あなたも、あたしのこと、だれにも話さないって。永久に、話さないって。」(松野正子訳)こういう風にはじまる物語を、原作でもアニメでも、ほぼ本当に「二人」が出会ったかのように感じさせられる。アニメでもその出会いは不自然にならないように注意深く描かれている。「二人」は「現実」には出会っていないことがのちにわかる。この「二人」の出会いは杏奈一人の空想だったのかということになる。理解してしまえば、この長いお話が、杏奈の一人芝をというか、杏奈の幻想におつきあいをさせられていたということになる。原作を読み終わった後も、そんな感じが残る物語にはなっていなかった。そこがこの物語の不思議なところなのだ。読者や観客の中に、何が起こっていたのか。物語の展開で、はっきりとわかることは、両親を亡くした杏奈が、頼子(よりこ)おばさんに引き取らせ育てられていたのだが、打ち解け合えずにきていたというところである(養母なのに「おばさん」と杏奈は呼んでいる)。それはおばさんが、気を遣いすぎて、腫れ物に触るようにしていたとか、養育費を国から支給されていたことを隠していたとか(無理に隠していたわけではないのに)、杏奈にしては「口も聞きたくない」ようなことが続いていたからかもしれないが、思春期の少女にしては、実の親とでも「口も聞きたくない」ことが起こるのだから、それを特別視することはできないだろう。養育してくれているおばさんに「問題」があって、杏奈と打ち解け合えずにいたというふうに考えることは出ないし、アニメでもその辺のデリケートな関係はうまく描いていたと思う。心配性のおばさんと、その気持ちが伝わらずにいる杏奈という、周りから見るとちょっとじれったい関係。それが長引き、硬直状態になってきていたので、杏奈は北海道のセツおばさんの家に旅をすることになる。そのおじさん(清正)、おばさん(セツ)は、養母の頼子おばさんより、屈託のないというか、ざっくばらんな感じの夫婦だったので、変に気を遣い必要がなくて、それはそれで杏奈にとってはありがたいことではあったのであるが、でもだからといって、打ち解け合えるかというと、それはそうではなかったのである。杏奈には何が欠けていたのか。自分の思いを語れる相手がいないというところなのである。自分を悪く思う気持ちが強いので(それは「私は私が嫌いだ」という台詞によく表されている」)、自分で自分と話をするところまで進めないのである。そんな杏奈が、村はずれの誰も住んでいそうにない「湿っち屋敷」に、誰かのいるのを見てしまったのである。「窓」とは何かーもう一つの『アンネの日記』ーこの「湿っち屋敷」から見えたものは誰か。それはもう一人の自分であった。それはただの空想の自分というのではなく、いままで誰とも「話」をしないできていた自分が、やっと「話し相手」としての自分を見つけたということなのである。ここが大事なところである。杏奈は誰かと話をしないではすまないところにきていたのである。そんな杏奈が「話し相手」を「窓」に見つけたのである。向こうも「窓」から杏奈を見ていたのである。杏奈と話するものがそこにいなければならなかったのだ。私は、杏奈が「窓」に見た少女との出会いは、ある意味での『アンネの日記』の杏奈が、「13歳」の誕生日にもらった日記のようなものだと感じた。この日記をもらったことで、アンネは初めて自分の胸の内を「誰かに語る」という体験を持つことになるのである。ここが大事なところである。「自分を語る」というということを通して、ひとは自分に形を与えてゆくことになるからである。アンネはここで「日記」を話し相手にするために「キティ」という名前を「日記」につける。名前の付いた「キティ」に向けて誰にも言えなかったことを語り始めるのである。その「会話」は、二人の「秘密」であった。それと似たようなことが、杏奈にも起こっていた。彼女は「窓」にいる少女が「マーニー」と呼ばれることを知る。お互いの話したことを「秘密」にするように約束する。アンネとキティの関係のように。して、二人の関係は深まってゆく。作品の中で、読者でも、観客でも同じように感じたのではないかと思われる不思議な場面があった。それは、杏奈が自分の今いるおばさんの家のことなどを話しようとすると、あいまいな感じになって記憶がはっきりしなくなるところである。杏奈は何でそんな風になるのだろうときっと思われたのではあるまいか。杏奈は「語る」ことを通して自分の「姿」を見つめようとしているのだが、自分がはっきりしないときに、自分を引き受けてくれているおばさんたちの「姿」もはっきりしないのである。「ノート」が発見される『思い出のマーニー』と『アンネの日記』を私は偶然に結びつけているように見えるかもしれないが、そうではない。私が原作を読んでいた時も、ものすごく驚いたのは、確かに「湿っち屋敷」の改装の過程で「マーニーおばさんのノート」が発見される下りだった。このノートを通して杏奈は、自分が話していた相手が、実在したアーニーであったことを知るのである。した「隠されていたノート」ということを考えると、隠れ家を発見されて、ゲシュタポに着の身着のままで連行された後、隠れ家の床に散らばっていたノートを拾い集めて保管してくれたミープ・ヒースさんのことを思い出す。彼女がこのノート(「アンネの日記)を隠して保管してくれたことで、私たちは今日アンネのことを知ることになったからである。それはたまたまアンネがそういう境遇で、特別で例外な出来事であったからですよと言われるかもしれないが、しかし、そうではない。いうのも、この「隠されたノートの発見」というのは、すでにアンネが父から日記を買ってもらったときに、この日記に「キティ」という名前をつけ、そのキティの存在を家族から隠し秘密にしていたからである。思春期が「大人」から「秘密」にすることで手に入れてゆくものがあるのだ。アンネは、たまたまナチスから隠れて過ごすことになり、そこでつけられていたノートを、発見者が隠して秘密にせざるを得なかった経過をたどることになったのだが、「思春期の秘密」と「ナチスへの秘密」が重なっていることは、「秘密のノート」というもの運命を考えるときには、偶然とみなしてはいけないところがように私には思われる。杏奈はマーニーのノートを発見し、その後の歴史はアンネの日記を発見した。いわれるかもしれないが、でもこの『アンネの日記』を13歳の時によんだ作家・小川洋子の回想録『アンネ・フランクの記憶』を読むと、この日記に出会うことで、自分も「語る」ことができることを知ったことが書かれている。アンネが日記をキティと呼んで話しかけた記録を読んだ日本の少女が、自分もまた「語る」ことで自分に形を与えるすべを学んだわけである。小川洋子もアンネの日記から、語りかける相手を見つけることと、その相手に語りかけることの必要性を学んだわけである。いう仕組みのことが『思い出のマーニー』にも描かれていたのではないだろうか。杏奈は、自分が話をすべき相手を秘密のうちに見つけた。この「秘密」のうちにということがとても大事である。アンネの日記はナチスからの「秘密」の問題と絡んでいるので、ややこしくはなっているけれど、アンネがキティとのことを「秘密」にしないと始まらなかったことは、思春期を生きる若者たちには共通していたはずである。杏奈とも、という意味においてである。「ノート」が発見された。これはでも物語としてはうまくできすぎではないかと思われるかもしれない。いう感じがしないわけでもない。確かに杏奈がマーニーのノートの存在を知らなければ、物語全体がただの空想の話として受け止められて終わってしまう可能性が大きいだろうからだ。いうことにならないことは、アンネにとってのキティが、空想の産物ではあっても、そのやりとりがただの空想の遊びに終わらなかったことは、いまさんざん見てきた通りだからである。思春期には、どうしても「空想の相手」と話をしなければならない時期が誰にでもあったからである。