今作のタイトルはいろんな意味が込められていると思うんですが、改めて、タイトルにこめた思いというのを説明していただけますか。「この『NEWCLEAR』っていうのは、もともと<核>のNUCLEARをのNUをNEW=新しい、って書くものだと子供の頃思い込んでたところから来てます。僕が子供の頃・・・90年代の、ちょうど京都議定書が策定されたころで、原子力がクリーンで良いエネルギーだってことばかり言われてたんですね。その印象で、原子力エネルギーって新しくてクリアなものだと思ってたんですよ。そのころは未来はまだ光り輝いてて、科学技術の進歩が人間の明るい未来に結びつくという幻想がまだ残ってた。原子力はCO2も削減されるし、いいことずくめだ、みたいな感じだったんですよ。それが3.11を境に大きく変わってしまった。変わらざるをえなかった。下岡さんのアーティストとしての姿勢も大きく変わってきた?「変わってきたことは絶対変わってきたと思うんです。自分が違うことをやりだしたかっていうと、そうでもなくて。アナログフィッシュに対する語られ方として、「現代のプロテスト・ソング」みたいな言い方がされると思うんですが、何かに対してプロテストしているという意識はあるんですか。<プロテスト>っていうよりは、気に入らないことを気に入らないって言ったり、こうじゃないほうがいいって思うことを素直に言ったり、そういう気持ち。実際に過去のプロテスト・シンガーと言われる人たちは聴かれてこられたんですか。ウディ・ガスリーとか、ボブ・ディランとか。「震災」というテーマに関して言うと、去年リリースされ、今作にも収録されたシングル「抱きしめて」が話題になりました。遠いところへ引っ越そう♪という歌詞を見ると、震災後に書かれたものかと思ってしまうんですが、実は震災前に書かれたものなんですね。僕は子供の頃からひたすらに地震が怖くて苦手で。今地震が起きたらどうしようって気持ちを常に持っていたんです、東京に出てきてからも。ここで明日地震が起きるとして、俺は音楽辞めて東京を離れるのか、離れるって言っても、この日本でどこに逃げればいいのか。作って、実際に震災が起こってしまい、かえって「これは出せないな」って心境にならなかったですか。「いや、すごくなりました(笑)。これ歌えないなと思って。ニュースなどで<行き場のなさ>みたいなものを目にするじゃないですか。そのうちになぜかふつふつと、自分の中に<歌おう>って気持ちが出てきて。実際に弾き語りで歌う機会があって歌ったら、妙に胸に馴染む感触があって。それは聴いていたお客さんもそうだったみたいで。歌おうかなって気分になったんです。勘ぐられそうではありますよね。その時の映像をユーチューブにアップする時に、たまたまライヴで大阪にいたんですよ。終わってホテルに帰って、そろそろアップされるなって思ったら寝られなくなっちゃって。大阪の街を歩き続けて。なんか本が読みたくなって早朝の大阪を本屋を探して彷徨ったのを覚えてます。作品が世に出るときって、そういうドキドキ感はあるものなんですか。「いや、昔は、出るたんびに「おおう、売れてすげえことがあるかも!」なんて感じでドキドキしてたんですけど(笑)、最近はそういうのもないし。いう意味でも特別な曲になったわけですね。アジカンの後藤さんがこの曲をすごく気に入られて。TIMES」って、彼がやってるフリーペーパーで対談もされてましたね。同世代のロック・ミュージシャンで、下岡君ほどちゃんと社会性を持ったまともな歌詞を書いてる人はいない、と。同時代のほかのアーティストの歌詞とは一線を画したい、という思いがあるわけですか。「もちろん、オリジナルでありたいとは、常に思ってますけど、ほかの誰かよりも、というよりは、この気持ちをなるべくいい歌詞にしたい、と常に思ってます。詩人として自己形成する上で影響を受けた人というと?「ええと、特に民生さんとかは、本当に子供の頃から好きで、模写とかもしてたから。言葉の使い方とか、今すごく役にたってると思う。センテンスを短く使うこと、簡単な言葉の組み合わせで、複雑な奥行きを出すこととか。