完成までのいろいろな紆余曲折も見てきた身からすると、当然お客様の反応が気になります。2時間を越える長い舞台ですが、皆さんとても集中して観ていらっしゃいました。面白かったのは、何度も観た舞台なのに、とても新鮮に感じたこと。集中して観ているお客様の視線や反応が俳優にも伝わり、それが微妙な影響を及ぼしているのでしょう。稽古の時とは緊張感も段違い。いえそこは俳優、むしろ稽古の時よりもイキイキしているようでした。イマジネーションがわき出るまま、稽古のときはなかったアドリブも出たりと、これぞ演劇の楽しみの一つですね。これから10月11日まで続く『舞台は夢』。稽古が終ったからといって、作品を作り終わったわけではありません。観てくださるお客様がいて、初めて演劇作品が完成します。いうことは、お客様によっても作品の完成形は違ってくるということ。これから『舞台は夢』がどんな変化を遂げていくのか、本当に楽しみです。『舞台は夢』演出のフレデリック・フィスバックさんへのインタビューも掲載されています。『舞台は夢』2015開幕に先がけて、9月13日(日)には、「おためし劇場」が開催されました。「おためし劇場」では、公演間近の稽古現場を特別に公開いたします。演出家のトークやバックステージツアーも行われました。公開稽古では、SPAC女優・本多麻紀演じるイザベルが、恋人の投獄を知り、絶望するシーンが四回ほど繰り返し行われました。稽古がはじまると、演出家からも俳優からも、緊張感が漂います。よる対談が行われました。人生の故障してしまった箇所を修復することができるということを語った作品です。このような芸術を人々にとって身近なものにしたいということが今回の一番のねらいだ」と語っていました。芸術が人に与える影響の一つに「癒し」があることは、納得できますね。本番を観るのが楽しみになりました。『舞台は夢』の本番で使用するカメラやガンマイクを実際に持っていただいたり、スクリーンに姿を映したりして、楽しんでいただきました。舞台スタッフになった気分をちょっぴり味わえたのではないでしょうか。「今回は演出家の指導が入るところを見ることができたことが良かったです。「生で見ると迫力があり、子どもたちもカッコ良かったと喜んでいました。すごく面白かったと興奮していました。今回は計52名の方にご参加いただき、中には小さなお子さんや学生さんもいらっしゃいました。お客さま・俳優・スタッフ、その場にいた皆が一体となり、アットホームな雰囲気の「おためし劇場」でした。観劇とは一味ちがった劇場体験!次回の「おためし劇場」は、『王国、空を飛ぶ!~アリストパネスの「鳥」~』です。日程は、10月17日(土)を予定しております。中高生向けの公演パンフレットをみなさんにお渡ししています。パンフレット裏表紙のインタビューのロングバージョンを連動企画として、ブログに掲載します。がけた台本は『ルル』(ク・ナウカ)、『マハーバーラタ』『黄金の馬車』(SPAC)など。———どうして演劇の台本に関わろうと思ったのですか?高校生の頃、放課後に芝居を観始めました。学校では出会えないような、すごいパワーをもった不思議な人たちの世界に憧れていました。話すことも面白いし、なんだか身のこなしが普通じゃない人たち。そんな中、宮城聰さん(現SPAC芸術総監督)の劇団ク・ナウカの公演でボランティアを募集していて、それに応募したのが始まりです。舞台裏の手伝いを経て、いつの間にか台本を任されるようになりました。最初は劇作家になりたいとか、ものを書きたいという気持ちよりも、この人たちの生み出す作品のすぐそばにいたいと思って続けていました。今でも私には、劇団の一員というよりも、一人のファンという気持ちがあります。大学を卒業して就職する前後で中野真希さん(現SPAC所属)演出の『ルル』の台本を担当して、それから出版社で仕事をしているときに、『マハーバーラタ』の話が来ました。その時はもう、一も二もなく承諾しましたね。