普段話せる相手が居たとしても、それでもどこかに「もう一人の自分」と話をしなければならない時があったのだ。杏奈がノートを見つけなくても、マーニーとの出会いを、ただの空想遊びにしないで終わらせることは作家にはできたと思われる。作家はあえて杏奈がノートを見つける経過を描いたのである。「歴史を知る」ということと、「自分を知る」こと過去のノートを発見するとはどういうことか。杏奈がマーニーのノートを読んだり、小川洋子がアンネの日記を読んだりすることはどういうことか、という問いである。それはおそらく、自分以外の「人の人生」を追体験するという事であるように思われる。大きく言えば「歴史」を知るということになるだろうか。「人の人生」を追体験することで、人はそこに自分の姿を重ね合わせたり出来るようになり、それまではっきりしなかった自分の姿に少しずつ形を与えてゆくことができるようになるのである。自分だけが不幸だと思っていたのに、他の人も同じように悩んでいたのかということにも気がつくことになる。『思い出のマーニー』は、そういう意味で、人は内面で「もう一人の自分」と対話することが始まると同時に、その対話の相手を「人の人生」の物語の中に求めることが出てくることを示唆している。杏奈はそういう意味でマーニーのノートに出会っていたのである。それはマーニーのノートではなくて、「アンネの日記」でも良かったのかも知れない。「キュリー夫人の伝記」でもよかったのかもしれない。「人の人生」を垣間見る時間を持つこと、それは物語や歴史を体験することなのであるが、そうすることで、自分の嫌なところばかりを見て、硬く口や心を閉ざしていた杏奈が、心を開くようになってゆくのである。『思い出のマーニー』は、だから二段構えになっていたのである。「対話をする相手」を「湿っち屋敷」の「窓」に見つけたということと、さらにその「対話の相手」の「歴史」をノートを通してを知るという二段構えである。私たちは誰でも、物事を深く知るには、その物事について誰かと話をするということと、さらにその物事の成立してきた歴史を学ぶということと、この二つが必要なのではないかという事である。この映画『思い出のマーニー』が発表されたとき、『アナと雪の女王』と重なっていて、ジブリ発行の冊子「熱風」では、この二つの作品を比較して、「ガール・ミート・ガール」という点で似ているなど言う宣伝をしていた。二つの映画は、ともに少女と少女、女性と女性が出会う話として同じではないかというのである。表面的な理解だと思ったものである。ちなみいえば、映画では「湿っ地屋敷」に新しく移り住んできて、マーニーのノートを見つけてくれる「彩香」というめがねをかけた少女が出てくるが、その少女は原作でも出てくる重要な存在である。映画では、このノートを見つけたことを「二人の秘密にしようね」と約束し合う。ここにも、少女と少女との出会いがあるではないか、といわれるかも知れない。男の子同士ではそんな約束はしないぞと。「ガール・ミート・ガール」特有の出会いがあるのだと。私は、杏奈とマーニーとの出会いは、ただの「出会い」ではなく、くり返して言えば「歴史に出会う旅」であり、その「旅」が今度は杏奈と彩香の間でも引き継がれたということがここで描かれていたのだと私は思っている。そのことは原作では強く感じることが出来るのだが、アニメになった時の彩香は、「歴史を探す旅」をするには小さく描かれすぎていると感じたことをここで書いておく。映像を見ないで、原作を読んでいた人たちには、二人(アンナとジェインー原作の中でノートを見つける少女ー)は、もっと近いと感じていたはずである。事実原作では「長い茶色の髪の女の子は、アンナより少し年下のようにみえました」と描写されていたからだ。「湿地帯」という舞台ところで「窓」と共に、「湿地帯」も物語に欠かせない舞台になっている。この「湿地帯」の設定には何か意味があったのだろうか。「湿地帯」というのは、「陸」と「海」の境界線で、一つ間違えば、というか、うかうかすると、「戻る道」を見失ってしまうところである。歩いて渡れない時はボートを使う。この「ボート」も物語にとっては重要な役目を果たしている。いうのも、二人の大事な会話は、この「ボート」の上でなされているからである。物語にとって「ボート」とは何なのか。実は「ボート」も「湿地帯」も似ているのである。共に「海」でも「陸」でもない不確実な場所で、不確実な二人が、不確実な会話をして、少しずつ近づいてゆくのである。この揺れ動く境界線の上で、不確実な二人が、より確実な語りを求めて出会い続けようとする場所が、「湿地帯」であり「ボート」だったのである。した不確実な場所での出会いの後、杏奈はいつも変なところで寝ていて起こされる。これも重要なシーンである。似たような場面に、『となりのトトロ』のメイが、家の敷地の藪の中で寝ているシーンがあったり、『銀河鉄道の夜』で、最後草むらでジョバンニが目を覚ますシーンがあったりしたが、幻想のような世界から「目覚め」を描くことはとても難しいものが。今回のこのアニメのように、若い娘が、夕方の道ばたで寝ているところを発見されるという場面は、見ていて異様に見えたことは確かである。原作でもそういう情景は描かれるが、映像としてみるわけではないので、その危険な状況はさほど気にならないが、アニメ化されると、危ないところで寝ていて、ほんとどうかしているんじゃないと、若い女子学生たちは感じたと思う。その無防備で危険な状態が、どうしても気になったことは確かである。その辺の演出にはもっと工夫があってもよかったのではないかと思う。「私を見つけて!」ー「内側の人、外側の人」の問題へくり返して言うように、『思い出のマーニー』は、原作もアニメも、まれにしかいないラッキーな女の子を描いているわけではなかった。マーニーはくり返し「私を見つけて!」と物語の中で言っている。結果として、かつては「お金持ち」であったおばあちゃんに杏奈が出会うことになのであるが、でも物語は「主人公は、とうとうお金持ちだったおばあちゃんに出会いました」というような話には決してなってはいないのである。いうのも、杏奈がそのマーニーを「見つけよう」と「努力」しなければ、見つけられなかったはずだからである。作品の中ではくり返しマーニーは「私を見つけて!」という。そこが一番のポイントになっているはずである。「マーニーを見つける」とはどういうことなのか。それは杏奈が自分を見つける努力をすることそのもののことであった。マーニーのいう「私を見つけて!」というのは、杏奈が自分に向かい合い始めた時に、自分に声かけた言葉だったと私は思う。作品には、「内側の人、外側の人」という言い回しが出てくる。普通に考えると、両親がいて家族のあるひとは「内側」を生きていて、家族のない人は「外側」にいる人という理解であろう。杏奈はだから自分を、両親も家族も持たない永遠に「外側にいる人」として意識してきていたのだが、マーニーと出会い、話を交わすなかで、マーニーにはお金持ちの両親が居るけれど、その両親はいつも不在で、自分の近くに居るのはいつも意地悪ばかりするお手伝いの女性だと言うことが分かり、マーニーも「外側を生きている人」なんだと言うことが分かってくる。両親がいて家族があるから「内側の人」というわけではないことがわかってくる。いう認識の深まりが物語にとってのとても大事なところであって、そこを単純に「ガール・ミート・ガール」のように言ってしまってはいけないのだ。私たちは自分の暮らす国を、「外側」に感じるか「内側」に感じるか、「問題」になるときがある。自分が国の「内側」にいると感じる人は、おそらく「愛国心」をもつだろう。国を「外側」に感じる人は国に敵対心を持ち、国を転覆させようと考えるであろう。いう判断の基準は、その人が自分の国の歴史をどういうふうに学ぶのかによって左右されると私は思う。「過去」を知ることを通して、自分が「内側にいる」ことを学んでいくからである。