いうことが起きるのかというと、「考え方・感じ方の差」とでも言ってしまうしかありません。楽譜に書いてあることの意味をどうとらえるか、というだけで、大論争がおきます。この「論争」には、ある前提があります。その前提が「音楽的な常識」です。信じられているものがすべて「音楽的な常識」ではありません。「常識とは何か」ということですら、論争になります。これを言い出すとここでは収拾がつかなくなりますから、「演奏する場合に知っておかなくてはならない音楽上の約束などがある」というくらいに理解してください。レッスンでは、そういった「必要なもの」を提示され、自分のものにしていく作業が行われます。その上で「表現」ということがテーマになります。ある音楽をどのように感じるか、また、感じていることと実際にでている音が本当に一致しているのか、といったことを確認することができます。「いろいろな感じ方を知ることができる」ことも、レッスンの重要なポイントです。もの表現を見せてくれるかもしれません。その中に、自分が「思いもつかなかった」すばらしいものがあるかもしれません。そのような表現を知り、自分の表現を作っていく作業をするために、レッスンはとても役に立つでしょう。「あの人のように演奏したいのだけどどうしてよいかわからない」という場合でも、その方法を見せてくれるかもしれません。そのような経験をレッスンの場で積んで、次第に自分の表現を獲得していくことができるようになるでしょう。結論から書くと、「効率よく上達するためには、個人レッスンはどうしても必要」だと思います。楽器を演奏する、ということは、あくまで個人的な作業です。合奏などをすることも、個人の作業の積み重ねでしかありえません。個人的な練習、上達が、どうしても必要になると思います。「オーケストラにまざりたい」「アンサンブルをしたい」「あの曲が弾きたい」などといったような「目標」「希望」があることが多いのではないでしょうか。年齢や練習時間といった「時間の制約」もあります。効率よく上達することが必要になるでしょう。試行錯誤する余裕が十分にあるのならともかく、それがない状態での独習はかなりしんどいものだと思います。テキストやヴィデオを使って独習は不可能か?楽器を演奏すると言うことは、非常に個人差の大きなものです。私はヴァイオリンを弾いていますが、いままでついた先生は、全員、全く違うボウイングをしていらっしゃいました。楽器の技術を学ぶということは、「よい音をだすための武器を手に入れる」ということだと思います。その武器は、体格や体の柔軟性によっても、全く異なります。目的のためにもっとも適した武器を、生徒と先生が共同作業で見つけていくことが、技術の習得には欠かせないと考えます。先生は、それまでの経験によって、いろいろな可能性を提示することができるでしょう。その中から最も合うものを探し出して行く作業ができることこそ、特に大人になって始める(すなわち、自分で考えることができる)人には理想ではないでしょうか。先生と呼ばれている人は、おおかた小さい頃から楽器を練習してきています。自分のたどってきた道筋があります。それに加えて、いろいろな奏法や教え方を学んできたはずです。「こう弾くべき」という、自分の道筋を示すだけでなく、その欠点や他の奏法などに対して、いろいろな見解をもっているでしょう。それを利用しない手はないと思うのです。つけ加えれば、こういうことを理解している先生につくことが必要条件です。テキストやヴィデオは、反応してくれませんし、修正しながら教えることはできません。独習は、かなりのロスが生じるとも思います。見かけ通りではない場合があります。見た形だけをまねしても、はたして「合理的な」筋肉を使い、「理にかなった」ことをしているかどうかは、よくわからないことが多いです。レッスンの時に、先生が生徒に体をさわらせることがよくあります。それは、楽器を演奏しているときに先生の使っている筋肉を「実感」させるためです。そんなことは、ヴェデオではできませんね。当たり前の話ですが、人は過去の遺産を学ぶことで時間を節約し、進歩することができました。それは、楽器を覚えることについても、全く同じだと思います。現代のようにインターネットが普及すると、演奏技術や練習法の情報が溢れています。多くの情報を得ることができることはよいことですが、その情報によって混乱を来してしまっては意味がありません。情報を十分に活用するためにも、基本的なところで情報をチェックできる場所が必要だと思います。(いろいろな楽器を習っている人たちのレッスン日誌があちこちにありますが、習っている側ではなくて、教えている側こそが読んだ方がよいのかもしれません。実際、とても興味深い話がたくさん出てきます。)集団の中で上達することは可能か「個人レッスンなんかしなくても、アンサンブルをしながらだって十分上達できるのではないか。」と思われる方もいらっしゃるかもわかりません。これについても、「かなり困難でしょう」といわざるをえません。アンサンブルの能力というものが楽器を演奏することと無関係に存在するわけではありません。一緒に音を出す、という作業は、単に一人で音を出す作業とは違った意味があります。練習法がわるいのかしら。」なんていう質問を、非常によく受けます。それは、「当たり前」なんです。他の人と一緒に演奏するためには、普段一人で音を出しているときと違った神経が盛んに働いています。