———『マハーバーラタ』というと、今ではSPACの代表作の一つといえますが、自分が台本を担当した作品がそういう大きな扱いを受けるのは、どういう気持ちなのでしょう。私がつくったといっても、実際は俳優と車座になって、みんなで考えたんですね。みんなで意見を出し合って、シーンをカットしたり復活させたり、言葉遣いを変えてみたり...。それは『舞台は夢』でも同じです。「自分がつくった」というよりも、「ひとりではたどりつけない、こんな遠くまで連れてきてもらった」という気持ちなんです。———そもそも台本構成とは、どういうお仕事ですか?既存の日本語訳を下敷きにしながら、せりふの語りやすさや、演出家の解釈に合わせて台本をつくっていきます。演技抜きでせりふをしゃべってもらい、ひっかかるようなところを直していきます。イメージとしては、俳優さんや演出家など、たくさんの人の解釈を含められる“薄くて軽い器”をつくる感覚です。小説家のように自分の書きたいものを書くのではなく、衣裳スタッフのように、一人ひとりに合わせてつくります。大きなパワーをもった昔の物語を、役者の身体を通してお客さんに届けるためのパイプのような役割だと思います。『舞台は夢』では、最初イザベルの父ジェロントは若者の自立に対立するような人物としてせりふをつくっていました。重厚で、恐ろしい感じです。演出家のフレデリックさんから「今回のジェロントは娘を本当に大事に思っている父親として描きたい」と言われてから、せりふ中の言葉遣いがずいぶん変わりました。実は、『舞台は夢』の稽古が始まったころはまだ時代と場所の設定が決まっていなくて、日本に置きかえるという案を試したときには、みんなのせりふに江戸弁が入っていたりもしました(笑)。今は「どこか外国の話」というところに落ち着きましたけどね。魔法使いアルカンドルの通訳や、ホラ吹き将軍マタモールのせりふは、俳優さんからたくさんアイデアをもらいながらつくっています。みなさんが出してくるものがすごく面白いんです。お芝居はみんなでつくるもの、ということをすごく感じます。台本を一人で書いている作業は孤独だけど、稽古場にくると孤独じゃないんです。いう作業の中で、私自身が「『舞台は夢』って、こういうお話だったんだ!」と気づくこともあります。――『舞台は夢』は17世紀のフランスで書かれた戯曲です。それを現代の日本によみがえらせるために、どんなことを考えましたか?『舞台は夢』の原作は、アレクサンドランという韻文の形式で書かれています。それは、現代のフランス人が読んでもわかりにくく、フランス語で現代語訳するのも難しいそうです。いうアレクサンドランという形式にのっとって書かれている、というのは『舞台は夢』の大きな魅力の一つではありますが、今回それを日本語に移し替えるということは、「物語を形式のくびきから解放する」という意味もあります。日本語という、まったく別の言語に置き換えることで、物語の核をシンプルな形でそのままお客さんに伝えられるかもしれません。すれば、17世紀のフランス人だろうと、現代の日本人だろうと、共感できる部分を発見できるのではないでしょうか。———『舞台は夢』の魅力を教えてください。大人が腕によりをかけてつくっている、その「大人パワー」を感じてほしい!高校生のとき、放課後に演劇を見てドキドキしていた、私のような人がいたらいいな、と思います。「この人たちはなんなんだろう」「あれはなんだったんだろう」と、そういう風に惹かれる人がきっといるはずですよね。『舞台は夢』には、一幕一幕が悲劇だったり、ドタバタ喜劇だったり、まるでお芝居のショーケースみたいな楽しさがあります。いろいろなところに目を向けて、自分が好きなキャラクターや場面を見つけてください。「視点の自由」という、お芝居の醍醐味がよく表れていると思います。脇役を見ていてもいいし、照明を見ていてもいいんです。よそ見も大歓迎ですよ!もちろん、本番では俳優さんたちがよそ見をさせないくらい、一生懸命演技をしていますけどね。