『思い出のマーニー』で使われる「内側の人、外側の人」という言い回しが投げかける問題は、そういう意味では、決して私たち読者や観客と無縁なところで問題にされているとは私には思われないのである。米林宏昌監督は、『思い出のマーニー』の制作開始にあたって、参加するメンバーに「あいさつ」をしているシーンがテレビで流されたことがあった。その時監督は、「今までのジブリのような青い空に白い雲が浮かんでいるというような、そういう感じじゃない世界観で・・・」映画を作りたいと言っていた。ジブリの過去の作品を、そういう「青い空と白い雲が浮かんでいる」というような言葉で総括するのは根本的に間違っていると思うが、宮崎駿さんなら映画に出来なかったところを映画にしたところは高く評価されなくてはならないと思う。宮崎駿さんのやろうとしたことは、これまでの私の説明では「歩行と地球」を結びつける壮大な物語を構想するところにあった。いうアニメを見てきた人たちにとっては『思い出のマーニー』は、ものすごく物足りないと感じたはずだと私は思う。そこのところは、米林宏昌監督はよく理解しなければならないと思う。宮崎駿監督の映画と比較するだけで、『思い出のマーニー』を「悪く」いうのも、この作品の良さを見のがしてしまうことになるので絶対に良くないと思う。宮崎駿さんならなぜこの『思い出のマーニー』がアニメ化できなかったのかを考えてみたらよく分かることだ。宮崎さんの場合は「歩行と地球」があまりにも同時進行で描かれるので、話が極端な描写、極端な展開になってゆくのである。何かが不足しているのである。いう仕組みの物語化である。宮崎駿さんの取り組めなかった仕組み(「歩行ー歴史」)に踏み込んで映画化することが出来ていた。そこはこの映画のとても大きな成果になっているので、公平に評価されなくてはならない。その評価も、宮崎駿さんの問題意識とは切り離されてはならないのであって、たとえば杏奈がマーニーのノートから自分を再発見してゆく姿は、『千と千尋の神隠し』で「ハク」が千尋の「記憶」を手がかりに自分の過去を際発見してゆく姿と決して別のことではなかったからである。宮崎駿さんは、しかしハク」の過去や、「ハウル」の過去を、「物語」としてしかたどれなかったのに、米林宏昌さんは、「歴史をたどる」過程として描こうとしたことは新しい試みだったのである。それはこんど米林宏昌監督がジブリノ過去を「青い空と白い雲が浮かんでいる」というような言葉ではなく、ちゃんと「歴史の中のジブリ」を再発見してゆく作業と連動しているはずだと私は感じている。「歩く」主人公アニメ『ゲド戦記』2006では、主人公はひたすら歩いています。アニメを見た人は、そのことにまず気がつくと思います。いわゆる「戦記もの」のアニメなら、物語がはじまると、主人公たちはすぐに「飛んでしまう」場面に出くわすのですが、このアニメ『ゲド戦記』には、それがありません。主人公たちは、馬の手綱をひきながら、ひらすら砂丘や海辺や荒れ野を歩き、また町の中を歩いてゆきます。いう「作風」をどう見るのかによって、この作品の評価も違ったものになってきます。「戦記」という言葉に魅せられ、このアニメ『ゲド戦記』には「戦い」のシーンがいっぱい見られるのだと思って映画館に行かれた方は、そんなに「いっぱい戦い」が描かれていないのを見て「不満」を感じるかも知れません。主人公はひたすら「歩いている」だけなのですから。この「歩く人」を描くというアニメは、父・宮崎駿さんにはなかったところです。宮崎駿さんのアニメでは、基本的には主人公は「飛ぶ人」であり、描かれるのは「飛ぶアニメ」だからです。宮崎駿さんのアニメには、常に上から物事を見ようとしてるところがあります。「飛ぶ人の目線」から世界を見ているところがあります。いう意味では、宮崎駿さんが吾朗さんに贈ったといわれる「一枚のゲドの戦記のポスター」は、とても宮崎駿さんらしい挿絵だったと思われます。それは上からポートタウンの街を見おろしている挿絵だったからです。した父・駿さんと違って、新監督・吾朗さんのアニメは、決して上から見ようとしないものとしてできあがっていました。「歩く人の目線」から見る世界を大事に描こうとしていました。アニメ『ゲド戦記』では、「風景」はとても大事なものになっています。「風景」は、単なる「背景」ではなく、主人公が立ち止まって見つめたり、座り込んで見つめたりしているもので、まさに「暮らし」の中で出会える大事なひとときとして描かれています。ところが宮崎駿さんのアニメでは、「風景」は、常に「背景」にあったと思います。「飛ぶ主人公」にとっては「風景」は立ち止まって見つめるものではなく、飛ぶ人の背後へと消えてゆくものでした。描かれれるべきものは主人公たちであり、風景は、その主人公のつねに背後にあるものでした。ところが吾朗さんのアニメでは、風景は、主人公の背後にあるものではなく、主人公の前に広がっているものとして描かれていました。その違いは、主人公の設定の仕方の違いからきていると私には思われます。アニメのはじめの方に、壊れた石橋を少しだけ飛ぶシーンがあります。ほんの少しだけ飛びます。あのシーンを描くことで、吾朗さんは、私の主人公は簡単には飛ばないぞ、という意思表示をしているかのように思われます。(もちろん最後には主人公は「飛ぶ」のですが、それは最後の最後にとっておきの出来事として残されていたものでした。「二人で歩く」というテーマアニメ『ゲド戦記』を見て、もう一つ気がつくことがあります。それは、この「歩く人」が、「二人連れ」だということです。何でもないようなことですが、それはこのアニメにとっての大事な「事実」です。「一人」で歩くのではなく「二人で」ひたすら歩くということ、これは決してどうでもいいことではないのです。そもそもこの物語は「ゲド戦記」と題されているのですから、映画館に行った人は、まずは「ゲド」が主人公だと思っています。映画が始まるのは、父を刺して逃げる少年「アレン」の姿であり、その少年が「アシタカ」と名乗る男に出会い、共に旅をする姿を見ることになります。物語の展開では、「アレン」が引き起こす出来事が多く描かれてゆきます。要所要所で「ゲド」が登場し、「アレン」を助けます。いう作品の流れを見ていると、いつしかこの物語が「アレン」の物語であるかのように見えてきます。いう観客の反応は、でも間違っているわけではありません。アニメ『ゲド戦記』は、主人公が「一人」ではなかったからです。「ゲド」が主人公のように見えて、でも「アレン」も主人公のように見える。「アレン」が主人公かと決めてしまうと、それはそうではないと感じる。これは「へんな感覚」です。「ゲド戦記」なのに「ゲドの戦記」ではなく「アレン戦記」のように見え、「アレン戦記」かと言えば、最後には「テルー」という娘さんが決定的な役割を果たしたります。最後の「テルー」の活躍ぶりを見ると、これは「テルー戦記」かと思う人もいるかも知れません。あれっと思う人が出てくるかも知れません。「ゲド」はいったいどうしたんだと。「ゲド戦記」らしく、最後の最後は、「ゲド」が勇者になるのではなかったかのかと。アニメ『ゲド戦記』はそんなふうにはなっていませんし、そんなふうには終わってはいないのです。なっているのかは、後で見る「原作・ゲド戦記」の思想に大きく関係しているのですが、原作のことを考えなくても、そもそもアニメの最初の設定で、「ゲド」と「アレン」が、延々と「二人」で歩いてゆく場面を描くことで、実は監督・吾朗さんは、そういうシーンにこのアニメのテーマをさりげなく提示しているところがあったのです。それは繰り返していいますが「二人で」というテーマです。この「二人で」というテーマは、「ゲド」と「アレン」の「二人」というだけではありません。アニメを見られた人はよくわかると思うのですが、「ゲド」と「アレン」の「二人」ではじまった物語は、いつしか「アレン」と「テルー」の「二人」の話を描いていることに気がつきます。