「他の人の演奏している姿を見る」「呼吸を感じる」「自分の音と他の人の音を比較する」「自分のテンポとまわりのそれを比べる」「修正する」等々・・・意識していなくても、自然に五感に感じる部分は働いているのです。いうことは・・・自分が演奏することに使われている神経は、一人で音を出すときよりはるかに少なくなってしまいます。どんな楽器でも、正しく音程やリズムをとらえることには大変な神経が必要です。(これは、子どもの頃から楽器になじんでいる人でもいっしょです)他の人といっしょだと、どうしても自分の音を出す作業がおろそかになります。自分の「身丈にあった」演奏ができない可能性がある、ということも問題です。技術のない部分を「そろえるために」見よう見まねでやってみて、基本的な部分が壊れてしまう危険性すらあります。オーケストラやアンサンブルをしながら上達する部分というのは、とても限られた部分です。「普段弾く時間がないから、せめてオーケストラの時だけは弾いておかないと・・・」ということもあるかもしれません。その場で上がるということは、あまり期待しない方がいいでしょう。私は、以前ならっていた先生に、「曲を弾くことや合奏をすることは、技術の消費。レッスンや個人練習は技術の蓄積」と言われたことがありました。それだけで言えるほど単純ではありませんが、ある側面をあらわした言葉だと思います。中には、レッスンもいらない、個人練習もいらない、とにかく弾いていれば弾けるようになっていく、という人もいるにはいます。私のまわりにもそのような恵まれた人がいます。他の人より圧倒的に優れているのだろうと思います。◎レッスンを職業にしている先生は、少なくとも10人以上、場合によっては50人を越える生徒を抱えています。この生徒の多くは子ども、ないし子どもから始めた人たちです。大人になってから楽器を始めることは、20年前にはごく一部の「変わり者」の行動でした。20うん年前私がいた大学オケでは、ヴァイオリンの「初心者」は、私の学年には15人中一人しかいませんでした。社会人になってから楽器を始めることはそれ以上にハードルが高く、始めたとしてもヴァイオリンなんて想像もつかない、という人がほとんどでした。大人になってから楽器を始める人が急速に増えたのは、90年代に入ってからだろうと思います。バブルがはじけ、物質的な満足より自分が本当に楽しめるものを求めることが「あたりまえ」になってきたことも、その一因かもしれません。パソコン通信やインターネットの普及が、そうした「自分が満足できる楽しみを見つけたい」と思っている層にとって、強い追い風になったことも否定できないでしょう。いうことは、教える側にとっても「大人から始める人を教えること」については「レイトスターター」なんです。経験も知識もないと思った方が良いかもしれません。いう状況はもう5年もすれば劇的に変化するとは思いますが、現状ではまだまだ「どうやって大人を教えるのか」ということは手探りの状態なのです。そのことは、ヴァイオリンのレイトスターターの多くが、その先生が子どもに使っている教材と同じものを与えられていることでもわかります。今使われている教材の多くは、本来、「ひょっとしたら将来プロの演奏家になるかもしれない」子どもを念頭に置いて書かれたものです。ヴァイオリンの演奏に必要な技術を順にならべて、「これをすべて修得したらプロになれます」という意識で作られているのです。ある意味では「情け容赦ない」ものであり、またある部分は「大人にとって全く必要がない」こともありうるのです。そんなことはレッスンを受ける側には判断しようがありません。教える側が勉強しなければならないことなのです。ヴァイオリン奏法の教授法は、(もちろんヴァイオリンに限った話ではありませんが)多くの先生の体験やレッスンを受けた人たちの、いわば「サンプル」の上に成り立っています。大人になってから楽器(特にヴァイオリン)を始める人たちがどんなことを苦労するのか、どんなレッスンが効率的なのか、ということを語れるほどサンプルをもっている先生はあまりいないのが現状です。先生のためにも、わからないこと、苦労する部分などははっきりと伝えて欲しいと思います。先生を鍛えることになりますから。レイトスターターのレッスンは、レッスンの時間も「訓練の場になっている」ことが必須です。「音感を鍛える」ことについては、レッスンの時間しかできないことがたくさんあるのです。僕も初めはこれを理解できていませんでした。練習不足だと、「今日はやること無いね。」と言って追い返してしまったこともありました。それは、「子どもの頃から楽器に十分慣れ親しんできた大人に対しての対処」です。今、そのことはとても反省しています。基本的に、レッスンとは「レッスンとレッスンの間にどれだけ効率よく練習できるか」ということを模索する場です。練習はあくまで家でするものだ、という「伝統的なレッスン観」にしばられていたせいであるとも言えるでしょう。真剣に上達したいと願っているレイトスターターは、こういったことを理解してレッスンに行くべきだ、と私は考えています。子どもと違って自分の要求を伝える能力があるわけですから、それを上手に利用してレッスンを有効な場にすべきでしょう。先生の考えていることを判断する材料の一つに、レッスンの形態があります。何を求めるかによって自分のスタイルにあったものを見つける必要があります。レッスンにはいくつかの形態があります。レッスン代は一回ずつ。時間は原則一時間かそれ以上。場合によって伸縮あり。レッスン代は一回ずつ。時間は進度によって30分や一時間など。時間の延長はほとんど考えられない。