今おっしゃった、簡単な言葉で奥行きを出す、というのは、まさにこの『NEWCLEAR』がそういう印象のアルバムで。難しいことは何も言ってないんだけど、ちゃんと言いたいことが伝わってきて、薄っぺらにならない。すごく完成された詞という気がしました。このアルバムで特にキーポイントとなる曲というと、ほかにどの曲になりますか。Girlfriend」とか。いう曲がデカかった気がしますね。Symphony」とか。Say」と、語呂合わせ的に歌われる曲で、そのサビがそのまま曲のメッセージとなっていますね。いうところから作っていったんですか?「特に震災以降の気分として、自分がどれだけ人のことを愛してるのかわかんねえなと思って。そんなことできるのかな俺って、いつも思ってて。そんな時にふとコンビニに流れてた曲が、愛してる、って言ってる曲なんだけど、どうも「愛してる」と言っているように聞こえなくて。歌ってる人たちがとっても「愛されよう」としてる人たちだったからかもしれないけど。いわゆるアイドルの人たちだったんですけどね。それはそれでいいんだけど、じゃあ俺はどういう曲を歌えるのかなあと思って。<愛されたい>という一種の自己承認欲求は、特に若い人には多いかもしれませんね。人を好きになってコクって振られて傷つくのはいやだ・・・という気持ちは誰でもあると思いますが、特に最近の若い人はそういう傾向が強いんでしょうか。「うん、そうですよね。愛されたいのは俺もそうだし、その通りなんだけど(卵が先かニワトリが先かじゃないけど)やっぱり愛されるより愛するほうが先にある気がするんだよな俺は、どうしても。それに<愛されたい>って言ってるのって、なんかみっともない気がするんですよ。そっちばっかでかくなることって。お客さんとの関係性はどうでしょうか。お客さんに聴いて欲しい、受け入れて欲しいと願うのはアーティストとしては自然なことにも思えますが、そのあたりはどういうお考えですか?「うーん・・・どういう考え方というよりは・・・今自分たちの音楽を聴いてくれる子たちのことはすごく気に入ってて。ライヴをやってると、すごく音楽を好きな人たちが集まってる感じがするんですよね。それがすごく嬉しいし、聴いてくれることはありがたいと思ってるけど、なんか・・・自分はいい曲を作りたくて音楽を作ってるから。いい曲の定義ってなんですか。やべえ俺天才かも、とか(笑)。最初に自分というリスナーが満足できないと意味がない。曲作る時に人のことを考えて作らないですね、俺は。歌詞に絞って話をすると、ストレートに伝わらない詞を書く人もいますよね。下岡さんは、言いたいことをちゃんとわかりやすく伝えるためにどうするかってことを、すごく考えている気がします。難しい言い回しって全然しないじゃないですか。ワケのわからない比喩もないし。人の歌詞を見てても、今そういう歌詞ってすごく多い気がしますよね。俺、そういうの聴いても、すごくつまんないと思っちゃうんです。それが本当にいい表現にまで持っていける人ってすごく少ない気がする。自己満足ってことですか?「自己満足で終わりたくないというのが本当にあるなあ。・・・ていうことは、人のこと考えてるんだな・・・でも・・・言葉っていう壁はほんとに低くしておきたい。聴いた時に誰もわかるような歌詞は書きたいと思ってる。そこで煙に巻いたりとか、二重三重に意味を巡らせて迷宮みたいな歌詞にして、容易に本音に辿りつけないようにする、という人もいますが、それはあまり好きじゃない。「それは好きじゃない。ほんとに好きじゃない。それじゃ伝わらないし。洋楽も好きだし、ロック・バンドやってるから、音楽の技法を持ち上げていくと、発音でぶつかって、なんかこう・・・ワケのわからない言い回しとか、「ダサくなくしていく作業」って、もうしたくないし。いうのいやなんですよね。「ダサくなくしていくだけの言葉遣い」ってほんとイヤなんですよね。上辺だけ飾り立てたような言葉とか。「それが日本語として発音してハマるんだったら、気持ちよければ全然やるけど、それありきではやらないですね。いう考え方だと、書く詞、書く言葉すべてに意味を持たせないといけないことになりませんか。