しているうちに、「テルー」と「テナー」の「二人」の話になっていることにも気がつきます。「ゲド」と「テナー」の「二人」の話も決定的に重要な鍵をにぎっていることにも気がついてゆきます。いうふうに見てゆくと、このアニメ『ゲド戦記』には、さまざまな「二人」の情景がが描かれていることに気がつきます。「二人で」と言ってしまうと、しばしば特定のカップルのことを思い浮かべるわけですが、そういうことではなく、この世界で生きるということは、「一人」で生きるということではなく、つねに「誰かと共に生きる」ことなのだ、ということへの監督の思いがこめられているのです。そのつねに「誰かと共に生きる」ことをここでは今簡単に「二人で」と言っているだけなの、それは「対話の構造」と言い換えてもいいものなのです。実はそのテーマは原作のテーマと深く関係していたのです。そもそも、この「二人で」というテーマは、実は「戦記もの」のアニメにはふさわしくないものなのです。「戦記もの」の物語では、主人公が「二人」というのは、迫力に欠けるところが出てきます。「戦い」が中心のアニメでは、やはり「めっぽう強い主人公」が「一人」いる方が「定番」であり、その方が「かっこいい」ものです。いうところから見ると、このアニメは「戦記もの」とくくってしまってはいけない面があります。「戦記もの」とは違った主人公のあり方が描かれているからです。そこのところは、しかと見つめてゆかないといけないところです。そこから見ると、このアニメ『ゲド戦記』には、絶対的に強いヒーローがいないことが、むしろ自然であることに気がつきます。実際の所、「ゲド」は「魔法使い」でありながら、目を見張るようなすごい「魔法」や「必殺技」を使うわけではありません。一緒に旅をする「アレン」も決して「強い」わけではなく、町の下っ端の兵士に簡単にやられたりしてしまいます。そんな「アレン」を「ゲド」がたくましく支えてあげるのかというと、それはそうでもないのです。確かに「アレン」の危機をなんども救ってくれるのは「ゲド」なんですが、そんなにかっこよく助けるわけではありません。大立ち回りをして「悪い奴ら」をやっつけてくれるわけではありません。最後には「ゲド」は「クモ」につかまってしまいます。最後の最後には、「ゲド」が「クモ」をやっつけるのかというと、それはそうではなく、「テルー」という娘さんが竜になってやっつけるように描かれているのですから、観客はどうなっているのかと思うことも出てきます。「ゲド戦記」というのだから、最後は「ゲド」が華々しい活躍をする「戦記」として終わるのではないかと思っていたのに、そんなふうには終わらないのです。「アレン」も最後の最後には「テルー」に助けられるわけですから、この作品には「一番強いもの」「一番強いヒーロー」がいないのではないか、ということになります。実際に、このアニメには「一番手」がいないのです。みんなが「二番手」のような感じなのです。「二番手の力」を描いている、とでもいえばいいでしょうか(それが「二人で・の力」ということになるのですが)。振り返ってみると、宮崎駿さんたちが作っていた、1970年代から1980年代までのアニメの多くは、米ソの冷戦構造を背景にもっていることもあり、主人公たちは互いに戦い、誰が一番強いものであるかを競い合うストーリーを持っていました。なんだかんだ言っても、主人公は常に一番強いのです。『あしたのジョー』や『北斗の拳』などは、一番強くなるために、さまざまなものを犠牲にして、常にその「一番」を確保するためにがんばっていました。米ソの冷戦構造と国内の高度成長が背景にある中では、人々はどうしても「一番になる主人公」に共感を示しやすくなり、そこに自分を重ねてみることは自然にできていただろうなと思われます。ある意味では、それは手塚治虫さん、高畑勲さん、宮崎駿さんら、アニメ界の巨匠たちが、ほとんど家庭を犠牲にして、アニメーターとして「一番の位置」を確保しようとしのぎを削っていたことと関係しているようにも思えます。いう意味でも、多くのアニメは、「一番になる主人公」を描かざるを得なかったように思われます。ところが見てきたようにアニメ『ゲド戦記』は、「一番の主人公」を描いているのではないのです。言ってみればあえて「二番手の主人公」を「主人公」にしているところが感じられます。監督の吾朗さんは、そういう「二番手の主人公」を意図的に主人公にすえることでアニメを作ろうとされていたと思います。実際、「アレン」という主人公も、「ゲド」という主人公も、「一番強い」わけではありませんでしたから。いう主人公の設定は、監督の吾朗さんが意図的に作りだしたものなのかというと、それはそうでもあり、そうでもない部分がありました。いうのも、そこには「原作」をどういうふうに読み取るのかということに、大きく関係するところがあったからです。原作を「戦記もの」として読み取れば、主人公は「一人」にした方がすっきりするわけですが、アニメ監督の吾朗さんはそういうふうには「原作」を読み取らなかったのです。監督は、多くの人が「戦記もの」として読み取ろうとしたのとは違った風に「原作」を読み取ったということなんです。実は、ここが大事なところなんですが、もともと原作には、そういうものを読み取らせるものがあり、むしろ「戦記もの」と読めば読み損ねてしまうものがあったということなんです。アニメ『ゲド戦記』を理解するには、そこのところをちゃんと見てゆかなくてはなりません。余談になりますが、ずいぶん以前に、柳田國男という民俗学者が「生みの親」と「育ての親」の区別について興味深い日本の風習のあることを紹介していました。昔は成人式を迎えると、それまでとは違った「新しい親子関係」を人工的に作ってゆく風習があったというのです。彼はそういう「新しい親」が、「仮親」とか「成り親」と呼ばれる習俗のあったことを、こんなふうに紹介していました。「現在の日本の考え方によると、オヤははっきりと二通りの種類に分けられる。その一つはむろん生みの親、また実の親ともいっているもので、残りはまだ一括した好い名はないが、通例は義理の親、(略)もっと簡単な別の称呼としてはカリオヤ(仮親)がある。『親方子方』(『柳田國男全集12』ちくま文庫)柳田國男はこの本のなかで、人は「生みの親」「育ての親」とは別に、成人式を迎える頃に新しい「第二の親」(「育ての親」を「第二の親」と呼べば、これは「第三の親」ということになるでしょうが)に出会う仕組みを作っていたというのです。要するに昔の親は、多くの人に「親」になってもらい子どもを育てようとしていたことがあったというのです。いう発想は現代でも生かしうる大事な発想なのではないかと私には思えます。いうのも、「子」を導く「オヤ」は、いつの時代にも「複数」いることが大事であって、そういう「複数のオヤ」がいなくなってきていることが、ある意味での現代の困った所なんだという気がします。いう目から見ると、アニメ『ゲド戦記』には、「二人目の親」に出会うというようなテーマが描かれていることに気がつきます。「アレン」は「ゲド」という「二人目の父」に、「テルー」は「テナー」という「二人目の母」に。それはおそらく「二人で」とか「誰かと共に生きる」というテーマと関係しているのですが、この辺もこのアニメ『ゲド戦記』を見るときの興味深いところです。「作品」には、視聴者をどこかへ「案内」してくれる人(仕組み)があります。殺人事件を扱う作品であれば、視聴者は最後には「犯人」のところへ「案内」されるわけで、そういう案内役に「探偵」がなったりします。いう意味では、作品の中で起こった事件や出来事が、なぜ起こったのか、それを「説明」する案内人(仕掛け)がちゃんとある作品では、視聴者は最後には「腑に落ちる」形で、「納得して」作品を見終えるということになります。