Up透けるように美しいアリソン・ラウの歌声に聴き惚れる文/長谷川教通マット・ハイモヴィッツ(vc)クリストファー・オライリー(p)『トロイカ』(2016年録音)トロイカといえばロシアの3頭立ての馬ぞりとか馬車を思い浮かべるが、ここではショスタコーヴィチ、プロコフィエフ、ラフマニノフの3人の作曲家のことを指している。時代はロシア帝国からソビエト連邦、そして現在のロシアへと、これも3頭立てだろうか。3人の作曲家のチェロ・ソナタをメインに据え、その傍にショスタコーヴィチの多様な顔が垣間見える「ワルツ第2番」や、実在しない人物を英雄に仕立て上げてしまう政治や人々の愚かさを揶揄するプロコフィエフの「キージェ中尉」、そしてうわべだけの言葉なんかいらないとばかりにラフマニノフの「ヴォカリーズ」を配置するなど、ひと癖もふた癖もあるプログラムはいかにもマット・ハイモヴィッツらしい。U.S.S.R」と続け、アルバムのメッセージはかなり強烈だ。これで演奏が並の出来なら“ウッ?”なのだが、そこは筋金入りのチェリスト。小品だからといって月並みなウケ狙いからは程遠い剛直さ。チェロの倍音をしっかりととらえた録音も秀逸で、クリストファー・オライリーの鮮やかなピアノも聴きものだ。マルティン・フレストのクラリネットがゾクゾクするほど生々しい。「鳥たちの深淵」でのソロが圧巻だ。多彩なテクニックを駆使し、その音色は空気を切り裂くかと思えるほど鋭く、それなのになぜか妖しいまでに艶やかだ。「イエスの永遠性への賛歌」でのトーレイヴ・テデーンのチェロにも惹きつけられるし、ジャニーヌ・ヤンセンが最後の楽章で聞かせるヴァイオリン。こんなにも清冽で崇高な音色がこの作品から聴こえてくるとは......。これはオリヴィエ・メシアンの傑作であり、もっともよく知られた作品。日本語訳では“世の終わりのための四重奏曲”と呼ばれるが、原語を直訳すれば“時の終わりの......”となる。第2次大戦中にドイツ軍にとらわれ、1940年に捕虜収容所で作曲されたという背景から“世の終わりの......”と意訳したのも理解できるし、作品の持つメッセージは現代にも大きな意味を持っていると思う。4人の名手たちのきわめて純度の高い演奏を聴くと、作品の時代背景や経緯を意識しつつも過剰にとらわれることなく、ピュアに音楽的なアプローチで作品に向き合っていることがわかるし、現代音楽にはつきものの実験的な要素も、ここにはない。彼らにとってはもはや現代音楽ではないのだ。各奏者がそれぞれの個性をぶつけ合いながら、ピアノのリュカ・ドゥバルグがアンサンブルの精緻さをコントロールする。録音の良さも特筆もので、かすかなピアニシモから強烈なアタックまでが、透明な空間にみごとにとらえられている。再生システムの再現能力をチェックするには最高のアルバムと言えそうだ。Bass』(2017年録音)UNAMASレーベルの大賀ホール・シリーズの最新録音だ。主役はイタリアとコントラバス。1821年イタリア生まれのジョヴァンニ・ボッテシーニ作曲「グラン・デュオ・コンチェルタンテ」からプログラムはスタートする。ヴァイオリンとコントラバスをフィーチャーしたアンサンブル。コントラバスの名手として知られた作曲家だけに超高難度の連続だが、東京交響楽団の北村一平がすばらしいテクニックを披露する。続いてロッシーニが12歳のときに作曲した「弦楽のためのソナタ集」から第1番。現在では弦楽合奏や弦楽四重奏で演奏されることが多いが、オリジナルは二つのヴァイオリンにチェロとコントラバス......低音にこだわるUNAMASにピッタリではないか。オリジナル編成で聴ける機会は滅多にないだけに、これは貴重な録音だ。第1楽章のヴァイオリンの音色がとても艶やかに録られている。バッテリー電源に加えバーチャルアースも取り入れた収録システムで、驚異的なS/Nと透明感を実現している。ここまで濁りのない弦楽アンサンブルの録音は聴いたことがない。プログラムの締めは映画『シンドラーのリスト』からのテーマだが、普段はオーケストラで縁の下の力持ち的な存在のコントラバスが、ソロでこんなにも表情豊かな表現を聴かせてくれるなんて......低音楽器の魅力を再発見させられる。ダニエル・バレンボイム指揮シュターツカペレ・ベルリン『ブラームス:交響曲全集』(2017年録音)シカゴ響とのブラームス交響曲全集から四半世紀。ダニエル・バレンボイムとしては、1992年以来音楽監督を務めるシュターツカペレ・ベルリンを振った再録音は、どうしても実現させたい仕事だったに違いない。今回の新録音は彼のピアニストとして、また指揮者としての長いキャリアの中でも最高ランクと評していいのではないだろうか。“これぞドイツ!”と言いたくなるオケの響き。2017年3月にオープンしたピエール・ブーレーズ・ザールでの録音だ。このバレンボイム肝いりのホールは楕円形の空間で、音響設計はハンブルクのエルプフィルハーモニー・ハンブルクも手がけた豊田泰久(永田音響設計)が担当。ブラームス特有の重層的な響きがみごとにとらえられている。弦の合奏は分厚くブラスの渋い音色も旧東ドイツ時代からの伝統だろうか。第1番の冒頭を聴いただけで“これはいい”と身を乗り出してしまう。第2番のホルンのメロディもいい。バレンボイムはじっくりとしたテンポで、アンサンブルの細部にまで神経を張り巡らし、第3番でもヤワな感傷性などとは無縁。第4番のパッサカリアは堂々とした構えの大きさで壮大なエンディングだ。たしかに、この曲で19世紀の交響曲が終焉を迎えたのだと納得させられる名演だ。I』(2018年)声は天からの授かり物。アリソン・ラウは香港生まれのソプラノ歌手。日本ではまだ知名度は高くないものの、2016年には横浜国際音楽コンクールに出場し、またイタリアやアメリカのコンクールでも優秀な成績を獲得しており、まさに今売り出し中の若手だ。香港を中心にカナダやドイツでも活躍しているようで、2016/17のシーズンにはジョン・ブットの指揮でバッハのヨハネ受難曲を歌い、そのほかヘンデルやハイドンのミサ曲、抒情的な歌曲などもレパートリーに加えている。この声はほんとにすばらしい。カッチーニの「アヴェ・マリア」、グリーグの「ソルヴェイグの歌」と、彼女が得意なプログラムが並ぶ。ヴィヴラートを抑えた清らかな声はオペラ歌手の歌い方とは違う。まろやかで最高音域まで透けるように美しく、ギスギスしたところがまったくない。ラフマニノフの「ヴォカリーズ」も、まさに声の魅力で聴かせる。プログラム前半はシンガポールの音楽家たちで構成されるリ・サウンド・コレクティヴという室内合奏団とのコラボ。後半は弦楽アンサンブルにフルートやオーボエも加わり、モリコーネの「ネッラ・ファンタジア」やマルティーニの「愛の喜びは」などポピュラーな名曲を歌っている。