、これを運用・運営していくのはかなりの労力が(そして資金も)かかるだろうなあと、いらぬ心配を(w)。あ、あとエレキギター(ストラトかジャズマスターだったか)を、探るように弾いていたり。坂本龍一さんといえども、こうやって着想やら曲想を練る時間には、様々なことを試されるのだなあと、ほんの数分見ただけの印象ですが。時間がなくてそこしか見られなかった、しかも音を絞っていて台詞の部分をあんまり聞けてない。再放送があったら見てみよう、と思って調べたら、これなんとドキュメンタリー映画だったのですね。「CODA」というタイトルでした。(前半憶測で色々書いてしまったが大丈夫かなあw)音楽制作は究極的には孤独な作業なのだなあ、と断片的な映像だけを見ていてもわかる構成でした。今の時代、だんだんそうなってきた、ともいえるかとは思いますが。結局昔の作曲家もピアノに向かって一人で作業していたわけです。最終的には、突き詰めたところからしか、曲は湧いてこないのではないでしょうか。フレーズの断片が浮かぶときも、たぶん間違いなく独りでいる時。面白いですね、これほどまでにたくさんの人々と長い人生で関わられてきた大作曲家・プロデューサーなのに、制作のほんとの現場では孤独に音楽に立ち向う。様々なことを考えさせられました。作曲.音感について作曲家と称しているからは当然かと思いますが、ボカロ曲を書いていた時代よりは、確実に準絶対音感的なものがついてきてる。しょうもない自慢っぽいけど、聞いて下さい(笑)。先日、日本が誇るインストのフュージョンバンド、カシオペアの名曲「ギャラクティック・ファンク」を、ふと思い返してたんですよ。長年活動しているバンドなので、幾つかバージョンがありますが、1982年にリーリトナー・バンドとがっぷり四つに組んでセッションしたアルバム「4X4」に収められていたやつ(どうでもいいが煩雑に80年代話が出てくるブログだなw)。ソロ回し、いわゆるバトルというやつがあるんですが、あのバックのコード(進行)。あれってずっとディグリーの「I」っぽいな、と思って。Selection」という伝家の宝刀を参照するわけです(自分なんかからすると、まさに神様レベルの音楽家)。......これがね、ずばり合ってたんですわ。ワイもなかなかやるな、と(笑)、まあ自画自賛ですよ。テンションまではわからなかった、「D/E」だそうですね(オンコード表記でなく、アッパーストラクチャー・トライアド=2段重ねのコード表記)。普通の書法だと「E7(9,11)」ですか。まあ長年聞いていた曲なので(今でも聞いている)、わかりやすかった、ってのはある。(しかもこの曲、実はレコードには公式バンドスコアが付いていた。何を見ていたんだろう......当時は一杯#がついていて難しいなあとしか)コードのテイストやフレーバーで、これはメジャーセブンスとかディミニッシュとかオーギュメントだな、ってのはもう直感的にわかる。曲をずっと書いているとこういう感覚がついてくるんだな、と判りました。これはテンションについてもいえて、9/11/13あたりはかなり判る。オルタードテンションになるとちと難しいが。複数ってのも無理かなあ、これはもう聴音の技能になってくるかもしれませんが。基本的なところで、V7-IVなんて進むと、どうも落ち着かなかったり(音楽の流れがぶちっと切れた感じがする)、V7sus4-IVならアリだけど。いうコード進行感も結構前についた。あと禁止系テンションもダメね、結局アレンジの時、音が当たって気持ち悪くて直す羽目になる。音楽理論というのは本当によく出来ているんだな、と。こんなことを自慢気に書いているようじゃ、まだまだですか(w)。作曲.デモ曲追加・アジアンエスノロックここでまたもデモ曲追加です。「六弦ワンダネス」http://gen-oh.session.jp/wp-content/uploads/2019/11/sixst.mp3予告してた、アジアの民族楽器をアレンジに取り入れた曲。地域はバラバラなのでちょっと闇鍋っぽいですが。今気づいたが無国籍料理っぽいな、これ。トルコのバグパイプだけは手持ちがなかったのでスコットランドから借りました(笑)。(バグパイプ類も世界に分布してるんですね、東欧にもあったと思う)今回はsantamayukoさんに歌って頂きました。お洒落ロックな感じの仕上り。例によってミックスの苦労。民族楽器の定位が決まらない(w)。ギターやピアノなら定石はあるが、民族楽器はサンプルなし、みんなセンターじゃ破綻するしねえ。2mixでいい感じの音圧とダイナミクス変化(サビへの盛り上がり)が出たので、マスタリングはほぼそのまま、やっぱこれが理想。