『名探偵コナン』などは、そういう意味ではとても丁寧に「案内」が仕掛けられていて、見終わると、「よくわかった」というふうな満足感に包まれることになっています。「よくわからない」と感じる作品もあります。ピカソの絵などはよくわからない、と感じます。「わからない」から作品が駄目だということにはなりません。見る視点を与えてもらえば、がぜんその作品が「おもしろく」みえてくることはざらにあるからです。その場合の作品の「案内」は、作品の「外」にあるということになります。「批評」や「解説」の中にあったということになります。いい「批評」に出会うということはとても大事なことですし、きちんと「批評」されないと「作品」はちゃんと見えてこないことは多々あるのです。現実には歴史の中で「作品」と呼ばれてきたものは、すべてたくさんな「批評群」と共に歩んできたもので、「作品」が「一人」で歩んできたことはないのです。ここにも当然「二人で」というテーマが潜んでいます。それはともかくとして、この「批評」をここでは「案内」と呼んでおくことにします。別な例をとれば、英語やフランス語の映画や小説は、そのままでは「わからない」ものですが、翻訳されれば「わかる」ようになります。翻訳もまた「案内」の一つの形です。「作品」と「観客」は、いかにも直接に向かい合っているように見えて、実際にはふだんはあまり自覚はされないけれど、その間に「案内」が入っているものなのです。図式的に書けばこういうふうになるでしょうか。「作品」-(案内)-「観客」ですから、どんな「案内」に出会うのかによって、その作品が「おもしろく」なったり、つまらなく感じたりすることがしばしば出てきます。作品と観客の間には、目には見えないけれどいろんな「案内人」がいて、それが「観客」をあちらこちらと「誘導」したり「先導」したりしています。いう「案内人」に出会うかによって、うまく「作品」に出会えたり、出会えなかったりすることがでてきます。変な風に作品に「案内」されることもありますからね。いい「案内人」に出会わなかった作品は不幸だと言うことになるでしょうし、いい「案内人」に出会わなかった観客もまた不幸だと言うことになるでしょう。ここに興味深いエピソードが一つあります。能登路雅子『ディズニーランドといいう聖地』岩波新書の最初に書いてあるエピソードです。それは彼女が夫とはじめて「ディズニーランド」いったときのことでした。彼女の夫は、元オペラ歌手で、大衆文化を軽視、軽蔑しているところがあり、そういう人から見ると「ディズニーランド」は通俗的で軽薄で見るに堪えないものとして映るので、遊園地を回る間、見るもの聴くものすべてを彼はずっとけなし続けていたというのです。最後には「これらは全部ニセモノだ」と彼が言ったりしたので、彼女もとうとう「ディズニーランド」の面白さを感じないままに帰ってきてしまったというのです。ところが翌年ブラジルの若い夫妻と三人で再び「ディズニーランド」に行く機会があって、その時は、この若い夫婦が見るも聴くものすべてに感激して園内を回るので、同行している自分も知らぬ間に、人並みに「ディズニーランド」を楽しんでいたというエピソードです。「人生」にもある意味での「作品」みたいなところがあります。それを前にしてどんな「案内人」に出会うかによって「人生」の見方が大きく左右されることがでてくるからです。「人生」を小馬鹿にし、軽視する「案内人」に出会ったら、そんなふうにしか「人生」を感じなくなることも起こってきます。どんな「案内」に出会うのか、そこんところはけっこう大事なところなんだと私は思っています。『アースシー物語』への「案内」そのことを踏まえて『ゲド戦記』のことを少し考えてみたいと思います。「ゲド戦記」と呼ばれているシリーズの物語は、確かに「ゲド」の「戦い」という側面を持つ物語なのですが、原作では「ゲド戦記」と呼ばれているわけではありません。原作のシリーズ名は「アースシー物語」というもので、「アース(大地)」と「シー(海)」の物語とでもいうべきものでした。この物語が発表された当時(1968年)」、日本国内では大学紛争が激化しはじめていた頃でもあり、翻訳者の清水真砂子さんは、いろいろと考えられた末に、この物語を読者に手にとってもらうために「案内」として「ゲド戦記」というネーミングを考えられたと思います。時代はまさに「大学ー戦記」の時でしたから。事実、この「戦記」という言葉のイメージに導かれてこの物語を手にされた方が多かったのではないかと思われます。実際にも、この「ゲド戦記」というネーミングの「案内」はうまく「物語」に人々を導いてくれていたと思います。確かにこの「アースシーの物語」の1巻では「ゲド」の「戦い」が「見える」物語になっているので、「ゲド戦記」という命名はふさわしいと思います。2巻目からは、予想していたようには「ゲド」の「戦い」は中心になってゆきません。3巻では新たにまた「戦い」が激しく繰り広げられるのですが、「戦記」という言葉から想像されるのとはだいぶ違った「戦い」が展開されてゆきます。そんな3巻目が1972年にでて、それから18年たった1990年に第4巻が発売されたときは、さらに「ゲド戦記」というシリーズ名は似合わないような物語の展開になってきていました。この巻では「ゲド」はもうすっかり「戦う人」のようには描かれていなかったからです。実際には第4巻は、それまでの巻をしのぐ味わい深い物語が展開します。この巻を読まれた方はきっと深い感動を覚えると思います。いい作品を読んだなあときっと満足される事と思います。なると、一つの「問題」が生じてきます。「戦記もの」としてこのシリーズを読もうとしてきた人にとっては、第4巻はおや?と思うしかない物語のようにしか見えなくなってくるからです。ここに「案内」の怖さがあります。はじめは「ゲド戦記」というネーミングが、この物語への格好の「案内」になっていたのに、第4巻では、そのネーミングにつまずいてしまうようなことが起こってくるからです。一度元に戻ってみる必要があります。そもそもこの物語は「ゲド戦記」ではなく「アースシーの物語」として作られていたので、なにかが途中で大きく変わったわけではないのです。最初から抱えていた作品のテーマが、第4巻でさらに深められ、うんと考えさせられる所に「案内」されるものになっていた、というだけなのです。「アースシーの物語」が「案内」しょうとしていたものそこで原作の『アースシーの物語』を振り返ってみて、この作品はそもそもどこへ読者を「案内」しようとしていたのかを考えてみたいと思います。第1巻は、翻訳の題は『影との戦い』ですが、原題は『アースシーの魔法使い』となっています。さんの苦心が読み取れます。『影との戦い』はまさに内容をよく表した題になっていて、これが『アースシーの魔法使い』と題されていたら、人々はあまり関心を払わなかったかもしれません。「なんだ、魔法ものの、子ども向けのお話しか」ときっと早合点され、見向きもされなかったかも知れません。第1巻は決してそんな「魔法もの」や「子ども向けの話」ではありませんでした。この第1巻は、おそらく最もよく知られている巻なので「説明」することもないのかもしれませんが、それでも大事なところを見失しなわないように、少しだけ「案内」をしておきます。この1巻では、「ダニー」と呼ばれていた少年が、少しまじないの言葉を覚え、タカを呼び寄せる術を手に入れてから、村の子どもたちはその子に「ハイタカ」とあだ名をつけて恐れるようになります。彼が「13歳」になったとき成人式が行われ、そこで「ゲド」という「真(まこと)の名」を賢人オジオンからもらうことになります。ゲドは、本格的に「魔法」を習うために「ローク島」の「魔法学校」へ入り、修行することになります。そんな彼が19歳になったとき、いつしか禁じられていた死者を呼び出す魔法を使ってしまいます。呼び出してしまった「死の影」に追われて、まさに「死に淵」まで追い詰められるのですが、賢人オジオンからその「影」を逆に追うように言われます。