「ああ、そうなるけど、そうならないんですね。それはやはり・・・自分がすごく矛盾してるってことですね(笑)。詞の一節をとって、意味を訊かれて、答えられない時ってありますか。それはどういう気分で書いているものなんですか。「それなんだろう・・・曲ってその1曲を使って、なにかひとつ大きなことが全体として言えたらいいと思うんです。歌詞ってある程度の長さがあるから、いろんなこと言ってるじゃないですか。それもそれもすべて、ひとつのことを伝えるための装置に過ぎないから、そこだけとってどういう意味かと問われても、困る時もある。すごくたくさんの意味を曲の中につける人がいるけど、俺はそうなんです。いう歌詞は、わかりやすい、いわば「誤読されにくい歌詞」であると思うんですが、それは時に、意味がわかった瞬間に完結して朽ち果ててしまう危険性がある。それはどのように解決してますか。Say」みたいな歌詞は、もう完璧にそぎ落として、何度聴いても耐えうるように磨きこんでいく。Structure」みたいに、ある程度ストーリー、流れの中にフックを作っていく。曲によっていろんなやり方があると思うんですが、そういうのって結局バランス感覚なんですよね。すごくいい曲を書く人で、歌詞だけ見るとほんとになんてことのない詞で、でもその人の声と演奏に混じると、すごくよく聞こえるって人がいるんですよ。いうのを見てると、僕にはできないなと思うんです。僕はやっぱりひとつのセンテンスとかふたつのセンテンスごとになにかを盛り込まないと、俺の声と演奏だけでは持たないから。いうのは本当に人による。下岡さんが、天性の声と人を惹きつける華やかさをーー下岡さんにそれがないと言うわけではありませんが、それだけで勝負できるようなものを持ちあわせていたら、書くもの、作る曲も変わってくる可能性がある。それを自覚されたのっていつ頃ですか。「それは東京に出てきたぐらい(2001年ごろ)かな。そのころはもう曲は書いてたんですよね。「書いてましたけど、本当に何もわかってなくて。ただの勘違い野郎だったんですよ。僕、ミッシェル(・ガン・エレファント)のコピーとか田舎で相方とやってて。ミッシェルになりたかったんです、ずっと。チバユウスケとかアベ(フトシ)さんになりたくて。コードがあって曲が弾けて歌えれば、なれると思ったんです。その曲弾けるんだから。俺なれるよって思ってたんですけど。なれないわけ、やっぱり(笑)。そんなことみんなすぐに気づくんだろうけど、俺は全然気づかなくて。いうこと訊いていいものかわかりませんが、チバユウスケと下岡さんは何が違うんですか。「いやもう・・・人間が違うとしか言いようがない(笑)。あの人ものすごいですよ、ほんとに。あの人の歌詞もすごい勉強になった。人は自分以外の誰かになれるものじゃない、自分自身にしかなれないってことですね。・・・で、ここでいきなりアルバムの話に戻りますが(笑)、今回は歌詞に関してかなりうまくいってるほうじゃないですか。Girlfriend」も「希望」も、すごくいい曲で。某インタビューでは、あまりにいい曲なんで嫉妬を覚えたと言ってましたね(笑)。「あはははは、そうそう。同じバンドにソングライターがふたりいるのは珍しいことではないと思いますが、その関係性というのはアナログフィッシュの場合、どういうものなんですか。「たぶん僕らはすごく仲はいいんですけど、ライバル意識は普通にあるし、曲を作る時に自分の思い通りにやろうとしても、一緒のメンバーでやるから、こっちの方がいい、みたいなことになるじゃないですか。「健太郎は本当にメロディの人だなと思ってて、それをすごくうらやましいと思ってます。綺麗なメロディで、歌えそうに聞こえるけど、普通に人が歌おうとしても歌えないですね。さりげなく歌ってるように聞こえますけどね。それは担当楽器の違いも関係してるんですか。「いや、彼はギターもすごく上手なんですよ。僕よりずっとギタリストっぽいコードの使い方をしますね。ポール・マッカートニーぽい感じが。メロディアスだし、声も甘いし。いろんなものを持ってますね。