最後は、その追い詰めた「影」が、実はもう一人の「自分」であって、それと「合体」することで、より「大きくなった自分」を取り戻すという話の展開になっています。現実の「13歳」から「19歳」くらいの若者を見てみると、確かにこの物語のように、「死の影」に出会う若者たちがいます。ヘルマン・ヘッセの『車輪の下』や『デミアン』は、まさにこの年代の主人公が「死の影」に直面し、「死の側」に引きづり込まれたり、そこから生還したりする小説として作られていました。「ゲド戦記」の第1巻『影との戦い』は、まさにそういう青春小説のテーマを色濃く持っていて、「死の影」と戦う若者を迫力満点で描がくことに成功しています。いや小説では得られない、物語特有のスリルと感動をもった作品に仕上がってると思います。原作者はこの作品の中で、主人公が「ダニー」「ハイタカ」「ゲド」と名前を変えながら、「死と向かい合い」、それを克服してゆくところを読者に見てもらうように「案内」しようとしています。その若者の姿には、古代から続く「成人式」を通過してゆく姿が織り込まれています。昔の成人儀式は、死の儀式でもあり、子どもの自分を殺して、新しい大人の自分を立ち上げてゆく儀式としてあったからです。いう古代から引き継がれてきた青年を育てる知恵に、作者が「案内」しようとしていました。わたしはこの第1巻で、まず大事なところは、「名前」の仕組みを描いているところだと思います。人々は「名前」を呼ぶことで、その「対象」を呼び寄せてしまいます。時には、そのその呼び出したものに取り憑かれてしまうことも起こってきます。いう「名前」にまつわるさまざまな出来事を描いたところはすごいと思います。一つこの第1巻の大事なところは、「ゲド」が「カラスノエンドウ」と呼ばれる友人と二人で「影を追う旅」をするところです。「ゲド」が一人で「死の影」を克服するのではなく、友人と共に旅をすることで「死」を克服するように描かれているところが大事です。そこのところがとても大事だと思います。この友人は、何を手助けしてくれるというわけではないのですが、一緒に道行くことをしてくれることでゲドを支え、「死」から戻ることを支えてくれているのです。そのことを作者は描いています。このテーマは第3巻で「ゲド」と「アレン」の二人の旅として、再び描かれ直しされます。人生は「一人で歩む」ことの中に現れるのではなく、誰かと「共に歩む」ことの中にこそ現れるというテーマを、原作者は追究していて、それは「戦記」という戦いのイメージだけでは決して見えてこないものでもありました。実は、このテーマ(つまり「共に」というテーマ)こそが第4巻に、想像を絶する形で深められ、表現されているものであって、その第4巻につながってゆくものが、すでに第1巻からあったということなのです。第二巻の翻訳の題は『こわれた腕輪』ですが、原題は『アチュアンの墓所(ぼしょ)』となっています。「こわれた腕輪」というのは、アースシーの世界に紛争が起こり、その戦いのさなかに割れてしまった腕輪のことで、その割れた腕輪は、世界の割れを象徴しているものでもありました。物語としては確かに、こういう割れた世界が背景にあり、その世界を再び統一するために、割れて分かれてしまった二つの腕輪を一つにするという物語を背後にもっているのですが、物語の大半は実は原題がそうなっているように、「アチュアン」と呼ばれる大きな地下の墓所を守る巫女(みこ)の「テナー」という娘の話が中心に展開しているのです。彼女は、5歳の頃に親から無理矢理引き離され、「アルハ」と名前をつけられ、一生涯、巫女として生きることを強制されています。「アルハ」とは「喰らわれし者」という意味だといいます。その強制生活の中で見習いの巫女を14歳までに終え、15歳で成人式を迎え、さらに大巫女としてたち振る舞わなくてはならなくなっています。そんな中で、しかし「アルハ」の価値観を揺らし続ける友人の巫女がいました。「ベンセ」と呼ばれる幼なじみの巫女です。彼女はアチュアンの巫女の暮らしが嫌で、「外」の世界へ出たいと常に思っていました。その話を「アルハ」にし、「アルハ」も不思議な考えだなと思いながらそれを聞いて育ってきました。「アルハ」の心の中にも、こんな暗いアチュアンの墓所を守るだけで一生を過ごしていいのだろうかという疑問がでてきます。大巫女になった「アルハ」は、彼女を監視する年上の巫女「コシル」や、下男の「マナン」の指導の目をくぐり抜け、自分の力で、地下の墓所を探索するようになります。そこは「迷宮」と呼ばれる真っ暗な場所で、一度迷い込むと二度と出てこられないおそろしい場所でした。「アルハ」は、恐怖心と戦いながら、持ち前の気丈夫さを武器に地下の迷宮の探索を続行してゆきます。した要約をするだけでも、この第2巻が、「ゲド戦記」という「戦記物」とはほど遠いイメージの中で展開していることがわかっていただけるかと思います。いう展開の中で、この第2巻が「案内」しようとしているところを短く言ってしまうと、「闇を押しつけられている女性」が自ら「闇」を探索し、そこから自分を「解放」する道を見つけ出す物語だと言えると思います。「ゲド」が恐ろしい「影」を逆に追い詰めることで、そこから「自由」を手にしたように、女性の「アルハ」は地下の「闇」を相手にするということで、そこから脱出する糸口をつかんでゆくのです。その「闇」から出るきっかけを与えてくれるのが、友人の「ベンセ」であり、物語の後半にやってくる「ゲド」であったわけですが、でも、「ゲド」は決して「アルハ」を助ける勇敢な騎士のようにはたち振る舞ってはいません。墓所に迷い込んだ「ゲド」はすでに「魔法」も使えなくなっている弱々しい男に過ぎませんでしたし、むしろ「アルハ」が「ゲド」を助ける役すらしています。しだいにその助ける男に逆に助けられ、自分の元の名前が「テナー」であったことを教えられ、とうとう最後には「迷宮としての墓所」の脱出に成功するという展開を迎えてゆくのです。いう意味では、第1巻の『影との戦い』では、「ダニー」という少年が「ハイカタ」や「ゲド」と呼ばれて成人してゆく中で「影」とぶつかる青年の姿を描いていたように、第2巻は、「アルハ」と呼ばれて育った娘が、成人し、「闇」とぶつかる中で、自分の元の姿を見いだしてゆく女性の戦いの姿を描いているものになっていました。両方の作品に共通しているものがありました。それは主人公が「一人」で道を切り開いてはいないという物語の展開です。つねに誰かと共に道を切り開いてゆく、それが1巻と2巻には共通して描かれているのです。第3巻『さいはての島』は、おそらく多くの人がもっとも面白いと感じてきた作品ではなかったでしょうか。原題も翻訳名と同じ『さいはての島』でした。この巻ではすでに「世界の均衡」が破れてきて、争いや病気が人々の間に広がり始めていることが語られます。その原因に「ハブナーのクモ」と呼ばれる男が関係していることがわかってきます。その「世界の不均衡」から世界を取り戻すために、エンラッドの王子・アレンとゲドが、「旅」をすることになります。アニメ『ゲド戦記』はいうまでもなく、ここを描いているのですが、もし、原作の第3巻が、「ゲド」と「アレン」が「クモ」をやっつける話でしかないのなら、それはまあよくある冒険物語だとしてすませてしまえるものです。いう冒険物語は、子ども時代に読むとおもしろものでしょうが、大人が読めばあまりおもしろいとは思えないことが多いものです。じっさいに第3巻『さいはての島』を読まれるとわかるのですが、この作品は、ただ「ゲド」と「アレン」が「クモ」をやっつける話にはなっていなのです。いう冒険物語を作者が描きたいのなら、何も「ゲド」と「アレン」の「二人」を登場させなくてもいいはずです。「ゲド」が「一人」で世界の均衡を乱す「クモ」を探しに行き、そこで勇敢に戦って勝利を収める。いう展開でもよかったはずなのです。作者はそんなことをしないで、「アレン」という若者を登場させて、彼が「ゲド」と一緒の旅をすると言う設定をあえて描いているのです。これはちょっとへんな設定だとは思われませんか。この物語が「ゲド戦記」なのだとしたら、まさにこの巻は「ゲド」が中心の「戦記」になってもよかったはずなのに、そんなふうにはなっていないのです。実際に、ここで描かれる「ゲド」は、そんなに強い勇者ではなく、「旅」の途中で「アレン」もしばしばその「強さ」を疑ったりしています。この人にこのままついて行っていいのだろうかと。事実、この巻でも私たちが期待するようには「ゲド」は、勇者として、ヒーローとして活躍するわけではないのです。すると、この第3巻『さいはての島』は、何を描いている作品になっているのでしょうか。それはまさに「ゲド」と「アレン」の「二人の旅」そのものなのです。それを描くことが主要なテーマなのです。この巻でも作者は「ゲドの戦記」を描いているのではなく、「さいはて」に向けて、「ゲド」と「アレン」が「旅」をするその「二人の姿」を描くことが主要なテーマになっているのです。丁寧に読むとよくわかるのですが、旅の道中で「二人」はお互いの距離感を感じながら、時には疑心暗鬼になりながらも、支え合い、目的を達成するように動いてゆきます。その場合の「二人」とは「若さを持つもの」と「知恵を持つもの」の「二人」です。この「二人」には、お互いにないものがあります。自分にないものを相手が持っているのです。それが「二人」という意味です。それは別の言い方をすれば、「世代の違う二人」といってもいいかもしれません。「若い世代」と「老いの世代」。この「二人」には、ともに無いものが相手にあります。「世界の均衡を崩すもの」がでてきたというような、そんな世界の大事件に立ち向かうには、実際には「老いの知恵」が必要ですが、それだけでは立ち向かうことができません。そこには「若さという力」も必要なのです。原作者は、「世界を救ったり」「世界を変えてゆく」には、この「異質な力を持つもの同士」が「共に力を合わせて歩まないと」道が開けないことを訴えているところがあるのです。派手なアクションだけで世界が救えるのではなく、「異質な二人」がお互いにない力を引き出し合う旅をつづけながら、ようやく実現してゆけるものがある、そう訴えているところがあるのです。第4巻『テハヌー』そして第3巻から18年をへて第4巻が発表されます。衝撃的な内容の物語でした。『アースシー物語』の中では、もっとも興味深い、深みを持った作品になっているのではないかと私は思います。第4巻は、日本語の題としては「帰還」となっています。この題のつけかたは、最初の「ゲド戦記」というネーミングを生かすために、そのイメージを失わないようにするために、たぶんあえて選ばれてつけられていると思います。第3巻が、「ゲド」が、死の淵から竜の背中に乗って生還してきたというところで終わっているので、そこから始めるために、つまり、この第4巻も「ゲドの物語」であることを意識してもらうためにあえて『帰還』という翻訳名を与えているのです。実際の第4巻の原作の題は『テハヌー』となっています。「テハヌー」とは、この第4巻で新しく現れる娘の「真の名」です。この第4巻はすでに「ゲドの物語」つまり「ゲド戦記」ではなく、物語は「ゲド」からはるかに離れたところに重心を移したところで展開される作品にいるものなのです。この第4巻をあえて「ゲド戦記」として読もうとしたら、ずいぶんへんなことになってしまいます。へんなことになっている物語として読んでしまうことになると思います。1巻や2巻や3巻とはずいぶん違った物語を作者が書くことになってしまったというように。いう読み方は間違っているのです。事実第4巻は、『帰還』ではなく、『テハヌー』と題されているのですから、この題の意味するところからこの物語のテーマを読み取ってゆくのが普通の読み方だと私には思われます。『テハヌー』こそが、原作者ル・グウィンさんがもっとも訴えたかったことが、よく表されている巻になっているのです。第4巻では、どんな話が展開されているのでしょうか。この巻の内容は、一人の重い障害を持った女の子をめぐって展開しているのです。原作では、親に捨てられ、火の中に投げ込まれ、片方の目を失い、片方の手を失った少女が、「テナー」という第2巻の主人公であった女性に助けられ、共に暮らすところがテーマになっています。「ゲド戦記」というような「戦記もの」とはほとんど無縁な物語の展開です。そこで「テナー」が繰り返し自問し、「ゲド」に尋ねるのは、こんなにひどい障害をもった子ども、つまり将来にわたって何の展望もを得られないような障害を持った子どもを、いったい引き受けて育てるというのは、どういうことなのかという問いかけです。私たちは、こんなひどい障害を受けてしまった子どもを、いったいどういうふうにしたら引き受けてゆけるのか、という問いかけです。それが実はこの第4巻のとっても重要な問いかけになっているのです。このことを考えることが世界のバランスを考えるということだということ作者は訴えているようなのです。この第4巻の核心的な見所は、大賢人オジオンが、この子にはすごい力があるんだと言い残して死んでいったところにあります。その言葉の意味はそのうちわかってくることになります。それは、この「テルー」と呼ばれた娘が実は「竜」の血を引いている娘であったことがわかるというところです。物語の好きではない人は、こういう話の展開につまづいてしまうかも知れませんが、でも素直に物語を読んでゆけば、こういう話の流れは決して不自然ではないことが読み取れます。現実にも、重い障害をもつ子どもを育てる親たちは、どこかでこういう子どもたちの持つ不思議な生命力に驚かされているところがあるものです。医者や学校の先生たちは、こういう子どもたちのことは「障害児」としてしか教えてくれません。「不思議な生命力」をもっているのだ、などというふうには教えてくれません。この第4巻では、この重い障害をもった「テルー」は「真の名」を「テハヌー」と言って、実は「竜の血」を引いているのだと明かされるのです。それ故に大事に引き受けて育ててゆかないといけないのだと。いうふうに説明されるところを読んで、私は本当にすごいイメージが描かれているなあとびっくりしてしまいます。それまで、誰もこういう子どもたちが「竜」であるなんて言った人はいないからです。大事なことは、そういうことだけではないのです。「テルー」が「竜」であることだけが「問題」なのではないのです。この第4巻のすごいところは、「テナー」がづっと「テルー」と共に歩もうとしているところが描かれている所です。「テナー」は何度もこの「テルー」を引き受けるとはどういうことかを問いながら、あるいは、どうしたら「テルー」を引き受けてゆくことができるかを問いながら、でも決して「テルー」を手放さないで共に歩いてゆくのです。ここに、この第4巻の「二人で」のテーマがもっとも深いところで問われて描かれているのを私たちは見ることが出来ます。した重い障害をもった子どもを、「二人目の母」として「テナー」が引き受ける努力をするなかで、はじめて「テルー」が「竜」であることが感知される道が開けてくるのです。「テナー」が「テルー」を引き受けるということは、「テルー」を次の世代に繋ぐということです。この世代を繋ぐという営みの中に「竜」というものが存在するのではないか。作者はそういうことを考えているみたいです。いうことは、その世代をつなぐという営みの根本を担うものは「女性」であり、実はこの「女性」というものの中に「竜」と呼ばれる存在がいるのではないかと。原作者のいわんとしていることは、そういうところにあったのではないか。いう「世代をつなぐ」というテーマは、「一人」ではなし得ない営みで、それは必ず「共に歩む」ものたちの中ではぐくまれ、引き継がれてゆくもので、その仕組みをしっかりと見つめることが実はこの『アースシー物語』の巨大なテーマとして最初からあったのではないかと私には思われるのです。その巨大なテーマがこの物語を男性の物語、つまり「ゲド戦記」として読もうとしてきた人たちにはきっと読み取れなかったところではなかったかと、私は思います。以上のことを踏まえて考えると、原作の『アースシー物語』が「案内」しょうとしていたのは、「戦記の物語」だけではなく、最初から「共に生きるものの物語」「世代を繋いでゆくとはどういうことかを問う物語」であったことが見えてきます。なると、この物語を映像化したり、アニメ化したりするということは、何をすることになるのでしょうか。宮崎駿さんが最初この原作をアニメ化しょうとされたときは、まだ最初の第三巻までしか出ていなかったわけで、「戦記もの」のイメージで物語が読み取られる部分が強くあった時でした。原作者の許可がおりませんでした。その結果、作られてゆくのが独創的な『風の谷のナウシカ』であり『天空の城ラピュタ』でした。これらはまさに「戦記もののアニメ」として作られていったものでした。宮崎駿さんは、子どもたちをおもしろがらせるには、まずは「戦記もの」のスタイルを持った作品をつくることが必要だと考えておられたと思います。実際にも、これら「ゲド戦記」やアニメが作られた1970年代や1980年代は、アメリカとソビエトとの冷戦構造のただ中で、社会情勢としても「戦記もの」はリアリティをもたざるを得ないものとしてありました。そんな中に生まれた『アースシー物語』は「ゲド戦記」として紹介されたのでいやおうなく「戦記もの」として受け止められてゆかざるを得ませんでした。宮崎駿さんは『アースシー物語』をアニメ化できなかったのではないか宮崎駿さんは、原作者の許可がおりなかったから「ゲド戦記」がアニメ化できなかったとされていますが、実際そうだったのでしょうか。今から思えば、宮崎駿さんは「戦記としてのゲドの物語」はアニメ化できても、『アースシー物語』の大部分は、彼にはうまくアニメ化できなかったのではないかという気が私にはします。いうのも、原作の大部分は「戦記」として描かれているわけではなかったからです。「戦記」でない部分をアニメ化することは、宮崎駿さんにとってはとっても難しかったように私は感じます。この困難さに挑むには、この『アースシー物語』を「ゲド戦記」として読む人ではなく、「アースシー物語」として読む人によってしかアニメ化できないようにわたしには感じられました。そこに新監督・宮崎吾朗さんが現れたというわけです。おろらく課題は無意識のうちに吾朗さんに託されたのだと思われます。父・駿が手がけることの出来なかった領域を、新しい世界観を模索する監督に託されたのではないかと。ここにいみじくも「二人で」の課題が無意識に出ているのかも知れません。この「二人で」のテーマは、「アクション」や「スペクタル」が中心の「戦記」とは対称にあるテーマで、男性の考えやすいテーマではありませんでした。いう意味でも、宮崎駿さんには扱いにくいテーマだったように思われるのですが、新監督の吾朗さんには、どこか女性的なテーマを扱える素質があったのではないかという気がしています。原作者が女性であり、格闘技を中心とする戦記ものを描いたわけではない『アースシー物語』は、ある意味での女性的な感覚を総動員して読み取らないといけない部分がたくさんありました。いう感覚をたぶん吾朗さんの方がたくさん持ち合わせておられてのではないかと。「女性的なテーマ」とか「女性的な感覚」という言い方も、きっと語弊があるとおもいます。「二人で」というテーマは、すでに、言いましたように「対話の構造」とでも呼びうるテーマに関係しているからです。「戦い」でではなく、どこまでも続く「対話」の仕組みで、という意味でもあったからです。「対話の仕組み」を生きない女性もいますからね。いう意味で、くりかして言えば、『アースシー物語』は、「戦記もの」ではなかった分宮崎駿さんにはアニメにすることが難しく、逆に、もともとこの原作が持っている性質から、宮崎吾朗さんの方がよりこの作品をアニメ化することができたのではないかと、言えるように私は感じています。『アースシー物語』はどこをアニメ化すると原作に近くなるのかでは『アースシー物語』のどこをアニメ化すると原作に近くなるのでしょうか。考えられることは、「戦記」的な部分はできるだけさけて、主人公たちを「二人」として描き出し、それぞれがお互いの弱さを補うように活躍するところを描く、というような工夫の中にではないでしょうか。実際にそういうことをしようとすると、「戦い」の場面では、「影」との戦いと「クモ」との戦いを選ぶしかないのですが、「二人で」のテーマの方は、「ゲド」と「アレン」、「テナー」と「テルー」、「アレン」と「テルー」の組み合わせて登場させる、というアイデアを考えることができると思います。言うことをすれば、原作の各巻に分けられていた話を一つの話の中に繋いでしまうことになります。原作の物語に忠実な展開を選ぶか、原作のテーマに忠実な展開にするのか・・たぶん吾朗さんはいろいろ思案されたのだろうなと思われます。その結果、後者を選ばれたのでした。いう目で見れば、このアニメ『ゲド戦記』は、巧みにこの『アースシーの物語』の大事な部分をつなぎあわせ、なおかつテーマも『アースシーの物語』本来の、「戦記もの」ではない、「二人で」のテーマとしてとらえ直し、それを「歩く」というテンポの中で表現しょうとしたことが見えてきます。第1巻から第4巻までを一つにしょうというのですから、うまく「説明」や「案内」ができていない部分が残っているのも事実です。最後の「テルー」が「竜」になる「理由」がわかりにくいと思った人は多かっただろうなと思います。「原作」を背景に抱えている時には、しばしば、こういうことが起こります。「原作」を読んでいれば「推測」できることが、それを読んでいない人にはなんでそうなるのかよくわからない、というようなことが。それでも、今回のアニメ『ゲド戦記』は、想像されている以上に「原作」に近づこうとしている作品になっているところはちゃんと「評価」されなくてはいけません。たしかに、「格闘技」アニメを求めていた人たちは、「ハブナーのクモ」と激しく戦う主人公を期待していたかも知れません。「生と死」の物語を描くという時には、そういう「相手」がやっつけられる展開を求めてしまいがちだからです。いう展開は繰り返して言いますが、男の子たちが好んで求めてきた世界です。いう「格闘技」の「生と死」ではなくて、一つの死が次の生を生むことにつながるという、そういう「世代をつなぐ」中にあらわれる「生と死」がもっと注目されてもいいはずなのです。した「世代」をつないでゆく物語は、男たちのスペクタクルアニメの中では描きにくいものです。それは男と女が共に生み出す「世代交代」の仕組みの中にしか現れ得ないし、そういうところを考えるアニメによってしか表現できないように思われます。「ハブナーのクモ」は「世代交代」しないで、自分だけが生きのびようとするものでした。「一代限り」を永遠に続けようというやからです。それは「滅び」を受け入れないものたちの思考です。ある意味では、それは現代の「美や健康を追及することで滅びを受け入れない女」たちのあり方にも似ています。その底にあるのは、「一代限りの生命観」です。それは「命」を「一人の命」のレベルで考える発想です。「一人」を生きる発想の世界観です。いう世界観を批判するところに『アースシーの物語』があり、それを引き継ごうとしたところにアニメ『ゲド戦記』の特徴と志しがあったのではないか、私はそう思っています。)」に勤務の頃の勇姿。24歳から44歳まで交野市。この園で関わった子どもたち、母親、先生たちから、人生で大事なことのすべてを学んだ。学生たちの苦悩の深さを知る。物語が人を支えるところを日々実感。